5Duros "Aún brilla el sol" Autoeditado 2006 por Miguel Angel Alejo - IndyRock  Alfredo Martos, David Linares, José Martín, Alex Callejón y Miguel Martínez es el quinteto de estos 5Duros que se formaron en el año 2006. La base de la banda es prácticamente la misma desde el principio. Buen rollito entre los miembros de 5Duros lo que se transmite al rock and roll más clásico que ellos hacen, con influencias claras de los años cincuenta y setenta, pero que ellos saben adaptarlas a estos tiempos, en los que prima el mestizaje. Es inusual encontrarse un disco con 12 temas y éste, Aún brilla el sol, los tiene. 5Duros, según este Aún brilla el sol, es una banda hecha para el directo, preparada para mover el esqueleto. "Minibus" y "¡Silencio! Licor de inspiración" son los mejores temas de este disco que repito tiene 12 temas. Chorrohumo "Malavida" Autoproducido 2006 por Miguel Angel Alejo - IndyRock  Los Chorrohumo, antes Mala Vida, como el gato de la portada, saben caer de pie. El quinteto, ahora convertidos en cuarteto, siguen con ese rock and roll urbano en el que las guitarras tienen toda la fuerza, aunque también hay momentos para las melodías suaves. En "Corre", incluso, introducen unos toques flamencos, quizás como influencia del Chorrohumo verdadero que fue todo un personaje que transitaba el Sacromonte. Cierran el disco con una versión de Volare, un clásico de la música italiana. "Ni tan cerca ni tan lejos" y "Me gustan los bares", son los temas más redondos de estos,  Chorrohumo que se está abriendo un hueco entre las bandas granadinas. Últimamente los vemos en muchos carteles de conciertos y festivales de la capital nazarí. Jesuly  De Oro  SFDK Records 2006 por Miguel Angel Alejo - IndyRock  Hace calor. Te haces un café sólo con hielo. Te olvidas de echarle azúcar. Con ese primer buchito deberías escuchar la nueva entrega del MC Jesuly De Oro (SFDK Records, 06). Al hip hop de Jesuly le falta dulzura aunque respecto a grabaciones anteriores, nos lo encontramos en este CD, y con sólo veinte años, más maduro aun sin abandonar esa dureza directa que utiliza en sus mensajes. La experiencia diaria es dura, te joden por todos lados, y él sabe plasmar este ambiente en sus versos.  Sin embargo, en el segundo trago de este café, tu sentido del gusto está acostumbrado a lo ácido. La reacción es más placentera y entonces descubres que Jesuly habla también de su vida interior. Ahí está La Ventana. Aunque abierta, todavía tiene rejas que no dejan ver el alma abierta y completa de este MC sevillano.  Tercer trago. Ya el sabor del café te da igual, lo importante es acabárselo porque comienzas a tener prisa. Ahí, en esa tercera escucha, descubres que cada uno de los 16 temas del disco son piezas de un puzzle. Una sin la otra no tendrían sentido.  Si el disco está editado por SFDK Records, es normal y lógico, que parte de sus miembros aparezcan por este disco. Trafik (que lo acompañará en los directos), El Límite, Jefe de la M. y Xinkoa son algunos de los que acompañan a Jesuly en este disco. Delorean, vuelta al dance "Into the plateu" CD- Bcore 2006  Por J. E. Gómez / IndyRock Viajar a las interioridades del techno cargado con un corazón pop e incluso punk, pasa irremediablemente por el recuerdo a lo mejor de la música dance de los ochenta. Los ritmos contundentes, reiterados, sugestivos, hipnóticos, son la esencia de Delorean, un cuarteto procedente del País Vasco, que no se resiste a mantener muy alto el listón de la música de baile de calidad contrastada. Se alejan de los convencionalismos en un nuevo trabajo publicado por BCore, "Into the Plateau", es un ejemplo de evolución desde melodías indies a bases rítmicas de cajas de batería y sintetizadores, con aires de punk, todo ello armonizado por una sugestiva voz femenina. Delorean están en plena forma después de tres discos anteriores. Gustan de la noche, de paseos por aceras ennegrecidas con emanación de vapores azulados. Este disco es, sin duda, una perfecta referencia para los que gustan del indie, pero no rechazan una noche de cultura de club.  Doss, ráfagas huracanadas "Egometrie" CD- Bcore 2006  Por J. E. Gómez / IndyRock Posthuracán, postcatástrofe natural. New York (por ejemplo) ha sucumbido bajo el viento, el agua y el barro. Una batería ofrece el contrapunto armónico a una guitarra distorsionada que crece en intensidad, el aire oprime los sentidos, los túneles del underground esperan, serán la autovía de la esperanza. Doss vueve tras su álbum de debut "After the wild rush...waiting". Lo hacen con una profundización en el postrock cargado de influencias en bandas como The Cure, Sonic Youth y los sonidos industriales más acerados. Con un nuevo disco "Egometrie", Doss no lo tienen fácil, se les ha ocurrido hacer un disco de alta calidad, de alto voltaje, algo que no se lleva nada bien con los gustos de la industria y los medios de comunicación de este país, pero por otra parte, supone una huracanada ráfaga de aire de esperanza. Menos mal que aún existen los que andan sobre el alambre y arriesgan en favor de la expresión de sus ideas creativas. Doss está formado por pesos pesados del 'under' madirleño, antiguos componentes de Psilicon Flesh y Pleasure Fuckers. En esta ocasión comparten la producción con Bcore, con su sello Humo Itens. Un trabajo que podría considerarse una provocación al alejarse completamente de lo establecido. No quieren saber nada de modas, consignas, o pensamientos únicos. Sólo existe una fusión íntima entre la creación y los instrumentos para expresarla. Por cierto, no olvides contemplar con atención el art work incluido en la caja del disco, es toda una lección de diseño e ilustración. CatPeople, en busca de la melodía perfecta "Reel #1 - CD Pupilo Records - 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock Fue el objetivo del movimiento musical británico de final de los noventa, la búsqueda de un santo grial encarnado en la melodía perfecta. Una carrera en la que se embarcaron sin amilanarse músicos como Thom Yorke. Este parece ser el objetivo que comparte CatPeople, que se adentra en esa especial atmósfera del rock salpicado de aires glam, con profundas raices en el punk. CAtPeople es una banda que recupera la alta calidad de los grupos con Galicia como denominación de origen. Tienen, sobre todo, buen gusto, algo realmente escaso en el triste panorama musical que se empeña en presentar la industria establecida en la radiofórmula. Esta banda, iniciada por Adrián Pérez y Fito Rodríguez, a la que se sumaron Paco iglesias, Javi Abalo, Raúl Muñoz y Iván Fernández (para los directos, ya que Fito no gusta de aparecer en escena y `prefiere dedicarse a la composición y el estudio), publica su ópera prima "Reel #1", un disco sorprendente por su lírica, armonía e instrumentación impecable, todo ello con la exhuberante presencia de la voz de Adrián, que recuerda los mejores momentos de bandas como Pulp. Arreglos de teclados, cuerdas y canciones de medios tiempos, sensuales, sugestivas, que te llegan al corazón. Un trabajo para dejar escapar las emociones, no contener los impulsos y volar.  Sonotones - Sin argumentos (Dino Records, 2006) por Javier Verdión Castro Aunque con una producción y sonido más logrados que su predecesor, Sin argumentos no es un disco que lo supere, pero puede considerarse otro gran disco de Sonotones, un grupo que lo tiene casi todo y al que la suerte no termina de sonreírle plenamente debido a su decisión de no venderse a la industria discográfica (peligro muy acechante para ellos dada su música, más proclive que otras a esa fatalidad) como apuntan en el tema octavo "Qué día el que os vendisteis", uno de los más interesantes en esta cuarta entrega. Pero no nos despistemos, ni la reivindicación ni el politequeo suelen ser la parte central de sus letras, porque lo que le gusta a Sonotones es hablar de las situaciones y sentimientos en la gran ciudad (la rapidez con que se vive en ella, la complejidad de las relaciones personales o amorosas, la noche, el sexo.) mientras practican como nadie su rock urbano y garajero, con menos regusto punk esta vez, siendo capaz de combinar magistralmente las fórmulas anglosajonas con un sonido autóctono y propio. No es concebible pues la decisión de los madrileños de incluir en el CD una versión de "El progreso"  de Roberto Carlos, canción cuya letra puede darle cierto tono social al álbum, pero que rompe con la atmósfera del mismo y con el estilo auténtico del grupo.  Salvo esa objeción perdonable, lo que nos encontramos en "Sin argumentos" son doce temas cien por cien Sonotones, razón suficiente para ser escuchado y con el que la banda debería recibir de una vez por todas el reconocimiento definitivo, el que se merecen. Towers of London  Blood, sweat and towers TVT-Mastertrax 2006 por Jesús S.- IndyRock Que chulos y que descarados deben de ser estos tipos. A juzgar por lo que se oye en el disco los imagino llenos de tattoos, con camisetas rotas, y anchos cinturones de cuero. Y algún toque de maquillaje. Espera, que estamos en 2006 y en Inglaterra ya nadie va así, ¿o sí?. La verdad es que venía meses oyendo hablar cosas de esta banda, pero todo lo oído se queda corto ante lo que finalmente encuentro, porque los Towers por fin ven su disco completo en la calle. Joder, estos tíos rockean de verdad, como ya pocas bandas hacen. La verdad es que poco a poco van emergiendo jóvenes bandas que intentan mantener vivo un espíritu que se resiste a morir. Estoy hablando de gente que venera a Ramones, Motley Crue, Hanoi Rocks y demás granujas. Últimamente tenemos la suerte de que bandas como Towers of London tengan aun las pelotas de decirse: "hey, vamos a componer unos cuantos trallazos de dos minutos a ver si este mundo despierta de una vez". Es lo que debieron de pensar cuando agarraron por las pelotas el espíritu de Sid Vicious y lo devolvieron al mundo de los vivos, y a tanta agresividad le añadieron un poquito de sentido del humor melódico. Y es que, hablando ya en serio, eso es lo que encontramos en la música de estos ingleses: temas breves, directos, auténticas patadas de mula como la inicial "Air guitar" o la festiva "Fuck it up" (madre de dios que himno les ha salido), canciones pegadizas y contundentes. No van a cambiar el curso de la historia, pero bandas como esta son necesarias, y este disco es de esos que mucha gente puede tachar de intrascendente pero que no ha sido creado para que ningún intelectual lo desgrane. Si te gustaban los Ramones y los Pistols, si luego disfrutaste del injustamente denostado sleaze americano, y si hace diez años Backyard Babies te movieron de tu sillón y te lanzaste a dar cabezazos espasmódicos, seguramente los Towers te cautiven. Es solo sangriento, sudoroso y sucio rock and roll, pero es más necesario que el pan de cada día.  Built to spill - You in reverse  Warner 2006 por Jesús S.- IndyRock El octavo disco de Built to spill, la ya veterana banda de Doug Martsch, nos los devuelve al mundo de la actualidad musical. Tal vez porque ya no concurren las circunstancias que se daban hace una década, cuando cada nuevo lanzamiento de todo aquello que proviniera del mercado indie americano era aupado a la categoría de deber (que se lo pregunten a Dinosaur Jr.), es extraño que pequeñas piezas pseudo-magistrales como esta de la que hablamos permanezca en un muy segundo plano. Y precisamente que es ahora cuando muchas de aquellas bandas alcanzan la plenitud, mucha gente ni se entera de que aun sigue habiendo buenos discos con los que alegrarte un poquito la vida. Es un decir, si hablamos de este. Porque estos tipos, que saben moverse bien por el terreno de la melodía pergeñada con autoridad instrumental, ponen su talento al servicio de unos temas que se mueven a medio camino entre la melancolía y la introspección. En cualquier caso, es fácil encontrar grandes canciones en un trabajo inspirado que a muchos seguirá remitiendo a cosas tan peregrinas como Crazy Horse, aunque sólo sea por la voz de un Doug, cada dia más nasal y cercana a la de Neil Young. Lo bueno es que parecen tener cada vez más claro hacia donde quieren llevar su sonido, cada vez más crudo y directo, con guitarras que crecen y arden y que crean pasajes geniales como en "Wherever you go" o "Gone", sin  dejar de lado su faceta mas reposada y folkie, que da lugar a maravillas como "Traces". Un gran retorno, de obligada escucha. Donald Fagen - Morph the cat Reprise-Warner por Jesús S.- IndyRock Los veteranos seguidores de la formación por excelencia del easy-listening jazz-pop de los 70, Steely Dan, han visto como, desde que pasaron los años dorados de la banda, el cabecilla Donald Fagen dedicaba largos periodos de tiempo, en un alarde de perfeccionismo, para ir regalando nuevas obras, bien en solitario o junto a Walter Becker bajo la franquicia Steely Dan. En cualquier caso, el co-autor de "Aja", se ha convertido en toda una figura de culto, y a pesar de que en los últimos años la producción se ha incrementado, llegando incluso a revivir a los Dan, los más fanáticos esperaban con ansias una nueva obra del teclista. Y bien, aquí tenemos de nuevo a Fagen al cien por cien, con un disco que ha sido diseñado al más mínimo detalle, en el que volvemos a encontrar ese ambiente calido y suave que invita al oyente a entrar en un estado de calma total. Pulido al máximo, como el ya lejano y exitoso "The nightfly" del que parece una milagrosa continuación, Fagen nos regala el oído con piezas entre el intimismo y la genialidad, e incluso se toma su tiempo para componer un hit-single como "H-Gang", que junto a temas como "What I do" representan fielmente a dónde se dirigen las intenciones del músico americano: complacer a sus seguidores y de paso volver por la senda de las buenas vibraciones, las armonías vocales y los teclados atmosféricos. Un buen disco, ideal para acompañar una romántica cena en una terraza bajo la luz de la luna de verano. Chicago - XXX Rhino- Warner 2006 por Jesús S.- IndyRock XXX, 30. Ese es el número exacto de lanzamientos oficiales de los hijos predilectos de la capital del estado de Illinois. Eso, contando numerosos discos en directo y recopilatorios. Y en pleno 2006 se atreven a continuar por esa senda marca de la casa, rock adulto y ultra-comercial, producto de una trayectoria que apenas ha desviado su camino en tres décadas, a pesar de los continuos cambios en la formación. Y es que entre tantas idas y venidas, cualquiera que sea aceptado en la familia debe de saber qué ha de aportar: composiciones en apariencia simples, ideales para ser luego pulidas por una producción extremadamente cuidada, dando como resultado  un producto destinado a las hit-stations americanas. Así pues, estos veteranos ofrecen lo que se espera de ellos: composiciones romanticonas ("Why can´t we), estribillos melosos ("Caroline"), y las justas dosis de potencia aor (el single "Feel" y "Where were you"), y los debidos vientos y coros imprescindibles en su sonido. Un producto más destinado al seguidor de toda la vida, que atrapará a fans que peinen tantas canas como ellos.  Rob Zombie Educated Horses Geffen Records  2006 por Jesús Rojas El que fuera líder de White Zombie ha vuelto con "Educated horses", un disco que mantiene el sonido endiabladamente bastardo de este carismático artista. En esta nueva entrega, Rob Zombie vuelve al sonido de "La Sexorcisto" y "Astro Creep 2000", sus dos mejores discos durante la década de los 90. "Educated horses" es un disco de rock and roll que brinda la oportunidad de colaboración al metal y a la electrónica por igual. Así, "Foxy Foxy" refleja el estado de forma en que se encuentra el que fuera director del largometraje "La casa de los 1000 cadáveres". Un corte de electro rock con una alta dosis de sexualidad guitarrera. También destacan por su ritmo frenético "American witch", el metal industrial en estado puro de "Let it all bleed out" o la punkoide "The scorpion sleeps". Hay momentos más relajados pero igualmente terroríficos. Es el caso de "17 year locust", The lords of Salem" que casi roza lo gótico, y "Death of it all", con una pequeña similitud a los legendarios Black Sabbath. "Educated horses" es un trabajo a tener en cuenta dentro de la trayectoria del señor Zombie, quien a pesar de llevar veinte años atemorizando con su rock bastardo, sigue teniendo ideas nuevas que ofrecer. Azido Sulfúrico Poemas malditos Editado por Pies, 06 por Miguel Angel Alejo - IndyRock  Extremadura se escribe en lo musical alternativo con R. Así nos lo hacen saber este quinteto, Azido Sulfúrico con su primer CD, Poemas malditos (Pies, 06). Veamos R. de Robert (Extremoduro) y R. de Rubén Galindo, Rubén Batuecas y Roberto Mateos, componentes de este "ázido". Rock transgresor urbano a palo seco, sin concesiones (¿para qué darlas?) es lo que nos ofrecen. Nada nuevo, melodías sencillas (ya escuchadas en otras bandas) y letras directas y pegadizas. Poema maldito, tema que abre el CD, es muy a gusto de los sevillanos Reincidentes, Llenita de color la firmaría Robert y en Redentor cuentan con la colaboración del poeta extremeño también Manolo Chinato. En fin, lo mejor verlos en directo que eso sí, con ganas de bairlar con esos ritmos candensiosos. Lo dicho, rock urbano transgresor en Extremadura es directamente proporcionar a la "R". Niño y pistola "Como un maldito guisante"Mulberry Records 2006 por Miguel Angel Alejo - IndyRock Niño y pistola en, esta su primera entrega en CD, "Como un maldito guisante" (Mulberry Records, 06), se nos presenta como una banda naif y minimalista. Esto signifca, de melodías desnudas, en apariencia sencillas pero que despliegan una amplia red (de Spiderman) que te aptrapan. El CD acaba y al play otra vez, que hay que volverlo a escuchar.  Niño y pistola es como la voz sensual que susurra en la noche en tu antigua radio, pero que sabe elevar el ritmo melódico para que no te duermas (ni te salgas del hipnotismo nocturno de la llegada al primer sueño). Para eso está colocada estratégicamente "Song 74".  En lo vocal, deudores de The Beatles. Como en "¿dónde está Wally?, descubre que temas de los de Liverpool, fusilan en Anyway y en She was. A pesar de ser de Vigo, cantan en el idioma de Shakespeare.   Para mí, Medication, es una de esas canciones que se pueden convertir en verdaderos himnos de esta banda gallega. Y por primera vez estoy de acuerdo con una hoja de promoción, "un niño con una pistola disparando al aire balas de pura inspiración". Así es esta banda que esperamos verla pronto por el sur. Noviembre, sonidos de obscuridad "Materia" - Peaceville Records CD-2006 / Mastertrax Por J. E. Gómez / IndyRock Hablar de rock melancólico es adentrarnos en las profundidades de un sonido que se hace especialmente vivo y presente en grupos procedentes del norte de Europa, pero en este caso se han mezclado los aires latinos, mediterráneos con la mejor escuela finlandesa. El trío Noviembre, formado por Carmelo Orlando, Guiusseppe Orlando y Maximiliano Pagliuso, han lanzado su quinto trabajo "Materia" en el que dan una vuelta de tuerca al rock melancólico, a aires de Dark metal, especialmente querido para ellos, para conseguir sumergirse en las profundidades de los bosques norteños y llegar a composiciones realmente obscuras y cargadas de universos misteriosos., incluso gélidos Con "Miseria" viajan desde los gritos guturales a la brillantez de guitarras electrizantes. Saltan de la melodía a las explosiones sonoras. "Materia" ha sido grabado en los estudios "Outer Sound" y mezclado en Finlandia, en los  estudios Finnbox. Escuchar a Noviembre es toda una experimentación de sensaciones, desde un paseo por el infierno a una calida tarde de verano en la playa, eso sí, en solitario y sin sol. Tribute to Nothing, hardcore de gran factura "How many times did we live?" - Lockjaw Records - CD-2006 - K-Industria Por J. E. Gómez / IndyRock Los medios de comunicación, en general, la industria musical, incluso los músicos inmersos en las nuevas tendencias, en la vanguardia más smob, quieren matar el hardcore. La razón es simple, para hacer hardcore, emo, e incluso punk, hay que vivir, sentir, respirar las esencias del rock, y poseer una alta calidad como músico y creador. Los ingleses Tribute to Nothing nunca han renegado de sus principios punk y sus tendencias hardcore. Acaban de lanzar un quinto disco que se reafirma en sus principios, en aquellos años 90 en los que algunos locos por los sonidos obscuros recuperan el denostado punk rock para aplicarle melodías sin despojarlo de fuerza y espontaneidad. En esta línea se mueve TTN. Han lanzado "How many times did we live?", un disco brutal, compacto, trabajado hasta la saciedad, con una docena de temas en los que marcan el futuro del hardcore, con homenajes directos incluso al rock progresivo y bandas como Pink Floyd, sin olvidar a Sex Pistols. Estará en al calle a partir del dos de mayo, un disco que se acompañará de una girra europea donde demostrarán su implacable directo, una puesta en escena digna de los mejores escenarios de Europa. The Destroyed, Punk en estado puro "Russian Roulette" - www.thedestroyed.com - CD  Por J. E. Gómez / IndyRock Sucio, penetrante, descarado, rabioso, garajero... simplemente punk en estado puro, sin aditivos, sin prejuicios, y sin vergüenza. Esto es lo que muestran dos de los grandes mitos del punk rock norteamericano, originarios de Boston, Bert Switser y D. J. Jackson, dos veteranos de la escena musical del noreste que están en la carretera desde los 70s. Ahora, con este nuevo álbum, Bert Switser, fundador de los iniciales The Destroyer, hace valer su fuerza ante una batería salvaje y sonidos que avalan el apelativo "The American Sex Pistols". Pero esta forma de llamarles se queda corta, la fuerza en las interpretaciones supera muy mucho la anarquía, demasiadas veces desordenada, de los Pistols. Con "Russian Roulette", un trabajo autoeditado, Bert deja a aun lado, momentaneamente, trabajos en solitario para volver al garaje profundo de The Destroyed. Un disco auténtico, desgarrador, donde se aprecia la verdad sobre los legendarios caballeros del punk. Euro-trash girl - paisajes de country y punk "Kiss Away The Rain" - Zebra Records - 2006  Por J. E. Gómez / IndyRock Si los Flying Burrito Bros pudiesen oirles sentirían que sus composiciones de desiertos y carreteras han tenido una evolución positiva en el tiempo. Ha tenido que ser un grupo de Valencia, de sugestivo nombre, quienes se hayan decidido a revitalizar el country rock y llevarlo a cotas más propias del punk, pero todo ello con deliciosas melodías y la cadenciosa voz de Judit Casado. Este trabajo de Euro-Trash Girl, "Kiss Away The Rain", les sitúa como unas de ls bandas más compactas del panorama independiente del país. Un trabajo en el que se nota un especial mimo y cariño por los detalles. Han conseguido una colección de temas que mejoran con las escuchas, que te hacen sentir bien, divertido e incluso melancólico a veces. Las acústicas vuelan junto a los stellguitars y los clásicos sonidos de las tele/strato-caster. Esta banda puede situarse sin miedo en los principales escenarios, sin complejos con la cabeza bien alta por recoger y evolucionar lo mejor de las raíces folkys. Apúntate a un viaje por la ruta 66 a la hora del crerpúsculo. www.eurotrashgirl.com Toothfairy - Sensualidad y misterio "Does not Work well with really" - Noiseville - CD 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock Misterio y obscuridad, avenidas desiertas, mundos perdidos emanan de los sintetizadores e instrumentación acústica de Toothfairy, una banda procedente de New York. Han creado un álbum inclasificable, a medio camino entre la psicodelia electrónica y el post-rock y aires postnucleares. En "Does not Work well with really" nos sumergimos en un mundo de espectros y sensaciones, de ojos que otean la realiad paralela. Sensualidad y misterio, sonidos cinematográficos que te hacen ver nebulosas y escenas bajo la niebla, 20 tracks dotados de una especial unidad temática, con sorpresas acústicas al más puro estilo country folk (McMansion on the hill). Un trabajo ideal para escuchas relajadas, con espacios para el lirismo, descargas de rock sinfónico, e incluso viajes hacia el interior de la mente. Ha sido publicado por Noiseville. www.noiseville.com  Japiwor. Albún número "cero" "El vertedero de la infamia" - PSM-Music - CD 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock ¿Recuerdas Mundo Feliz?, fue el primer trabajo público de  Angel manuel Donoso Mazuelas, un poeta del rock que decidió llamarse Japiwor. Ahora ha querido recuperar aquellos temas grabados entre 1998 y 2002, que estaban ahí en maquetas, en grabaciones caseras en un cajón, y convertirlos en un álbum que por su contenido podría ser el disco número cero de cualquier grupo. Escuchar "El vertedero de la infamia" es un ejercicio especial, rezuma frescura en cada nota, fuerza y ganas de llegar. Muestra la rebeldía de los inicios, composiciones sencillas pero que muestran las esencias del rock and roll que todos llevamos dentro. Son 21 temas que viajan del pop al rock, con guitarras sin miedo, contundentes, percusiones arrítmicas. Japiwor nos cuenta historias de la calle, de amor y desamor, de lo que tenermos más cerca, del trabajo, de personajes épicos. Los poetas del rock viven en el "under" y gustan de traspasar la línea que los convierte en malditos. Si gustas del rock fresco y con sentido, sin las revueltas de la industria, tienes "El vertedero de la infamia". www.japiwor.com  PAL.- Interconexión universal  "Canciones hacia el fin de una especie" - CD Limbo Starr 2006  Por J. E. Gómez / IndyRock  La sexta extinción está a punto y será el hombre su protagonista. Esta es una de las premisas de las que podría haber partido PAL, un grupo de rock que ha creado uno de los discos más intensos y sinceros del panorama actual de la independencia. "Canciones hacia el fin de una especie" es una colección de once temas cargados de unidad temática, interconectados entre sí y con las raices del rock. Ha sido el fruto de un largo periodo de tiempo refugiados en una casa de montaña, alejados de la ciudad. CArlos Toronado, Alberto, Pablo Carrillo y Kike Pierrot, han barajado intensos recursos líricos, guitarras, percusiones, teclados y melodías, para introducirlas en un tren de emociones que explotan en un universo paralelo que quieren conectar con la realidad más palpable. Una vez creado este universo de SciencieFiction, viajan a los estudios Golden Mastering (habitual de Sonic Youth) para encontrar el aeropuerto espacial desde donde impulsar su particular lanzadera. Experimentan con sonidos electrónicos, cercanos al jazz, con visiones cinematográficas de galaxias de fin de siglo. Un viaje universal que podría clasificarse como post-rock, pero que no es más que poesía en rock and roll, ni más, ni menos.  AMPOP "My Delusions" 2005 Stimulus por Juan Gallardo - IndyRock El tercer álbum de los islandeses AMPOP puede significar la definitiva entrada del trío en la parte más triste y destructiva del mainstream. No es un álbum perfecto pero supone un salto impresionante desde los anteriores "Nature is not a Virgin" y "Made for Market" Para empezar han abandonado el conceptualismo y han acuñado 11 canciones diferentes entre sí y todas elaboradas hasta el más mínimo detalle. También han intentado con cierto éxito sacudirse la obvia influencia de los Radioehad más experimentales (Nature is not a Virgin está circulando por la red como un supuesto adelanto del próximo disco de Radiohead, ¡hay hasta críticas entusiastas de fans de los de Oxford!)  En busca de su propia identidad y sin creerse la mejor banda del mundo, el trío ha conseguido crear sus mejores canciones, My Delusions, Don´t Let me Down, Precious, y mi favorita, Ordinary World, un intento más de recrear el aroma de baudeville de Queen en Bohemian Rhapsody, algo que desde luego no me esperaba de ellos. Y es que talento tienen para dar y regalar, AMPOP podrían ponerse en órbita en los próximos años si fueran capaces de definir un poco más su estilo y darle otra vuelta de tuerca al estigma de Radiohead y Björk que han sabido asimilar tal vez demasiado bien.  http://www.ampop.co.uk/ DESCARGAS GRATUITAS (legales): http://www.artistserver.com/artist/index.cfm?a=676 http://www.7digital.com/downloads/ampop/ Mudhoney - El futuro vuelve a Seattle  "Under a billion suns" - CD - Subpop 2006  Por J. E. Gómez / IndyRock  ¿Dónde está el futuro? es lo que se pregunta el primer tema que los norteamericanos Mudhoney incluyen en su nuevo disco "Under a billion suns". La respuesta está clara, el futuro vuelve a Seattle. No es posible renegar de las esencias y los creadores de un estilo particular, que bien podría haberse llamado Sonido Mudhoney en lugar de grunge, no sólo no lo olvidan sino que lo llevan a gala con la frente alta. El presente está regido por cerebros arrogantes y mentes pequeñas, por lo que es preferible reivindicar epocas de creación y esperanza. "Under a billion suns", es un disco que impacta, que te hace arder la sangre, ebullir en sentimientos de rabia y carreteras postnucleares. Muestra sentimientos entre el punk y el country, duelos de guitarras cargadas de obscuridad, gloriosas distorsiones que destacan a pesar de las poderosas percuriones. Paseemos entre bosques de gigantescas secuoyas que nos llevarán directamente hacia las interioridades del underground suburbano. Mark Arm dice en uno de sus temas que los días felices han vuelto. Lo dice con ironía, pero por qué no pensar que es así, con esperanza. Los sonidos y la creación de Mudhoney te hacen no perder la visión, la perspectiva del rock. Niko, en las calles de Sevilla "Versos de Winstrol" - CD-Planta Baja-2006  Por J. E. Gómez / indyRock  Aunque pueda parecer una contradicción, el sur de España es tierra de rap. El hip hop tiene esencias fronterizas, sentimientos del 'under' más profundo. En Sevilla, los estudios Planta Baja, se han lanzado al ruedo de la producción de discográfica, y lo hacen con el mejor rap. Niko, es un 'songwriter' que ha sabido dar una vuelta de tuerca al rap nacional y salir del círculo permanente de la lucha entre raperos, del insulto y la confrontación para ir un poco más alla, para mostrar la realidad de las calles, de los sentimientos internos de quienes han de enfrentarse, día a dia, a situaciones de incomprensión, de represión, de quines pretenden llevar muy alto una forma de estar y vivir. Niko presenta 18 temas en un álbum en el que incluye sonidos latinos. Versos, libres, ritmos, fusiones y fronteras. Niko muestra una gran experiencia acumulada en muchas tablas de conciertos junto a SFDK, Doble V, Mucho Muchacho... "Versos de Winstrol" es el segundo trabajo de Niko, tras un maxi, "Luchando por ser alguien". En "Versos de Winstrol" cuenta con colaboraciones de legendario, Hijo Pródigo, Tralla, Virush, Dave, Límite, Nabú y D-Lux.  Anders Parker, folk garajero "Tell it to the dust" - CD - Lunar Discos 2006  Por J. E. Gómez / IndyRock Es necesario, de vez en cuando, volver a las esencias. La música popular, el pop, el rock, no puede renegar de sus orígenes. Las tendencias mal llamadas vanguardistas, acogotan un mercado en el que grandes creadores, pioneros de los sonidos de la música popular del siglo XX, lo tienen cada vez más difícil para encontrar su hueco. Anders Parker, un neoyorkino de Brooklin, ha sabido romper el veto y mostrarnos la esencia de la creación, un pop rock alejado de convencionalismos, sencillo y cargado de raices folk, pero un folk americano que en lugar de caminar hacia el country, deriva sus composiciones hacia una obscuridad más propia del sonido garage. Se le podría considerar el juglar de los desiertos de Arizona, un pasajero permanente del Grayhound de uno a otro cruce de caminos. Juega con el jazz y el blues, pero sobre todo con el folk. Su último trabajo es ""Tell it to the dust", un disco editado ahora en España en el que Parker profundiza un poco más en el rock que en trabajos anteriores, incluso cuando firmaba como Varnaline. Con este disco, Anders Parker consigue integrarte en un particular universo de carretera, veladas en cielos estrellados, caminos polvorientos y, en algunos momentos, el mejor rock and roll.  Coconot - ópera prima Novo tropicalismo errado - Cd- B-core-2006  Por J. E. Gómez / IndyRock Se trata de un ejercicio de libertad creativa sin límites. Coconot parte del free jazz para componer un álbum en el que, en definitiva, han hecho lo que les da la gana, y así lo venden. "Novo tropicalismo errado" es el primer disco de este duo procedente de Canarias y afincado en Barcelona. Lo han hecho con una rapidez más cerca de la virtualidad que de la realidad palpable. Sólo tres días para componerlo y grabarlo. Esta fugacidad en el trabajo no implica una merma en la calidad conpositiva y de interpretación, mantienen los niveles necesarios y, además, ganan enormemente en frescura e inmediatez. Se trasmiten las ganas de bailar, de soñar, de contar amores y desamores. Entre sonidos de baterías, juegos vocales, bajos y guitarras sorprendentes, encontramos ritmos latinos, tropicales, basileiros, el mejor post-rock y una impresionante explosión creativa. Un disco que demuestra, sobre todo, que la libertad en la composición y en las formas es posible... y necesaria. The Linn Youki Project, surrealismo sonoro "#3" - CD- B-core-2006  Novo tropicalismo errado - Cd- B-core-2006  Por J. E. Gómez / IndyRock Son cadenciosos, intensos, imaginativos, extraños y surrealistas, pero sobre todo hiperactivos. Su nombre: The Linn Youki Project y se pirran por el post rock y el free jazz y algo que pocos entienden, el hip hop instrumental. Bajo un concepto cinematográfico enraizado en las cintas de clase B de los ochenta, y las pelís planetarias, han elaborado un tercer disco bajo el título más sencillo posible "#3", una fórmula que es continuidad de sus dos trabajos anteriores "#1" y "#2". Establecen un viaje surrealista a través de sonidos envolventes, reiterativos a veces, con extrañas voces en of, construcciones semiradiofónicas y ritmos de post rock rabiosos, con una siemprepresente base rítmica que te lleva a esferas viajeras por el hiperespacio y caídas en agujeros negros. Lo que The Linn Youki Project demuestra en este álbum es madurez en las ideas y confianza en lo que hacen. Han evolucionado los sonidos particulares mostrados en "#1" para continuar la trayectoria la profundización en mundos más allá de éste.  Alamedadosoulna, callejeros  Skrak - CD - Dosoulnarecords 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock  Conseguir que la música llegue a todo el mundo es el objetivo. Para ello, Alamedadosoulna, una banda madrileña de reggae, ska, swing y soul, decidió sacar su espectáculo a la calle. Al viejo estilo de los titiriteros medievales recorrer ciudades y barrios para dar a conocer su especial forma de concebir la expresión musical, el ritmo, el baile, las melodías más pegadizas. Alameda... está formada por una decena de músicos, guitarras, teclados, metales, percusiones. Armados con carritos y generadores eléctricos recorren los festivales de teatro, música y animación de toda España. Su último trabajo discográfico, "Skrak" es el ejemplo claro de la mejor fusión de estilos con el reggae como base fundamental, pero en el que tienen cabida, incluso, los aires latinos más tradicionales. Puedes conseguir su disco en www.alamedadosulna.com, y si no lo encuentras, no pasa nada, cualquier día aparecen en tu propia calle. Alamedasoulna en IndyRock Interiorismo sin complejos Nistal - "10 motivos para viajar de noche" - Discos Liliput CD 2005 Por J. E. Gómez / IndyRock Bucear en tus recuerdos, en tus vivencias, en los psajes olvidados del inconsciente, en la experiencia personal es una saludable ejercicio, y si se hace en la búsqueda de los sonidos que han formado parte de tu vida, el concepto se convierte en creación. Interiorismo es lo que caracteriza las canciones de Nistal, un joven asturiano que ha presentado su ópera prima bajo el marchamo de Discos Liliput. Aires de sencillez en sus canciones, un puñado de temas elegidos entre un maremagnum de composic iones creadas a lo largo de años de experimentación en solitario, personal e introspectiva. El disco se llama "10 motivos para viajar de noche". Una preciosa forma de contarnos sus sentimientos, alegrías y tristezas. Bajo la percha del mejor pop mezclado con una pizca de canción de autor y gusto por el brit pop, Mistal ha elaborado un disco con canciones que en disco se introducen en tus sentidos, y en directo prometen instantes desgarradores. En estos diez temas, un curioso homenaje a George Harrison, cargada de sitar y alusiones bitelianas. Mistal es para aquellos que gustan de una música tranquila, para oir en el coche al llegar el crepúsculo, o en las noches de sofá y duemevela. La escapada de Mike Shinoda Fort Minor  "The rising Tied" - Warner CD 2005 Por J. E. Gómez / IndyRock Hay formaciones que marcan. Ser una de las piezas clave de Linkin Park no se puede obv iar de la noche a la mañana. Vivir bajo el signo de una banda que ha vendido 35 millones de discos en todo el mundo, no te da el certificado de libertad facilmente. Mike Shinoda ha querido experimentar fuera de los marcados territorios de su muy especial 'boy band" para dar más presencia a sus tendencias al rap, aunque ovidando su fuerte carencia al hard rock en Linkin Park. Warner publicaba el esperado "The rising Tied", el primer trabajo de Fort Minor, la forma en que Mike ha denominado al grupo de artistas que se han unido para colaborar en este disco. El álbum es el fruto de varios años de trabajo en composiciones que han ido tomando forma. Se presenta con un apartado multimedia con un "making of", extras y  bonus track. Una pequeña joya para todos los seguidores de Linkin Park y para los amantes del hip hop. Linkin park en IndyRock La soledad de un chico con una guitarra The Secret Society - "Sad boys dance when no one's watching" - Acuarela CD 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock Confesiones personales a caballo entre el hardcore y el emo, pero sobre todo con un innegable toque de cantautor eléctrico, de raíces en el country rock y melodías a lo Will Oldham. Esto es lo que muestra The Secret Society, un nombre para una banda madrileña que, en realidad es la puesta en práctica de las teorías y composiciones de Pepo Márquez, a quien le gusta calificar a The Secret Society como la experiencia de un chico con una guitarra, que canta en inglés y a veces en castellano. Se ha curtido en antros teloneando a bnadas mágicas de la escena underground como Songs Ohia, Xiu Xiu o Destroyer. Ha editado un álbum con un largo título "Sad boys dance when no one's watching" que tiene como característica técnica haber sido grabado en analógico y con instrumentación de los setenta. The Secret Society es una banda de canciones tristes, pero con la brillantez de unas composiciones que pueden interpretarse como canciones desnudas, en la soledad de un chico y una guitarra. Country alternativo en la autopista olvidada The Strugglers - "You Win" - Acuarela CD 2005 Por J. E. Gómez / IndyRock Una oculta emisora, difícil de sintonizar se cuela en la onda media del autoradio. Suena un folk profundo, la cara maldita del country. ¿Dónde está? Es tras las cumbres de aquellas montañas, entre los bastidores de un porche de Carolina del Norte, la música suena en un viejo plato para vinilos. Son los sonidos de The Struggles, una banda que ha hecho del sonido del folk norteamericano una lectura exquisita y emotiva. Con Acuarela editan en España su álbum "You Win", en el que recuperan las esencias primitivas de Neil Young, la fuerza interpretativa de Wil Oldham. Melod&ia cute;as cadenciosas, cargadas de una voz tremula, incondundible, un perfecto uso de las acústicas, pianos, mandolinas, banjo, batería... La clave de The Struggles está en su compositor y multiinstrumentista, Brice Randall Bickgford II, un joven que ya ha estado en escenarios junto a bandas como Destroyer, Magnolia Electric Co. o The Mountain Goats. El paso adelante de Chris Brokaw "Incredible Love" - Acuarela CD 2006  Por J. E. Gómez / IndyRock Hay músicos que prefieren la intimidad de los segundos planos y les cuesta dar el paso hacia el front line. Es el caso de uno de los mejores exponentes del underground norteamericano de los noventa, Chris Brokaw. Se ha decidido a trabajar con banda y con su nombre como protagonista de la creación. La banda se autodenomina Chirs Brokaw rock Band. Chris es un mito para los amantes del indy y el rock en este país, publica con Acuareal, un trabajo de 11 temas, uno de ellos exclusivo para esta edición, acompañado por Kevin Coultas, Jeff Goddar y Matt Kadane. Un disco cargado de magníficas cadencias guitarreras, rock directo, sin complejos, cargado de instrumentación puramente rokera, guitarras eléctricas y acústicas y una contundencia especial en las percusiones. Chris se ha destacado siempre por sus colaboraciones con artistas como Evan Dando, Steve Wyyn, The new Year, y como miembre de Come y Codeine. en este álbum se incluye su versión de "I Remember", habitual en sus conciertos y de la que hace una muy especial interpretación cargada de fuerza y sonidos envolventes.  El universo paralelo de Johnnie Burton "Johnnie Burton" CD-2006  Por J. E. Gómez / IndyRock Es realmente gratificante encontrar rock garajero con manufactura femenina. Los sonidos más callejeros del rock con aires punk, descarados, salvajes, en una búsqueda directa de un universo paralelo a los pasajes entre taxis amarillos y alcantarillas. Johnnie Burton rompe con los estereotipados espacios en los que la industria mantiene a las chicas dle rock para bajar al underground más profundo. Su trabajo de presentación, "Johnnie Burton" contiene 11 temas en los que se sumerge en un universo paralelo, a caballo entre la dulzura de un power pop de los noventa, y la electrificante fuerza del post rock. Sería fácil de calificar si pudiésemos adscribirla a los sonidos de Seattle, pero Jhonnie va mucho más allá, posee, además, toda la calidez de las influencias del rock británico. Un disco en el que muestra una impresionante fuerza en la voz y con su guitarra. Está acompañada por Dave Phillips, Paul Engel y Ralf Blazer, que además de hacer las percusiones se ha encargado de la producción. No te dejes engañar por su dulce imagen, puede tener una doble cara, un atractivo especial en la oscuridad. Tienes sonidos y fotos en http://www.johnnieburton.com/ The Organ Grab that gun Mint Records 2004 por Hugo Roca Oriundas de Vancouver Canadá, Katie Sketch, Jenny Smyth, Debora Cohen, Ashley Webber y Shelby Stocks forman la agrupación The Organ. En el 2002, sacaron su primer Ep Sinking  hearts, en el cual presentaban un sonido oscuro y melancólico que les valió grandes reconocimientos en la prensa. En mayo del 2004 presentaron su álbum debut Grab that gun, con 3 temas de su primer Ep y 7 cortes inéditos bajo el sello independiente canadiense Mint Records. El resultado no pudo ser mejor; el disco, aunque sólo dura 20 minutos, cuenta con un altísimo valor artístico. Con líricas pesimistas y un alto contenido melancólico aunado a la habilidad vocal de Katie Sketch para que el escucha pueda percibir la tristeza que mana de sus labios, Grab that gun es un álbum imprescindible para todo aquel melómano que guste de verdadera música alternativa. The Organ da un aire a grupos como The Shaggs (aquel grupo de tres hermanas), The Smiths, Blondie y hasta a los primeros discos de Placebo. Tocan un dream pop tan bien logrado que, con excepción de The New Pornographers, ningún grupo de la corriente "indie" ha alcanzado. El álbum es absolutamente exquisito de principio a fin, melancolía auditiva tema tras tema, el gran talento del grupo radica en el hecho de que logran transmitir la melancolía de una manera absolutamente real, al escuchar el disco puedes vivir el sentimiento en carne propia; es por eso que grupos como Interpol no han logrado materiales tan sólidos ni canciones tan buenas; simplemente no han demostrado el talento suficiente para transmitir tristeza tan pura, tan creíble. Y eso es lo que The Organ le sobra. Es en cortes como Brother, donde la melodía es guiada por una pulcra guitarra, Basement band song, o There is nothing I can do (donde el grupo rememora la buena época de The Cure) donde Grab that gun se torna excelso. Pero el clímax es logrado con Memorize the city y Love, love, love, joya cargada con toda la melancolía junta, son canciones como ésta, las que nos recuerdan hasta dónde es capaz de transportarnos la música. Candidata indiscutible a mejor canción alternativa del 2004. Con un álbum debut tan cerca de la perfección, The Organ se consolida como uno de los mejores grupos alternativos en inglés y deja al descubierto a una cantidad infinita de "pseudogrupos indie" que han acaparado la atención de masas idiotizadas por estaciones de radio "rockeras". Este disco es una prueba de que la verdadera música, la música con valor artístico real, casi nunca está en la radio "alternativa", casi siempre está en el bello circuito underground, y es justo ahí donde The Organ debería permanecer: alejado de las masas.www.theorgan.ca The Movement "Revolutionary Simpathies"Destiny, 2005 por Jesús Rojas Hidalgo  La banda de Copenhague ha publicado nuevo trabajo y en esta nueva entrega siguen fusionado las influencias de los sesenta, el hardcore y la denuncia política. Estas influencias marxistas han sido plasmadas a través de doce canciones llenas de energía y mensajes transgresores. The Movement han sido calificados como los mejores herederos del movimiento mod actual. Ya sé que parece todo un lío, pero "Revolutionary Simpathies" es un trabajo genial, y eso es lo que realmente importa. Hasta ahora habíamos conocido las andaduras sixties de bandas hardcore como The Internacional Conspiracy o Tokyo Sex Destruction, pero el caso de The Movement es diferente. La banda compuesta por Lukas Scherfig (voz y guitarras), Lars Schaedler (bajo) y Soren Spanow  (batería) ha elaborado un trabajo donde tiene cabida el power pop, el garage y el hardcore americano. Puede que los puristas del género modernista detesten que se hable de mod y punk a la vez, pero ¿acaso The Jam y Doctor Explosion no hacían punk? "Revolutionary Simpathies" se abre con "Kart Marx", un corte enérgico lleno de punkrock y melodía con solos de guitarra espeluznantes. La onda ska no tardará en llegar y la encargada de hacer vibrar al personal es "More Products". Después de descolocar rodillas y codos, The Movement se relajarán a ritmo de power pop al más puro estilo nórdico (The Yum Yums, Pyramidiacs, .) Como podéis comprobar, el segundo trabajo de los recientes ganadores del Villa de Bilbao, alberga multitud de influencias y estilos musicales. La vena más mod se canaliza a través de esa joya titulada "A little rain". Una canción muy movida y sentimental que se beneficia de las preciosas harmonías que desprenden el teclado y las trompetas. Podía haber sido firmada por Paul Weller hace veinte años. "Revolutionary systems" también consigue aproximarse a esa tendencia de mezclar velocidad con sentimiento que tan populares hizo a The Jam. Los momentos más crudos corresponden a temas como "All alone", "Is that love?" o  "Something about reality", donde la voz desgarrada de Lukas consigue convencer al personal de lo crudo de la realidad. En conclusión, estamos ante un trabajo pretencioso y lleno de características positivas. Ahora sólo queda esperar para verlos en directo, compartiendo cartel con Doctor Explosion, Swingin Neckbreakers o Undertones. Sixty-nine Million Inches "Wet your Whistle" - Junk Records- 2005 Por J. E. Gómez - IndyRock No podemos negar que creadores como Sergio Leone, imágenes de aldeas coloniales semiderruidas y perdidas en el desierto, juegos de seducción en carreteras polvorientas, han marcado de forma considerable a algunos de los mejores músicos de finales del XX e inicios del 21. Sixty-nine Million Inches, son como aquellos Forajidos de Leyenda, inmersos en el canto del cisne de un mundo que llega a su fin. Este grupo formado por Mikel Alberdo, Javier Cantudo, Raúl Campos, Fernando Neira y Martí Perarmau, han encontrado en el folk, en el country rock, una forma de expresión que han evolucionado hacia aires del mejor y actual power pop, con una magnífica instrumentación de guitarras acústicas, ritmos a medios tiempos, melodías cargadas de fuerza, recuerdos a Dylan, Neil Young, Grahan Nash y un encuentro en el cruce de caminos con el sonido latino, fronterizo de Calexico. Es un placer escuchar a grupos que no reniegan de las esencias musicales que dieron lugar al rock, e incluso del idioma (no es una apuesta fácil hoy en día cantar en inglés en España). Sixty-nine Million Inches han creado un mundo muy especial con un denominador común, seducción sonora, con la intensa calidez e intimismo que envuelve una tarde de pasión. Imágenes de carreteras interminables en un Buick blanco. Sapiens - "Piensa" Astro - CD 2005  Por J. E. Gómez - IndyRock  Hay una cierta melancolía en la creación musical de los últimos tiempos, sobre todo en lo que a grupos de post-rock o hardcore melódico se refiere. Es una sensación de intimismo y tristeza que necesita de calidad musical para ser expresada. Quienes lo consiguen se pueden considerar parte de la élite. Sapiens ha entrado en el grupo de los elegidos. Es una banda madrileña que está en la carreterea desde 2001, experimentando y compartiendo músicos con grupos como A Room With a Wiew. Dentro de la escudería de Astro Discos han publicado "Piensa", un trabajo que invita a las múltiple escuchas. Lo califican como un coctel electroguitarrero, pero la realidad es que se trata de una composición cargada de matices, que va a más allá de las guitarras y de las voces en plano medio. Posee explosiones sonoras, de sentimientos que dan paso a espacios ambientales. Sapiens ha grabado junto a Raúl Santos (ex Planetas y colaborador de Nawja). Una apuesta ganadora para los amantes de las melodías y creaciones sinceras.  Carlos Guitarlos - Hell Can Wait Nomad Records 2005 Por Joe McGaha - IndyRock  ¡Acabo de disfrutar del mejor c.d. que he escuchado hace meses - "Hell Can Wait" de Carlos Guitarlos! Yo no conocía el trabajo de Carlos, pero él ha tocado desde los años 80. Trabajó con Tom Jimmy entonces, y estaba en camino hacia arriba hasta que las drogas y el alcohol destrozaron su carrera, y se encontró tocando en las calles de San Francisco durante años. Éste c.d. incluye voz y guitarra de David Hidalgo (de la famosa banda Chicana Los Lobos). Es una gran mezcla de canciónes blues de buenos tiempos (con algo de influencia country, y hasta influencia de música Mexicana y Española). La voz de Carlos es una mezcla de lo duro de Louis Armstrong, posiblemente un poco de Leon Redbone, junto con los mejores blueseros (Howlin' Wolf viene a la mente). Estas canciónes tienen un gran sentimiento, unas buenísimas harmonías (me encanta la mezcla de voces en "Got No Time"), y letras graciosas, inteligentes, y tristes. La última canción, "I've Been Dead Since You've Been Gone" (He Estado Muerto Desde Que te Fuiste) me dió como un puñetazo. ?Quién no ha sentido así alguna vez? Alguién que no haya vivido mucho todavía - todos llegamos a ese punto (aparte de los muy, muy afortunados). "Drinkin' Again" (Tomando Otra Vez) es claramente su propia historia, y podría ser el tema para muchos que se han encontrado en malas circunstancias. Total, hay 19 canciónes en este c.d., y cada una es una joya. Si tienes la oportunidad de escucharlo, tómalo, que nunca se sabe cuanto tiempo tiene éste cantante con tanta alma (su compañero, Top Jimmy murió recientemente por problemas del hígado). Para más información sobre Carlos Guitarlos en la red: http://www.carlosguitarlos.com Meat Loaf  Bat out of hell   Epic por Hugo Roca- IndyRock 1977 es un año memorable para la historia del rock debido al surgimiento del punk. En Inglaterra, grupos como The Clash, Buzzcocks o los Sex Pistols despotricaban ferozmente contra el gobierno exigiendo un cambio e invitando a la rebelión. Mientras tanto, en los Estados Unidos, el movimiento punk de la mano de los Ramones era divertido, sin crítica social, sólo buscaban divertirse. Simplemente se habían hartado del rock que se tocaba y querían hacerlo a su manera: más rápido y mucho más sencillo.  Paradójicamente, en ese año de hartazgo hacia el rock clásico, Meat Loaf creó uno de los mejores álbumes en la historia de la música. Una ópera rock sólo comparable con Tommy o Quadrophenia: Bat out of Hell. Es un disco único en la historia del rock, excéntrico y envolvente, el gran mérito del álbum es que Loaf logra darle a cada canción la independencia necesaria sin comprometer el concepto del disco. La canción homónima que abre el disco es explosiva, crea ese sentimiento adolescente de agarrar una escoba y rockear enfrente del espejo, consigue inyectar esa energía que muy pocas canciones logran, no queda mas que agradecer que se haya inventado una canción así. Pocas son las baladas que llegan a conmover tanto como You took the words right out of my mouth (hot summer night), es una canción hermosa que se paraliza ante los lamentos "tú sacaste las palabras directo de mi boca".  El clímax del disco llega con la mágica Two out of three aint bad ,en donde Loaf anhela amores pasados, y Paradise by dashboard Light es una canción grandiosa que definitivamente sitúa a Bat out of hell junto a clásico del rock de la talla de My aim is true de Elvis Costello o Disraeli Gears de Cream. Un disco hermoso pero furioso, melancólico pero a la vez invita a salir corriendo y gritar; Meat Loaf logra, con este disco, lo que una obra de arte debe lograr: conmover. Bat out of hell conmueve, te hace sentir, te hace pensar, te hace maldecir que los discos geniales sean tan espaciados. Gracias Meat Loaf por crear un disco de rock tan bueno que, después de oírlo, simplemente te da la razón para amar a la música con tanta pasión. Black Cat Music October Nobember Lookout! Records, LK307 por Hugo Roca- IndyRock Con October Nobember, Black Cat Music se consolida como una de las mejores bandas de garage-rock en todo California. Después de un debut tan prometedor como lo fue el pasional Hands in the Estuary Torso in the Lake, las expectativas para este segundo álbum eran muy altas, y sin duda alguna October November supera con creces a su predecesor. Con tan sólo escuchar la primera canción The Bridal Veil, se puede dar uno cuenta que Brady Baltezore canta con el corazón, nos canta sus miedos, saca sus preocupaciones de lo más hondo de su alma y su voz es tan pasional y honesta que se agradece. Un disco crudo y honesto, agrio y valiente, bien tocado y sin ninguna pretensión comercial que lo único que busca es dispararte 11 canciones llenas de sentimiento . El disco transita por una atmósfera oscura que llega al su punto más alto con joyas como Stay west, Hearts of crhrome, In the lights y Kiss until Kissed, pero es la hermosa  The jet trash en donde este cuarteto, conformado por Omar Pérez, Denny Martin Travis Dutton y el ya mencionado Brady Baltezore, alcanza una perfecta belleza armónica capaz de conmover hasta las lágrimas mientas Baltezore insinúa un suicidio "¿por qué no desaparecemos?, nunca me gustó aquí" Black Cat Music entrega un excelente álbum de garage-rock con matices del proto-punk setentero, una verdadera reliquia underground invaluable en estos tiempos que es tan difícil encontrar música hecha sin pretensiones, por el mero amor al arte. Por una parte es una bendición que este tipos de grupos no sean tocados por en mainstream, considero que este tipo de discos deben permanecer en un ambiente un tanto "elitista", y así sólo poderlos disfrutar una pequeña minoría y no compartirlo con los millones de amantes de la música que programa la radio. ¿Una actitud egoísta?, sí, lo es pero: "la miel no es para el hocico de los burros". www.blackcatmusic.net Titan y María Daniela y su sonido lásser Por Hugo Roca - IndyRock La disquera independiente Nuevos Ricos sacó a la venta el pasado martes 25 de octubre el nuevo disco de Titán (banda pionera de la música electrónica en México) y el debut de  María Daniela y su sonido lásser (grupo de electropop underground que se catapultó a la fama con su sencillo Miedo: canción con mayor número de descargas en lo que va del año en México y ganadora del mote "hit del verano"). Por lo que todos aquellos ansiosos que tuvieron que esperarse tanto tiempo para conseguir algo de esta revolucionaria disquera -ya que sólo habían sacado discos en acetato- pueden ya ir a las tiendas y adquirir música independiente internacional de la mejor calidad. Estos son los primeros dos  lanzamientos discográfico en formato de disco compacto y que se distribuyen a nivel nacional -gracias a un acuerdo con EMI-  de esta disquera independiente considerada de culto.  Nuevos Ricos nació hace poco más de 1 año de la mano de el músico argentino Julián Lede aka Silverio y el artísta gráfico de renombre internacional Carlos Amorales. El proyecto prentendía fusionar la faceta musical de Lede con los proyectos artísticos del genial Amorales y el resultado no pudo ser mejor: música electrónica de la mejor calidad con una fuerte carga visual de ahí el enorme éxito alcanzado en exposiciones y galerias de arte a lo largo del mundo (paradógicamente NR ha sido más reconocido en Europa que en México mismo). Para información: www.nuevosricos.com Peter Eldridge: Decorum Por Joe McGaha / California En el año 2001, asistí a un concierto de Theo Bleckmann (se puede encontrar la cronica en: http://www.indyrock.es/theobeckmann.htm ) , y acabo de escuchar el nuevo c.d. de su colega, Peter Eldridge. En comparasión con Bleckmann, la música de Eldridge parece ser algo un poquíto más de la onda de música popular (eso puede ser porque sus canciones tienen más letras de las que escuché de Bleckmann, que eran más estudios de sonido en ritmo, sin letras.la mayoría de las canciones, por lo menos). La primera canción del elepe se titula Playing in Traffic.o sea, Jugando en Tráfico. Me gustan mucho las letras.se nota que está intentando expresar una filosofía. Dice "tanto control entre el caos, sin miedo.". La música es muy bonita, melódica, y con humor en las letras también. Theo Bleckmann canta la segunda parte en la segunda canción, Open Book (Libro Abierto). La mezcla de las voces de Eldridge y Bleckmann sale muy bien, y se nota que han planeado muy bien esa canción (también noto un poco más del estilo de Bleckmann, en la melodía).  Esto es Jazz, pero no el Jazz que yo conozco (de los años 50 y 60). La música de ésta grabación sería perfecta para un día lluvioso. Yo recomendaría tomar un vaso de buen vino, y relajarse con los imágenes y el ritmo de este álbum.  Se nota que Eldridge tiene várias influencias, incluso Soul, y Blues. La canción Full Grown Man (Hombre Totalmente Criado) se parece más al Jazz que yo conozco, y también tiene cosas de Soul en su manera de cantar.  Total, yo recomendaría ese álbum por su variedad de expresión. Cada canción tiene otra personalidad, y algo nuevo que decirnos. Al mismo tiempo, el sonido me siente muy familiar.  Para más información sobre Peter Eldridge en la red:  http://www.petereldridge.com Gilles Peterson - "The BBC Sessions" Ether Records - Cd 2005 Por J. E. Gómez / IndyRock Pasar por las sesiones de la BBC Radio One, es uno de los signos más claros de la consagración de un artista de los platos y la electrónica. Al frente de esas horas de club está Gilles Peterson , uno de los Djs más respetados del mundo, con su espacio 'World-Wide. Se le considera un mago del rootsy, funky y del  jazzy. Nadie como él para crear sesiones inolvidables, donde se puede disfrutar de una nueva dimensión a creaciones de grandes artistas internacionales. En un disco publicado por Ether Records, Gilles Péterson recopila algunos delos tracks fundamentales, con temas de Beth Gibbons, Peven Everett, Heritage Orchestra, The Roots o Zero 7. Es un doble disco con 27 temas entre los que se encuentran grabaciones exclusivas de Beck y Bjork entre otros. El disco ha sido grabado en los Broodway Studios de Londres. www.ethermusic.net P:ANO (Piano), "Brigadoon" Pop desde Canadá Acuarela Discos - CD 2005 Por J. E. Gómez / IndyRock La escena musical canadiense es siempre sorprendente, no deja de aportar magníficas canciones y grupos de alta calidad. La cantera del pop gana posiciones en la tierra de Neil Young. Tras bandas como Boken Social Scene, nos llega P:ANO (Piano) con un álbum, "Brigadoon", editado en España por Acuarela, en el que la banda de Nick Krgovich, Larissa Loyva, Justin Keitlan y Julia Chirka, realizan un viaje por canciones sencillas, enraizadas en el folk, cargadas de matices gracias al multiinstrumentismo de Nick y Larissa. Este álbum, con 24 temas, es perfecto para pasar una tarde de paseo por jardines, conversar con tus amigos y recordar tiempos en los que se pasaba del intimismo a la psicodelia. "Brigadoon" es un disco de amor, con una importante carga de desencanto y de recuerdos de tiempos mejores. Junto a instrumentos clásicos canadienses, excelentes guitarras y sintetizadores, se aprecian las calidas voces de este cuarteto que, en ocasiones viaja junto a Aventures in Stereo o The Decembers, para pasar a espacios más descarados con un sonido que nos recuerda a Yo la Tengo. La edición española tiene dos bonuis track que no aparecen en la norteamericana. Algo domina en este trabajo. Tiene unidad, los medios tiempos y los crescendos necesarios para que 60 minutos y 24 canciones pasen volando. Aspe, "Aspe" Acuarela Discos - Ep 2005 Por J. E. Gómez / IndyRock Es fácil dejarse llevar por la melancolía, la inquietud, la esquizofrenia a veces... A eso te lanza Aspe, un grupo norteamericano, de Nueva Inglaterra, nacido como un proyecto de jovencísimos estudiantes de instituto. Es extraño, no sería la carta de presentación más adecuada para músicos que parecen haber respirado vanguardismo por todos sus poros. Se trata de un sexteto que presentaen España, de la mano de Acuarela discos, su primer trabajo discográfico cargado de estilimo post-rock, rabia contenida, pasajes que recuerdan a la intensidad sonora de bandas españolas como Migala. Estos chicos se perfilan como una magnífica propuesta creadora, con raices en Sonic Youth. El disco, un Ep de seis temas, "Aspe" son 34 minutos para enarbolar banderas épicas y adentrarse en profundidades neblinosas, oscuridad de bosques pantanosos y explosiones sonoras. Se trata de un paso hacia adelante en la tendencia, muy alabada en los últimos tiempos, del uso de la música para la creación de paisajes. Constantines "Tournament of Hearts" Sub Pop - CD - 2005  Por Fernando Navarro / IndyRock  Pues resulta que el indie rock no se había terminado. Death Cub For Cutie venden más que nunca, Sub Pop no deja de editar discos (de hecho, gracias a pelotazos como el de The Postal Service, se están forrando) y los norteamericanos (canadienses incluidos, como estos Constantines) siguen formando bandas de pop ruidoso que hacen canciones incómodas, basadas tanto en los arrebatados himnos punks como en la elegante rudeza del hardcore. "Tournament Of Hearts" es, sin duda, el mejor disco de estos Constantines; una banda que se gusta, que maneja unas referencias exquisitas (nos hablan de The Pogues, de Fugazi y de The Clash) y que tiene, en la voz ronca de su vocalista, Bry Webb, su principal baza. Disco de rock enérgico, a medio camino del clasicismo retro y la efervescencia hardcore, bastan las guitarras emo, la atmósfera tensa, el estallido punk final, de esa estupenda canción, aparentemente sencilla, como "Hotline Operador", para convencer al oyente avispado de que esta banda, es, efectivamente, pura actitud. Y hay más: "Love In Fear" (casi como si Peter Gabriel y Steely Dan hicieran emocore); "Working Full Time" (donde el batería, Doug McGregor, pide a gritos el trono de Keith Moon) o el piano eléctrico de "Thieves" -nocturna, rara, magnética canción de guitarras disfrazada de rock jazz- constatan, sin dudas, que Constantines están muy bien. Si señor, Sub Pop (un sello cuya valentía deberían de tener en cuenta algunos mandamás indies de por aquí) vuelve a apuntarse un tanto. Otro.  Kinski "Alpine Static" Sub Pop - CD -2005  Por Fernando Navarro / IndyRock  Es irónica la manera en que evoluciona la escena musical, lo atrevida, arrogante, remota y snob que puede ser la prensa, lo arbitrario que puede llegar a ser el gusto público. A este respecto hay un caso que nunca quedará claro: ¿El rock progresivo -y sus secuelas- es lo peor o lo más cool del mundo? Basta que Radiohead sean consagrados los nuevos Pink Floyd o que cineastas super modernos como Paul Thomas Anderson usen a la E.L.O. o a Supertramp para que los debates a sobre ese asunto surjan una y otra vez. Sub Pop se apunta al debate, y lo hace de una manera convincente, definitiva: Kinski. Ese es el nombre de esta banda de rock progresivo (o hard rock místico, podríamos decir) que ha editado un disco, "Alpine Static" (doble Lp, ni más ni menos) donde sus querencias (medio disfrazadas bajo la apariencia de krautrock) cien por cien progresivas se encuentran con las opiniones encontradas de la audiencia que, realmente, no sabe que opinar de su propuesta. Similar, en lo que a jugada comercial se refiere, que a la de los estupendos Secret Machines, el segundo disco de Kinski es una obra ambiciosa y excesiva de rock instrumental, plagada de riffs blacksabathianos, de desarrollos épicos y juegos de producción (la guitarra espacial que aparece en "The Wives Of Artie Shaw) donde apenas hay rastro de referentes pasados los setenta (tal es el juego de mimetismo de la banda) y que deja, en mi opinión, un sabor extraño, misterioso y algo rancio, casi como un viaje en el tiempo. Una sensación que, sinceramente, no muchos discos pueden apuntarse. Pinkie "Sharon Fussy" Mushroom Pillow - CD-2005 Por Fernando Navarro / IndyRock  Proyecto unipersonal de Alex Sharkey (antes en Brighter) disfrazado de banda de pop luminoso y algo retro (de esas a la que nos tienen acostumbrado en Mushroom Pillow) el primer disco de Pinkie, "Sharon Fussy" es algo más que una agradable sorpresa. Ya desde el arranque (la ensoñación otoñal en que te sumergen las cuerdas y la guitarra de "Outside My Window" -título inmejorable para una canción que invita precisamente a eso, a asomarse a la ventana y ver la vida, triste o no, tras ella-) este disco tiene algo encantador (será el hacer pop sin ninguna otra cosa en la cabeza que no sea la belleza) que permanece en la mente (el alma) incluso varias horas después de entrado en su mundo. Como si fuera la historia de un chico en un mundo hermoso y frío que le es ajeno (quizá un chico con aires decadentistas, como si fuera un joven aristócrata de la era pop) "Sharon Fussy" conmueve por su preciosismo, por su fragilidad y su capacidad para el detalle más íntimo, por su apuesta por las voz como principal instrumento (una voz que languidece, o sonríe, entre guitarras y pianos) y por su repertorio, triste, lúcido, hermoso y sencillo: el instrumental "Someone I´ll Never", las cuerdas sintéticas de "Long Live Dreams", el gélido piano que abre "Want It To Work This Time", el ajado speech que abre "Just Pretend" (casi un guiño a Morrissey) o esa enorme balada folk que es "Adelaine" (mi favorita del disco, sin duda). Hacía tiempo que no escuchábamos un disco como este, perfecto para palidecer.  Wagner Pa "Melic" CD - Boa 2005 Por J. E. Gómez / IndyRock Los sonidos jazzy, bossa, y otros aires latinos se abren paso con fuerza en el panorama de las creaciones de vanguardia. Esto es lo que ha hecho de Wagner Pa, uno de los músicos con más éxito de crítica y de culto de la escena catalana, un referente para la fusión y lo que podríamos denominar la cultura de club, del intimismo y la expresión munimalista. "Melic" es el tercer disco de Wagner. El mismo lo considera más personal, profundo y rico musicalmente hablando. Se hace especiall, alejado de esterotipos. "Melic" es un paseo por territorios bailables, enérgicos, espirituales y, sobre todo, cosmopolitas, lo adecuado para alguien procedente de Brasil y afincado en Barcelona. La experimentación está en su base de trabajo, desde las raíces de su tierra a formas de entender el mestizaje como las de Macaco. Este disco se publica el 24 de octubre simultáneamente en España, Francia, Alemania, Benelux, Usa, Argentina... Ha contado con la  la colaboración de sus colegas musicales, Chico Cesar, Sisa, Dani Nello, Joan Garriga y otros. Con todos ellos crea una particular forma de expresar la necesidad de un mundo sin fronteras. Muchos buscan un puente atlántico, entre suramérica y Europa. Warner Pa ha trazado, al menos, los pilares para el entendimiento. www.boacor.com y www.brazucamatraca.to  Donna Maria, folk y electrónica con sabor a fado "Tudo`é para sempre..." CD+DVD / Different World / Dual Disc 2005 Por J. E. Gómez - IndyRock Cuesta creer que una profundización en las raíces de la música tradicional más pura, te lleven irremediablemente al pop y a sonidos encuadrados en las tan cacareadas "nuevas tendencias" (que ya están pasadas de rosca a tenor del tiempo que se lleva hablando de ellas). Si esta cuestión la aplicamos a la música portuguesa, con el fado como principal ingrediente, la incredulidad es manifiesta. Donna Maria es un grupo portugués con una cálida voz femenina en el "front line". Han creado una forma distinta de interpretar la música popular de su país. No es posible considerarlo fusión, porque no mezclan, simplemente interpretan, crean expresamente para ellos a partir de raices y sentimientos. La utilización de instrumentos como acordeones te hacen viajar a garitos lisboetas, pianos jazzísticos para noches tenebrosas, pero también se han decidido por elementos electrónicos, cadencias bailables de techno. Perfectos para encajar en la cultura del pop europeo. Han dado un importante giro al pop en Portugal. Donna María edita un doble disco, DC y DVD, en el que se pueden oir una docena de temas, además de un DVD con otros tantos videoclips y entrevistas. No lo olvides, Donna María, con la voz de Marisa Pinto, es un lujo para los sentidos, merece la pena dejarse llevar a espacios de veleros alejándose tras la bocana del puerto, y eternas esperas entre la niebla.  Bruno E. Soul desde Brasil "Alma Sessions" - CD Ether Records 2005 Por J. E. Gómez - IndyRock El soul crece día a dia, impacta a creadores de vanguardia, a Djs, a bandas del más puro rock. Ether Records vuelve a publicar un nuevo trabajo de un creador brasileño asentado en el llamado Soul contemporaneo, Bruno E., que saca al mercado "Alma Sessions". Un trabajo que como las raices del soul posee espacios para el baile y otros para la profundización en los sentimientos. Muestra la necesidad de viajar desde el jazz al rock y al techno a través de los sonidos más puros de la américa negra, con un impresionante toque brasileiro. Intimismo en los temas de un trabajo para el que Bruno E. ha contado con colaboraciones de diferentes músicos, entre ellos  Elis Regina, Tom Ze (más conocido como el Padrino de la Tropicalia), Xantoné Blacq o Sarah Ann Webb (cantante del  mítico grupo de acid jazz D´Influence)... En un momento en que la música que se crea en Brasil ocupa terrenos de cierta importancia en el panorama internacional, Bruno E. se convierte en un perfecto embajador de la creación electro-underground.  Mary Timony "Ex Hex" Lookout! Records L314CD, 2005  por Hugo Roca / Mexico  Conocida por sus dos trabajos anteriores (Mountains y The Goleen Doves) bajo el sello Matador Records, la ex vocalista  del trío de noise-pop Helium nos entrega un espléndido tercer álbum distribuido por la disquera independiente Lookout! Records.  Ex Hex es un disco mágico, desde la primera canción: On the floor, Timoty guía al escucha con una voz hipnotizante guiada por melodías místicas en guitarra dando la sensación de habitar un mundo de hadas en donde Tiimony exorciza sus amores del pasado " no puedo soportar que estés descansando en el piso, y otra vez te pido que te levantes pero tú no lo haces".  Un gran acierto de Ex Hex es que no es una colección de canciones sueltas, en un todo, cada canción complementa a la siguiente. En una época en la que la mayoría de discos so hechos con 3 sencillos y 10 canciones de relleno, es de alabarse que Mary Timony nos entregue un disco tan completo y complejo que es necesario oírlo en su totalidad para llegar a comprenderlo. El álbum va creciendo en ti cada vez que lo escuchas, está pensado para eso, una invitación a un viaje musical que te atrapa y no puedes dejarlo. Sin llegar a ser pretencioso, desde la portada, el disco es creado con la intención de ser una pieza de arte y sin duda lo logra. Música bella que va desde el indy rock hasta el noise-pop pasando por la neo-psycodelia.   La voz de la cantante es adictiva, una vez ensimismado en ella es prácticamente imposible dejarla de escuchar, desde la hermosa Silence hasta la furiosa Return to the Pirates, en donde Timony vocifera a todo pulmón "no te puedo amar más le dijo el doctor a la puta, quiero ir al jardín del amor guiado por una oveja y una paloma blanca", es imposible no poner atención.  La impresionante habilidad para tocar la guitarra de Timony conjugado con la batería, bajo y teclados de Dave Ocampo crea el efecto de un ambiente siempre irreal; como en un sueño, el disco transcurre en ese tono en su totalidad. Un viaje en el que el escucha es guiado por la voz de Timony  y pasa por sus distintos estados de ánimo, una Mary enojada, una Mary amable y así se sigue  hasta culminar con Backwards/Forwards.  El disco es excelente debido a que logra con creces su objetivo: llevarnos a un viaje musical de la mano de Mary Timony en el cual nos haga sentir lo que ella canta.  Música difícil de oír al principio pero que en verdad vale la pena darle la oportunidad  y oír el disco unas cuantas veces hasta encontrarle tu propio sentido.  The Rakes  "The Rakes"  V2 Recordings 2005 por Fernando Navarro -IndyRock Una ciudad que descansa por la noche y un puñado de chicos malos con guitarras. La imaginería del rock de clase británico reivindicada ya desde la portada por esta banda, The Rakes, que debutan con un disco homónimo cuyos evidentes argumentos casi quedan resumidos en sus tres primeras canciones. El acelerado riff escapista de "Strasburg", con que se abre el disco -quizá un recuerdo a la capital europea, el lugar del que parten las becas Erasmus-, la sofisticada y algo irónica flema de "Retreat", con un ritmo tramposo y huidizo, y, sobre todo, esa bomba de relojería llamada "22 Grand Job", pluscuamperfecto single de minuto y medio, sirven de libro de estilo de la banda, especialmente esta última donde aparecen: la vocación guitarrera, la voz desencantada y un texto amargo sobre el empleo precario (ya escribí en algún sitio que Tony Blair ha hecho, con su política agresiva y exterior, más favor al pop británico del que hacía cuando solía hacerse fotos con Mansun y Robbie Williams). Lo que viene después, ocho canciones más, conforman un buen disco de rock inglés, con convincentes giros hacia el pop clásico ("Open Book") o la escena siniestra ("Terror") hacia la nueva ola más atrevida ("We Are All Animals" o esa "Violent" que es puro Madness) e incluso inesperados momentos de calma cargados de sentimientos y frustraciones (la dramática aspereza de "Binary Love") que hacen de The Rakes otra de esas agradables sorpresas del pop vertiente héroe de la clase obrera.  Tienes un e-mail/ Certyl es música Por Santiago Craig /Buenos Aires Hoy me llegó un e-mail de alguien que no conozco. Pasa seguido esto, se sabe, pero por lo general al otro, al que manda el mail, suponiendo que es otro y no una máquina lanza panfletos o una especie de bocina comandada por un gran hermano cybertrónico, no le importa nada de quién lo reciba. En este caso, el mail iba dirigido a mí, específicamente, y lo más agradable de todo es que no decía nada sobre agrandar mi pene. Porque hay que convenir en que esa gente agrandadora de miembros siempre tiene la deferencia de incluir nuestro nombre en los "asuntos", generando una familiaridad que roza lo traumático. No, aquí nadie quiere agrandar nada, a lo sumo achicar, y no penes sino brechas, distancias, entre la música y los oídos, entre el que toca y el que escucha. Así que este correo fantasmagórico era de un chico que tiene una banda, al menos eso dice él: "Hola, tengo una banda, y os mando la página para bajar la música y comentadme algo si queréis" .  Claro que quiero, a ver, la página es www.certyl.com , ENTER, debe ser el nombre de la banda. Certyl.  Claro. ¿Qué significa? Veamos, ahí está: dos siluetas naranjas sobre un fondo negro, no, tres, hay una Gibson, también, o al menos eso parece, definitivamente, es una Gibson o un ganso, lo que sea, y arriba dice "Certyl es música", buenísimo, vamos a escuchar entonces. Empecemos por "La muerte", el primer tema, raro, empezar por ahí, me gusta, dar vuelta las cosas, está muy bien, ahí está, es una voz de traductor de películas, ¿Es "El séptimo sello", de Bergman? No se, no soy tan culto como para aprender de memoria los diálogos de películas blanco y negro. Ni tan culto ni tan snob, pero está bueno lo que dice. De pronto, ahí está, al fin, la música, suave, de a poco, casi imperceptible, se mete en los oídos, como la muerte. "Long night", segundo tema. Es en inglés la cosa, y hay guitarras: esto va cada vez mejor, hay algo épico, y una distorsión de fondo que parece el presagio de una tormenta o de una plaga líquida. Hay Pearl Jam, y Ozzy, y metal. Hardcore melódico, sí, eso se saba, es lo que es, pero se puede decir más, siempre.  No se bien qué hay, pero está muy bien. Es cada vez más progresiva la cosa, más escalas y pelucas plateadas, botas pisando pollitos que pían ringtones, y sintetizadores que parecen frenadas de naves espaciales. Es como si Bon Jovi hubiera probado ácido en Transilvania y diera una serenata lunar. Los solos de guitarra dan ganas de ser un Bella Lugosi que se alimentara de bloody mary bien cargado. Vivieron los 90, estos chicos,  se los masticaron sentados en un Marshal chiquito lleno de grasa de papas fritas. El último tema es un descanso, de opio, breve, Cell and love, una especie de viaje en el tiempo sintetizado, una de esas pastillas que se repartían en el mudo feliz ideado por Huxley. Y eso es todo...Me gusta, sí, escúchenlo, vale la pena, una lástima que no haya más botones en la página, ni una foto, ni nada más..que música. Claro, esa es la idea, de este mail sin dueño, de esta comunicación entre desconocidos, de este modo perfecto de comunicar sin ver, sin decir demasiado. Certyl es música que grita al cyberespacio, respondan su llamada. Siwel "Unforgettable Moments of Forgettable Times" Zebra Records 2005  por Fernando Navarro -IndyRock Este es un disco sobre recuerdos. Una colección (en palabras de su autor) de momentos inolvidables en tiempos olvidables. O como acordarse de la luz que había en medio de la tiniebla. Segundo disco de Siwel, "Unforgettable Moments of Forgettable Times" es una obra algo más madura, menos referencial que el homónimo "Siwel" con que debutó su autor hace un par de años. Más atrevido que este, algo menos austero y monocromo, el segundo disco de Siwel es un disco bonito, de folk apacible, de melodías agridulces, tristonas, que sigue falto, no obstante, de hallazgos pop, de quiebros y atrevimientos, como si lo están, por ejemplo, las canciones de Elliot Smith (quizá el principal referente de Siwel). Aunque abunda, insisto, en hermosas canciones ("Lullaby", "Scar", "I Know How This Story Ends", cantada por la vocalista de Emma Get Wild "Now Or Never", "Why So Easily?" o "Mayuri"), cuyos textos, en su mayoría autobiográficos, nos sirven para reconstruir historias tristes, sobre ausencias, amores interrumpidos, despedidas, el repertorio de Siwel acaba cansando levemente por su tímida afección y por su falta de riesgo.  Disco para chicos tristes, para tardes de otoño, para solitarios convencidos, "Unforgettable Momentos of Forgettable Times" se cierra, no obstante, con una sorpresa "Ahora Ya No", la primera canción en español de su autor (la mejor del disco) y, quizá, un aviso de por donde pueden ir los tiros en siguientes trabajos.  Logan  "Lúmina"  WEA / Warner Music 2005 por Fernando Navarro -IndyRock Dice presuntuosamente la hoja de promo del segundo disco de Logan que las canciones de "Lúmina" (nombre de este segundo disco) buscan algún tipo de conexión espiritual con el oyente; algo de lo que, afirman, no existen demasiadas referencias en la música popular. Y me pregunto, con igual presunción, ¿lo consiguen las canciones de Logan como lo hacen, sin aspavientos y sin tan siquiera proponérselo, las canciones de Brian Wilson, de Dylan o Joy Division, por poner tres ejemplos dispares? Y la respuesta es, me temo, no. Confundiendo contenido con continente, abusando de metáforas cósmicas y sintetizadores y con un misticismo algo new age, las canciones de "Lúmina" deambulan entre el rock progresivo (incluso hay una versión de King Crimson) y el chill out. Quizá la abundancia de compositores y colaboraciones hacen que el material suene disperso, confuso y algo pretencioso y que, de este modo, se alternen propuestas más o menos interesantes (las reflexivas "Vía Láctea" o "Eterno Azul" o la muy Bowie y de paso muy Bunbury "Dos" o la guitarra David Gilmour de "Hombre Nuevo") con algunas algo más obvias (los sonrojantes recitados de "Busco La Luz", "Sueño Que." o "Cuando El Pequeño Juan", la ópera rock de "Incomunicado", el momento rock de "La Huida") dando, como resultado, un disco que remite a los algo ingenuos últimos discos de Pink Floyd y en lo literario-espiritual a una idea de religión cercana a  la de la Cienciología y demás artefactos de espiritualidad empaquetada que, estoy convencido, nada tienen que ver con la hermosa y antigua idea del alma humana.  Future World Funk  "Onthe run"  Ether Records 2005  por Fernando Navarro -IndyRock  Interesante recopilatorio, recomendado para amantes de la música bailonga. Aquí encontramos, reunidas para la ocasión por los Dj´s Michael "Cliffy" Clifford y Russ Jones (o Future World Funk que para el caso es lo mismo), más de veinte propuestas distintas de funk del mundo, en una especie de tratado antropologio/musical que Cliffy y Russ separan, como mandan los cánones, en dos disco: "Up" y "Down".   Se abre el "Up" con el ragga jamaicano de Jah Screechie para dar paso a un complejo viaje, donde se encuentran las texturas brasileiras de la Banda  de Pifanos de Caruaru y la excesiva cumbia spanglish de Fulanito con los más variados aires orientalizantes (desde G Samra a Transglobal Underground o la Bollywood Brass Band) pasando por algunas aventuras africoamericanas (ese "Día del Sol" de Marka and Xrs o la luminosidad de "Rythm" de Laventille Rythm Section) y donde al final uno queda tan aturdido, tan mareado que ya no sabe distinguir ni en que país vive, ni el idioma que habla, como si este disco fuera una hábil manera de revisitar la primera confusión de la torre de Babel.   "Down", el segundo disco, apuesta abiertamente por la electrónica, desde la vertiente down tempo, el chill out o incluso el trip hop. Caben aquí la fusión mística oriental de "Kahin Deep Jaele Kahin Dil" con los vientos de Two Culture Clash, el soundsystem de "Greedy Little Deggy" de Uroy with Tony Tuff con la maravillosa "Bucovina" de los rumanos Shantel, la genial "They Gotta Quit Kicking My Dog Around" (el encuentro entre Ferry Hall y Mushtaq) con Eastenders o Dry and Heavy, cerrándose esta especie de Lonely Planet de la pista de baile con la desconcertante "Día de Desfile", una canción donde se encuentra el hip hop, la música brasileña, el ska, la salsa y el reggae. ¿Alguien se atreve con más?  Rosie Thomas "If Songs could be held"  Sub Pop 2005  por Fernando Navarro -IndyRock Basta la conmovedora fragilidad de "Since You´ve Been Around", la preciosa canción que abre "If Songs Could Be Held" para convencerme de que, con su tercer disco, Rosie Thomas ha dado un definitivo paso adelante en su, aún breve, carrera. Ayudada por bastantes músicos ajenos a su circulo (entre otros el guitarrista de Liz Phair y Ed Harcourt), contando por primera vez historias no personales y a pesar de todo mucho más cercana, Rosie Thomas ha grabado un maravilloso disco de folk, en el que la instrumentación es más sólida (aparecen baterías y bajos como si fuera un disco de pop, las acústicas no oprimen las canciones) y los textos son más libres, más intensos, dando lugar a sus mejores canciones en los últimos años. Desde ese himno que es "Pretty Dress" al piano eléctrico que devora "It Don´t Matter To The Sun" (en el que Rosie canta, con desencanto, eso de "no le importa al sol, si te quedas o te vas / no le importa al sol, pero a mí si"), desde el dueto con Harcout en "Let It Be Me" (estupenda canción resentida que suena a clásico de toda la vida) al folk desnudo de "Clear As A Bell" o "Time Goes Away", todas las canciones de este buen disco dejan un raro poso triste en la memoria, como si abandonáramos, sin mirar atrás, a alguien a quien queremos; como en el funeral de una chica hermosa, el nuevo disco de Rosie Thomas es un trozo de tiempo detenido, inalcanzable, doloroso y, finalmente, único.   Tarik y La Fábrica de Colores"Sequentialee" Mushroom Pillow 2005  por Fernando Navarro -IndyRock Con discos como este "Sequentialee" se dispara la imaginación del cronista. Empezaremos con los tópicos que surgen cuando alguien habla de Tarik. Personaje de culto, maldito, genio, esquivo. Y ahora dos verdades. Una, que Alvaro Tarik nunca ha tenido demasiada suerte. Dos, que sus canciones son estupendas, mucho mejores que las de la mayoría. Otra verdad, la tercera: el más hábil sello independiente nacional, Mushroom Pillow edita nuevo material de Tarik, ahora bajo el nombre de Tarik y La Fábrica de Colores. "Sequentialee", su primer disco bajo este nuevo nombre, es el retrato de un músico que ha perdido la memoria y está recuperándola; una especie de caja en la que reúne sus canciones favoritas, las nuevas que ha ido escribiendo durante todos estos años, todos sus viejos recuerdos; es la fotografía de un rostro que prefiere, por ahora, no mirar directamente al objetivo de la cámara. El disco sirve a la vez de narración autobiográfica y de crónica inventada sobre un hombre que viste como un crooner, articulada como el viaje de regreso de ese músico insomne desde que se vuelve a subir a un escenario (así entiendo las versiones, como "Cinnamon Girl o los tímidos aplausos de un público sorprendido que se escuchan al principio y al final de la bowiniana "I Forgot The Lyrics") hasta que vuelve a escribir sus propias canciones. Película agridulce, novela dentro de una novela disfrazada de disco de pop clásico ("A Balón Parado", "Porque Es Domingo" y, sobre todo, "Vengan Los Amantes" son tres de las mejores canciones que vamos a escuchar este años), "Sequentialee" es una obra metalingüistica e inteligente, llena de claves y secretos, un puzzle incompleto y misterioso. Un disco inesperado que sirve para reivindicar y replantearse a uno de los más interesantes personajes de la escena musical de los últimos diez años. Bienvenido a casa.  Extraños en el Paraíso "Sin mirar atrás" Mandarina Records 2005  por Fernando Navarro -IndyRock Músicos de acompañamiento y a la vez teloneros habituales de Amaral, Javier Pedreira y Manuel Mejía formaron parte de Latino Diablo antes de debutar en el formato dúo como Extraños en el Paraíso. Su primer disco con este nombre, "Sin Mirar Atrás" es una obra de rock con aspiraciones comerciales, un disco donde la estructura rockista que se deja influenciar por el pop gótico o por el nuevo punk, por la psicodelia amable y por el funk blanco e incluso por el ya olvidado Nu-metal. Uniendo referencias más o menos válidas de la música comercial contemporánea (Radiohead, The Cure, Placebo, Faith No More) Extraños en el Paraíso dan cuerpo a un repertorio donde se encuentran hallazgos como el toque nuevaolero de "7 Días", el rock paranoico de "Rozando El Abismo", la eficacia "Sin Mirar Atrás", la introspección de "El Espejo" -con ese arreglo a lo Japan-, la versión de Parálisis Permanente ("Autosuficiencia") o la (esperada) aparición de Amaral en el reprise de "Sin Mirar Atrás"; un primer disco que, algo irregular y dubitativo, indeciso a veces sobre el tono que utilizar, habla de una banda joven y con ganas.  Fat Freddy´s Drop "Based on a true story" Love Monk 2005  por Fernando Navarro -IndyRock Banda revelación en Nueva Zelanda -país en el que se han colocado en el número uno y del que, por desgracia, no nos llegan demasiados nombres- Fat Freddy´s Drop son una interesante fusión de elementos de músicas bailables (Dub, Regga, Electrónica), una banda en la que los argumentos orgánicos se imponen a la fría electrónica, convirtiéndose en una aviso de por donde puede (y debe) ir la música bailable del futuro. Disco elegante, sofisticado, "Based On A True Story" se abre con los siete minutos de dub abstracto de "Ernie" para ofrecer, a continuación, todo un recital de soul jamaicano (alguien dijo de Joe Dukie, vocalista de la banda, que era el mejor cantante vivo de soul) donde los ambientes, la aletargada producción envuelve unas canciones apacibles, serenas, acaso tristes (la extraña tristeza de las playas) como la estupenda "Cay´s Crays", la casi folk "Dark Days", la electrónica cortante de "Flashback" o la misteriosa "Wandering Eye". Siempre es estimulante descubrir que en sitios tan lejanos y remotos como Nueva Zelanda, alguien está haciendo música novedosa, de calidad.  New software "New Software"  Lloria Discis 2005  por Fernando Navarro -IndyRock A veces no hay que dejarse guiar por la portada de un disco. Sirva esto de autocrítica, sobre todo. Al examinar la portada del primer disco de New Software (negra y con un borroso logotipo alado en la portada) y su procedencia (Gijón) lo primero que pensé es que se trataba de una banda de post-rock. Luego leí que entre sus integrantes se encontraba Xel Pereda, también conocido por formar parte de Las Esferas Invisibles, la banda de Nacho Vegas. ¿Qué encontré al escuchar este extraño disco homónimo? Pues un disco de rock americano tradicional, de folk oscuro, cantado por una de las más privilegiadas voces que ahora mismo se pueden escuchar en la música nacional, el para mí desconocido Fredi García. "New Software" se abre con "Our Own Way", una canción a lo Velvet, que empieza como una pieza de folk luminoso y que se recrudece, inesperadamente, con unas guitarras afiladas que, sin embargo, no oscurecen la canción; a esta maravilla le siguen doce canciones más de folk y rock americano que lo mismo remiten a los Byrds que a las últimas canciones de Mark Lanegan, tanto al Johnny Cash de la época American Records como a los siempre inquietos Wilco. Disco sorprendente, por tanto, reto para los coinneseurs de la música independiente nacional, "New Software" debe ser saludado como la más agradable sorpresa de la recién estrenada temporada. Yo pienso seguirles la pista y, a partir de ahora, fiarme menos de las portadas.  The Quantic Soul Orchestra "Pushin on"  Love Monk 2005  por Fernando Navarro -IndyRock The Quantic Soul Orchestra es la aventura orgánica, viva, llena de alma (soul) del músico y dj británico Will Holland; una propuesta que el músico quiere diferenciar claramente de su otro proyecto con muestras y programaciones, Quantic, a pesar de la similitud de los nombres. Así, esta orquesta de soul es exactamente eso: una increíble nómina de músicos, en el que brillan especialmente los metales, que ponen sus instrumentos al servicio de cierto soul abrasivo y machacón, de funk nervioso y carnal. Con la destacada presencia invitada de la vocalista Alice Russell (que canta varios temas, entre ellos el muy Curtis Mayfield, "Pushin´ On" y la estupenda revisión del "Feeling Good" de Leslie Bricusse & Anthony Newley que ya han versionado otros artistas como Muse o más recientemente el crooner Michael Bublé) y un repertorio escrito casi en su totalidad por Holland (exceptuando la versión de "Feeling Good" y otra de "Get Move On") "Pushin On" es un disco de neo soul con tintes cinematográficos, en el que la música negra tradicional se deja contaminar por aires cinematográficos europeizantes (esa "The Conspirador (Main Theme)" que es puro Bond o los suntuosos arreglos de cuerda de "Paintings And Journeys") y por el descaro minimalista de la música electrónica ("Hold On Tight"). ¿Es este el soul del futuro?  VV.AA. "Cómete Madrid" Madrid"  Bcore 2005  por Fernando Navarro -IndyRock Hace ya bastantes años que BCore se dedica a editar estupendos discos, no sólo de hardcore, sino de cualquier tipo de música que pueda aportar algo a la música independiente nacional. Dando un paso más en esa carrera importantísima de consolidación de su propuesta de mecenazgo, BCore edita ahora un recopilatorio, "Cómete Madrid" que reúne a las, según criterios del sello, nuevas propuestas más interesantes surgidas en la capital de España. Una propuesta que viene a confirmar la idea de que Madrid se encuentra en un estupendo estado de forma en lo que a la creación de nuevas bandas se trata. Hay muchos nombres y, por espacio, es imposible destacarlos a todos. Diremos, por justicia, que se trata de una selección amplia, libre y muy diversa, en la que casi todos los estilos en las fronteras del rock están respresentados. Entre las bandas más interesantes aparecen algunas con discos ya editados (Rosvita con su inquietante instrumental "Hoy No He Visto La Luz", la omnipresente Ainara LeGardon, doss o Nothink) y bandas que aún no tienen disco (el emo de The Joe K Plan o Margarita, el rock oscuro de Peluze, el electroclash asesino de Humbert Humbert o el pop aparentemente ingenuo de Garzón) aunque todas están unidas por la vocación de ser distintos en una ciudad, Madrid, donde ya nada lo es.  FMM "New Software" CD-Lloria Discos 2005  Por J. E. Gómez / IndyRock (Lanzamiento, octubre 2005) En un momento en el que componer canciones y canciones en español, es una agradable sorpresa encontrarte con gentes que no reniegan de las raíces anglosajonas del pop y el rock. FMM es una nueva formación creada en Mieres, en tierras asturianas, meca de buenas bandas. Están lideradosd por Fredi García, con la compañía de m-úsicos curtidos en la escena nacional, como Ivan González (bajo) procedente de Deluxe; Pepe Acebal (batería), de la banda Big Trip. Todos ellos gustan de la música de los 60/70, con melodías suaves, estribillos inolvidables y, sobre todo, alta calidad de composición, en la que juegan con aires psicodélicos y jazzisticos, e incluso con una cierta tendencia al country. "New software" es el primer trabajo de esta banda, que ha contado con la ayuda de Lloria Discos para su lanzamiento. Es un disco que gana con las escuchas, que podría entrar directamente en las páginas de la historia del mejor pop hispano, aunque esté en inglés.  Dog Men Poets / "Birth of the cool" CD 2005 - My Texas Music  Underground  funk-hop made in Texas Por J. E. Gómez / IndyRock  El funk es descarado, sensual, atractivo. Si le añadimos un poco de rock, grandes dosis de hip hop y, aires latinos, el cocktel resulta explosivo. Una banda de San Antonio (Texas) ha logrado un sonido que puede revolucionar las calles multicolor de las ciudades fronterizas, a un paso de Mexico. Gog Men Poets, es el resultado de la unión artística entre Matt Baker (voz, guitarra acústica); Brouillet (voz y teclados), G-Smiles (Bajo), Ras Christopher (batería) y OBN (percusión). A caballo entre Molotov, Red Hot Chilli Peppers, e incluso con recuerdos electrónicos a Prodigy, Dos Men Poets han creado una música que viaja entre la rabia de las rimas urbanas, con impecables sonidos de scratch, a melodías retro enraizadas en el jazz y el soul. Los "poetas", gustan de las melodías calientes, cadenciosas, caribeñas, para llegar directamente al corazón latino. Su álbum "Birth of the cool", autoproducido, ha conseguido la atención de los grandes medios musicales, con una especial difusión en el sur de Estados Unidos y en Mexico. Cadenas de radio europeas han descubierto también la música de Dog Men Poets. Un soplo de aire fresco que "amenaza" con "destrozar" los escenarios de los grandes festivales europeos. Escuchar en www.dogmenpoets.com  The 55´s - Cobra - SL Records - 2005  por Roberto Martinez - IndyRock Después de su Ep debut titulado "Before the judge turned us to shadow" y editado también con SL Record estos chicos escoceses nos presentan su primer disco mas maduro y definido.  16 temas directos y rápidos (raro es el tema que supera los 3 minutos) nos hacen entender mejor su peculiar forma de ver el rock.  Voces, coros y guitarras distorsionadas en su  justa medida. Una sección rítmica que no sorprende ni deja de hacerlo ya que es la conjugación perfecta para las canciones, letras abrasivas que no te dejaran indiferentes.  Especial atención a "Humdinger" un tema muy directo que podría estar firmado por cualquier banda grande.  Huyendo de esperimentaciones sonoras y trucos efectivos para crear hits fáciles de digerir The 55´s te proponen un disco de calidad, pensado y trabajo en los ya muchos  directos por el Reino Unido y en la ciudad donde les ha visto crecer, Escocia.  También tienen ratos divertidos como "Me oh my" donde sin olvidarse de la buena música se ríen de ellos mismos.  "Spanish song" es otro de los temas recomendados de este CD. Dada la cercanía de la banda a nuestro país.  Con tal vez una pronta gira por nuestro pais y una distribución nacional The 55´s te pueden llevar donde The Vaselines te han podido dejar.  "Folk song" "Fuck me hard" o "Command and conker" te pueden hacer una idea por donde respiran estos 55´s.  Si estas interesado en conseguir una copia de Cobra no dudes en entrar en www.slrecords.net o www.the55s.com  Bart Davenport - Maroon Cocoon - Mushroom pillow - 2005  por Roberto Martinez - IndyRock Como una vuelta a los años melódicos, con guitarras acústicas y buen sentido del gusto Bart Davenport nos presenta su nuevo CD.  12 temas, que comienza con una declaración de principios llamada "Welcome to the Show" donde Bart desnuda a la propia sensibilidad y la hace suya, maravillando con unos acordes y una melodía vocal traída directamente de los mejores discos de Simon & Garfunkel.  Maroon Cocoon es el disco perfecto, ha sido creado y meditado para que te despiertes un Domingo por la mañana. Poco a poco mientras el sol llega a su punto mas alto.  Lleno de sensaciones que transmite casi aunque no quieras te llevan por un mar de sentimientos encontrados sin bajar un ápice la calidad en ninguno de los cortes.  "Clara" que es el segundo corte es una preciosa canción de amor, donde Bart nos abre la puerta del romanticismo mas clásico y nos le encontramos diciendo "I love you Clara"  No será hasta "LA Girls" donde Bart decide subir su amplificador y pisar el pedal de la distorsión. Y aún asi no nos hará despertar mas de nuestro sueño, ya que todo lo que hace este hombre esta rodeado de un estilo cauto y buscado. El mismo ha sido el productor del disco y le ha dado la tonalidad que ha querido.  Lleno de coros y dobles voces la mayor parte del tiempo de este disco esta lleno por la voz de Bart y su guitarra. Detalles de otros instrumentos aparecen en momentos donde la canción lo pide. Pero eso es, solo lo justo y necesario.  Eso hace un disco totalmente desnudo de súper producciones, honesto, cuidado y sencillo.  "Sad Machine" es el tema escrito para terminar el disco.  Los temas estrellas son todos los cortes de este disco, porque te ayuda a entender la simplicidad de este proyecto. De canciones no excesivamente largas donde lo mas importante es la melodía y el buen hacer. Un disco que no puede faltar en tu habitación, perfecto para ser el acompañante de un libro o un café con amigos.  The Futureheads "The Futureheads"  679 / Warner 2005  por Fernando Navarro -IndyRock Integrados en la nueva hornada de bandas británicas (en la que los críticos optimistas y también los obsesionados con las etiquetas, han querido ver una nueva reencarnación de la New Wave of the New Wave) The Futureheads reivindican, orgullosos -como buen británico- el legado de la música de su país con un disco plagado de guiños a The Jam, Gang Of Four (un grupo mucho más citado que oído, me temo y cuyo miembro, Andy Gill produce algunas cortes de este disco) o referentes más cercanos como Blur (de los que Futureheads son declarados fans) y con el que el cuarteto británico ha reventado (algunas) listas de éxitos. Disco de after punk, de mod anfetamínimo, de rock trajeado y nervioso, de punk, "The Futureheads" contiene un buen número de trallazos breves (quince canciones más dos remezclas que apenas superan los tres minutos) en el que verbalizan las (habituales) frustraciones de clase de los ingleses; en el que, de nuevo, el escapismo es la salida; un imaginario en el que el rock, el alcohol, las pastillas sirven de válvula para una generación "tacherizada" por Blair, traicionada por uno de los suyos (en palabras de Nick Hornby) y que se siente oprimida, asfixiada y, en último término, aburrida. Con algunos de los más contundentes trallazos de punk rock que vamos a escuchar este año (con "Decent Days and Nights" como pieza clave, aunque también con "Meantime", "Carnaval Kids", "Trying Not To Thing About Time" y la sorprendente versión de Kate Bush, "Hounds Of Love") "The Futureheads" es uno de esos discos que, de vez en cuando, vuelve a situar Inglaterra en el mapa, que nos recuerda que de esa isla gris, llena de (buenos) bebedores, grandes escritores, enormes museos y lluvia, suelen salir grandes bandas de rock. Esta es, creo y si el tiempo no los hace daño como suele, una de las buenas.  VV.AA. "Houston Party 7"  Houston Party  Records 2005  por Fernando Navarro -IndyRock No suelo hablar de recopilatorios en esta sección. Me cuesta hablar de antologías -a veces arbitrarias, otras descompensadas, a veces desastrosas o inútiles- aunque haré, esta vez, una excepción. Y seré, además, más breve de lo habitual. Si todavía queda alguien por hay que no tenga en su colección ningún disco de Iron & Wine, The Postal Service o el maravilloso debut de Lori Meyers este texto va especialmente dedicado a él. Porque esas tres bandas tienen en común el sello que aparece detrás de ellas; un mapa el estado de Texas y un puntito que señala una ciudad al sur, Houston. Con este recopilatorio (lacónicamente titulado "Houston Party 7") el sello barcelonés recoge lo mejor de un año plagado de excelentes discos, al tiempo que adelanta nuevas referencias o antologa rarezas de sus mejores bandas. Destaco, para no ponerme demasiado espeso, lo mejor (y añado que si las canciones incluidas en este disco son estupendas, los discos completos lo son aún más) del disco: la maravillosa "Interstate 5" que abría el esperado regreso de The Wedding Present, la, para mí, sorpresa rock del año, Sleater-Kinney, de las que se incluye "The Fox", la increíble versión de "La Caza" de Los Brincos, a cargo de Lori Meyers -hoy por hoy la banda con más futuro del pop independiente nacional-, "Patience", una joya oculta de Micah P. Hinson, "Jezabel" del tremendo Iron & Wine (de quien esperamos ansiosos nuevo disco) el conocido "We Will Become Silhouttes" de The Postal Service (personalmente una de las más gratas sorpresa de los últimos cinco o seis años), "I Love The Sound Of My Guitar" de Steve Turner, la crónica polvorienta de "June Gloom" (o Parker & Lily en plan Steinbeck) y el cierre, "Passport Radio" de los intenso Broken Social Scene. Me he dejado canciones, pero no iba a ponerlo tan fácil. Existe la felicidad, en forma de mapa de Texas con un puntito que señala Houston, una ciudad al sur del estado.  Panorama  "El viaje más largo del mundo"  Mushroom Pillow 2005  por Fernando Navarro -IndyRock El indie es un fenómeno de ida y vuelta. Hace no mucho teorizaba (con motivo de la aparición del primer disco de Amarillo) en este mismo espacio sobre la supuesta muerte del indie, sobre su vigencia y sus resultados artísticos y, finalmente, sobre su inevitable regreso. Bien, la edición de este primer disco de Panorama confirma lo que ya aventuraba en aquella otra crítica: que la generación post-indie existe, que ya hay bandas, que están editando discos y que algunos no están nada mal. Lo cual significa que todos nos estamos haciendo viejos y que hace ya más de diez años de la aparición del "Medusa E.P" de Los Planetas y pronto hará diez de "Una Semana en el Motor de un Autobús", el disco que supuso, por su contundencia y por su magnitud, el fin del indie. Surgidos de aquella banda llamada Super 8 (creo que es evidente a cuento de qué viene toda mi parrafada inicial) Panorama debutan con un disquito sobre desamores en el que aparecen las influencias justas para hacer pop luminoso, agridulce (Teenage Fanclub a la cabeza) cuyo sonido, deliberadamente sencillo (no hay arreglos complicados ni una instrumentación especialmente compleja) y cuyas canciones, intrascendentes, amables, algo ingenuas, fabulan sobre relaciones acabadas, sobre mentiras piadosas; habla de una generación muy precisa de este país, estudiantes universitarios hace diez años que ahora sufren en sus trabajos aburridos, salen por la noche, se drogan de vez en cuando, jamás escuchan Radio 5 y suelen, quizá por diversión, machacarse por culpa del amor. "El Viaje Más Largo del Mundo" (quizá ese que conduce al treinta cumpleaños) es, sin duda, la primera obra madura, metalingüista y reflexiva del post-indie. Si, eso pienso.  Secret Machines  "Now here is nowhere"  Reprise / Warner Music 2005  por Fernando Navarro -IndyRock Psicodélicos, excesivos, arriesgados, tremendos, Secret Machines son una de esas bandas contemporáneas que reivindican el legado de los Pink Floyd post Syd Barret -algo impensable en según que ámbitos- y que practican rock ruidoso, grandilocuente basado en largos desarrollos instrumentales, épica y misterio y textos metafísicos, existenciales, oscuros. En "Now Here Is Nowhere" (intraducible juego de palabras), su segundo disco, no se andan por las ramas y ya desde el arranque (los nueve minutos rítmicamente minimalistas de "First Wave Intact") dejan claro que este será un disco complicado y enorme. Entre el sinfonismo rockista del espacio y la neo psicodelia de Mercury Rev o Flaming Lips (aunque con algo menos de la fantasía silvestre de los primeros y de colorismo pop de los segundos) "Now Where Is Nowhere" es un ambicioso y apabullante ejercicio de retromodernismo, donde las canciones no terminan de sonar completamente contemporáneas pero tampoco terriblemente demodé; donde los textos juegan al engaño, al despiste y a la metáfora confusa y el símil oscurantista; donde la banda -un jovencísimo trío, a pesar de lo que parezca- demuestra estar en forma y sacarle el máximo partido al estudio y a los instrumentos. Un disco no conceptual que suena a superdisco conceptual en el que las mejores canciones son aquellas donde la enorme contundencia de la propuesta adquiere tintes de rock deforme y atormentado, como en la muy Led Zeppelin "Sad And Lonely", en el space rock de "The Leaves Are Gone" o el tono casi shoegazer de "The Road Leads Where It´s Led", en el post rock que aparece en "Pharaon´s Daughter" o al final de "Now Where is Nowhere". Niños mayores del mundo, vuelve el rock progresivo.  Panorama Neutral - CD-recopilatorio "Quemasucabeza", discográfica Chile  Distribuye en Europa-Astro discos 2005  Por J. E. Gómez / IndyRock Chile ha dado la sorpresa. Su movimiento musical independiente ha alcanzado cotas de calidad que les equiparan a los sectores indys de cualquier país europeo. El sello Quemasucabeza ha decidido lanzar un CD con 12 temas, y 12 bandas, para mostrar al mundo lo que hacen los creadores chilenos. Han decidido dar el salto atlántico y lo hacen con una música que impacta. Desde el folk independiente, con intimistas de GEPE, que en realidad es Daniel Riveros, baterista de Taller Dejao. Otra de las bandas, Congelador, lleva ya cuatro discos a sus espaldas. Están a caballo entre el noise y el pop. "Comenzar de cero", el tema inclido en "Panorama Neutral", es una exprimentación perfecta que muestra los caminos del pop latinoamericano más cercano a los aires británicos. Son dos de los grupos o creadores que se han unido a otros como Javiera Mena, que viaja desde Violeta Parra a una música con bases electrónicas; Mostro, luna banda que apuesta por estructuras instrumentales; Fredi Michel, una banda de cuatro chicosy una chica  muy jóvenes que plantean sonidos de una intensidad que llega casi al caos y que no puedes dejar de escuchar. También está Barco, sonidos acústicos muy personales de Rodrigo Santis (de Congelador). Algo más allá del post rock llega Dizzlecciko, cargados de sentiminetos y atmósferas delicadas e íntimas. Nhur continua la apuesta experimental y postrock de "Panorama Neutral", con esta banda fundamentalmente indtrumental, en la que destacan los silencios como parte de la composición. El disco se cierra con Shogun, el proyecto de Cristian Heyne, un productor metido a músico tecnológico.  Este disco será editado en Europa por la discográfica española Astro Discos, que a su vez distribuye trabajos de sus artistas en Latinoamérica a traves de Quenmasucabeza. Además Congelador editará pronto en España su último trabajo.  Nothink  "BIPOLAR AGE"  ALOUD MUSIC 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Como el trastorno bipolar al que puede aludir, al menos remotamente, el título del disco, Nothink estudian la locura, la paranoia y, sobre todo, la esquizofrenia en su disco de debut, en esas canciones algo esquizofrénicas, cambiantes, con giros inesperados, donde nunca terminan de imponerse el ritmo o la melodía, donde la canción -más que nunca un ente vivo- cobra forma y decide hacia donde virar, a que espacio llegar, que contar. Jovencísimo trío madrileño, Nothink podrían -deberían, aseguraría el cronista perezoso- asociarse a la corriente del hardcore melódico (si es que tal cosa alguna vez existió), el llamado emo, aunque para ello haya que sacrificar el hecho de que sus canciones también ejercitan la musculatura del punk melódico, o la inquietante contundencia asilvestrada del post-grunge o, incluso, la libertad de pineros como Ian McKaye o At The Drive In. Nervioso debut sobre trastornos y anomalías, sobre traumas y traumatismos, "Bipolar Age" descubre algunas de sus mejores bazas ya al principio ("Starting Days With The Right Food", "Straight On Back), aunque es cuando se entra en el disco -la segunda escucha es más satisfactoria- es cuando se descubren todas ("Mr. Smile", quizá mi favorita, "The Shelter", "Undirectional Race" o la maravillosa guitarra acústica protagonista de "The Right Way"). Lo sigo diciendo: no sé si existe el emo o si es un invento de la prensa o de las propias bandas, pero toda la música que se le parece está dando grandes discos al panorama independiente nacional. Eso si se entiende.  The Tears  "HERE COME THE TEARS" V2 RECORDINGS 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Tras una sonora pelea en medio de la grabación de su mejor disco como Suede, el excesivo y decadente melodrama erótico "Dog Man Star" (pelea aireada por la repugnante prensa británica y más propio de un folletín que de una banda de pop seria) Bernard Butler y Brett Anderson tiraron cada uno por su lado. Butler comenzó ejerciendo de guitarrista de lujo en casi cualquier grabación a la que fuese invitado (aún su rastro puede seguirse en los discos de The Verve, por ejemplo) para acabar editando un par de decepcionantes discos de folk rock algo amanerado. Anderson, por su parte, rescató la cara pop chicle de Suede e intentó, armado con su descomunal ego de tintes bowiescos, levantar tres discos de Suede con un repertorio cada vez más mediocre, ahogado de afección y glamour. Ahora, como si se tratara de una boda en segunda nupcias, vuelven juntos; sin atreverse, con buen criterio, a resucitar a Suede y cambiando, primero de nombre (ahora se llaman The Tears) y luego de aires (esto algo menos).  "Here Come The Tears" conserva de la época Butler de Suede, el poso dramático de algunas canciones, el exceso casi operístico de otras, las guitarras -sin duda Butler es un estupendo y personal guitarrista- mientras que de los Suede de Anderson quedan el gusto por los cuentos urbanos, por las historias de amor llevadas al extremo, por el erotismo (homosexual o no) y el amor. Las novedades son el abierto optimismo, la luminosidad no disimulada; han desaparecido, si no del todo, si bastante, la afectación vocal de Anderson y la autodestructiva amargura compositiva de Butler. The Tears parece (es) una banda de pop que hace buenas canciones, algunas más trascendentes que otras, que hace un hábil uso de los recursos instrumentales (las acústicas, los arreglos orquestales mesurados) para dar forma a un disco de pop sin fisuras ni demasiados alardes, un disco casi intrascendente (no es engañen, ahora uso intrascendente de un modo no peyorativo) que esconde canciones bonitas: "Refugees", "Imperfection", "Two Creatures", "Lovers" o "Brave New Century" entre mis preferidas. Con eso, para empezar, ya es suficiente para el debut. Habrá que esperar a ver que pasa con el segundo. ¿Otro "Dog Man Star"?.  My Chemical Romace "THREE CHEERS FOR SWEET REVENGE"REPRISE RECORDS 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Segundo disco de My Chemical Romance, primero en Reprise (maravilloso subsello de Warner que, paradoja de los nuevos tiempos, también edita a Neil Young o a Chris Isaak), pocas veces he leído un título (no suelo pasar por alto los títulos o las portadas, creo que me pueden decir más de una banda de lo que muchos creen) que deje más claro de que va esta jovenzuela banda de rock norteamericana. "Three Cheers For Sweet Revenge" (que yo traduciría, casi al pie de la letra, "Tres Brindis por la dulce, dulce venganza") es el nombre de este disco de rock juvenil, punk alocadamente adolescente y pseudo-metal pseudo-malvado. Última transformación que ha sufrido el maltratado rock en manos de la industria, el segundo disco de este quinteto surgido en New Jersey sirve, elocuentemente, para hablar de la transformación del rock, de la actitud y hasta de la ropa negra -aquella que Johnny Cash vestía con tanta elegancia, como un auténtico asesino peligroso-. Canciones más o menos intrascendentes, producción a lo Avril Larvinge -el paradigma de toda esta historia, el eslabón perdido entre la verdad y la mentira- donde las guitarras parece que se retuercen y se recrudecen, cuando no lo hacen en realidad, algunos punteos demodé para resultar divertidos y que se note que les gusta Motley Crüe y canciones sobre jóvenes y jóvenas atrapados en sus casitas residenciales de vayas blancas (ellos los llaman picket fences), jugando a maldad de comic book como las protagonistas de "Embrujadas" o "Buffy la caza vampiros". Así que, bueno, tres brindis por la dulce, dulce venganza.  ((lo:muêso) "(NEXT:MATERIA)"  ALOUD MUSIC 2005  por Fernando Navarro- IndyRock (lo:mueso) lo ponen menos difícil de lo que aparenta ese nombre inconcebible que debe ponerse, advierten en el interior del disco, en minúsculas y entre paréntesis -como si en minúscula y entre paréntesis fuera su situación con la actual escena de rock nacional, me atrevo a decir-. El cuarteto juega en terrenos pantanosos, peligrosos, muy delicados (esa fina línea que separa el hardcore, el emo y el post-rock; todas músicas avanzadas e inquietas) y salen ganadores sin resultar demasiado pedantes o demasiado listillos, el principal peligro de abordar un discurso arriesgado como el suyo. En "(Next:Materia)", su segundo disco tras su debut en Cydonia Records-otro sello que sabe un poco de emo, hardcore y todo eso- han conseguido un repertorio extraño e inquietante, que llega y emociona y que, personalmente, parece mucho más convincente cuando es rápido, atrevido, rockero, ruidoso (como en la genial "Electrosweetmytochöndria") que cuando calman el discurso, lo afectan, acercándolo al jazz o al progresivo ("Narcolepter" es, no obstante, otra de las mejores del disco). Son un coñazo titulando (el Word no me permite guardar el nombre y hay que hacer malabarismos para transcribir los títulos de las canciones, así que no lo haré) pero tienen personalidad, fuerza, carácter y actitud. Una banda que, títulos, diéresis, paréntesis y minúsculas al margen, merece bastante atención.  Daniel Powter  "DANIEL POWTER"  WARNER MUSIC 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Homónimo debut de este desconocido (al menos para mí) vocalista norteamericano, "Daniel Powter" da forma a un discurso que parece mirarse en los clásicos del white soul anglosajón, previo paso por la carrera de la brillante Norah Jones, quizá la responsable de que las músicas adultas -voces cristalinas, composiciones de pop inocuas basadas en armonías del Rn´B y el Soul y producciones exquisitas, en las que no se descuida ningún detalle- hayan regresado a las listas de ventas -algunos dirían que jamás las abandonaron- y se encuentren en un estupendo estado de forma. En este disco encontramos música bienintencionada, donde el piano eléctrico y los teclados -que toca el propio Powter- cobran un protagonismo especial, encontramos un cuidado repertorio que oscila entre las baladas edulcoradas y los momentos más durillos, aquellos en los que la banda de Powter se deja lleva y ejercita los músculos y casi, casi hace rock. Con aspecto a lo Craig David y bonitas baladas para chicas de familia bien como Elton John, Daniel Powter da un paso adelante en la carrera hacia el trono de nuevo héroe romántico, con algo menos de actitud que Robbie Williams -hoy por hoy el rey de toda esa movida- y algo más de sentido de la mesura que los exiliados de las boy band. Eso es, para quien esto escribe y firma, Daniel Powter. Puedo asegurar que para otra gente será mucho más.  Justo Bagüese  "BESTIARIO"  LA ECLÉCTICA MADRILEÑA / V2 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Pionero en la electrónica elegante y de ambientes de fabricación nacional, de la llamada música chill out -nombre que, a mi juicio, se le queda pequeño- Justo Bagüeste es uno de los músicos más inclasificables de la escena independiente española. Tras publicar discos bajo el nombre de IPD y ejercer de colaborador de lujo de algunos de los más importantes nombres del rock español (Manta Ray, Bunbury y más recientemente Iván Ferreiro) Bagüeste regresa con "Bestiario", editado por el inquieto sello La Ecléctica Madrileña y distribuido por V2. Articulado como una colección de criaturas imposibles, de animales monstruosos, de híbridos y mutantes, "Bestiario" es un disco apasionante, donde las texturas orgánicas se encuentran definitivamente con los ambientes electrónicos, donde los instrumentos (guitarras, cítaras, teclados y el omnipresente saxofón de Bagüeste) ejercen una función muy determinada, como de solista -equiparando el discurso del disco al del jazz progresivo- y donde incluso la voz aparece (lo hace, concretamente, en dos ocasiones; la estupenda "Hienas-Sirenas", con Christina Rosenvinge de invitada y el manifiesto sonoro de "The Sound Is Acting", con letra inspirada en el inspirado John Cage más la sorpresa final) para dar forma a un disco marciano, raro y terriblemente intenso, cuyo hilo argumental (animales extraños, criaturas, bestias y monstruos) va diluyéndose poco a poco, hasta la ruidista y sorprendente "Bestias" donde la voz reaparece para descubrirnos que al final es, el hombre, la más incomprensible, rara criatura entre todas.  Danny Cohen We're All Gunna Die Anti-Records (Epitaph) 2005  Por Joe McGaha - IndyRock Recibí éste c.d. recientemente desde Epitaph Records, y de verdad me ha gustado bastante. Hasta ahora, yo no sabía nada de Danny Cohen, pero después de escuchar su c.d., leí varias crónicas en la red, y resulta que él lleva muchísimos años tocando (desde los años 60). Es un amigo de Tom Waits, y se nota lo parecidos que son estos dos artistas Californianos. Las letras de sus canciónes son buenísimas, llenas de humor, y de raras ideas mezcladas. Creo que la letra que más me ha gustado es de la canción Caffeine & Sunlight (cafeína y luz del sol) en que dice "I recall her words, like backed-up turds".o sea, "Yo recuerdo sus palabras, como cagadas de respaldo". Madre mía. ¡Algo que saldría de la boca de un vagabundo de San Francisco, desde luego!  Este álbum me da el sentimiento de estar dentro de un café en San Francisco, entre hippies y poetas. Casi se puede oler los cigarrillos y el café. La música viene y va, casi como una jam.a veces pienso que no sabían cuando iban a empezar o terminar la canción, pero seguian adelante, dejando que la canción decida su propio fin.  Al leer la información sobre éste c.d., descubrí que durante la grabación de éste c.d., dos de los músicos tenían cáncer (el que tocó el violín falleció), y era un invierno lleno de lluvia. Se nota. Hay tristeza en éste elepe, (muchas referencias a la muerte), pero más que nada, humor. Me gustaría conocer a Danny Cohen algún día, me parece que ha de haber vivido una vida dura, y fascinante.  Si os gusta Bob Dylan, o Tom Waits, os recomiendo éste elepe.  Para más información sobre Danny Cohen en la red: http://www.anti.com/artist.php?id=8  Señor Mostaza  "MUNDO INTERIOR"  HALL OF FAME RECORDS 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Sorprendente disco de debut de esta banda -surgida de las cenizas de The Flauters y capitaneada por el compositor Luis Prado- "Mundo Interior" es, precisamente eso, un viaje al mundo interior del propio Prado, un lugar insólito en el amplio panorama independiente nacional. Comedia urbana sobre un perdedor que se pasea por una ciudad del levante español poniendo verdes a sus ex, enamorándose de otras chicas, haciendo el vago, escribiendo canciones y machándose el alma mientras ve películas de Garci en televisión, "Mundo Interior" es un disco cuyos referentes musicales están más o menos claros (mucho de los Beatles, Burt Bacharach, Supertramp, los Kinks, Ben Folds o Randy Newman) pero donde las sorpresas -aparte del sonido, cuya autoría se debe al genial Carlos Raya, guitarrista de M-Clan, y también productor de Quique González- se esconden en los textos. Así, desde la inusual franqueza de "Ahora Comprendo Bien" o "No Sé Perder" a las divertidísimas "Mundo Interior" o "Momento Garci", de la tristeza que impregna "Igual" o "Se pasa el día", a las (muy) ácidas "Lo de ser bohemio" y "America´s Way", las canciones de Luis Prado no dan un solo respiro; en sus versos se esconden ideas más que ingeniosas, propuestas originales, interesantes giros y segundas lecturas.  Maravillosa comedieta amarga sobre el fracaso (ojo al devastador texto de "Imaginando Que"), puede que, al final del año, "Mundo Interior" no esté en la lista de los mejores discos y puede que sea una injusticia (el mundo es así, saben) pero creo que a ellos, igual que a mí, les importará tres pimientos. Puede que sea mejor así.  VV.AA. "Sounds from a big town"  HUDDERSFIELD´S COMMUNITY / TIMELESS MUSIC PROJECT 2005  por Fernando Navarro- IndyRock "Sounds From A Big Town" es una caja de tres cd´s en la que vienen incluidos -catalogados bajo los nombres de "Urban Hip Hop Chill", "Guitars" y "Dance"- los más representativos nombres del Tímeles Music Project, una suerte de concurso-festival que reúne a las más llamativas propuestas de surgidas en una de las ciudades más grandes del Reino Unido, Huddersfield. Especie de recopilatorio territorial (la mayoría de las bandas son de dicha ciudad, excepto dos bandas francesas de la hermanada Besaçon) en "Sounds From a Big Town" cabe casi de todo y es difícil abarcarlo. Del primer disco, dedicado a música llamada "urbana" -hip hop, chill y sucedáneos-, lo mejor pasa por el eurochill de "Opus One", los aires místico-orientales que inspiran "Dervish" de Darqawi o sinfónicos de "Maui" de Kava Kava, el funk de Estoban, los ambientes noir del hip hop de Ko-D-Fy, el sorprendente soundsystem de "Sinking Sad" o la deconstrucción rapera de "Just Us" de Awol.  El llamado disco de las guitarras -donde se incluyen las propuestas de rock y pop- aparecen algunos sugerentes títulos. El revival grunge de "Saw You In A Dream" de Tug Ether, el arrebato industrial de "Virus" de Wormachine, el conmovedor post folk de Marek Kubala (su "Five Leaves" es una de las mejores canciones de este segundo disco), los guiños a Led Zeppelín y Metallica de "Broken Falling", especie de baladón heavy como los de antaño, el convincente ska teñido de punk de Mary Jane o de soul de White Man´s Afro, la honestidad de "Save Yourself" de Riverside Happy o el "Time And Place" de Bar The Shouting, entre Echo & The Bunnymen y Nick Cave.  El tercer disco, algo más críptico, está enteramente dedicado a la electrónica pura y dura (el dance, el trance o el rave) y es, casi, una unidad indivisible en la que es difícil extraer algo. Podemos destacar la contundencia de bmps de Blue Amazon, la experiencia extrasensorial que propone "Fly Away" de Forbidden Planet y, sobe todo, la definitiva "The Truth" de Spida Lee, con que se cierra este completista reparto a la música de una gran ciudad.  Dragon Slayer SED DE MAL BIG BANG MUSIC, 2005  por  Alberto Fernández Cerdera - IndyRock Después de cuatro años de silencio, Dragon Slayer vuelven al primer plano de la escena musical con un nuevo trabajo discográfico en busca nuevos horizontes musicales de esta banda, que después de su ópera prima cayó en un periodo de inmovilismo provocado por cambios en la formación.  Sed de mal, un trabajo musical que ha dejado un poco de lado el hard rock o rock progresivo con el que habían debutado los de Dragon Slayer, para dar el paso definitivo y convertirse en un disco cargado de heavy metal de un corte más clásico, con el que la banda quiere ofrecer toda una declaración de principios. Sin embargo, Sed de mal no olvida toda la fuerza que la banda ha tenido desde sus primeras canciones, dentro del círculo del metal.  Los diez cortes de Sed de mal se convierten en una dosis de rabia directa ante los que daban a esta banda por desaparecida, porque Sergio Márquez, Jordi Foraster, Óscar Lecina, Raúl Cabero y Ferrán Cardona han convertido a Dragon Slayer en una formación sólida que se ha creado un espacio dentro del metal.  Four ways  FROM THE ASHES BIG BANG MUSIC, 2005  El hard rock a la cabeza  por Alberto Fernández Cerdera - IndyRock Después de su exitoso disco editado en Europa y Japón, Long Way'02, los sevillanos Four Ways vuelven a la carga con un nuevo trabajo discográfico en el que siguen en la misma línea musical, con un hard rock de lo más potente.  Tras el éxito cosechado en su anterior trabajo y la experiencia adquirida, Four Ways se lanza de nuevo a la vida discográfica con From The Ashes, acompañados por el último fichaje de la banda: el batería J. R. The Doctor y el bajista Germán Piña, que le aportan una dosis extra de potencia a la banda, sin perder de vista su sonido  y estilo habituales, centrados en los límites del hard rock.  Con From The Ashes la banda sevillana ha apostado por mantenerse en la línea que tanto éxito les ha dado, tanto en Europa como en Japón, a base de unas canciones contundentes en su sonido y melodías pegadizas, que conforman un disco compacto y muy divertido, creado para que quien lo escuche disfrute de cada uno de los acordes. Mr. Rooster ALL THAT NOISE BIG BANG MUSIC, 2005  All That Noise, grabado para el directo por  Alberto Fernández Cerdera - IndyRock Cuando un grupo se encarga de buscar su sonido propio da muchos bandazos antes de alcanzar la meta propuesta. Puede que éste sea el caso de Mr. Rooster, que tras un tiempo investigando las variantes del rock, en su último trabajo han conseguido acercarse a la música que más les gusta y les hace vibrar. Así All That Noise, último trabajo de Mr. Rooster, nos presenta 11 temas llenos de un hard rock basado en el sonido del directo, sin maquillaje excesivo, que lo convierte en un disco fresco y variado, a la vez que un poco crudo en ocasiones.  Lleno de solos de guitarras y letras que ponen en cuestión la realidad actual, All That Noise, grabado en La Pecera de Barcelona y mezclado por Pau Firpo, es un disco sincero, hecho con dos guitarras, alguna doble voz y pocos adornos más; un disco directo y para el directo.  Con este último trabajo, Mr. Rooster encuentra un estilo propio en el que se sienten muy a gusto, a base de ofrecer un hard rock renovado pensado para divertir  Icebend ACOUSTIC ARMA 2005  por Miguel Angel Alejo - IndyRock Tras ganar en París el "International Emergenza Acoustic Showcase 2003", IcebEnd lanza su disco debut, Acoustic Arma. En el encontramos unos 21 minutos de sensaciones divididas en seis cortes. Recurrimos al tópico, se nos queda corto. Y es verdad, IcebEnd es una banda de música hipnótica, de las envolventes, así que, cuando te estás sumergiendo en sus melodías, ya ha acabado el disco IcebEnd recrea atmósferas de aire espeso con guitarras saturadas, voces crudas-directas y toqueteos con el rock sinfónico. En conjunto una colección de canciones que están llenas de fuerza, pero que con freno de mano las paraliza. En definitiva las convierte en idóneas para tocar en directo; en festivales y grandes escenarios, le quitan este freno, pequeñas salas, se lo dejan puesto. Dos en uno. Por su carencia, destacan dos temas: Delayed y Brazilia. Esta última incluida  en un disco recopilatorio, Musiques Urbanes.  Martin Peter  "ENOUGH OF THIS?!"  ANGORA STEEL 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Martin Peter lo tiene bastante claro. El punk no sólo continúa siendo legítimo sino que es el único argumento musical posible en los tiempos actuales. Pero, ojo, al igual que los muñequitos punkies de la portada de este arrebatador disco, el punk no puede quedarse en pose estática, en dibujo esquemático, en burla de si mismo. En Gucci Punk, que dice Peter. Agitador político, provocador, loco o genio, Martin Peter ha grabado todo un tratado sobre los tiempos modernos en clave de renovación del punk. Un disco que no deja ni un momento para respirar en el que el discurso radical del punk se deja contaminar por el indie, la electrónica o la new wave ochentera. Así, desde el arranque (con la demoledora "Psychoville") hasta el cierre con la cínica "In Love", "Enough Of This?¡" es un disco que no deja indiferente. Que busca (y la mayoría de las veces logra) incitar al oyente a un nuevo tipo de revolución, de un manera similar a como lo hacen las novelas de Michel Houllebecq. Cabe de todo en la batidora punk de Martin Peter, desde el instrumental "Edimburgo", la protoelectrónica de "Day In The Café", "HoneyMoon" o "Kill Gucci Punks" y el hardcore asesino de "HateFuckKillWar", lo más parecido a un manifiesto belicista, beligerante en contra de la guerra que puede imaginarse a la aparición de Alec Empire en el indudable single del disco "Bypass", la energía guitarrera a lo Clash de "Superstar" o el acercamiento al trance en "Biker". El electroclash se ha hecho punk. El punk se ha hecho política. La política es guerra. La guerra es buena. Viva la guerra.  Telegrama  "POWER POP!"  FLOR Y NATA RECORDS 2005  por Fernando Navarro- IndyRock No puedo imaginar un momento mejor para recuperar las viejas grabaciones de una banda mítica como Telegrama que justamente ahora. Cuando se están repasando, con macabros intereses comerciales, los espantosos ochenta en España es justo cuando hay que descubrir, de una vez, que Mecano sólo eran la parte triste del negocio. Que había bandas en España (Mamá, Ilegales o Golpes Bajos) que hacían estupendas canciones y cuyo rescate no debe responder a campañas publicitarias o a musicales andróginos y horteras sino a la justicia. Telegrama eran de los buenos. Surgidos en Barcelona, Telegrama (cuarteto formado por Berto, Jose, Juan y Jordi) fueron uno de los más evidentes pioneros del Power Pop en España, una banda que gozó de un fugaz éxito y que regresa en este interesante recopilatorio con el que también regresa el mítico sello mod catalán Flor Y Nata. En este disco encontramos, además de sus mejores canciones en estudio ("Cubre Tu Piel", la célebre "Chica del Metro", "Jugando Sucio" o "Héroe de Papel"), algunas canciones en directo (destaca la punk "Miedo a la oscuridad" o, de nuevo, la adrenalínica versión de "Chica del Metro") y una completa pista interactiva, que incluye algunos mp3. Disco de referencia para nostálgicos y, seguro, para los que quieran descubrir canciones en español grabadas en los ochenta que no den, básicamente, vergüenza ajena.  Low Frequency in stereo  "TRAVELLING ANTS WHO GOT EATEN BY MOSKUS" ASTRO DISCOS 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Al parecer, según la hoja de promo, este disco que escucho y que luego reseño es el primer disco en que esta banda se atreve a poner voz a su música. Antes sólo había instrumentos. No importa mucho (tampoco hay demasiadas voces), lo que oigo y luego intento transcribir con palabras, es un disco extraño, de pop atmosférico, espacial, marciano, en el que las voces siguen siendo anecdóticas -contribuyen, empero, a crear más extrañeza en algunos momentos-, con una -notable- influencia de los Pixies (quizá los más grandes en esto de hacer trizas el discurso pop y transformarlo en algo completamente nuevo) y, no pocos, puntos de interés. Desde el sonido (a veces muy contemporáneo, a veces retrofuturista, a veces maravillosamente anticuado) a las canciones, el primer disco de Low Frequency in Stereo que llega a nuestro país es un trabajo al que hay que darle un par de escuchas, llevarlo un día entero en el walkman, luego volverlo a escuchar en la tranquilidad de la casa y, finalmente, asimilarlo. Entonces apreciaremos, con más claridad, la inusual energía de "Hi-Ace", el lo-fi de "Limousine", el post-rock jazzy de "Element", el funk progresivo de "Travelling Ants Who Got Eaten By Moskus" o la invernal sinceridad de "Stargazer" y nos daremos cuenta de que escuchando a esta extraña banda noruega, la mente (y acaso el cuerpo) son trasladadas a millones de años luz. Y que eso, sin duda, nos gusta.  Sleater-Kinney  "THE WOODS"  SUB POP / HOUSTON PARTY 2005 por Fernando Navarro- IndyRock Asustan. Yo aviso. Ya desde la estupenda portada, el título ("El Bosque") y la contundencia de "The Fox", la macabra fábula que abre el disco, Sleater-Kinney juegan duro. Consideradas por los críticos más snobs (a los que no voy a discutir, por ahora) la mejor banda de rock americana, Sleater-Kinney son tres chicas (olvídense del término riot grrrls; ellas van más lejos) de Olimpia, Washington (me pregunto, ¿qué tendrán en Washington con las guitarras?) que llevan ya unos cuantos estupendos discos de rock áspero, pleno de energía, mala hostia, argumentos. Este "The Woods" es, sin discusión, su mejor disco hasta la fecha; el más atrevido, el que suena mejor, el que más tiempo pasará en tu lector de cd. Producido por el habitualmente cándido, delicado Dave Friedmann -ya saben, el mismo de Flaming Lips o Mercury Rev- "The Woods" usa todo el espectro y el legado del rock n´ roll (el blues incluido) para dar forma a una obra tremenda, robusta, grande, de guitarras que arden y base rítmica pesada, contundente (puedo citar, hasta hartarme, las canciones que me gustan del disco; la ya mencionada "The Fox", la influencia de Patti Smith en "Wilderness", el garage de "What´s Mine Is Yours -y sólo llevo las tres primeras-, el inesperado optimismo soleado, casi folk de "Modern Girl", la supervitaminaza "Entertain".) donde nada queda a la imaginación o a la sugerencia. En fin. Tres chicas de Washington han grabado uno de los discos rock del año. Así de claro.  Trivium  ASCENDANCY ROADRUNNER RECORDS 2005 por Miguel Angel Alejo - IndyRock Con su disco de debut, Ember to inferno, la banda Trivium ya llamó la atención de los seguidores al metal. Ahora con este Ascendancy han confirmado, con creces, las espectativas que habían creado. Ascendancy es un disco maduro en el que mezclan, con maestría el trash, death, progresivo y hardcore metal. A Trivium lo podíamos englobar dentro del movimiento que llaman NWOAHM, consistente en volver al metal bien tocado, clásico pero con elementos actuales.   Trivium  proceden de Florida pero tienen fuertes influencias del heavy nórdico europeo, como por ejemplo, en temas como Like Light to the flies, The Deceived o en Diying in your arms. Esta última es la más melódica de la media docena de temas que componen este disco.  Trivium es una banda madura y que sabe lo que quiere, conoce su camino y el terreno que pisa, de ahí que hayan creado este espléndido disco. Esto no llamaría la atención si no añadiríamos que los componentes de Trivium rondan los 20 añitos. Si ahora están a este nivel, ¿qué ocurrirá dentro de treinta años?  Su cantante, Matthew K. Heavy, simultanéa la banda con otra, Capharnaum, en el que ofrece un lado más salvaje del metal de Florida.  Stafas POR ARTE DE BIRLI BIRLOQUE PIES 2005  por Miguel Angel Alejo - IndyRock  No ha tardado mucho Michel Molinera en ofrecernos nuevo proyecto desde que desaparecieran Canallas. Ahora viene con Stafas y su disco debut Por arte de birli birloque, en el que sigue con ese rock chulesco y canallesco. Comparándolo con su anterior banda, ahora se acerca más al mainstreing musical con melodías más sencillas, mensajes más suaves y estribillos hipnóticos. La guitarra juega siempre un papel importante dentro de Stafas y al que Manolo Arias, productor experimentado, sabe sacarle todo el jugo.  Experiencia también tiene la mayoría de los miembros de la banda ya que están Anono (Ratio) y  Manolo Maestre (Ratones Koloraos), al que hay que sumarle Javier del Palacio.  El rock chulesco de Stafas lo sacan en las dos versiones que incluyen: El progreso y El hombre del piano. La primera de Roberto Carlos y la otra del clásico de Billy Joel que Ana Belén popularizó. Alejadas ambas de su estilo que sin embargo, no terminan de chirriar en este Por arte de birli birloque. De entre las suyas, destacan 138.252 € en el que  abordan el tema del 11-M, Flores Negras sobre el maltrato doméstico o Viendo la vida de lado en el que el desamor juega un papel importante. En definitiva, la frase está hecha, Stafas no te estafan.  Transfer  JENTES SANTO GRIAL 2005  por Miguel Angel Alejo - IndyRock Los valencianos Transfer, en su sexto CD, Jentes, siguen a lo suyo: hacer rock urbano. 12 nuevos temas que nos hablan de la mala vida, amores perdidos y de como una sociedad, por más que la pinches, no consigues sacar una gota de sangre. "No permitas que te quiten lo que más quieres y no dejes que te oculten más la verdad. Destrózales sus mentiras con tus verdades, y grita pa´ que se enteren que tener un par de ovarios es dignidad", dicen ellos mismos en la introducción de Jentes. En definitiva, letras claras y directas para quien quiera prestar un poco de atención. Música y mensaje directo, sin artificios, ¿para qué? A veces lo sencillo llega antes. La buena cara, Soy y En Alas de la libertad son los temas que sobresalen aunque el disco es bastante compacto, preparado para el directo.  Como fin de fiesta, en Jentes, incluyen un video sobre su tema La buena vida.  Top Models   "BEAUTIFUL SEÑORITAS"  BIP BIP RECORDS 2005 por Fernando Navarro- IndyRock Modélica banda de rock -con ligeras aportaciones de power pop, blues, garage, surf y folk- Top Models han dado un paso de gigante con la edición de su segundo disco, este más que convincente "Beautiful Señoritas". Disco de riffs asesinos, de estribillos atronadores, de guitarras y actitud, "Beautiful Señoritas es un disco con aires clásicos renovados, donde Top Models redactan un credo basado en mala leche, chicas -impagable del diseño del interior con los maravillosos dibujos de Pol Font- bastantes drogas y, claro, alcohol. Chicos malos que superan lo mostrado en su disco de debut (el homónimo, "Top Models") en el que apenas se adivinaba la fiereza de su propuesta. Aquí tenemos desde convincentes intentonas de folk rock ("Beautiful Señoritas", con el banjo del señor Paco Loco, también productor del disco) a arrebatos glam ("My Burning Light") desde el power pop con reminiscencias mod ("Silla Girl, Stupid Boy") a jugueteos reggae ("Story Of My Life"); conviven la contundencia rítmica del maravilloso instrumental "Heroin Chic" (pura mala ostia) con la pantanosa suciedad de "Wintertime Blues" -uno de los momentos del disco- atreviéndose, incluso, a grabar una más que agradable sorpresa para el público rockero y rockista nacional. Me estoy refiriendo a "En el calor de la noche", indispensable primer tema en español de la banda y para el que esto firma, la mejor canción del disco. El rock tiene muchas caras.  Javier Colís y las malas lenguas  "LO ETERNO ES LO QUE MÁS DURA" LA ECLÉCTICA MADRILEÑA / V2 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Personaje indispensable del underground madrileño, maldito, divertido, irónico, zorro viejo, Javier Colís lleva ya bastantes años dando guerra. Primero con sus bandas Vamos a Morir, Demonios tus Ojos o Mil Dolores Pequeños, luego en solitario. Tras su primer disco como Javier Colís -el arriesgado "Luna de Agosto", Colís vuelve con banda propia, Las Malas Lenguas, y con el que puede ser su disco más equilibrado, el más redondo. Un disco en el que ha sabido conjugar argumentos sonoros atrevidos, experimentación y caos, con un discurso algo más pop, más centrado, igualmente interesante. Usando el concepto crooner como anteriormente lo usó Corcobado -es decir, torturado y con glamour- Colís ha grabado un disco sobre el tormento del amor, sobre relaciones sexuales disfrazadas de amor absoluto, sobre cualquier tipo de exceso (quedarse en la droga y el alcohol sería simplificar demasiado). Desde la clarificadora "Esto no es una canción de amor" que abre el disco hasta la sexualidad de "Petit Mort", el disco de Javier Colís se va desarrollando casi como una novela existencialista; entre el calor de las sábanas pegadas a la piel y los vasos de whisky -o vino, o cerveza o ginebra-; ahí están la ironía de "Dimito" o "Me dices sí y es no", la amargura sin poses de "Desfilar", el ambiente cabaretero de "Ven a Jugar", la sencillez de "Tuyo es, mío no" o la ruidosa "El vendedor" para atestiguar dos cosas indudables: que Javier Colís es un personaje único e imprescindible en el panorama independiente nacional y que este, "Lo eterno es lo que más dura" es su mejor disco.  The Juniper Band "TIME FOR FLOWERS" SUITESIDE RECORDS 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Las guitarras, la voz en la distancia, el ambiente cargado, la tensión, la violencia de "Cold Bodies", el tema que abre "Time For Flowers" (segundo disco largo de este joven cuarteto italiano), ya valen para olfatear las influencias, intuir las posibilidades y, sobre todo, crear un espacio casi físico en el que se van a desarrollar las canciones de The Juniper Band. Al acabar, miro la portada del disco (la figura de un hombre, en traje, con la calavera visible en lugar del rostro, y un paisaje yermo, de árboles desnudos tras él) y asimilo, entiendo aún mejor, lo que estos chicos nos quieren contar con su interesante segundo disco. Con una iconografía extraída del metal, y argumentos entre el emocore y el rock oscuro de Mark Lanegan o Queens of the Stone Age, The Juniper Band se descubre como unos neogóticos desencantados, como unos fatalistas con guitarras, como unos narradores de amarguras. Así, desde "Cold Bodies" hasta "Every Hour Wounds" -el tema con que se cierra- "Time For Flowers" dedica su duración a apesadumbrar al oyente, a desmoralizarlo y asustarlo (los bajos pesados, la rítmica precisa, macabra, las guitarras afiladas), a conseguir de él (como Radiohead, Mercury Rev o los ya mencionados QOTSA) una idea espiritual, casi religiosa; arriesgada para un segundo disco, pero nunca desdeñable. Una idea que se resume en una frase con interesantes lecturas: "No estamos solos". O lo que es lo mismo: "Estamos muy, muy solos".  MÖNO  "ARE YOU READY?"  ROCK ON 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Producido por el omnipresente Paco Loco, "Are You Ready?" es la ópera prima de este quinteto barcelonés que, como no podía ser de otra forma -editan en el cada vez más indispensable sello, Rock On, que también ha puesto en circulación los discos de Ovni o Alison- tiene gustos y querencias plenamente rockeras. Así, en este primer disco que suena a primer disco (es fresco, descarado, desprejuiciado, algo desequilibrado) vale todo: desde riffs machacados o coros stonianos ("Fuzz") a jugueteos con el electroclash ("Touch & Feel") o el petardeo disco ("Wild Boy") desde clarísimas deudas con el rock noir (el ambiente peliculero de "New York Kiss") al post grunge ruidoso de "Beedi Style", de perversiones del estilo Kinks ("Foxy Pop People") a, claro está, psicodelia de nuevo cuño, al estilo Primal Scream ("Asia Fashion", "MY Paradise", con guiños a U2 y al sonido de The Edge incluidos) y esto es sólo el principio. Hay de todo en el disco de Möno; les gustará a los que les gusta el rock, y a los que son modernos, y a los que les gusta bailar; al resto (ya saben, los quieren entender de que van las letras, y que les cuenten algo novedoso y todo eso) pues quizá no les enganche. Pero incluso ni esos podrán negar que hay mucho cachondeo en el disco de debut de Möno. Y además es en estéreo.  Susana Cáncer "YONOLOSÉ" LA ECLÉCTICA MADRILEÑA /V2 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Antiguo componente de las bandas de Javier Corcobado (era la teclista en Cría Cuervos y en los Chatarreros de Sangre y Fuego) Susana Cáncer debuta ahora con un primer disco en solitario tras haber colaborado en cualquier cosa que se le ponía al paso (cortometrajes, publicidad, teatro, colaboraciones en discos de amiguetes como Ana D, o el propio Corcobado). "Yonolosé" es un disco atrevido, muy en la línea del sello que lo edita (la multinacional indie por antonomasia, V2, que en nuestro país publica discos de artistas tan inclasificables como Javier Colís, Vacazul, o Cara de Fuego -con estos últimos incluso tiene el disco algunos puntos en común), un disco de bossa enferma, de pop íntimo, de canciones dementes e inusuales. Producido por uno de los músicos más inteligentes e inquietos del país (Justo Bagüeste) y mezclado por otro (Gonzalo Lasheras; nombres ambos que podemos leer en los créditos de otro de los interesantes discos de este año, el debut de Iván Ferreiro); "Yonolosé" es un disco de canciones de amor (no hay ninguna de las doce que no lo sea) donde las atmósferas van dejándonos llevar hasta casi sumirnos en un estado de trance profundo, intenso y rarísimo. Se abre con "Gasolina de besos" -texto del imprescindible Javier Corcobado-, sigue con la hipnótica "Volver a escuchar" (maravillosa canción) y va descubriendo un repertorio inusual en el pop español (sólo me viene a la cabeza un nombre a la hora de hablar del disco y es casi seguro que la propia Ana manejaba ese nombre durante la grabación; a saber, Esclarecidos) que esconde auténticas perlas (los extraños instrumentales "Cualquier Agosto" y "Campanas"; la estupenda colaboración con Germán Copini en "Mata-Hari" o la maravillosa "Juguetes" -vaya texto-) y que se cierra con una broma, la extraña versión del "Amigo" de Roberto Carlos -ese hit homoerótico- que en boca de Susana Cáncer produce más de un escalofrío. Calí- "L´amour parfait"2005  Por Fátima Carmena- Indyrock La música francesa se abre hueco de un modo asombroso en el panorama español y a los éxitos de ventas y de crítica como Dominique A o Cocorosie debemos sumar el de un disco "L´amour parfait", del cantante y compositor Calí que se va dando a conocer a través del boca-oido por las radios locales de la geografía. Los mejores elementos de la Chanson actual, una fuerte base pop y letras centradas en la complejidad de las relaciones personales configuran las piedras angulares del disco de Bruno Caliciuri (Calí). Desde Perpignan llega en solitario con este primer disco publicado en España por Green Ufos el año pasado, un sello gran conocedor de la música que revoluciona Francia.  De los más de 10 temas del disco destacan la vitalidad de temas como "C´est quand le bonheu" dónde los ritmos nos incitan a saltar como posesos o en canciones dónde la voz de Calí se vuelve más desgarradora como en "Dolorosa". Pero por otro lado tenemos el más puro romanticismo de las baladas como en el tema que da nombre al disco "L´amour parfait", dónde además juega con el sonido que aportan los instrumentos de cuerda.  Aunque si tenemos que elegir el tema del disco, el que destaca por encima de los demás es el brillante "Elle m´a dit", dónde de un modo muy francés (entre el queso y el postre) la chica deja a nuestro músico porque asegura que "Je crois que je ne t'aime plus", y a pesar de dejarlo "como un cadáver en el mar", Calí no pierde la vitalidad, incluso asegura que morir de amor no es propio de mi edad: "Mourir d'amour n'est plus de mon âge...". Un disco más que recomendable para todos los amantes del pop y para aquellos a los que les parece que en Francia se "cuece algo", aunque no tengan claro que el canon cultural tenga algo que ver.  Play the Game: Un tributo a Echo & The Bunnymen Lunar Discos 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Menudo homenaje, que no tributo (tributo es un anglicismo que en español quiere decir impuesto, gravamen, lo mismo que bizarro quiere decir valiente, por cierto; y perdón por la corrección lingüística), le han rendido algunas de las más importantes bandas nacionales a los británicos Echo & The Bunnymen (están casi todos, desde Deluxe hasta Lagartija Nick, desde Maga a Love of Lesbian, desde Sr. Chinarro hasta Schwarz). Sin pararnos ahora a celebrar las maravillas de la banda de Ian McCulloh, nos centraremos, simplemente, en hablar de las más conseguidas versiones, sin cuestionarnos, tampoco, el porqué de tal versión o tal grupo. Así, entre mis preferidas (esto se acaba resumiendo en una cuestión de gustos personales) están la calma con que afrontan Edwin Moses su versión de"Seven Seas", la estupenda mirada, fiel al original pero no por ello falta de carácter, de Lagartija Nick a "The Cutter" -para mí, por cierto, la mejor canción de Echo & The Bunnymen, aparte, claro, de "The Killing Moon", la peor parada del homenaje-, la oscuridad del "Porcupine" de Maga, ese "Lips Like Sugar" entre Echobelly y Saint Etienne, que hacen Solina, la honestidad del siempre genial Sr. Chinarro (su versión de "The Yo-yo Man" es, quizá, la mejor del disco) o la relectura rara, marciana de "Nocturnal Me", a cargo de De la Rosa. Un único pero, por poner alguno y sin acritud: que mal pronuncian en inglés la mayoría de las bandas españolas. Por eso escriben, cuando lo hacen, tan buenas canciones en español. ¿No?  Bid "Bambas & Biritas VOL. 1"  SOULCITY / ETHER MUSIC 2005  por Fernando Navarro- IndyRock No es poco lo que van a encontrar los amantes de las músicas bailables y tranquilas en este primer volumen de los productores brasileños Eduardo Bid y Evaldo Luna. Down tempo brasileño, soul carioca, sonidos negros y latinos, bossa chill out o funk limpio, música de atardeceres en Río en un disco repleto de colaboradores donde los dos productores antes citados, dan rienda suelta a su gusto por las producciones sedosas, apacibles, lujosas. Desde que se abre "Bambas & Biritas", con la estupenda "Nao Para" hasta el cierre con "Terra Vista" -al lado de Cine:landia- todo en el primer disco de Bid lleva al mismo lugar: la calma de una playa donde jamás hemos estado (tú lector, no sé; yo jamás he estado en Brasil e imagino, quizá con algo de suerte, que nunca iré): desde la virguería scratch de "Na Noite Se Resolve" hasta la pulcritud demodé de "E Depois", desde la elegancia del Rhodes de "Mandingueira" -con la voz indispensable de Elza Soares- o el arrebato soul de "Saudades Da Black Rio" hasta la contundencia hip hop de "Soul Survivor". Ah, y de regalo dos bonus track sin desperdicio. Brasil en los platos y en las playas.  Okploide  "MISERIA ESPECTACULAR"  WOOLLY BULLY 2005 por Fernando Navarro- IndyRock Se llaman Okploide -dios sabe lo que querrá significar-. Son franceses (concretamente de Pau, un remoto pueblecito del país vecino) pero cantan en español. Son ocho. Les gusta el punk. Desde los Ramones a Mano Negra, de los Clash, a Rancid y, sobre todo, bandas como Vodoo Glow Skulls. Este su primer disco, "Miseria Espectacular" se ha grabado, otra anécdota, en Pamplona, en casa de Iker Piedrafita, líder de Dikers, que además ha coproducido el disco. Disco de punk joven, rabioso, concienciado y social, aderezado por guitarras y metales igualmente rabiosos, "Miseria Espectacular" es un puzzle juvenil, en el que pueden encontrarse, sobre todo, viejas consignas y viejos sonidos (curioso, viniendo de gente tan joven) con títulos tan explícitos como "Secta" (que ataca a una especie de poder autoritario un tanto abstracto), "Guerra" (que pide ingenuamente, en español y euskera, el fin de toda guerra), "Facha" (es obvio contra quien va esta), "Facil Girl" (un curioso ataque contra el libertinaje sexual o una canción despechada sobre una ex ligera de cascos) o "Pitufos" (sobre la opresión policial contra los indefensos jóvenes). Dieciséis cortes en los que el octeto pide que la gente deje de ir a McDonald´s, acabe la guerra y los dejen fumar porros en tranquilidad; un disco pequeño titulado grandilocuentemente "Miseria Espectacular" destinado a los más pequeños y  protestones, para esa gente siempre enfadada con los Estados Unidos y contra otra gente muy mala. Que hay mucha en el mundo. ¿O es que no os habíais dado cuenta?  Greg Serrato Live at The Coach House 2005  Por Joe McGaha Siempre es interesante escuchar una grabación de una actuación en vivo que he atendido, y yo tuve la suerte de atender la actuación de Greg Serrato en the Coach House (San Juan Capistrano, CA EEUU) el 4 de febrero de 2005 (dicho, que mi banda era una de bandas que abrieron el show). Yo sabía antes de recibir el c.d. que la actuación era fantástica, así que yo estaba más preocupado sobre la calidad del sonido.  El sonido estuvo bien mezclado, y capturó ambos los sonidos fantásticos de Greg y su banda, y los gritos y aplausos del público. Greg tuvo una gran actuación de principio hasta el fín, con Alan Cater y Phil Fistori apoyándole a toda fuerza. Aparte de mis canciónes favoritas de Greg Serrato (Holy Smokes, y Child of the Blues), hay algunas raras especialidades en éste c.d., incluso una versión de Life By The Drop de Stevie Ray Vaughan, y una versión de Voodoo Child de Jimi Hendrix con la guitarra de Rob Howell (de la banda Peace Machine) en segunda eléctrica principal. Escuchar este c.d. de verdad me llevó a aquella noche, y verdaderamente capturó el sonido de esa actuación. Se puede sentir la muchedumbre, y el ambiente de una actuación en vivo en éste c.d., y eso es donde Greg brilla mejor. Éste c.d. salió tan bien, que yo recomendaría que su paso siguiente sea un DVD en vivo. !Yo lo compraría!  Para más información sobre Greg Serrato en la red (en inglés), visite a:  http://www.sonicbids.com/GregSerrato  Laihn- Puzzle, Solzimer Rds. 05  por Miguel Angel Alejo - IndyRock Laihn con este su debut, Puzzle, se han puesto, para bien o para mal, en primera línea de batalla musical. Difícil es encontrar ya compañía discográfica, muchas bandas pocas productoras, pues un paso adelante autoeditar tu trabajo. Laihn ha optado por autoeditarse bajo el sello Solzimer Rds.   Por esto ya tenemos al quintento catalán en primera línea, pero además, un paso y medio más lo dan con su música. Sus composiciones sonoras transitan por lugares poco habitados. Ponen pie en la nieve virgen, donde pocos han pisado con fuerza. Encima su música es natural con un buen desarrollo en la parte musical que Rafa García desgarra con su potente voz y, por supuesto, hablando de rock, sus guitarras. Esas guitarras desgarradas y airadas, que en un momento, se vuelven comedidas, dando fuerza suficiente pero con un freno de mano que hace no se vuelvan incontrolables. Tienen argumentos musicales para llegar a más.  Sus temas comienzan tranquilos y van subiendo tanto que te encuentras, sin esperarlo, en una tormenta llena de matices musicales. That´s form me y Puzzle quizás sean las canciones más redondas. Con Distancia, tema que cierra el disco, se extienden a 15 minutos. Sí, a 15 minutos. Eso sí, pasado el minuto cinco se paran para volver después unos minutos al final. Crees que han acabado y no es así, siguen ahí.   Puzzle, en definitiva, es un magnífico y valiente debut, en la producción y por sembrar por donde poca gente transita. Eso es difícil, porque por poco, pierdes el norte y te pierdes. El quinteto catalán no lo hace. Contaron en la producción con Jordi (ex-Ktulu). Su puesta en escena, como sea la mitad del disco, es suficiente para que sea arrollador, para pasar un buen rato.  New Order  "WAITING FOR THE SIREN´S CALL" LONDON RECORDS / WARNER 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Vuelven New Order. La banda que medio se inventó los ochenta (y de paso la música de club, el pop electrónico y la movida de Manchester) o la reinvención de los igualmente geniales Joy Division o etcétera. Se pueden decir tantas cosas de lo que han sido New Order que se puede cometer el imperdonable error de no hablar de lo que son. Por que, gracias a Dios, New Order son; es decir, siguen siendo. Tras el irregular aunque atractivo "Get Ready", disco donde primaban las guitarras y, algo menos la electrónica, y que la prensa quiso ver como el testamento definitivo de una gran banda (se leyeron algunos titulares maliciosos y se habló, en exceso, de las colaboraciones del disco -Billy Corgan y el Señor Gillespie, como las más reseñadas-) los mancunianos regresan con "Waiting For The Siren´s Call", un excelente nuevo trabajo, en el que se disipa cualquier sombra de incapacidad creativa, o de estancamiento. New Order (NO, en la genial portada de Peter Saville) han grabado un disco luminoso, alegre y muy divertido; en el que hay, de nuevo, bastantes guitarras, pero donde (re)aparece la electrónica colorista -como de neón o de bolsa de pastillas-, la rítmica inconfundible, siniestra de Peter Hook y la voz (dolida y jubilosa a la vez) de Bernard Sumner. Disco plagado de maravillas pop (citaré mis favoritas, que son muchas: "Hey Now What You Doing", "Waiting For The Siren´s Call", el single "Krafty", "Morning Night and Day", "Dracula´s Castle", "Guilt Is A Useless Emotion" y "Turn") "Esperando la llamada de las sirenas" (bonito título, ¿no?) es un disco hermoso y feliz; un disco que necesitamos, que yo necesito. Que tú, ahora, sentado frente al ordenador, llegando al final de esta elogiosa crítica, necesitas. Venga, vete a por él.  Talking Heads  "THE BEST OF"  WARNER MUSIC  2005  por Fernando Navarro- IndyRock No es fácil resumir la carrera, la vital importancia de Talking Heads para la música popular en unas pocas (que suelen ser unas veinte, en Arial 12) líneas, como tampoco es fácil hacerlo en un disco. Este texto que lees, y el disco del que habla lo pretenden. Cosas de los recopilatorios y de la crítica musical. Auténtica banda emblema de la new wave americana, proto punks intelectuales, nerds convertidos en sensación pop, teloneros de los Ramones, autores de algunas de las más sorprendentes canciones de la música pop de finales de los setenta y los ochenta, demasiados listos para el rock n´ roll. Talking Heads aportaron a la escena punk americana frescura, originalidad, paranoia, diversión, locura, inteligencia. Fueron los primeros (junto con uno de sus productores, Brian Eno) en volver la vista a África y Brasil, grabaron una de los mejores películas sobre rock de la historia ("Stop Making Sense"), su vocalista David Byrne, además, dirigió una estupenda cinta, "True Stories" -a la que, obviamente, la banda puso música- y creó el influyente sello Luaka Bop; sus textos, a medio camino del existencialismo americano, la provocación beatnick y la ciencia ficción paranoica, permanecen como algunas de las mejores letras escritas nunca para el rock y, por supuesto, tienen excelentes canciones (muchas de ellas en este disco llamado "The Best Of"; "Psycho Killer", "Take Me To The River", "Heaven", "This Must Be The Place" "Burning Down The House", "And She Was", "Wild Wild Life"). Aunque si nada de esto les vale, si les da igual lo listos o lo feos que fueron (aún lo son), si todos estos argumentos -de más o menos peso- no les consigue convencer, hay algo que si lo hará: "Once In A Lifetime". Una de las mejores, más atrevidas y desconcertantes canciones de la historia del rock, una maravilla de cuatro minutos y veinte segundos, de rítmica extraña, entre africana y cubana, con unos teclados imposibles y una voz (esa manera de cantar de Byrne) demente; una emocionante y sobrecogedora reflexión sobre la alienación del hombre occidental, sobre la imposibilidad de la felicidad, sobre la libertad y el horror, resumida en una frase tan terrible como banal: Why isn´t it his beautiful life?. The Used  "IN LOVE AND DEATH" REPRISE / WARNER 2005  por Fernando Navarro- IndyRock A medio camino entre el hardcore melódico, el pseudo industrial, el neo punk a lo Green Day y el stoner rock, todo bien mezcladito en un cóctel hipercomercial, The Used son una banda que ha alcanzado bastante popularidad en USA y que ahora asalta Europa con este inocuo disco para audiencias jóvenes muevecabezas, "In Love and Death". Con un imaginario tenebrista, casi gótico, oscurantista, con más de un punto en común con los dibujos de la célebre "Pink Floyd´s The Wall", que, por fuerza, consigue atrapar al adolescente perdido, al marginado y al heavy tempranizo, con corazón rock, el nuevo disco de The Used, usa la música de guitarras comercial (en una larga tradición de buscar a los teenagers desencantados a base de guitarrazos, que arranca con Metallica, pasa por Nirvana y tiene su más reciente expresión en Marilyn Manson primero y en Linkin Park después) para dar lugar a un discurso correcto, cuya producción, demasiado standard, indecisa entre lanzarse al barro o mantener las formas, lastra un disco con un repertorio igualmente indeciso: se suceden canciones más o menos impactantes con medios tiempos dramáticos o con trallazos de pop comercial propio casi de The Rasmus (de lo primero hay están la contundente "Take It Away", "Let It Bleed", el punk blandengue y funcional de "Listening" o la interesante "Yesterday´s Feelings";  de lo segundo, "I Caught Fire, casi de Avril Lavigne, el sonido acústico -y con cuerdas- de "All That I´ve Got", con reminiscencias de Simple Plan). Al final "In Love and Death" no habla tanto del amor y la muerte como promete su título; más bien habla de "pequeñas muertes" (en delicada acepción afrancesada referente al climax sexual), de primeros amores, de cosas pequeñas disfrazadas de tragedia. No me digan que no es esto último como cualquiera de nosotros recuerda la adolescencia. Quizá el periodo más oscuro de la vida del hombre.  The Konki Duet  "IL FAIT TOUT GRIS"  LILIPUT RECORDS  2005  por Fernando Navarro- IndyRock Se abre "Il Fait Tout Gris" (primer disco de The Konki Duet, extraño trío parisino, formado por tres chicas) como se abre un cuento. "Ima wa mori no naka ni", con su melodía extraña en japonés, con el sonido del xilófono, con esas voces dulces y superpuestas, suena tan lejana, tan mágica, que, rápidamente, echo mano al dossier para saber más de esta banda. La biografía empieza a aclararme cosas y decido dejar de leer. Prefiero seguir intrigado, prefiero no saber nada. Con títulos en inglés, francés y japonés, tan sugerentes como "Slow Sex", "A Sigmund Freud Odissey" o "In The Trees", cada corte del disco de The Konki Duet parece reservar una sorpresa en su interior: la inquietante, erotizante abstracción de "Slow Sex", el atrevimiento casi disco de "Il Fait Tour Gris" -con un violín desquiciado, tan cercano a la Velvet como a la música barroca-, la tontería naif de "Melody", la definitiva rareza psicodélica-barroca-espacial de "A Sigmund Freud Odissey" (viaje donde se dan cita los sonidos de Cartenbury o los Beach Boys; todas las músicas enfermas de ácido de los sesenta, cabría decir) o el lo-fi electrónico de "Le Mariage Dans Le Nuages". Este es un disco raro, como una adivinanza de Lewis Carroll: morbosamente infantil, misteriosamente bobo, inquietantemente remoto.  The  Go-Betweens  "OCEANS APART"  MUSHROOM PILLOW 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Tercera reaparición (o lo que es lo mismo, tercer disco tras un prolongadísimo silencio) de los australianos The Go-Betweens, una de las más veteranas bandas del lejano país oceánico y uno de los principales referentes del pop independiente de los últimos veinte años. Ahora, tras "The Friendo Of Rachel Worth" y el más reciente "Liberty Belle and the Black Diamond Express" el dúo formado por Robert Forster y Grant McLennan regresan con un disco breve, intenso, aún más pop que los predecesores; una obra luminosa, positiva, feliz, que esconde algunas maravillosas canciones pop (cito, por orden: el estupendo single "Here Comes a City", el atrayente pseudo folk de "Born To a Family" o "Darlinghurst Nights", el optimismo declarado de "No Reason To Cry", ese engañoso reggae que es "Lavender" o las simplemente hermosas "The Statue" -mi favorita junto al single- o "The Mountains Near Dellray") y que habla de temas aparentemente banales, sencillos, casi intrascendentes (amor, amistad, lugares físicos y mentales), de océanos que imaginamos dentro mismo de una habitación, junto a la amante o solos, completamente solos.  Jeff Mills  "THREE AGES"  MK2 MUSIC / DISCOGRAPH 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Atención a este más que curioso experimento. A alguien se le ocurre unir la visión de la maravillosa "Las 3 Edades" de Buster Keaton (junto a Griffith y Murnau el más importante cineasta mudo de la historia y uno de los pioneros del arte moderno) con las alquimias electrónicas de Jeff Mills, el célebre Dj de Chicago. Y la cosa, atentos, funciona. De este modo las imágenes cargadas de fuerza de la cinta de Keaton (la historia es bien sencilla: un hombre persigue a la misma mujer durante tres épocas de la historia distintas; la edad de piedra, el tiempo de los romanos y la edad moderna, en este caso los años veinte), su enfermiza adicción -basada en el montaje en paralelo de las tres épocas, en la misteriosa fuerza gestual y la mirada de Keaton o en la propia historia, cargada de un extraño poso mítico- es sobredimensionada por la música obsesiva de Mills, que aporta varias maravillas (la igualmente adictiva "Keaton´s Theme", la rarísima melodía casi orientalizante de "Roman Age" o la mirada impresionista de "A Day In The Life Of A Day") a la película de Keaton (que codirigió con Eddie Cline). Propuesta futurista (Marinetti hubiera celebrado, seguro, el matrimonio entre la electrónica y el cine mudo), retroprogesiva, "Three Ages" es una experiencia extraña, única, aún más inteligente que la versión de Mills de otra cinta muda, "Metropolis" (que llegaba a cargar por lo obvio), una atrevimiento obligatorio para los que, hastiados del cine y la música, piensan seriamente en dejar este mundo. Aún quedan cosas por ver, seguid entre nosotros, perseguid a una mujer a través del tiempo, sed felices.  "Gilles Peterson in Africa"  ETHER RECORDS 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Ahora que puede que haya un Papa negro, que mejor momento para echar un vistazo al gran continente misterioso: África. Gilles Peterson (conocido Dj de providencial buen gusto, actualmente en la nómina de la radio estatal británica, Radio 1 y que ya ha acometido excelentes colecciones de post-rock o de folk funk) nos conduce por un viaje apasionantes, en uno de los mejores, más completos y personales recopilatorios de música bailable que pueden encontrarse ahora mismo en las tiendas. Dividido en dos partes, "The Soul", mucho más jazz, más funk y "The Spirit", donde las raíces étnicas se encuentran con la electrónica y el dance de manera mucho más abierta, "Gilles Peterson in Africa" descubre la vigencia, la maravillosa herencia musical africana en dos discos apasionantes, de esos que cuesta apartar del lector de cd. En "The Soul" aparece la rabiosa fuerza de Manu Dibango, el jazz tribal de Oscar Sulley, el personalísimo discurso de Fela Kuti, los sonidos funk guarro de Antibalas, esa especie de Henry Mancini africano que es Mulatu Astatqé o la impactante, tremendista mirada a lo film noir de Abdullah Ibrahim, revisitado por Toshio Matsuura. En "The Spirit", por su parte, sobresalen la energía rítmica de Osborne en "Afrika", el hipnotismo de Lekan Babakika, la interesante remezcla del "Angola" de Cesaria Evora a cargo de Carg Craig o esa curiosidad de Thievery Corporation junto al africano de corazón David Byrne, con título de Carson McCullers, "The Heart´s A Lonely Hunter", donde la posmodernidad se encuentra con las raíces últimas de la música: África. Allí, amigos, nació todo.  It´s Jo and Danny  "BUT WE HAVE THE MUSIC"  INTROMÚSICA 2005  por Fernando Navarro- IndyRock  Punta de lanza del llamado movimiento folktrónico (que unido a la indietrónica intenta nominar a la unión entre músicas orgánicas, de guitarras, con estructuras y pasajes electrónicos) europeo, It´s Jo and Danny son un dúo británico que abandonan el frío Londres y se instalan en el (aún más frío) Gales, rompiendo su contrato con una multinacional y dedicándose a organizar festivales y grabar lo que les venga en gana. Así, libres, contentos, enamorados (son pareja en la vida real) Jo and Danny han grabado una obra optimista y amable sobre la vida y la música, o sobre vivir haciendo música. Disco pensado en una cocina o un salón, doméstico, casero y a la par sofisticado (de una sofisticación doméstica, terriblemente empática) en "But We Have The Music" los dos británicos se han rodeado de algunos estupendos músicos y amigos (gente de bandas tan recomendables como Spiritualized o Super Furry Animals) para dar forma a una pequeña joya de cámara. De la psicodelia acústica de "It Should Have Been Me", al pop luminosísimo de "A.n.d.", de la divertida "Mean" -con extractos sonoros de un partido Valencia-Tenerife incluidos- a la delicadeza de "The Sooner", de los juegos de atmósferas de "Sound Of Barra" a esa pequeña belleza que es "Summer Rain" así sin detenernos hasta llegar a los temas extras, conformando un disco para paladares refinados, caseros, exquisitos; un disco que sirve para dentro y para fuera, para salir bien vestidos y para estar en pijama. Créanme, no hay muchos discos que tengan esta extraña virtud.  This ain´t Vegas  "THE BLACK LUNG CAPTAIN"  JELAOUS RECORDS 2005  por Fernando Navarro- IndyRock Bueno, bueno, como está el patio. Aquí llegan estos jovenzuelos británicos -no sé si un trío o un cuarteto, la hoja de promo no aclara demasiado- con uno de los discos más salvajes (en el sentido menos clásico de la palabra) de la reciente temporada, "The Black Lung Captain". Diez canciones/trallazos que asumen la anarquía formal del emo con la efervescencia del punk británico y la fiereza guitarrera del indie americano, dando forma a un discurso urgente, enfadado, rabioso, con apenas lugar para la calma y la distancia. Hay que estar dentro de la espiral para no verla, hay que sufrir y odiar como ellos (apenas llegan, cuenta el dossier, a la veintena) para entender estas canciones. Desde el arranque con "Promotion" hasta la oscuridad arrítmica de "Your Name Is A Real One", el breve trallazo de emocore de "222" o las piruetas sonoras (más crispado que Steve Albini) de "Been Party", pasando por la militancia de "Down In The System", todo en "The Black Lung Captain" -inquietante título, traducible como "El Capitán del Pulmón Negro"- deja en el oyente una sensación incomoda: demasiado cerebral para el punk, demasiado salvaje para el rock, demasiado inteligente para el metal. Hay que escuchar esta ópera negra de destrucción juvenil. Eso está claro.  The Wedding present  "TAKE FOUNTAIN"  HOUSTON PARTY 2005  por Fernando Navarro- IndyRock  Cuentan que al parecer un día, una jovencita aspirante a actriz le preguntó a Bette Davies (esa mujer terrible, de ojos profundos y voz grave, mala, a veces malísima) que había que hacer para triunfar en Hollywood, para convertirse en una gran estrella. "Take Fountain", fue, más o menos, lo que contestó Davies, invitando a la chica a que se diera una vueltecita por Fountain, la más popular, concurrida avenida de Los Ángeles, un lugar por el que caminar, por el que ver y, sobre todo, ser visto. Así titulan, precisamente, su regreso al mundo los británicos The Wedding Present, "Take Fountain" hablando, no con poca sorna, del éxito, la fama y la fortuna en un disco vibrante, joven, enérgico y rotundo. Una obra de pop de guitarras que recupera algunos de los mejores momentos de estos clásicos del indie gracias, sobre todo, a la vigorosa producción de Steve Fisk (habitual productor grunge, a cargo de discos de Nirvana, Soundgarden o Pavement) y a un alto nivel compositivo (hay está la tensión de "Interstate 5", con ese cierre a lo Morricone, un compositor bien querido por David Gedge, la luminosa belleza de "Always The Quiet One" o la maravillosa "I´m From Furhter North Than You", la urgencia de "Ringway To Seatac", el bajo omnipresente de la ruda "It´s For You" o "Queen Anne", de nuevo con guiño al spaghetti western). "Take Fountain" es algo más que el regreso de The Wedding Present; es la oportunidad de reencontrarse con una de las mejores bandas de pop de los últimos quince años, de descubrir (quien no lo hiciera en su momento) a un compositor (David Gedge) inquieto, divertido, inteligente, ácido, preparado de nuevo a darse una vuelta por Fountain, a comerse, de nuevo, el mundo.  Run away from the humans "WE EXIST"  EX011 RECORDS 2005 por Fernando Navarro- IndyRock  Hace no demasiado comentaba la enorme influencia que The Postal Service están teniendo y, sobre todo, tendrán, en la música que se haga en los próximos dos, tres años o quizá cinco años. La propuesta del dúo americano ha sido una de las más inesperadas por la escena independiente mundial (de repente, entre el tímido regreso al rock y el dichoso hip hop, surge algo más o menos nuevo, con forma de electrónica ochentera pero un discurso que va más lejos) y su importancia aún no ha sido tomada en cuenta. Ya nos ha llegado una de esas primeras bandas post The Postal Service, Run Away From The Humans. Surgidos en Philadelphia, RAFTH han grabado un ep de debut, este "We Exist" que mucho les debe a los de Washington. Una obra, un repertorio, en el que se dan la mano las guitarras eléctricas surgidas del emo con la electrónica sin estridencias, abstracta, casi apacible y cambiante; los estribillos pop-pop con las estrofas narrativas. Así de las seis canciones del breve debut de RAFTH, podemos destacar la placidez de "We Are" o la maravillosa simpleza/complejidad de "Nuclear Fashion Victims", aunque la mejor pieza (la que sirve además de metáfora visual y de todo conceptual) es "Antarctica", donde está aún joven banda muestra todas sus cartas y de lo que son capaces.  Suzy Callahan "HAPPIER THAN EVERYBODY ELSE"  SGM 2005  por Fernando Navarro- IndyRock  Autoproducido debut en solitario de Suzy Callahan (antigua vocalista de uno de esos grupos de buen rock americano que hay por ahí escondidos, Devil Wielding Scimitars), "Happier Than Everybody Else" es una interesante muestra de canción de autor, folk eléctrico y rock de raíces, que tanto abunda en el territorio independiente americano y una más que convincente colección de canciones. Disco/diario, confesional, intenso, dolido y feliz, el primer trabajo de Callahan es una obra sincera y honesta, donde se encuentran referentes más o menos obvios (Elliot Murphy, PJ Harvey, Sun Kil Moon, Dylan, por supuesto, Joni Mitchell, Natalie Merchant o The Byrds) en un discurso que, sin llegar a ser completamente personal (no lo busca, creo), acaba por resultar familiar, interesante, incluso misterioso. En "Happier Than Everybody Else" toma voz una mujer que, dice, es más feliz que cualquier otra persona, y que, justamente, nos hace sentir con sus canciones todo lo contrario (hay están la fragilidad que subyace en el rock de "Tough on the Outside" o el engañoso riff de "Ghost of Spite", la evidencia de "Paranoia Sets In", la desarmante "Brutal Day" o la misteriosa "You Don´t Scare Me"), en una maravilla de paradoja: Suzy Callahan hace unas preciosas canciones tristes sobre la felicidad. O al revés.  The Calvin Owens Show Por Joe McGaha - IndyRock Este fin de semana, recibí algo muy especial por correos.el c.d. de The Calvin Owens Show. Calvin Owens es un bluesero de la tradición "Big Band" de los años 40. Él lleva más de medio siglo tocando su música, y tengo que decir que el c.d. es fantástico de principio al fin. Escuchar éste c.d. te pone en el mejor asiento en la casa, en un lujoso club Blues de los años 40. La banda es una orquesta blues, de 18 músicos.cuando tocan el "Spiritual" de tradición Afro-Americana, "This Little Light of Mine" (Esta Lucita mía), es como estar en una iglesia, y se siente toda la emoción que sale de esa historia tan rica.  La verdad es que yo no sabía nada de Calvin Owens, pero alguien mencionó que tenía un nuevo c.d., y como soy un cantante de Blues, es importante para mí conocer todo lo que hay. Al recibir el c.d., me dí cuenta de que Calvin Owens es un bluesero de primera clase. Según B.B. King, "Él es un gran compositor y arreglador, y un querido amigo. Si te gusta la buena música, éste c.d. es para tí.".  El c.d. contiene 14 canciónes, y desde la primera, Hucklebuck, hasta la última, Stop The Clock, la energía, y la excitación por vivir no para. Yo recomiendo poner éste c.d. en una fiesta, y os aseguro que todo el mundo estará bailando antes de que termine la primera canción. Espero escuchar mucho más del Sr. Owens, y de su banda. http://www.calvinowens.com  Los débiles - "La gente va con prisa" CD / Dusty Roses Records 2005  Por J. E. Gómez / IndyRock Hay bandas que no ocultan sus raíces en la música de los 80, en el blues, en el r&b y en creadores de un sonido de rock tan claramente hispano como 091. Es el caso de Los Débiles, una magnífica banda de rock and roll, cargada de buenas letras y rifs atractivos y poderosos. Este grupo de Oviedo, formado en 1995, lanzan al mercado "La gente va con prisa", un segundo disco en el que crean atmosferas muy particulares. Los Débiles muestran una muy cuidada instrumentación, guitarras, teclados, armónicas, e incluso órgano, con una base ritmica que no deja indiferente. Destaca especialmente la composición, cuidada y sin miedo a adentrarse en diferentes estilos. Las letras son parte fundamental en el trabajo de Los Débiles. No conciben canciones sin algo que decir. Temas como "Tan deprisa" muestra claramente que esta banda quiere lanzar ideas, mensajes, sentimientos, alejarse de las canciones vacíos de contenidos. "La gente va con prisa", un título claramente homenaje a sus admirados"Cero", recordamos su parcipación en el disco homenaje a 091, es una colección de trece canciones del mejor pop-rock que promete un directo que no dejará impasible a los que quieran disfrutar de una verdadera sesión de rock and roll.  Torazinas "ME GUSTA DURO"  ROCK ON MUSIC 2005  por Fernando Navarro- IndyRock  A Torazinas les gusta duro. Y a ellas les gusta que les guste duro. Eso piensan ellos. Tipos duros de Reus, banda de rock macarra, punk sucio y estética porno duro, Torazinas debutan con un disco de hard rock intenso sobre pubis rapados, machos, machitos, machistas y otras especies de hombres guarros. "Me Gusta Duro", su disco de debut, rezuma erotismo de teléfono erótico y canal local, todo a cero noventa céntimos y dura, como esas llamadas, casi cuarenta minutos. Estructurado como una noche peligrosa en que estos cuatro machos arrasan los bares de una ciudad, el disco de Torazinas tiene personalidad (un tanto impostada, pero divertida), algunas canciones ("Corrupción En Las Aulas", elegida y con razón single del disco, la versión de "Call Me" -la original servía para musicar "American Gigoló", la estupenda y bressionana película de Paul Schrader-, "Mi Vida Cambio" o "Bangkok") y un concepto (rescatar el legado macarra de bandas macarras como Ilegales desde una vertiente triple equis y doble anal) que lo hace un disco a reseñar. Ya saben, sólo para espíritus inquietos y carne de Sex Shop. Y también para ellas, ¿por qué no?  Robyn Hitchcock - "Spooked" - CD (Liliput discos)  Por J. E. Gómez / IndyRock Es sorprendente escuchar a un mito del punk reconvertido a poeta del rock, como un jugalr armado sólo de una guitarra acústicas y algunos tímidos acompañamientos y arreglos. Robin Hitchcook, que fuese parte del movimiento que lanzó a los Soft Boys e incluso de la más pura psicodelia pop, ha publicado con Liliput Discos, "Spooked", un trabajo en el que viaja a las profundidades de la creación más sencilla, coherente y sin aditivos. Sonidos que van del country al grounge, cargados de melodías que poseen esa chispa que  hace del minalismo una obra de arte. Temas como "English girl" o "Creeped out", demuestran que no es necesario ser un mago de las tecnologías, la vanguardia electrónica o los rifs guitarreros, para llegar directamente a los sentimientos. Este disco ha sido grabado en Nasville y se nota su querencia al country rock más puro. Destaca la presencia de Bob Dylan como creador de uno de los temas del disco, "Trvin' to get to heaven". A juzgar por este disco, contemplar a Robyn Hitchcock en acustico en una sala pequeña debe ser una experiencia inolvidable.  JACKI-O "POE LITTLE RICH GIRL"  TVT RECORDS 2005  por Fernando Navarro- IndyRock  Propuesta marcadamente sexual, que lleva la habitualmente caliente música negra hasta sus últimas consecuencias (poco podía imaginar Marvin Gaye con aquel "Sexual Healing" o el algo más ingenuo Barry White que sus protoéroticas canciones acabarían convertidas en pornografía de lujo) "Poe Little Rich Girl" es el debut de Jacki-O, trasunto Crunck de la reinona Missy Elliot y auténtica dama del R´N´B sucio y peligroso. Acompañada de un buen número de nombres de la costa este, y del sonido más "nasty", Jacki-O ha grabado un disco de debut que rezuma sexualidad por cada corte (y son diecisiete) hasta completar una obra hedonista, a veces claramente exhibicionista, excesiva, sobre los placeres del cuerpo, y (en menor medida) sobre la violencia, un disco de ritmos cortantes, de sintetizadores (siguiendo la línea marcada por el maestro Timbaland) y percusiones que se asoman; de elegantes voces negroides y gemidos. Así es difícil encontrar (no lo hará el que comprenda los explícitos textos) un corte en el que no se hable de sexo: "Ms. Jacki", "Break You Off", "Slow Down", "Sugar Walls", "Sexxy Dance", todas ellas directas, causan en el oyente desprevenido (incluso en el avisado) una sensación curiosa. Música sexual, dicen. Más que eso, me temo.  JR  "LA JR"  ACUARELA DISCOS 2005  por Fernando Navarro- IndyRock  Como la larga súplica de un ser humano pidiendo más amor (a la manera en que se dice, apócrifamente, que Goethe pidió más luz) "La JR" es el más complejo (y a la vez más naturalista, más orgánico) disco de una banda, este esquivo trío gijonés, que se encuentra cómoda entre el no pretendido malditismo y la paz anónima de remotos estudios remotos en Roces, en Gijón, en Lisboa. Disco de texturas engañosamente frías, menos sórdido de lo que puede parecer a simple vista (los dos limones pudriéndose de la portada, el deliberado dadaísmo de los títulos de las canciones) el tercer trabajo de JR rehuye cualquier carácter narrativo o sentimental -a pesar de los textos, apenas susurrados, por momentos incomprensibles- para centrarse en un ascético juego de texturas y atmósferas que conduce a un todo abstracto, ajeno, raro, frío, hermético y formalmente arriesgado. Con guiños al blues fronterizo, al jazz vaposoro y etílico, al kraut y al slowcore, "La JR" acaba convirtiéndose, a fuerza de escuchas -créanme, es un disco que crece cada vez que se oye- en una obra íntima y dolorosa, gélida como una aguja penetrando en la piel; una obra sugerente, llena de imágenes imposibles a la que, finalmente, el grupo contribuye con una metáfora de creación propia que define, mejor que lo que yo pueda decir, a la perfección, lo que buscan las canciones/pinturas de JR: "cuatro pares de caballos blancos/pasaron por mi espalda"  THE POSTAL SERVICE  "WE WILL BECOME SILHOUTTES"  SUB POP/HOUSTON PARTY RECORDS 2005  por Fernando Navarro- IndyRock A pesar de los llantos y gimoteos de la industria del disco, el estado de la música no es tan malo. Hay un detalle (al margen de que la música existe antes que el disco y, con toda seguridad le sobrevivirá a este; cuando Bach no había discos y, vive dios, sí música) interesante al respecto: que haya sido el sello que apadrinó a Nirvana, Sub Pop, el mismo que haya descubierto al mundo a The Postal Service, aportando un curioso punto de giro -en expresión literaria- a la música popular norteamericana (que viene a ser, creo yo, la mundial). Uniendo su disco de debut (del ya lejano 2003) con el próximo disco, aún sin fecha, The Postal Service editan "We Will Become Silhouttes", un estupendo ep que sirve a la vez de single de la canción homónima y de avance de la nueva música del dúo; cuatro canciones que conforman una especia de poema breve sobre el fin de este larguísimo invierno, sobre gente despistada que vaga de un lado a otro mientras la nieve cubre las calles. Sobresale la inédita "Be Still My Heart", hermosa suplica de un amor que no quiere acabar, convincente, esperanzada, mientras que las complejas, cambiantes texturas aportadas por Styrofoam se superponen con la fragilidad de la voz de Jenny Lewis ya una habitual en las canciones de The Postal Service en "Nothing Better", o Mathew Dear reconstruye, más bien deconstruye la melodía de "We Will Become Silhouttes" hasta hacerla más abstracta, un tanto amorfa. Una exquisitez nevada de The Postal Service que hay que tener.  Revolujoin. "La vida habla cuando paran los relojes" 2005  Por Fátima Carmena - IndyRock A Coruña presenta músicos con ambiciones y a la cabeza Kiko Reimundez como compositor y cantante de Revolujoin, además del único miembro que permanece en el grupo desde su fundación en 1996. Después de un EP y muchísimas apariciones en directo por la variopinta escena musical, por fin sacan disco autoproducido para más señas y grabado a mediados de 2002. Letras en castellano y un poco de mala leche sonando a deje "sabiniano" o "enemigo" y bastante comercial, en el mejor sentido de la palabra -nada de segundas intenciones-,  porque el disco no tiene nada que ver con los grupos que habitualmente se pueden relacionar con comercial. 11 temas en "La vida habla cuando paran los relojes" muy variados y fáciles de seguir, además de pegadizos ("me besaste soltando lastre").  Algunos no tan bien recibidos como "Juan Valdés", aunque la gracia no se la quita nadie a la letra de la canción. En un momento se pone más íntimo, como en "A tus pies", dónde se nos deja ver la otra cara del disco. Un disco que se hace profundo justo en la mitad y se vuelve más cañero al final retomando ritmos de los primeros temas, al más puro rock español y con el punto y aparte de la última canción "Agua al cuello". El único problema parece el exceso de estribillos repetitivos.  Por lo demás buena entrada de Revolujoin, que parece ha cumplido su sueño a pesar del sonido de despertador que cierra el disco. www.revolujoin.com

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