]>Tablón
de Anuncios IndyRock de: Grupos, contactos
musicales...
* Realizacion de Video Clips ]>Academias
y Enseñanza de Música
* Otros recursos profesionales -----------------------------------------------DIDISCOS
AL OIDO * COMENTARIOS DE DISCOS
IndyRock
selecciona los discos que te pueden interesar, según el criterio
de la redacción
]>Buscar
en esta pagina
Teclea
Ctrl+f ]>No admitimos info en formato de imagen
Local qua4tro La gravedad
de Júpiter -Audiomatic 2012
por Javier Verdión Castro
Tras un lento y arduo discurrir por salas y garitos, con varias maquetas
y EPs autoproducidos a sus espaldas (que, por cierto, puedes descargar
aquí), después de algunos años de ilusión
artística amenazada, como casi siempre en este país, por
los sinsabores discográficos, por fin Local qua4tro irrumpe en el
panorama estatal con un señor disco, La gravedad de Júpiter.
Se trata esta vez de un largo producido junto a J.M. Rosillo (La Buena
Vida, Amaral, The Sunday Drivers, Cooper...) donde voz, música y
textos alcanzan la comunión perfecta. Porque el pop emotivo y galáctico
que realizan estos cinco amigos sólo e sposible con una voz y unos
coros memorables, un buen bajo, una batería sobresaliente, unos
teclados necesarios y unas guitarras cuyos solos (especialmente con el
quetermina el álbum) no te dejarán indiferente.Tampoco unas
letras muy especiales que hablan de la necesidad vital, de sucesos cotidianos
y relaciones personales, pero también de experiencias emocionales
varias, de la nostalgia y la melancolía… Cobra especial protagonismo
el tema universal del desamor, tratado a veces con desenfado e ironía,
otras con profundidad y desgarro; es el caso de “Hoy”, un anterior tema
de la banda del que se incluye aquí una nueva versión con
la cual, a mi modo de ver, el texto pierde fuerza. Con todo, uno de los
mejores temas de esta entrega junto a “I must” o “La playa de los muertos”.
Sin embargo, comoya se ha dicho, no hay nada que desmerezca esta obra
no tan primera. Solo por eso y porque los autores han perseverado demasidado
para poder ofrecértela deberías acariciar este pedazo de
Júpiter que ha tomado tierra.Siéntelo y disfruta. http://www.localqua4tro.com/
Senior i El Cor Brutal -Valencia, Califòrnia-
Malatesta Records 2013
Crítica por Rafa Carazo. La obra de teatro “Transición” del Centro Dramático Nacional
es de lo mejor que ha pasado esta temporada por el Teatro Maria Guerrero
de Madrid y seguramente por gran parte del territorio peninsular, ya que
ha girado por el mismo. La misma encuentra su punto más brillante
y grotesco en la recuperación de “Al vent” de Raimon, canción
que no solo situaba a Valencia en levante sino que ponía al valenciano
en la liza de esas otras lenguas oficiales.
El binomio individuo y sociedad, persona y Estado, configura una de
las ecuaciones fundamentales del ser humano, uno de su temas recurrentes.
De ahí el interés por la política en general que muestran
muchos de nuestros músicos y en particular por un periodo como el
actual en el que toda la sociedad está en continua efervescencia,
en una transformación política, individual y cultural.
La música pop de nuestro país no se caracteriza por volar
alto en el discurso de las ideas, lo hace más en el de los sentimientos.
Y precisamente es la humanización sentimental del debate político
la que hace que sea ahora otro valenciano, Miquel Ángel Landete,
el que ponga fin a la atendencia, desde la izquierda por supuesto (viento
de poniente). Ya lo hizo con su artículo reivindicativo en Rockdelux
y lo hace ahora, siendo consecuente, con su banda Senior i El Cor Brutal
en un disco que deja la exuberancia del rock eléctrico por una obra
intimista, más propia de un cantautor comprometido. Ya el arranque
sorprende, con “La bomba de plaer” con una voz más nasal que parece
fruto de la influencia de Refree.
Haciendo uso de su carácter terrenal, de poeta apegado a la vida
y a los problemas de su tiempo, Landete ejerce de intelectual comprometido,
usando su principal arma, la palabra, para sublevarse contra los atropellos
del presente. Un río que desemboca en las lagunas de la memoria
colectiva e individual.
Musicalmente uno no puede más que rendirse a este disco manso
en la forma y salvaje en el fondo, a la armónica de “Flor de maig”,
al piano de “El somni s´ha acabat” (single oculto e inspirador) y
a la omnipresente guitarra acústica.
El álbum incluye una versión ampliada de “El dia de Tots
Sants” de la banda de Alcoi, Arthur Caravan, rebautizada como “El dia dels
covards”.
Valencia se proyecta al mundo con California como Estrella Polar y
con Marx en el diario de bitácora.
Riverside “Shrine of new generation slaves” InsoudOut Music. 2012
por Juan Pablo García - "JuanPi" - IndyRock Los polacos siguen su dulce camino dentro del Rock Progresivo con esta
quinta entrega con ocho piezas de auténtica ingeniería musical.
Se destaca la alternancia de temas más contundentes con otros de
cadencia más suave, dejando a un lado la vertiente más metalera
y adoptando la tendencia de rock progresivo puro y duro, como está
ocurriendo con otras bandas del ramo (véase Opeth, por ejemplo).
A destacar son el tercer corte y single de presentación “Celebrity
touch” con esa reminiscencia pinkfloidiana, la delicadísima “We
got used to us” y las interconectadas “Feel like falling” y “Coda”. También
el solo de saxo en “Deprived (Irretrievably lost imagination)” resulta
cautivador a la vez que exótico. Una pieza maestra para ir abriendo
boca mientras esperamos su comparecencia en nuestro país, que esperemos
non se retrase demasiado.
Blindfall “All for nothing”Awá
Records. 2012
Por JuanPablo Garcia -JuanPi- IndyRock
Sin nada que demostrar y con un sello discográfico que les respalde,
estos granadinos nos ofrecen un trabajo distinto pero a la vez lleno de
calidad y con una producción en alza, y es que tanto ellos como
el ingeniero de sonido Manuel Torreglosa han entrado en esta ocasión
en dichos menesteres junto con François Maigret, nuevamente en los
estudios "Sala de Máquinas" (Lorca). Dejando a un lado los ramalazos
metaleros y la potencia vocal, en este disco, el rock y las armonías
vocales pasan a un patente primer plano de manera absolutamente brillante
en casi toda su duración.
Con respecto a los temas, destacar la tripleta "Welcome"-"Alive"-"R.I.P.",
donde se puede resumir la esencia de este trabajo, "Destination us" le
da el punto de dulzura al disco y "WWW" (con la colaboración de
Mart de Estirpe a las voces) es el tema más "durito" y acelerado
de la entrega, estupenda elección para terminar.
"All for nothing" supone un paso más hacia delante en la trayectoria
de esta banda granadina que espero que siga en esa progresión ascendente
por muchos años.
Jero Romero, Cabeza de León
Octubre, 2011
Formas de ser y estar por Cristina Consuegra
Hay momentos que se nos antojan irrepetibles, incluso trascendentales.
Momentos que se transforman en recuerdos, en esa amalgama que llamamos
memoria y que nos construye y auxilia cuando parece que todo se desvanece.
Cabeza de León (2011), álbum debut de Jero Romero, el que
fuera la voz de ese grupo que forma parte de la memoria musical de nuestro
país, The Sunday Drivers, tiene mucho de conciliador, del que ha
observado con calma y silencio, del que ha sabido recuperar fronteras y
aparecer en el momento adecuado. Porque en Cabeza de León Jero nos
ha regalado doce formas de ser y estar con uno mismo, con lo que acontece
o lo que nos ha tocado vivir; doce canciones de corte intimista, doce melodías
que se apoyan en la voz como motor de la emoción y en letras tan
rotundas como cotidianas.
Creo que todos tuvimos el mismo miedo cuando frente a nosotros se transformó
en realidad este primer trabajo en solitario, ¿cómo sonará
Jero en castellano? Sin embargo, el miedo se disipó tras las primeras
palabras pronunciadas, «Estaba obsesionada con el fin de la pasión,
sabe de memoria con que gesto terminó…», y se transformó
en sonrisa con vocación de eterna ante el tracklist de Cabeza de
León; la experiencia sonora fue deliciosa, ese primer contacto,
irrepetible y fascinante, con Cabeza de León sugiere multitud de
interpretaciones y estados. Desde la primera canción, “Correcto”,
hasta “El as”, el álbum se debate entre una miscelánea de
estilos que transporta al espectador sonoro a territorios ya explorados
pero con otro traje, con otra intención.
Cabeza de León ha sido producido por Jero Romero y el gran Charlie
Bautista, y financiado íntegramente a través del Crowdfunding.
Está disponible en la página Web del artista.
Roger Miret and The Disasters
“Gotta get
up now” People Like You Records. 2011
por JuanPi García - IndyRock 4º largo de la banda paralela de este veterano del hardcore neoyorkino
con la que se divierte mientras no se encuentra ocupado con su banda matriz
Agnostic Front. Tras nueve años de existencia, los Disasters siguen
realizando ese punkrock de vieja escuela con toda la honestidad que les
caracteriza.
Producido por Johnny Rioux, Roger Miret y sus chicos nos entregan trece
himnos de auténtico punkrock combativo, y que mejor comienzo que
el tema que abre el LP “Stand up and fight”, toda una declaración
de intenciones. También otros temas como “Faded”, “Gotta get up
now”, en la que coquetean con el Reggae, “Outcast youth” o la final “City
soldiers”, te tienen todo el disco sin parar de menearte a su son.
“Gotta get up now” es un disco ideal para echarte a la calle con los
colegas para pasártelo en grande y pegarte unos bailes. Y es que
el sentimiento de hermandad es otro de los factores que emanan de cada
tema de este trabajo
Duffy - Enlessly 2010
por Abel Guerola - IndyRock Puede que una de las pocas virtudes de la portada del nuevo disco de
Duffy (una foto de la artista tan aséptica y neutra que bordea el
feísmo) sea que, indudablemente, sirve muy bien como anticipo de
la música que el oyente se va a encontrar en su interior.
Parece que la galesa y el gran Albert Hammond, con el que firma conjuntamente
todo el álbum, han querido hacer una obra que sirva para agradar
a la mayor cantidad de público posible. ¿El principal problema
de intentar gustar a todo el mundo? Pues que es fácil que por muchos
estilos que uno toque, y de ahí la referencia a la portada del primer
párrafo, todo acabe sonando tan impersonal y estándar como
el hilo musical de un hotel. Probablemente “Rockferry” ya adolecía
de este defecto, pero tenía a su favor un hit infalible como “Mercy”
y un momento de auténtica y genuina emoción como “Warwick
Avenue”. Calificativos como “la versión buena de Amy Winehouse”
o “la nueva Dusty Springfield”, en pleno apogeo del revival soul, supusieron
el empujón definitivo para que el debut de la de Cardiff arrasara
en las listas de medio mundo.
Consciente de que los vientos en 2010 soplan en otra dirección,
en “Endlessly” hay casi de todo menos, paradójicamente, soul. En
este sentido, el segundo disco de la artista se mueve entre baladas tan
ampulosas y aburridas como las del mismísimo Phil Collins y temas
más bailables, a medio camino entre Blondie y la música disco
setentera más inofensiva, que podrían haber funcionado bastante
bien sino fuera por el omnipresente vibrato que Duffy se empeña
en meter en todas partes. Este exceso de gorgoritos da a su nuevo álbum,
de hecho, un tono general de lo más cargante. Si a ese defecto se
le une, además, el que entre las once canciones de “Endlessly” no
hay ninguna con el potencial de “Mercy”, es fácil intuir que éste
no va a funcionar, al menos a nivel de ventas, tan bien como “Rockferry”.
Cuchillo Duat Limbo
Starr 2010
por Diego Soto-IndyRock Profundo, denso y excitante. Pueden ser algunos de los adjetivos con
los que describir el nuevo EP de Cuchillo, “Duat” (Limbo Starr, 2010).
Un trabajo nominado por ellos como un álbum en si mismo corporizado
por tres penetrantes piezas en las que se mezclan el oscurantismo
krautrockiano de Popol Vuh con el lozano rock progresivo de Robert Wyatt.
Siniestras composiciones que también acogen pinceladas del folk
más experimental así como del post-rock conceptual
de Migala. Continúan por la senda desértica, árida,
tomada en el primer y homónimo trabajo con el que iniciaban un periplo
que no parece tener fin. Su aperturista visión sobre la nivelación
del género en el que se sienten dientes afilados, el prog rock,
les permite experimentar con una extensa gama de tonalidades con las que
colorear la más desolada de las estepas. Media hora de psicodelia
introspectiva y oscura. Obra con sabor mitológico y esencia chamánica
en la que vuelven a poner de manifiesto su gusto por los elementos naturales,
ofreciéndose como guías del mejor viaje lisérgico
posible. En esta nueva aventura han contado con la experiencia en las mezclas
de Alfonso G.Ródenas y la masterización a cargo de John Gastwirt
(Neil Young, Paul MaCartney). Sin duda, una nueva fantasía en un
universo onírico infinito. ¿Serán sus próximos
cortes sangrantes? Por lo pronto, los de este limbo resultan cuanto menos
hirientes.
Margarita - Explota el cuerpo 2010
por Abel Guerola - IndyRock Lejos de querer disimularlo, Margarita parecen gritar a viva voz desde
los primeros compases de “Crudo y crema”, canción que abre su segundo
disco, que son cien por cien producto de su tiempo.
Su pop, ciertamente pegadizo, es de ese saltarín, trotón
y rítmico que tantas bandas practican en la actualidad. O, por decirlo
de otro modo, los madrileños provienen de esa escuela que parece
construir sus canciones a base de cortes frenéticos en los que los
instrumentos van todos a una y de armonías vocales que son una versión
bastarda, juguetona y con un punto de euforia de los Beach Boys. Ese uso
de los coros, de los cortes y el que se hayan pasado del todo al castellano
hace que los madrileños parezcan, bastante a menudo, una versión
con voces masculinas de Charades, banda con la que por cierto comparten
sello. Para rizar el rizo de lo actual, en “Explota el cuerpo” hay incluidos
bastantes riffs y guitarreos que entroncan directamente con ese tropicalismo
light y hecho en occidente que, a fuerza de ser explotado en el pop de
hoy, bordea ya lo manido.
¿El resultado de esta mezcla de ingredientes? Un disco tan breve,
adictivo y lleno de canciones estupendas (“Luces de colores potentes” es
de lo mejor del lote) como intrascendente y poco o nada original en su
propuesta.
Hurts - Happiness 2010
por Abel Guerola - IndyRock
A punto han estado Hurts, chicos listos ellos, de convertirse en la
banda más grande del mundo antes de haber publicado siquiera un
primer disco. Si para algo sirve el ejemplo de este duo de synth pop es
para constatar una vez más que una buena campaña, y más
en un panorama como el actual donde vender discos ya no es ni de lejos
lo más vital, puede llegar a ser bastante más importante
que la propia música que una banda pueda ofrecer.
A este respecto, nada se le puede reprochar a la estrategia llevada
a cabo por lo mancunianos en el ultimo año, que ha sido brillante:
dos singles portentosos capaces de romper las pistas de baile, “Wonderful
life” y “Better than love”, que iban acompañados de dos videoclips
con una estética tan cuidada y elegante como la de los propios miembros
del grupo (cuya vestimenta y peinado es siempre impecable); entrevistas
puntuales a medios especializados y alguna noticia que fuera creando expectación…
Lo cierto es que tantas ganas y curiosidad había de ver lo que
Hurts daban de sí en un disco completo que, tras haber escuchado
por fin su ópera prima, “Happiness” se puede calificar, sin miedo
a resultar exagerado, de decepción mayúscula. Sólo
un trallazo como “Sunday”, canción que deberían elegir como
tercer single sí o sí, está a la altura de lo que
habíamos escuchado de ellos. Inesperadamente, el resto del álbum
se desinfla, y se hace largo, entre baladas y medios tiempos que dejan
indiferente y que tienen un punto épico que en más de un
momento incluso llega a recordar a One Republic. Sobra decir que asemejarse
a los americanos no es una noticia demasiado buena.
Probablemente el dúo no mienta cuando reconoce en las entrevistas
que grupos como Depeche Mode, OMD o Pet Shop Boys han sido sus principales
influencias. Lo que es indudable es que todavía les queda mucho
para poder compararse a cualquiera de sus referentes.
Whitechapel “Experimental Deaths”.
Happy Place Records 2010
por Ana M. Badía - IndyRock Quizás lo más difícil de conseguir es lo que define
a este dúo, Javier Cantudo (guitarras, baterías y bajo) y
Pablo (voz) ofrecen canciones bellas. “Experimental Deaths” se presenta
bajo una estética expresionista: blanco y negro, terror y marionetas,
y nos deja un disco auténtico. Su pop-folk funciona conjugando la
acústica de sus guitarras con el marcaje de la batería y
la tranquila a la vez que melódica voz de Pablo.
Desde luego, los chicos de Whitechapel saben lo que hacen y sobre todo,
lo que quieren hacer. Así observan la realidad y nos la ofrecen
despacio, envolviéndola en una atmósfera acústica
con toques sicodélicos que ponen de manifiesto sus, más que
grandes, referencias: Pink Floyd, Nick Drake, The Byrds…, Gracias a su
gran colección de discos son capaces de crear auténtica magia
para más tarde despertarnos del profundo sueño al que nos
han sometido.
“To Kill the Inner Child”, primer corte del disco, ya nos lleva al
clímax acústico, para devolvernos en el segundo tema al pop
más puro con “North State New York Girls”.
“Busy hands are happy hands” y “I love your cowlick” las siguen con
títulos que se presentan como una auténtica declaración
de intenciones.
En definitiva, Whitechapel “experimenta con la muerte” y nos deja un
disco que convence desde la primera canción. Un auténtico
placer para sus oídos, por favor, no se lo pierda.
The Wonder Years The
Upsides. .Hopeless records. No Sleep records. 2010
por Ana M. Badía - IndyRock
El último disco de ‘The Wonder Years’ está hecho para
bailar. Cambios de ritmo, mayor presencia de la guitarra, más refinada
y melódica y de la batería, dura y alegre durante los 40
minutos de grabación. Estos chicos de Filadelfia no echan de menos
a su teclista Mikey Nelly, que se fue del grupo antes de la grabación
del álbum. Ahora la composición es más dinámica
en lugar de averías y teclados innecesarios. La incorporación
de altos coros es otro acierto de la banda que aporta así color
a sus letras, letras más personales que nunca.
Las palabras de este disco versan sobre la soledad de una gira de conciertos
y como todo se adapta a lo que se lleva en la mochila (“Everything i own
fits in this backpack”), de los años pasados, aquellos que seguramente
fueron maravillosos o nos hicieron fuertes y ayudaron a mantenernos a pesar
de los malos tiempos (“Washington Square Park”), o a la crítica
social.
"Logan Circle" y "Melrose Diner" son memorables por su energía
y magia. "Dynamite Pala" es una canción contra la intolerancia,
y con “Hey Thanks”, nos dejan una de las mejores composiciones del disco.
El ukelele, junto al trombón y los coros de Rachel Minton de la
banda ‘Zolof the Rock and Roll Destroyer’ forman una canción redonda.
Desde su creación, ‘The Wonder Years’ han ido mejorando en cada
versión, y en The Upsides crean un disco para que no estés
triste nunca más.
Rufus-T “Going Bananas”.
Happy Place Records 2010
por Ana M. Badía - IndyRock
Blanco, negro y amarillo. Rufus-T inspira su portada en la estética
pop de Andy Warhol para ofrecernos un disco muy indy en el que se permiten
mezclar sonidos que recuerdan a las composiciones de finales de los 60,
principios de los 70.
El cordobés Álvaro Muñoz (Tarik y la Fábrica
de Colores, Yacentes), se presenta ahora como Rufus-T y nos ofrece nueve
cortes en los que conjuga de maravilla melodías pop con una contundencia
rockera sin perder de vista a los que fueron grandes cuatro décadas
atrás.
Este no es un disco uniforme, sino que sus melodías varían
conforme pasamos de canción. Así podemos disfrutar de una
gran balada como “Mandy”, la historia de una ex novia, y la frescura de
“Happy Fran” o de “Andalussian”, versión de el himno de Andalucía
marcado por unos nerviosos sonidos de guitarra, que no dejarán a
nadie indiferente.
La psicodelia también funciona en este álbum que no recurre
al estribillo pegadizo, sino que aúna diversos estilos para configurar
uno propio. Rufus-T, un hombre que no copia, sino que reinventa. .
Toundra: ‘II’ (Aloud Music, 2010)
por Armando Marín Ruiz -IndyRock El silencio; el silencio brama como un estruendo en mi mente, como
un zumbido amplificado que se apodera de mi espacio sináptico. Todo
está en aparente calma, no obstante me veo abocado a un estado de
turbación que perturba mi armonía. He perdido la noción
de tiempo alguno; afligido, busco refugio en lo remoto de una época
donde la esperanza aún seguía prisionera en aquel irrompible
ánfora, que Pandora no dudó en destapar, colmando de desgracias
a la humanidad. Ahora siento que su cautiverio perdurará por toda
la eternidad. ¿Existe salvación para el género humano?
El desánimo se adueña de mis sentidos; incontables son los
días, desde que todo dio comienzo, haciendo mella en el espíritu
de un modo cruento en su parsimonia. Cuánta razón tenía
Samuel P. Huntington en su artículo; ahora lo sabemos, y puede que
ya resulte irremediable.
La soledad, única compañera de viaje en esta distópica
travesía. A mi alrededor, la desolación de un apocalíptico
paraje cuya radical senda, conducirá a la liberación de la
psique a través de la destrucción del ego. Tibetana liturgia
que me hace recordar lo armónico del sonido de un tambura ‘Tchod’,
cuya mística esencia evoca lo exótico de tiempos mejores,
marcando un iniciático sendero para aquellos dispuestos a trascender
en sus musicales limitaciones. Atrás quedó ese kilométrico
carrusel de matices emocionales desde el Poniente arábigo ‘Magreb’,
causante de aquel plácido gozo negador de fronterizos prejuicios
sonoros, cuyos límites quedasen superados en pos de toda atmósfera
surgida del prefijo ‘Post’. Un circunstancial imaginario instrumental cuya
continuidad en los crescendos melódicos y la cadencia en sus aires
progresivos, llegan a evocar paisajes sonoros que tal vez, pudieron ver
nacer al gran Freddie Mercury, ‘Zanzíbar’; quizás, obnubilarnos
con los bucólicos paseos de la emperatriz Sissi por sus orillas,
mientras surgía el imperio austrohúngaro, ‘Danubio / Danube’;
quien sabe si la ecualizada complejidad es capaz de rebasar los confines
de lo técnico, a través de un espectro sensorial rebosante
de simbolismo, ampliando los horizontes de lo íntimo de una civilización
surgida en el estrecho del Bósforo, ‘Bizancio / Byzantium’. Un sonido
afilado y desafiante, intenso y fibroso, visceral y árido, dotado
de un conceptual lenguaje, propio y único, cuyos arpegios denotan
lo extático de un estado en dinámica alerta.
El dramatismo de mi odisea bajo una tormenta musical perfecta, confluye
en una subrepticia espiral de emotiva distorsión, cuya talentosa
deconstrucción revivirá la reminiscencia de una inocencia
interrumpida, como si de una ilustración de Chelsea Greene Lewyta
se tratase. Energías renovadas alimentan mi inquebrantable alma,
provocando una sensación de inmortalidad tras quedar liberada de
su corpórea prisión, ‘Koschéi’; llegó la hora
de enfrentarse a nuestros demonios interiores, capaces de corromper las
mentes de una maltrecha sociedad por culpa de sus pecados, ‘Völand’.
Con fervor me aferro a la vida, dispuesto a luchar por mi supervivencia,
preparado para salir victorioso.
Honky Tonky Sánchez. “Esta tierra
hostil”
Por Miguel Ángel Alejo / IndyRock Estamos ante “el Leonard Cohen en castellano”, incluidas su voz ronca,
las bases rítmicas sencillas y esas letras profundas con tendencia
al pesimismo (“Me quedará con esta tierra hostil / harta de vino
y pan / y viviré hasta que me trague a mí / dame por siempre
la paz”). Eso es lo que encontramos en este CD ópera prima de Honky
Tonky Sánchez, ‘Esta tierra Hostil’.
Los arreglos de los once temas que componen el CD, están grabados
desde el fondo de la taberna, rodeado de amigos y unas jarras de cerveza
ya medio vacías. Por supuesto, no falta la densa atmósfera
del humo del tabaco. Como resultado, ideado para escuchar en la soledad
de la habitación, para recrearse varias veces, para descubrir esos
matices en el juego especial de las seis cuerdas de la guitarra con la
voz.
Honky Tonky Sánchez se atreve en uno de los temas, Lucky Man,
con el idioma de Shakespeare además de ser un gospel con 12 minutos
de duración. A destacar también el tema que cierra el disco,
el blues ‘Perros de lluvia’.
Tras Honky Tonky Sánchez se “esconde” Carlos Sánchez,
que ya conocíamos por su militancia en Mercromina y Gonzo.
Thulium - "Lanthanides"
Rock nórdico en UK Por Merche S. Calle / IndyRock Extraña mezcla de culturas se reunen en Thullium, la banda afincada
en UK con miembros de dos continentes, Canada, Francia, Hungria y UK que
aportan el necesario mestizaje con un denominador común, el rock.
Aires clásicos junto a aromas provenientes de las frías atmosferas
centroeuropeas, cargadas de gran riqueza instrumental, voces evocadoras
de paisajes e historias llenas de misterio y con finales inciertos.'Tierras
raras', como el elemento químico que han elegido para su nombre,
el Tulio, escaso y raro en la naturaleza y con inquietantes propiedades,
sin olvidar que su número atómico es el 69. Perfecto para
los amantes del metal nórdico.
Thullium es una banda que atrae por su riqueza vocal especialmente
reflejada en los crescendos. Tienen un excelente trabajo para el que han
contacto con ingenieros y masterizadores de Judas Priest, Steve Vai, e
Yngwie Malmsteen, bajo la producción de AKmusic & Universal
Music. Thulium es una sopresa en el panorama del rock británico,
demasiado cargado de convencionalismos marcados por la industria.
Nadadora - “Luz, oscuridad, luz” / Ernie
Records. 2010.
Por Ana M. Badía / IndyRock Casi sin hacer ruido este grupo gallego ha ido “nadando” hasta conseguir
un hueco en el difícil panorama del Pop español, mundillo
que cada vez se limita más a reconocer las cuestionadas bondades
de los que algún día fueron grandes y ahora dejan mucho que
desear. Nadadora sorprende con su música llena de sentimientos encontrados,
que en momentos recuerda a su paisanos 'Los Piratas'. Una banda de contrastes,
de un profundo claroscuro remarcado al pasar de pista y cambiar de voz.
Sara Atán y Gonzalo Abolo (las voces de Nadadora) saben imprimir
nostalgia y esperanza a cada uno de sus temas.
El disco se abre con los trazos de júbilo de “1987”. Luego llega
“El sueño ardiendo” y el desapego se cuestiona en voz alta. “Sara
dice” y “Siempre” nos muestran la parte más íntima del grupo
soportada entre acordes de guitarra, para pasar a “Deshazte de mi” donde
la distancia es la que marca el ritmo. “Una nueva vida” muestra lo que
somos capaces de hacer y ser por amor. El disco se llena así de
canciones en las que prima la nostalgia, el recuerdo, el miedo, el deseo,
las heridas o la lejanía.
El quinteto gallego con tres discos a sus espaldas: “Aventuras dentro
de cajas” (2004), “Todo el frío del Mundo” (2005), “Hablaremos del
Miedo” (2007), ha sabido crear una obra llena de sensibilidad en la que
instrumentos como la batería o la guitarra destacan por su gran
presencia. Un disco capaz de mostrarnos que la melancolía es menos
dura si se baila. Un disco cuidado extremadamente en los detalles y con
un repertorio en el que cada pieza admite variadas lecturas.
En definitiva Nadadora es auténtico Pop sin tapujos que te engancha
desde el primer acorde de guitarra y la primera frase de la melosa voz
de Sara: “Me decías que podría pasar”. Y ha pasado, Nadadora
ha llegado y esperemos que se quede por mucho tiempo. 'Luz, oscuridad,
luz' es el cuarto trabajo de la banda gallega, un trabajo lleno de sensibilidad,
que merece la pena escuchar.
‘Blacanova’ (Foehn Records, 2010)
por Armando Marín Ruiz - IndyRock Hace tiempo que la claridad levita latente en un apocado ambiente,
carente de sentido, y alejado cada vez más de cualquier mundana
latitud, donde con lentitud se consume toda condición humana, como
aquel cigarro cuyo humo expande su exponencial nebulosa de desidias y sinrazones.
Mientras, la oscuridad no cesa en el empeño de hilvanar esa laberíntica
tela de existencial zozobra, que subyuga toda esperanza “como un eterno
plano secuencia”, que nos recuerda la necesidad de guardar “silencio, porque
se gasta la voz” y no existe material que repare sus cuerdas, ni artilugio
que afine con inteligibilidad.
Inmerso en un particular imaginario cuya narrativa trasciende las leyes
de lo estético y respalda una teratológica doctrina, me he
permitido el lujo de realizar esta extravagante y apocalíptica introducción,
de remarcada connotación catastrofista y tremendista, como punto
de partida tras la pretensión de conectar de un modo literario,
un incesante bombardeo de turbadores paisajes sonoros, donde el amor, la
sátira y el sufrimiento, se conjugan en pos de una distorsionada
perspectiva de la vida. Todo un carrusel de cotidianos despropósitos
seminales de lo absurdo, lo grotesco e incluso lo surrealista, conformando
un fantasmagórico collage, angustioso para las entrañas y
opresor de un corazón que reclama las justas oportunidades de felicidad,
para toda alma perdida. Y aunque algunos piensen que tal condición,
carente de inspiración es una utopía al alcance de los elegidos,
debería otorgarse como un derecho humanitario y no como un escaso
bien, artículo de lujo en los tiempos que nos ha tocado presenciar.
Llegó la hora de reivindicar el salto de calidad por parte del
sexteto sevillano Blacanova que, gracias a su homónimo trabajo de
debut, tras tres autoeditados EPs (Monja, 2007; Perro, 2008; Madre, 2009)
de bellísima factura y escalofriante temática (marca de la
casa), han sido capaces de seducir con notorios argumentos, a todo aquel
que osara adentrarse en ese fantástico universo de gran carga emocional,
donde el horror es capaz de transferir atisbos de ilusión. Y, gracias
al sello barcelonés Foehn Records, que ha sabido apostar por su
potencial, el mercado discográfico cuenta con un álbum que
difunde optimismo, al dotar de perpetuidad a los buenos valores del rock
oscuro ochentero, el pop atmosférico británico y aquel shoegaze
de los noventa, que tal mezcolanza de sensaciones generó en más
de un empedernido melómano. Un estimulante ejercicio de contrapuntos
sensoriales, fruto de la sinergia instrumental y vocal, donde el susurro
adquirirá un desgarrador protagonismo. Y si no tienen muy claro
a lo que pretendo referirme, no tendrán más que escuchar
‘Serie B’, ‘Los Buenos Días’ (mi tema predilecto), ‘La Piel Dura’
o ‘Desgracia’ para salir de toda duda infundada.
C’mon, C’mon, ladies and gentlemen. Welcome to the Freakshow!
The city’s last noise - Secret of an innocent
2010
por Abel Guerola - IndyRock Hay bandas que invierten un gran esfuerzo en intentar borrar las huellas
de la música que les ha influido cuando se enfrentan a una grabación,
a menudo debido a un afán tal vez excesivo por demostrar que su
obra es original y personal. Éste no es el caso de los catalanes
“The city’s last noise”, que ya desde el estribillo de la primera canción
del disco, “Fifteen Autumns”, muestran muy a las claras por los derroteros
por los que va a ir “Secret of an innocent”.
El quinteto práctica una suerte de pop-rock con cierto aire
experimental y casi sinfónico que recuerda a Radiohead y, sobre
todo, a Muse. El que hayan recurrido al inglés para las letras,
además de ser un acierto en un grupo de corte tan británico,
hace que la semejanza con estas bandas sea aún mayor. Y es que escuchando
temas como el ya mencionado “Fifteen Autumns”, “Bones” o “Beautiful Remains”
se tienen pocas dudas de que a The city’s last noise les hubiera encantado
firmar obras como “Ok Computer”, “Black holes and revelations” o “Absolution”.
¿Se acerca “Secret of an innocent” al nivel de genialidad de estos
tres álbumes? A pesar de ser un disco con momentos notables, no.
Si así fuera estaríamos hablando de algo realmente grande
y más tratándose de una ópera prima.
The city’s last noise son, de momento, un grupo con un vocalista con
mucho oficio pero que viene de una escuela que está un poco manida
(la de Jeff Buckley, Thom Yorke, Matthew Bellamy…) y que cuenta con unos
instrumentistas bastante solventes pero a los que le falta algo de fuerza
en los momentos en los que intentan sonar épicos y grandilocuentes.
De todos modos, el que “Secret of an innocent” sea un debut hace intuir
que, a pesar de sus defectos, nos encontramos ante un banda con gran potencial.
Diecinueve Diecinueve, EP Autoproducción,
2010
por Juan Gallardo - IndyRock Los almerienses DIECINUEVE sorprenden con sus elaboradas e inspiradas
canciones, a pesar de no parecer darse demasiada importancia a sí
mismos al imponerse etiquetas tal vez demasiado limitantes como la de indie
o incluso el sello más ambiguo de la música contemporánea:
"pop"
DIECINUEVE son mucho más, y no voy a perder el tiempo reseñando
sus obvias influencias. Transmiten emoción en estado puro, canciones
como "Canción Invernal para el Invierno" te llegan a la primera
y luego crecen escucha tras escucha, estremecen y te dejan espacio para
que las asumas e integres en tus propias experiencias.
Con una producción a medio camino entre lo aceptable y lo plenamente
satisfactorio, su primer EP se beneficia de su escasa duración,
solo 5 canciones sin fisuras ni puntos débiles en las que combinan
con maestría atmósferas etéreas en ocasiones, asfixiantes
en otras, con melodías quebradizas, voces y coros mágicamente
armonizados, progresiones suaves y estribillos que se resisten a abandonar
tu mente. Sin caer en el barroquismo típico del rock progresivo,
han sabido convertir cada canción en un viaje con múltiples
destinos. Mención especial a la creatividad que demuestran en las
harmonías vocales, matizando cada línea y evitando la excesiva
repetición, se nota que son canciones que tienen ya una trayectoria.
5 joyas que logran lo máximo que se le puede pedir a una tarjeta
de presentación : dejarte con ganas de más.
DIECINUEVE me sugieren una enorme interrogante porque podrían
acabar siendo enormes si siguen siendo fieles no ya a esta u a otra tendencia
, si no a sí mismos. Ellos marcarán sus límites creativos,
en ese momento y con las cartas echadas habrá que ver si reciben
la respuesta del público que sin duda se merecen.
No dejes de escuchar su primer EP en myspace: http://www.myspace.com/diecinuevespace Galactus: ‘Agallas’ (Lespoliosis Records,
2010)
por Armando Marín Ruiz - IndyRock La profecía se ha cumplido; aquella que sostenía que
algún día se compensaría al Universo Sonoro, por todo
ese daño suscitado por la tiranía de radiofórmulas
obcecadas en propuestas tildadas POP, de redundante inmediatez al procurar
conectar con un público ávido de facilones estribillos y
renovados pretextos de borrachera, volatilizadas en su pertinente resaca.
Los primigenios de citado universo anhelábamos la existencia de
una formación cósmica, cuya armoniosa fuerza fuera esencial
para la existencia de un equilibrio melódico, basado en una sensatez
compositiva donde el cuidado por los detalles, la honestidad en su cotidianeidad
lírica y su interesante frescura en la revisión de un genuino
rock&roll, conformasen una filosofía argumental de valores indies,
alejados de aquel maléfico agujero negro, teletransportador a la
dimensión mainstream. Para audaz empresa, Galactus dispone de ‘Agallas’,
un poderoso artefacto capaz de anular de la línea espacio-temporal
cualquier sonido, haciendo que éste nunca haya existido del mismo
modo, siempre en clave de Pop-Rock, aderezado con matices de Power-Pop
y destellos de Americana, dotando de atemporalidad la búsqueda de
la melodía perfecta, con la que recabar la mayor cantidad de heraldos,
que se sumen a la inquietante pugna por la supervivencia de la música
con carácter de autenticidad.
Tras Galactus se oculta la innegable valentía de cuatro fantásticos,
Uri Borràs (guitarra y voz), Buski (bajo), Juan Pablo Caja (guitarra)
y David Arés (batería y voz), cuyo centro de operaciones
se enmarca en el barcelonés barrio de Gràcia y desde el cual,
con pasión y dedicación promueven luchar contra el devenir
de la extinción musical, en esta cada vez más inescrutable
y ardua senda del territorio sonoro, en el que cualquier altavoz con el
que dar a conocer su proyecto, bienvenido será, ya sea a través
de las redes sociales, la blogosfera, los medios de comunicación
o la más que necesaria vía del directo. Sus influencias parecen
claras: The Who a Wilco, pasando por The Beatles, Buffalo Springfield,
Teenage Fanclub, Tom Petty, Steve Earle… Entre muchos otros.
Desde su portada, una penetrante mirada rebosante de experiencia, se
encierran once cortes ocultos tras el rostro de la madurez que incita a
una comedida reflexión, y se ampara en lo ordinario de mensajes
tan sugerentes como: la dificultad en la toma de trascendentales decisiones
“Agallas”; el irrefutable paso del tiempo “El tiempo nunca va hacia atrás”,
prisioneros de costumbres “Ya no tengo edad”; la universalidad en el significado
de la soledad fruto del desamor “Nada de ti”, “Galactus song”; nostálgicas
reminiscencias del ayer “Cuatro colores” o la pretensión de corregir
los defectos personales, anhelando tal vez, ser mejores personas “Señor
arquitecto”. Hacer una pequeña mención a su particular lectura
en la revisión del clásico de Neil Young, “Burned”. En definitiva,
un excelente viaje de ida, sin retorno a la misma condición existencial.
http://www.myspace.com/therealgalactus The Morning Benders - Big Echo
2010
por Abel Guerola - IndyRock Cuando a un gran oficio para componer canciones con gancho se unen
el bagaje musical suficiente como para coger bastantes trucos a los grandes
del pop y el contar en las labores de producción con uno de los
miembros de un grupo que marca tendencia es muy fácil que el resultado
acabe siendo bueno.
Los norteamericanos han mezclado con sabiduría todos estos elementos
en su segundo disco: saben como hacer una melodía de pop redonda;
le han tomado prestado al genial Brian Wilson de los Beach Boys todo su
talento para componer armonías vocales y, por último, han
contado con Chris Taylor, bajista de Grizzly Bears, como productor. Este
último ha aportado atmósferas y arreglos que no hubieran
desentonado en el genial “Veckatimest”, último disco de su banda
madre publicado en 2009.
El resultado es “Big Echo”, un disco muy notable y una obra compacta
a pesar de intercalar momentos de pop soleado y desenfadado con otros bastante
más oscuros y psicodélicos. Tal vez con un poco más
de riesgo y algún hit inapelable como “Two Weeks” (canción
que ayudó a que los ya mencionados Grizzly Bears se convirtieran
en la banda casi mayoritaria que son hoy en día) estaríamos
hablando de una obra maestra. De momento, son sólo una muy buena
banda, que no es poco.
Maria Rodés: Una Forma De Hablar,
2010, BCore
Por Raül Ruiz - Indyrock Un lienzo de belleza musical es el que nos presenta en este nuevo proyecto,
con nombre propio, la artista catalana. Tras su anterior proyecto, ONÍRIC,
la cantante regresa a cara descubierta dotando a su nueva etapa de una
mayor personalidad. Y, a modo de tarjeta de presentación, un disco
intimista de 11 canciones escritas íntegramente por ella; 11 historias
de narración musicada cuya interpretación adquiere tonalidades
de un susurro prolongado que se inicia con ‘Desorden’ y que no se silencia
hasta ‘Escondite’, tema que cierra el disco.
Como compañero de viaje dentro de tan interesante viaje folk,
María recurre a la asociación de Ricky Falkner (STANDSTILL),
quien no solo se conforma con ser pareja musical, sino que comparte las
tareas de producción con la artista. Del ingenio de ambos, y de
las buenas maneras del resto de músicos, surge un álbum rico
en matices pausados que invita a la calma y a la reflexión, mientras
historias sencillas se sumergen en mares de pentagramas calmados. Pese
a que por momentos la voz puede recordarnos a Christina Rosenvinge, las
composiciones siguen la estela de Rodrigo Leao. Un buen disco ideal para
cavilar en soledad o disfrutar en compañía.
Lightspeed Champion - Life is sweet!
Nice to meet you 2010
por Abel Guerola - IndyRock A priori, no hay nada malo en que un artista a un grupo intenten que
su obra sea más o menos variada. Un músico como Devonte Hynes,
nombre que se esconde detrás de “Lightspeed Champion”, debe pensar,
de hecho, que ser heterogéneo no sólo no es un defecto sino
que es una gran virtud. De este modo, en “Life is sweet! nice to meet you”
podemos encontrar prácticamente de todo: folk norteamericano, pop
de corte acústico con ukelele, temas con un punto épico casi
a lo Arcade Fire, glam rock de juguete, unas cuantas piezas instrumentales
de menos de dos minutos y tono ambiental… La producción y los arreglos,
bastante correctos, consiguen dar cierta unidad a un disco que, tocando
tantos palos, podría haber resultado totalmente caótico y
descompesado.
Desafortunadamente, eclecticismo no es sinónimo de excelencia,
y lo cierto es que el segundo disco del exmiembro de Test-icicles deja
con un regusto a intento fallido. ¿Por qué? Pues principalmente
porque la sensación de medianía y de “ni fu ni fa” sobrevuela
casi todo el minutaje del álbum. Visto lo visto, tal vez hubiera
sido más recomendable que Haynes se hubiera centrado en hacer sólo
un estilo, pero en hacerlo realmente bien.
Hola a Todo el Mundo
HATEM Hatem Prayer Team, 2010
por Diego Soto-IndyRock Fresco, vitalista y festivo. El homónimo debut de los madrileños
Hola a todo el mundo, “HATEM” (Hatem Prayer Team, 2010), supone una apasionante
aventura por los entresijos del humanismo poético de Walt Whitman
(de uno de sus poemas nace el nombre de la formación), así
como una peregrinación mística, espiritual, al templo del
folk moderno de poso primigenio. Referencias literarias de erudita lectura
e innumerables combinaciones instrumentales, como mixtura de un trabajo
altamente cualificado, de elaboración minuciosa, tallado con manos
de relojero. Nueve diamantes de ineludible luminosidad, cuyas vibraciones
evocan a una fuerza chamánica. Una ofrenda al Dios del positivismo
corporizada por una familia inquebrantable de guitarras, violines, banjos,
xilófono, ukelele, acordeón o panderetas, que se presentan
como la mejor de las oraciones posibles. El componente inmaterial más
que religioso de este bello disco, crea adeptos, invoca a la devoción.
Un quinteto al que le ha llegado el momento de saludar al pueblo desde
el altar de las buenas intenciones. Arcade Fire, Fleet Foxes o Devendra
Banhart son algunas de sus palpables influencias, aunque atesoran mimbres
suficientes para defender su sonido como único. No resulta casual
que hayan sido considerados como La Apuesta 2010 por el suplemento EP3
(El País) o mentados como una de las incipientes formaciones por
un amplio abanico de la crítica. Iniciaban su carrera en directo
en la mítica sala El Sol de Madrid, quien sabe si como anticipo
de una radiante carrera. Por el momento, su primer lanzamiento, brilla
con luz propia.
Hole – Nobody’s Daughter, 2010, The Island
Def Jam Music Group
Por Raül Ruiz – Indyrock Doce años han pasado desde que la formación de Courtney
Love lanzara ‘Celebrity Skin’, su anterior disco, al mercado. Para algunos,
demasiado tiempo, para otros, algo que no debería haber sucedido.
Y es que la artista decide rescatar el antiguo nombre de su banda, pero
no a los miembros de esta, para darle forma a este re-proyecto sonoro.
De quien sí ha decidido rodearse es del mismo equipo técnico
que tan bien le funcionó antaño; Billy Corgan vuelve a ser
el creador de alguno de los temas y Michael Beinhorn asume, nuevamente,
las tareas de producción.
Las letras hablan de drogas, de sexo y de muerte; algo que resulta
curioso cuando Courtney vive en una guerra constante con la imagen que
se tiene de ella y que, en ocasiones, le hace alejarse de la música
y perderse en la distancia del recuerdo de un pasado tormentoso. En el
terreno más musical el disco es bastante flojo, con una superficie
tan plana que pocas sorpresas aguardan en su interior al oyente; la voz
de la cantante suena edulcorada, agotada en ocasiones; ni tan solo en el
tema “Loser Dust”, uno de los más pretendidamente agresivos, logra
sonar con la rabia sincera de antaño. En ocasiones uno tiene la
sensación de que la banda ha deseado obtener un sonido oscuro, propio
del post-punk, pero los temas acaban sonando a un híbrido entre
el indie de los 90 y el rock de los 70. Porque, pese a que el trabajo de
masterización logra dotar al álbum de una uniformidad más
que correcta, no acierta a matizar la orientación ni la pretensión.
Incluso, el tema que hace 11 y cierra el disco, “Never Go Hungry” (Bonus
Track) resulta un broche del todo desacertado y confuso.
Resumiendo, e intentando ser lo más justo posible, si ‘Nobody’s
Daughter’ no llevase la firma de Courtney Love, dudo mucho que su trascendencia
hubiese sido de talla internacional. Una lástima para sus incondicionales,
entre los que me incluyo… pero no a cualquier precio.
Kike Suárez&La Desbandada
Carta Blanca DFX Records 2010
por Diego Soto-IndyRock Resulta complicado, casi imposible, no sentirse seducido por su cavernosa
y chamánica voz. Kike Suárez- Kike Babas para los nostálgicos-
quien fuera mentado miembro en proyectos independientes madrileños
como King Putreak, The Vientre y Huevos Canos, viene enchufado de vida
en este primer trabajo en solitario, “Carta Blanca” (DFX Records, 2010).
Alma mater de los extramuros urbanos, demuestra que no bebe de influencias
y sí aspira historias propias y reales. Esta pulcra carta, este
folio abierto, irradia luz en las tinieblas de las oscuros barrios nutridos
por sujetos con corazón de peluche, aliados con el maléfico
vicio. Conocedor de las atmósferas de tapaillo, se vale de la galante
pluma para vanagloriar a ese individuo que vive al día para poder
despertar mañana. Un trabajo que airea trapos sucios, irremediables
para sentirse vivo, y que deja de lado al cuentista y acoge al escritor
palpable. Obra que suda tango, exhala chotis, respira blues y escupe rocanrol
y cuyo objetivo, como él propio ha citado, radica en quedarse limpio.
El estilo de Kike resulta inconfundible: elegante desparpajo y corrosiva
sinceridad. Para expresar todo esto se ha valido de la refinada formación
de acompañamiento, La Desbandada; un cuarteto cuya concepción
instrumental parece soldada al navío corsario atracado en los muros
de cemento y pirateado por este bucanero. Kike dice no sentirse alumno
de influencia citable pero lo cierto es que la seducción de Waits
pulula como garboso complemento sin remedio alguno. Menuda ópera
prima.
Stereotipos 200 Buitres 2010
por Diego Soto-IndyRock
En tiempos en los que se infla el globo del buen hacer de formaciones
en el pop-rock nacional, los coruñeses son de los pocos que vuelan
sin oxígeno añadido. Manu Rodríguez y los suyos regresan
con su segundo trabajo, “200 Buitres”, demostrando que atesoran mimbres
sólidos sobre los que cimentar una carrera que acaba de comenzar.
Apenas media hora, diez cálidos temas, les basta para erizar y cautivar
de principio a fin sin desmoronarse. Este suculento disco crece en la escucha,
se ensancha o se agiganta. ¡Ojo! Suelen ser comparados con Pereza,
Quique González (colaborador de lujo en su primer trabajo homónimo)
e Iván Ferreira. Pero aquí demuestran que sus dentelladas
desgarran almas al estilo Calamaro a golpe de piano y elaboradas letras
que emanan melancolía y dolor. Producido por Juan de Dios Martín
(Deluxe, Marlango), se consigue aunar una obra en compacto producto sin
fisuras y con argumentos sonoros ansiados por la gran masa que inunda el
estilo, todo ello con un toque personal. Han crecido y se nota. No se han
dejado intimidar por los nombres con los que han pisado tarima. Estas aves
rapaces han encauzado el vuelo. Tocar el cielo, depende de ellos.
Susana Cáncer
El baile de los días La ecléctica madrileña
2010
por Diego Soto-IndyRock Un salón de tiros largos con tapices de antaño, cuadros
impresionistas que cautivan por su tenue color, imágenes de un mundo
introspectivo con visos de ver la luz. Susana Cáncer , la que fuera
teclista de formaciones del underground madrileño Cría Cuervos
o Chatarreros de Sangre y Cielo, ha vuelto al escaparate urbano que viste
siluetas de la gran ciudad, parisina o madrileña. “El baile de los
días”(La ecléctica madrileña, 2010) su tercer disco,
supone una nueva aventura de esta pianista clásica de voz sensual
y talante de gran mujer. Elegantes guiños a la chaison francesa,
ensoñaciones lounge y pop inclasificable que bebe del funk en ocasiones,
se aúnan para dar forma a un guión de personajes dibujados,
fotografías de seres reales que viven en la burbuja del retrato.
Este baile del quehacer diario respira aire limpio, bombea sangre fresca.
Once temas de supina galanura y vanguardista poesía. Un exquisito
manjar de ecuánimes sabores corporizado junto a las mejores manos.
Javier Corcobado, Justo Bagüeste o Gonzalo Lasheras -productor de
su anterior trabajo, “Crímenes y Promesas” (La ecléctica
madrileña,2007) y mano derecha en éste- vierten su sabiduría
redondeando un selecto producto de homérica factura. Trabajo de
piezas nobles, al que acuden saxos, contrabajo y depurada electrónica
para redondear una preciosa historia que bebe de otras muchas. Susana vuelve
a reinventarse y una vez más, se acuesta victoriosa. ‘La ciudad
de piedra’, ‘Mendigos de amor’ o ‘Castillos en el aire’, son doctos testimonios
de una artista que crea escuela.
Top Models Wall of fame
Bip bip Records-Rock On 2010
por Diego Soto-IndyRock La formación barcelonesa vuelve a las pasarelas del circuito
independiente tras dos años de merecido descanso. Su recién
cocinado cuarto disco, “Wall of fame”(Bip bip Records-Rock On, 2010), se
presenta como una selecta pieza de elegante garage-rock y blues en la que
tiene cabida la plasticidad del pop-soul. Una decena de pistas que
queman asfalto y bombean adrenalina , bajo la esencia de una pluma profunda,
ácida y estilosa de talante mod y puramente artístico. Fórmula
eficiente a la que se abonaron ya en su primer y homónimo lanzamiento,
allá por el 2002 y que tan gustosos resultados ha dado. Pinceladas
de Brian Wilson en “Tapes in my mind”, el músculo guitarrero
de Hendrix en “Ten years ago” o el desparpajo soulero de Neil Young en
“Impossible Friends”, se mixturan con espontaneidad en un heterogéneo
trabajo de estilos, uniforme en el concepto, al que también acuden
sonidos de The Who, The Fuzztones o Flamin Grovies. Ricky Gil y Pol Fontini,
vuelven a demostrar que su filosofía se apoya sobre férreos
argumentos. Albert Gil (Chest)- quien sustituye a Tony Nervio Roto- bajista
y hermano del primero, así como la talentosa teclista y cantante
Agnés Montferré, se han unido a una forma única de
cimentar las bases de la independencia en el panorama patrio. El éxito
atesorado bajo el nombre de Maximum Ricky(proyecto con el que se ha paseado
Ricky Gil en países como EEUU, Inglaterra o Canadá) ha dado
como fruto un producto inigualable, altamente elaborado. Sin duda,
supone una de las obras del año y que a buen seguro, se convertirá
en un objeto de culto para venideras generaciones amantes de los sonidos
facturados en las décadas 60 y 70.
Challenger - Ümelsion (BCore/Carnús
Records, 2010)
por Armando Marín Ruiz - IndyRock Sometido a la sorpresiva argucia de un preámbulo en calma, como
si la desgana buscase hacerse fuerte a través de la sección
de ritmos, golpe de efecto contundente con ayuda de una electrizante distorsión
y gritos corales al unísono recordándome al mismísimo
Cedrid Bixler-Zabala (At The Drive-In, The Mars Volta), avisando que has
cruzado ese punto de no retorno y ya estás perdido. Vencido por
una curiosidad que no cesará hasta concluir la fluctuante aventura
sonora, propuesta por tres aguerridos madrileños que desde 2004
tienen un claro objetivo, desgañitarse hasta dar a entender que
bajo el subsuelo de la capital, aún se encuentra compromiso, honestidad
y entereza como para defender unos argumentos concisos y clarividentes
que reivindiquen la necesidad del Hardcore Punk en pleno siglo 21. Y nadie
mejor para apoyar ardua tarea, que el sello barcelonés Bcore Records,
notables eruditos en señalada etiqueta que desde hace ya 20 años,
y se dice pronto, con el debut de Corn Flakes y su ‘No Problem’, no han
dejado de proponer lo mejor de un estilo caracterizado por ensalzar los
aspectos más enérgicos del punk, a través de tempos
rápidos y agresivos, vertiginosos ritmos de batería, precisos
arreglos de guitarras amplificadas por la distorsión, profundas
líneas de bajo, y el grito como ejecución vocal en la brevedad
de unas canciones que reflexionan sobre el discurso de la actitud, la positividad
motivante y que alcanzó su máxima expresión en el
movimiento ‘Straight Edge’ promovido por las formaciones precursoras de
la vieja escuela (Black Flag, Bad Brains, o los propios Minor Threat).
‘Dilitid’ (Arindelle Records, 2008) fue su convulsionante carta de
presentación; ahora con ‘Ümelsion’ (Bcore/Carnús Records,
2010), Challenger demuestran que van en serio y vienen para quedarse, agarrando
con firmeza el testigo de una escena iniciada en nuestro país, por
los ya mencionados Corn Flakes, Rouse, Aina o Subterranean Kids. Llamada
de atención a todo aquel adolescente fascinado por las emociones
fuertes, presumidos de la huída de toda regla estipulada, ávidos
por descargar adrenalina en apabullantes directos plagados de Pogo, Slam
dancing, Mosh y algún que otro Stage Diving, emisores de incontrolada
rabia incontrolable. Dicen que lo bueno si breve, dos veces bueno; 26 minutos
y 50 segundos dan fe de ello, a través de inapelables temas como
‘My Man’, ’30 days of night’ o ‘Lars (Revisited)’. Un gran descubrimiento
para mis subyugantes pabellones auditivos. 7’5
Colin Clyne Doricana Starving Dog Records
2010
Por Joe McGaha - IndyRock Colin Clyne es un cantante acústico/pop originalmente de Stonehaven,
Escocia. Su nuevo c.d., Doricana, muestra una mezcla de influencias
celtas, y también pop-rock del siglo 20. Canta sobre varios
temas incluso amor que sale mal (la primera canción del c.d. tiene
las letras "has de valorar para algo, que no vales nada para mí",
la vida en las calles, y también la vida del mar. En su banda,
hay harmónica, y también usa violínes de vez en cuando,
pero siempre guitarra. A mí me ha gustado bastante Doricana...la
variedad de temas, y las dulces melodías. Muy buen c.d. para
cuando quieres relajar y tomar una cerveza (quizás imaginarte en
un Pub de Londres o Aberdeen). Muy buen rollo, total.
Doricana es de la casa discográfica Starving Dog Records, y
saldrá en iTunes el 11 de mayo, 2010, para comemorar la ganancia
del Aberdeen Football Club de la Copa de Europa (dice que de verdad, era
coincidencia, pero lo menciona en su página web, así que
nunca se sabe). http://www.colinclyne.com Barbo Matagigantes (2009, sin contrato
discográfico)
Por Edgar Gili-Indyrock Sí amigos, Barbo no solamente es el nombre con el que designamos
a ese pez de río de largos y frondosos mostachos, sino que también
es el nombre con el debemos nombrar a partir de ahora a esta banda barcelonesa
que de su puño y letra ha dado forma a “Matagigantes” (2009, sin
contrato discográfico), un disco de rock alternativo construido
a base de canciones pop de tres minutos. La marca Barbo es todavía
a día de hoy una novedad para la mayor parte de los que puedan leer
este escrito, pero no es este para ellos ni mucho menos el primer proyecto
musical en el que se embarcan. Ellos provienen y renacen de las cenizas
de una banda que antaño agonizó hasta la disolución
o, mejor dicho, agonizó hasta dar forma precisamente a Barbo, esto
es, los restos del naufragio. Ellos son un dúo, Juan y Juanjo, que
se resistió a creer que su vocación musical debía
morir con su proyecto anterior. Hemos de decirlo, de la tenacidad y ambición
de una pareja que sobrevive al desfallecimiento de una banda y decide reedificar
desde cero un nuevo sueño, solamente puede nacer algo hecho con
el corazón. Este es sin duda el caso de esta banda: nuevo nombre,
nuevo disco, nuevo sueño.
Para darnos cuenta de que Barbo no es un grupo amateur no es necesario
en absoluto que recurramos a su biografía, sino que eso es algo
que salta a la vista tan pronto como nos echamos los auriculares a los
oídos. ¿Por qué? Porque “Matagigantes” es un disco
plenamente coherente de la primera a la última canción. Porque
“Matagigantes” es un disco en el que las canciones se empacan y contienen
en cápsulas de tres minutos a las que no les falta ni sobra nada.
Porque “Matagigantes” es un disco en el que no parece haber divergencia
alguna entre la intención y la realidad. Y finalmente porque “Matagigantes”
es un disco autoproducido a un nivel que no sería propio de una
banda que acaba de empezar. Es evidente, a mi modo de ver, que lo que buscaba
este grupo con este repertorio era crear temas que, en virtud de su brevedad
e intensidad, fueran directos y fácilmente digeribles. Esta intención
queda patente nada más empieza el disco con “Segmento alpha”, una
canción que arranca con un ritmo trepidante y una voz reverberada
que nos grita y agita como si estuviéramos en los albores de alguna
revuelta estudiantil. Hablamos de canciones pop, ya lo hemos dicho, cuyas
melodías se desgranan a través de una voz viva, casi urgente
y de registro tenor que en castellano nos canta letras que a menudo hablan
con cierta rabia de la soledad, el rechazo al mundo y la consecuente y
activa necesidad de huida. Por debajo casi siempre nos las vemos con ritmos
disco que son prácticamente lo único, junto con la fuerte
presencia de la voz y junto con una producción más bien clara,
limpia y poco o nada garage, lo único, decíamos, que nos
impide catalogarlos como un grupo de rock alternativo de los 90. Y es que
más allá de ese toque electrónico que la batería
y su sonoridad le dan al disco, es inevitable reconocer que la base de
sus canciones son esas guitarras arpegiadas, quebradas y melódicas
propias del noise pop de ese antecedente del indie noventero como son los
Pixies. Creo que no me equivoco si digo que es prácticamente imposible
escuchar a Barbo y no pensar aunque sólo sea por un momento en el
célebre y mitiquísimo arpegio de guitarra del “Where is my
mind”. No nos consta, al menos por el momento, que “Matagigantes” tenga
algo así como un single. Pero si hemos de escoger alguno sin duda
señalaríamos el que es, seguramente no por casualidad, el
tercer corte del disco, “Curas de naranja”, una canción cuyo valor
melódico reside no solamente en su estribillo sino también
en sus estrofas y coros, con el añadido de que al valor melódico
hemos sumarle el valor emocional generado por el ligeramente tardío
encaje de las notas de acompañamiento instrumental con una voz sostenida
en alto que nos habla de alas de playa en el final del estribillo. El segundo
single sería según dicta mi gusto el tema “El día
es nuestro”, otra canción melódica y emocionalmente destacable
sobre todo en lo que a su estribillo se refiere. Y es que este es seguramente
uno de los aspectos más corregibles o mejorables de Barbo, a saber,
que no siempre las melodías están a la altura de sus mejores
líneas. Pero más allá de las asperezas que pueden
ir puliendo, Barbo cuenta, además de con un par de hits, con un
repertorio digno cuya intensidad e inmediatez puede acabar, por qué
no, matando o por lo menos desbancando a algún que otro gigante
dormido.
Los Planetas - “Una ópera egipcia”
por Abel Guerola - IndyRock Tal vez la aspiración de muchos grupos es alcanzar ese estatus
que les convierte en intocables entre su público y la prensa especializada.
Los Planetas hace ya algunos años que parecen haber llegado a ese
nivel, y de un tiempo a esta parte cada nuevo álbum suyo se celebra
de forma casi ritual y unánime.
Los granadinos no son sólo uno de los grupos que mejor ha reflejado
las vivencias de una generación sino que desde el anterior “La leyenda
del tiempo” han decidido experimentar con el flamenco llevándoselo
a su terreno, línea que han decidido continuar en "Una ópera
egipcia". Con estos dos álbumes han demostrado, además de
admiración por sus raíces, que son músicos que después
de más de quince años todavía tienen inquietud por
hacer cosas diferentes.
Ciertamente, todo lo dicho en el párrafo anterior es muy positivo
y hará que se pueda llegar a pasar por alto que, si se compara con
sus álbumes clásicos, este nuevo disco de Los Planetas queda
un par de peldaños por debajo. Lo mejor de “Una ópera egipcia”
puede resumirse en “La llave de oro”, el potente instrumental que abre
el disco; “La Pastora Divina”, tema que, gracias a la voz de Enrique Morente
y el bajo de Antonio Arias, recuerda al histórico disco “Omega”
y algún single más o menos resultón como “Siete Faroles”
y “Romance de Juan de Osuna”, una versión bastante conseguida de
la zambra clásica de Manolo Caracol. Aparte de eso no hay demasiado
que destacar, y tan es así que ni siquiera la colaboración
en dos cortes de la Bien Querida hace que “Una ópera egipcia” remonte
el vuelo en su parte central, que se hace un poco larga. Un bagaje demasiado
pobre para venir de una de las bandas de pop independiente más emblemáticas
de las dos últimas décadas.
Sinfonía, rock y psicodelia Why Go – DC 2010 Estoescasa
Por J. E. Gómez / IndyRock Es bueno que no se pierda el gusto por la experimentación. A
veces algún grupo se adentra en nuevos universos y decide ir un
paso más allá que aquel que se quedó en el camino.
Why Go, es una banda de Vigo que lleva diez años sumergidos en terrenos
de creación sinfónica, rock a la vieja usanza, con matices
de psicodelia pop. Ahora lanzan su primer larga duración, bajo la
batuta del sello madrileño independiente Estoescasa. En este LP
Why Go plantea temas largos, intensos, con progresiones que llegan a la
explosión sonora, temas unificados en cuanto al concepto y la forma
de expresión, que viaja por terrenos multiorográficos, desde
senderos folkis a inmersiones sinuosas en el grunge y voces al más
profundo aire del Mississippi, con vientos y metales, con guitarras y percusiones,
e incluso, alguna que otra sorprendente voz cercana a óperas impensables
en teatros de Brodway. Música y composición escrita en letras
mayúsculas.
Melancolia en blanco «El gran blanco» - The Baltic Sea – 2010 Cuac! Música
Por J. E. Gómez / IndyRock Estoy gratamente sorprendido. Hacía tiempo que un disco no conseguía
hacerme sentir una profunda e intensa melancolía, dejar la mente
en blanco y dejarte llevar por los sentimientos. La música actual
no te aporta demasiadas sorpresas. Pero The Baltic Sea, con la voz y las
composiciones de Esteban Ruiz, logran calar fuerte en tu interior. Este
grupo, que fue revelación en el indie nacional hace ya dos años,
ha vuelto con una estructura y forma de expresión tremendamente
nadura y cohesionada, con el español como idioma para contar historias,
con guitarras envolventes, misteriosas, teclados omnipresentes y percusiones
que aportan una continuada y suave contundencia. El disco ha sido grabado
en los estudios La Mina de Sevilla, con Raúl Pérez como productor,
una presencia que se nota en el sonido supercuidado de este álbum,
el segundo de The Baltic Sea, «El gran blanco» lleno de color
e intensidad.
Punk de altos vuelos «El tiempo en mis manos» - Ningoonies – CD Autoproducción
– Creative Commons 2010
Por J. E. Gómez / IndyRock Tienen la frescura del mejor punk surfero de la "costa Este de Madrid’,
mezclado con una necesidad imperante de contar historias y el pop de toda
la vida, alegre y dicharrachero, simpático que, en definitiva, es
la esencia del pop. Ningoonies es un trío madrileño que editan
ahora su segundo disco, «El tiempo en mis manos», en el que
incluyen 15 temas cargados de historias y vivencias que hacen un repaso
retrospectivo en las vidas de sus protagonistas, el trío formado
por Luna (Choni Ramone); Dani (Johnny Urethra) y el batería Ramón.
Es un disco rompedor, en el que no se cortan al reivindicar la libertad
de uso de los derechos de autor y en contra del canon digital. Escuchar
«El tiempo en sus manos» es pasearse por un mundo extraño
que te recuerda al hardcore melódico, extravagante y saltarín,
pero que en definitiva no es más que punk del bueno, ¿qué
más quieres?
Gonjasufi “A Sufi And A Killer” 2010
por Muriel Mo - IndyRock El personaje Gonjasufi, nom de guerre de Sumach Ecks, no se puede resumir
en dos palabras y no se puede encerrar en una caja precisa. En efecto,
Gonjasufi, nueva joya de Warp es un personaje muy misterioso, mezcla de
misticismo y violencia, un santo que se esconde detrás de una cara
enigmática, un condensado de pureza y fuerza animal. No tenemos
muchas informaciones sobre este „milagro“ (el mágico Google no nos
ayuda mucho en este caso), lo que sabemos por cierto es que Ecks es un
recluso del desierto californiano, un místico, un maestro de yoga
y un músico lisérgico que va mas allá de las fronteras
temporales. Su música tiene una fuerza increíble que podría
surgir del pasado pero también del futuro, como un flash de energía
pura que no pertenece a nuestra realidad.
A Sufi And A killer es el primer álbum de este prodigio de Los
Ángeles, aunque su poder místico ya se haya desarrollado
al comienzo de los ´90, cuando nuestro rey del desierto se presenta
al interior de la escena underground gracias a sus dj set y a sus composiciones
hip hop. A Sufi And A killer, condensado de rap abstracto, soal lasciva
y siquedelia étnica, representa el culmine de su arte, el resumen
de toda su fuerza creativa. Las melodías de Gonjasufi encierran
en si mismas la fuerza de de sus antepasados y el misticismo de un mundo
que no pertenece a la realidad terrena. Su primer álbum es de verdad
un objeto mágico que encanta sin dejar un momento de calma, un viaje
espiritual sin por eso ser religioso, una mezcla de sabiduría antigua
y esperanza en un futuro sin fin. Se puede decir sin miedo que A Sufi And
A killer es uno de los álbumes más impresionantes de este
comienzo de 2010, un manifiesto contra la monotonía actual, una
verdadera descarga de violencia sublime. El milagro se produzco gracias
a la ayuda providencial de tres de los mejores productores actuales de
Los Ángeles: The Gaslamp Killer, Mainfraime y Flying Lotus. Su genial
trabajo ha vestido las melodías de Gonjasufi con un toque muy especial
de influencias medio orientales (sitar y cantos Dervish), beats de hip
hop abstracto, misticismo, sin olvidar la voz sublime de Ecks que se casa
perfectamente con este clima de meditación y calma aparente. Su
voz es algo increíble, un tornado de sensualidad hipnótica,
de calma pero al mismo tiempo de energía portentosa. Gonja canta
con una espiritualidad que recuerda a veces George Clinton o Leadbelly,
sin perder por eso su unicidad. La fuerza de su voz se debe quizás
al calor del desierto y al humo de los chamanos, como si el misticismo
de California saliera de su cuerpo y de su espíritu.
A Sufi And A killer posee una brutalidad sublimada, como si los démonos
de nuestro místico de Los Ángeles fueran en perfecto equilibrio
cósmico. Esta volatilidad que se transforma en vulnerabilidad es
dramatizada en Sheep que empieza con uno scratch épico de Gonja
y se completa con un condensado de percusiones que suben hasta el cielo.
Una pregunta sale ahora espontánea: ¿Que es lo que da a este
álbum su „allure“espiritual y sensual? La respuesta es la descubierta
por parte de Ecks del Bikram Yoga, de la paz interior. Este cambio se debe
también al nacimiento de sus hijos y así a la toma de consciencia
de la importancia del control de su propia agresividad. Como Gonjasufi
mismo lo subraya, su personalidad es una mezcla entre la calma y la violencia
(el „killer“del titulo del álbum), una contradicción constante
entre la búsqueda de serenidad y la agresividad llevada también
por la lucha para sobrevivir en un mundo demasiado feo e intolerante. Goinjasufi
es un hombre que lucha contra sus démonos interiores gracias a un
misticismo a prueba de bombas y a una constancia sin limites. Un disco
que no se puede olvidar.
Four Ways - Twisted Times 2010
por Abel Guerola - IndyRock Lo más flojo del tercer álbum de Four Ways es, sin duda,
la portada, cuyo diseño es casi más propio de una maqueta
que de un disco con todas las de la ley. Por suerte, en lo estrictamente
musical a la banda se le pueden poner pocas pegas.
“Twisted Times” suena a rock duro progresivo por los cuatro costados.
Cierto gusto por la épica y que canten en inglés hace que
compararlos con bandas como Dream Theater sea inevitable. Como a ellos,
a Four Ways les gustan las composiciones complejas, ricas en matices y
que jueguen con los cambios de ritmo y de intensidad, aunque sin llegar
a los niveles de enrevesamiento de los norteamericanos y acercándose
más al hard rock clásico.
Puede que mezclar rock duro o heavy con rock progresivo sea algo muy
trillado en la actualidad, gracias al éxito de grupos como Tool,
Porcupine Tree o los propios Dream Theater. Debido a ésta saturación
de la escena, es probable que muchos oyentes acusen a los sevillanos de
no inventar nada nuevo. Tal vez sea verdad, pero también es cierto
que no hay tantas bandas actuales capaces de componer una power-ballad
como “Crossing the line” o un temazo de hard progresivo como “Modern Times”.
Lo cierto es que los cinco músicos que forman Four Ways llevan
bastantes años en esto, y se nota. Su experiencia unida a su saber
hacer da como resultado una grabación como “Twisted Times” que,
si se obvia algún detalle como su excesiva duración y su
producción, correcta pero no brillante, es por lo demás muy
notable.
The Bite, «In My Town» - CD
2010 – Bib Bip Records
Con principios Por J. E. Gómez / IndyRock Me gusta la gente que no reniega de sus principios y se bate el cobre
por sus ideas, aunque no vayan demasiado bien con los tiempos y te tachen
de todo... Son The Bite, punk y pop callejero sin aditivos comerciales,
con recuerdos de las oscuras aguas del Tamesis, las playas de California
e historias de aceras, calzadas y parques. The Bite acaba de lanzar al
mercado un nuevo disco, ?In My Town’, doce temas perfectamente encadenados
en formas e ideas. Dicen en sus hojas de promo que se parecen a los Buzzcocks,
y sí, es cierto, si se les quiere ver un parecido, porque también
podrían encajarse con The Clash y otros muchos, pero The Bite, juegan
a personalidades arrolladoras, las suyas, se bastan y sobran para ocupar
un magnífico espacio en el underground, sin complejos, por derecho.
No te pierdas este disco publicado por Bib Bip Records, con guitarras cargadas
de riffs, contundentes, bajos acelerados, percusiones y, sobre todo, descaro
y desfachatez.... y concesiones a la historia del punk.
Elkano Browning Cream Elkano Browning
Cream 2 Mamusik 2010
por Diego Soto-Indyrock Refinado groove para la pista de baile. El terceto compuesto por el
músico y productor donostiarra, Mikel Azpiroz (Fermín Muguruza,
The Waifs), el baterista Franck Mantegari (Alpha Blondi, Saint Germain,
Massive Attack) y el guitarrista y cantante Matt Harding, regresa con su
segundo trabajo, “Elkano Browning Cream 2”, mixturando el hard bop y el
funky-jazz de los sesenta con bossa y jazz latino. Facturado y producido
entre los estudios Skyler Patten´s (Utah,USA) y Eulieta (San Sebastián,
País Vasco ), el proyecto está dotado de un sonido hipnótico,
corporizado con el aroma que caracterizaba las composiciones de Richard
Groove Holmes o Jimmy Smith para el sello Blue Note. Diez depuradas composiciones
guiadas por el pulido estilo al Hammond B3 del propio Azpiroz (quien también
produce el disco bajo su propio sello Mamusik) y la excelente voz de Harding(el
maestro John Lee Hooker o Taj Mahal han reconocido su buen hacer vocal).
Y es que el talento de este triángulo musical no podía ser
aventura de un solo disco. Una vez más, demuestran el instruido
conocimiento de sus respectivos instrumentos y el entendimiento musical
que les une para facturar idóneos temas de sesiones nocturnas en
selectos clubes urbanos.
Link Elektrocaution
Mckenzie Muzik 2010
por Diego Soto-Indyrock Los canarios Link, capitaneados por el arquitecto y músico,
Kenneth Suárez, regresan con su segundo trabajo, “Elektrocaution”
(Mckenzie Muzik, 2009). Como en su primer lanzamiento titulado “10 canciones”
(Mckenzie Muzik, 2006), continúan apostando por la fusión
de los desarrollos psicodélicos de Pink Floyd con el minimalismo
electro-funk de Morcheeba o Groove Armada y el acid-jazz de Toshinori Kondo.
Una mezcla sorprendente que denota el amplio abanico de registros que domina
el sexteto isleño. Doce elegantes pistas de exquisito trato
a la experimentación contemporánea. Su filosofía aúna
vertientes y conceptos que se complementan equitativamente. Y es que este
shopomore supone la consolidación de la formación, un enorme
salto de calidad en el que sobresale la conjunción de la instrumentación
y los juegos vocales de la cantante Cris Zarallo. Además, la introducción
de saxo, flauta travesera y armónica a cargo de Elio Moreno mixturan
el material noble con las secuencias electrónicas. Sergio Casquero
(bajo), José Llobet (batería) y Javier Guerra (bajo y guitarras),
completan un conjunto de sorpresivo origen patrio y gran proyección
internacional.
Las Culebras Marvellous Helldorado
2010
por Diego Soto - IndyRock Enérgico, desenfrenado y contagioso. Son algunos de los apelativos
que definen a “Marvellous”, segundo trabajo de Las Culebras. Cuarteto femenino
que desde su descarado debut, no ha parado de ser elogiado allá
por donde clavan tacón. En el pasado 2008, recibían
el reconocimiento en concursos musicales como el Villa de Bilbao o el de
Jóvenes Artistas de Navarra, poniendo así la primera piedra
en una carrera prometedora. De hecho, esto les permitió acudir al
Azkena Rock Festival 08 y codearse con Sex Pistols, The Jayhawks o Hanoi
Rocks, entre otros tantos. Posteriormente, han continuado girando por todo
el territorio nacional compartiendo cartel junto a renombradas formaciones
como The Fleshtones o Quireboys. Y es que a estas cuatro navarras de sangre
rockera y alma glam, les sobran los motivos para cautivar al que se acerca
a ellas sin llegar al contacto físico. Son pura vitamina, pulsión
eléctrica y sensualidad salvaje. Su estilo bombea al ritmo de los
New York Dolls, se acelera con la suciedad de The Stooges y seduce con
la perspicaz visión del rock de Ramones. Hace tiempo que dejaron
de ser ángeles.
Paco Cifuentes La vida aparte
2010
por Diego Soto-Indyrock Intimo, reflexivo y emotivo. Son algunos apelativos que definen el
nuevo disco del sevillano Paco Cifuentes, “La vida aparte”. Segundo trabajo,
tras el valioso debut “Adicto” (2006). Valioso, pues supuso la primera
piedra de una carrera prometedora. Y no ha decepcionado. Todo lo contrario.
Consigue profundizar con gusto en un sonido que camina entre la canción
de autor y el pop-rock, al tiempo que se adhiere a la pulsión flamenca
en varios cortes. Cifuentes muestra sus demonios internos tal y como la
siente, sin tapujos. Doce historias nacidas de una pluma que escribe con
trasfondo poético y que es consciente de su poder de seducción,
de convicción. Navajazos a la nostalgia, palabras que traspasan
la barrera del complejo. Su pócima contiene los ingredientes a los
que acude un druida para sanar las penas. Para ello, se vale de una formación
cultivada, respetuosa con una voz que se hace escuchar, así como
de las colaboraciones vocales de Javier Ruibal (padre) y Leo Minax. En
definitiva, sale más rentable escucharle que visitar a un psicólogo.
Lo ha bordado.
Charades - Revolución Solar
por Abel Guerola-Indyrock “Revolución Solar”, el nuevo disco de Charades, suena como si
se mezclaran en una coctelera el indie de los noventa con el ritmo trotón
y constante de la batería y las percusiones que tan de moda han
puesto The Arcade Fire en el último lustro. De lo primero tienen
ese aire lánguido y dulce en las armonías de Isabel y Antía
que siempre ha gustado en las voces femeninas del pop patrio. Sus aportaciones
vocales son el complemento perfecto para unas letras que se mueven en un
registro bastante naif la mayor parte del tiempo. Sin embargo, y al contrario
de lo que si pasa en el indie español a menudo, la lírica
de Charades logra evitar lo ridículo y lo sonrojante, apostando
por metáforas sencillas pero poco comunes. De lo segundo se quedan
con la idea de que el ritmo debe retumbar en primer plano, pero no para
sonar épicos, sino para lograr una cadencia casi de western, de
western irremediablemente feliz, eso sí.
Lo cierto es que “Revolución Solar” tiene muy buenos momentos,
y la mezcla que nos proponen Charades resulta interesante y original, pero
tanta armonía vocal a lo Beach Boys (y lo dice un fanático
de la música de los californianos) llega a hacerse monótona.
Las dos vocalistas resultan encantadoras en pequeñas dosis, pero
el exceso de “Uuuhs” y “Aaahs” puede resultar indigesto después
de un disco entero así. De este modo, los cambios de ritmo y el
uso de estructuras poco convencionales en algunas canciones no consiguen
evitar del todo la sensación de excesiva homogeneidad que acaba
dejando “Revolución Solar” tras su escucha.
Babylon Rockets
Conspiracity
por Diego Soto-Indyrock Si se vendieran como californianos de los años 80, más
de uno se lo creería. Lo curioso es que Babylon Rockets es una formación
valenciana que a golpe de enérgico directo ha conseguido hacerse
con una legión de seguidores tras su refrescante primer trabajo
“Conspiracity”. Producido por Enrique Soriano (Studio 54) y masterizado
por Steve Smart (Studios 301,Sydney), el tan aclamado debut cuenta con
nueve jugosas piezas de rock´n´roll. Dicen sentirse devotos
de AC/DC pero lo cierto es que se intuyen ramalazos de los Guns´n´
Roses así como de The Black Crowes. Su fórmula es atemporal,
transparente como el Four Roses. No buscan la experimentación y
si la fidelidad de sonidos que siempre han funcionado en ambientes que
aprecian las guitarras afiladas y las letras con pegamento. Durante el
pasado 2009 dejaron su huella en las tarimas de salas como Wah-Wah (Valencia),
Caracol (Madrid) o Rocksound (Barcelona). Para este 2010 tienen previsto
lanzar el que sería su segundo trabajo. Por lo pronto, el primero
es un joya. Si eres de los que sudan rock´n´roll, no dudes
en escucharlos. Te dejarán sin un átomo de grasa.
Krilin When the time comes there
will be no time Autoproducido
por Diego Soto-Indyrock Si fueran escandinavos, serían portada de revista. Pero son
vascos. Quizá será fuera de nuestras fronteras donde se aprecie
su buen hacer. Por lo pronto, su álbum debut, “When the time comes
there will be no time”, está dejando un sabor de boca exquisito.
Atrás parece haber quedado el rock alternativo de instituto de su
primer EP Ride the clouds (2006). Corporizado por diez gemas talladas a
golpe de post-hardcore, su fórmula fusiona influencias de los Deftones
, Muse o Thirce. Grabado por Txosse (Whell Sound Studios, 2008-09), y masterizado
por Santi García (No more lies), hasta el más mínimo
detalle está cuidado en una producción impecable. En directo,
su apuesta se presenta como una empresa compleja por su extensa partitura,
al tiempo que como prueba de fuego para dilucidar si estamos ante una formación
de referencia a partir de futuras entregas. Disco musculoso, con fuerza.
Joya con la que se abren las puertas de un estilo en ascenso en el panorama
patrio. En sus manos está la expansión del género.
Álbumes comentados en
2009
Daddy Longlegs Daddy
Longlegs Happy place Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Menos de veinte minutos, cinco canciones. Suficiente para que te conquisten.
No son nada nuevo, ni su mensaje se distingue por ser único. Pero
enganchan. Bajo el nuevo sello Happy Place Records (Sevilla), estos parisinos
presentan su segundo trabajo, homónimo. Rock alternativo misturado
con britpop. Estrofas psicotrópicas y estribillos pegadizos gestados
para la pista de baile, exceptuando su último corte, ‘Free flowing’.
Balada lisérgica, antagónica pieza de las cuatro restantes,
gestada bajo la óptica psicodélica del pop en la Isla a mediados
de los setenta. Ambos, ‘Shame’ y ‘Animals in a city’ huelen a éxito
radiofónico. Bandas como Stereophonics, Muse o Franz Ferdinand,
se intuyen referencias de una formación de exquisita elegancia compositiva.
El directo será la prueba definitiva que los ponga en boca de los
amantes del estilo. Sin duda, captarán tu atención.
Briatore A way of life
Bip bip records 2009
por Diego Soto-Indyrock El que su incesante y enérgico directo bajo el nombre de Briatore
se convirtiera en un disco era cuestión de paciencia. La han tenido
y ello da sus frutos. Quizá el título, “A way of life”,
resuma perfectamente el proceso compositivo de esta formación marbellí,
anteriormente conocida como La Leshe que Mamate. Todo llega. Trabajo lanzado
bajo el amplio conocimiento de las corrientes sixties con influencias del
rocksteady, ska y garage. Se definen bebedores de The Specials o The Clash,
aunque su hoja de ruta también pisa el asfalto que se quemaba a
base de psychobilly y surf pilotando vespas. Guitarras afiladas,
hammond y mucha válvula. Diez exquisitos cortes de indiscutible
cuerpo, de notable peso. Grabado y masterizado en La Factoría Dalton
( San Fernando, 2009) y lanzado por Bip bip records, se presenta un trabajo
con mucho fondo, de años de dedicación al tiempo que de indiscutible
talento para fidelizar los sonidos provenientes de este constructivo decenio.
Nacidos en las postrimerías de la ola pop en la Marbella más
relevante y subterránea, defienden pista tras pista que son el ingrediente
perfecto para desgastar suela en cualquier guateque nocturno. El amanecer
está asegurado.
No Frosth Déjame entrar
FloryNata Records 2010
por Diego Soto-Indyrock Dos años les ha sobrado a esta formación valenciana para
sacar un EP, ganar el premio a mejor grupo revelación del programa
de Amigos del Crimen” (Radio Klara) así como el de mejor versión
del Troglogló 2009 por la que dicen, es una exquisita adaptación
del clásico de Albert Hammon “Échame a mi la culpa”, al tiempo
que lanzar a las aceras su primer LP, “Déjame entrar”. Carrera
meteórica la de una formación cuyos componentes proceden
de distintas formaciones del ámbito indie valenciano como Mediomundo
o Riu Sec, entre otras. Grabado en El Sótano 54 por
Dani Cardon y masterizado Enrique Soriano (Crossfademastering), su sonido
camina entre el powerpop vitaminado y el indie más garagero. Fresca
fusión que coge fuerza a raíz va avanzando el disco. Lori
Meyers, Stay Cats o Surfin Bichos, entre otras, dicen ser bandas a las
que integran en su repertorio compositivo. The Beattles también
se suman al esqueleto de su obra en canciones como ‘Miss Gelatina’, por
ejemplo. Sin duda, tienen todos los ingredientes para convertirse en asiduos
del circuito indie nacional. Seguramente, no tardando mucho, pisarán
alguna tarima de mayor tirón que hasta la fecha.
Malacara Manual para los lunes
2009
por Diego Soto -IndyRock Allá por el 2006, echaba a andar este nuevo proyecto de los
componentes de la prolífica formación barcelonesa, Karma
Police, así como de Loud Whispers y Milkers. Desde entonces distintas
idas y vueltas a L.A (EEUU) les ha servido para poner en boca de un público
desconocido su personal estilo. Este “Manual para los lunes”, segundo trabajo,
viene aderezado con texturas del dream pop, al tiempo que del post-rock
-tan en boga en estos tiempos- y del indie más bailable. Letras,
en ocasiones crudas, en otras, asentadas en lo onírico, se acompañan
de un sinfín de programaciones y guitarras de espectro ruidista
que suscitan semejanzas con formaciones como Standstill o los tan denostados
Arcade Fire. A Place to Bury Strangers (con los que ya giraron), también
resumen las pretensiones sonoras de los componentes de esta banda catalana.
Su trayectoria hasta la fecha se ha marcado en un amplio abanico de salas
autónomas, pequeños espacios en su mayoría, en los
que a buen seguro, su sonido se hace cuanto menos vibrante. Sin duda, una
fresca apuesta para este inicio de decenio en el panorama patrio.
Synerghia- Synerghia (2009)
por JuanPi García - IndyRock EP de presentación de esta banda sevillana formada alrededor
de su vocalista, Tere Martín, que también se encargada de
la producción. Tere ha sabido elegir a los otros cuatro componentes
de la banda, la cual completan David y Visera a las guitarras, Antonio
al bajo, y Martín a la batería. Juntos han sabido realizar
un gran trabajo en el que las guitarras bailan del metal a atmósferas
más progresivas, unos estribillos que te contagian a la primera
escucha y un sonido heterogéneo en todos los temas que no te aburre
en ningún momento. Cuatro temazos entre los que es difícil
decidir, pero me mojo y me quedo con “Abismo”, en la que Antonio y
Martín realizan un papel algo más que rítmico, ojo
a la versión acústica de este tema incluida como bonus, resulta
toda una delicia, haciendo un total de cinco los cortes contenidos en este
vibrante debut. Sin lugar a dudas una banda interesante a seguir.
Pájaro Jack ¿Gismo
7? 2009
por Diego Soto-Indyrock Granada es una ciudad en la que huele se huele a música alternativa
en cada esquina. Cada vez hay más formaciones que salen de debajo
de las piedras. Que llevan a cabo sus proyectos musicales sin importarles
si llegarán a ser lo que sueñan. Simplemente componen y ofrecen
sus obras con el propósito de conocer nuevas influencias e ir creciendo
entre los garitos de la urbe. Entre cervezas de desconexión con
la realidad, algunos se ofrecen con su disco bajo el brazo. Pájaro
Jack es uno de estos proyectos que ven la luz primeriza bajo la publicación
de una maqueta. “Las luces”, su primer trabajo en la calle está
compuesto de cinco canciones de corte folk-rock moderno que aportan una
visión del mundanal gentío de las urbes, sin duda, nacimiento
del gen en una joven formación que tiene visos de ser mentada a
pie de barra. Ellos dicen sentirse seducidos por nuevas formaciones del
folk principalmente americano, tales como Fleet Foxes. De hecho, en este
lanzamiento apuestan por la combinación de percusión sin
artificios junto al banjo u el acordeón. Suavidad en las formas,
ternura en el ejercicio de estilo son características de esta carta
de presentación. Sin duda, esta ciudad está en plena ebullición.
Mujeres Mujeres Sones 2009
por Diego Soto-Indyrock Si fueran ingleses, ya estarían en algún toplist de la
Isla. Pero son de Barcelona. Lo curioso ha sido que sin grabar ningún
disco, ya estaban en boca de toda una legión de amantes del ritmo
latoso y salvaje del rock primitivo de los 60. Su disco, cuanto menos,
se ha convertido en un fetiche para aquellos que dicen haberlos visto en
concierto. Aquí es donde nace su esencia, su carta de presentación.
Gracias a un directo, defienden, arrollador, han sido plato de buen gusto
en un sinfín de garitos de la capital catalana, algo que les ha
permitido telonear a los míticos The Stranglers, o ser mentados
en los corrillos de camerino de festivales como el Primavera Sound o el
Europavox en la vecina Francia, entre otras tantas citas. Doce canciones
que no alcanzan la media hora, espacio en el que trascurren por los recovecos
del rock más primario hasta el rockabilly de una vitalidad enfermiza
y desenfrenada. La forma de entender su proyecto discrepa mucho de las
estéticas sin continente, y se acercan al simple mensaje de puro
contenido. Defienden ser transparentes con el público, sin artificios.
Algo creíble tras la escucha de este frenético primer LP.
Mujeres son una muestra de la plasticidad a la que aspira un estilo que
no entiende de hermetismos puristas pero que bebe de las fuentes adecuadas
para crear un pozo del que sacar insaciables canciones. Las cavernas nocturnas
son su hábitat aunque se han defendido a la perfección en
escenarios de mayor recorrido. Con influencias de The Sonics o Jonathan
Richman, su mensaje no es otro que el de hacer mover el esqueleto con estructuras
que se incrustan fácilmente en el cerebro receptor. Un grupo de
torrentes continuos que pone con esta, la primera piedra en su andadura,
se intuye, prometedora.
Perseverance Eternal Flame (2009)
por JuanPi García - IndyRock Después de la buena acogida que tuvo su primer trabajo en medios
como HeavyRock, RNE3 y diversas webs especializadas, el cuarteto de Logroño
vuelve a la carga con su segundo trabajo, todo un tratado de thrash y metal
clásico que a ratos te devuelve a la Bay Area de finales de los
80s. Seis cortes cargados de fuerza donde abundan los cambios de ritmo,
guitarras veloces y voces desgarradoras, y todo acompañado de una
sobresaliente sección rítmica. Han elegido el bilingüismo
en este trabajo, alternando temas en inglés con temas en español.
Se hace muy complicado citar un tema que destaque sobre los demás,
ya que la tremenda calidad es una constante a lo largo de todo el EP, así
que me quedo con el trabajo entero. Argumentos no les faltan a esta banda
riojana para patearse salas y festivales durante este entrante 2010 y demostrar
de lo que son capaces a todos los amantes del metal.
Wild Beasts - Two Dancers 2009
por Abel Guerola - IndyRock “Two Dancers”, el segundo disco de Wild Beasts, es de esas obras que
está fuertemente influenciada por sus coordenadas espacio-temporales.
El cuarteto de Kendal suena, irremediablamente, inglés y contemporáneo.
¿Es eso algo negativo? No, o al menos no cuando la música
que haces es buena. A este respecto, “Two Dancers” es una colección
de grandes canciones a la que es difícil ponerle pegas.
Lo primero que llama la atención, y de que forma, de Wild Beasts
es la voz de Hayden Thorpe, vocalista de amplio registro, falsete prodigioso
y que, además, pone un tinte melodramático a sus interpretaciones
que se agradece. Y aunque cuando canta por graves recuerda a Tom Smith
de The Editors y sus agudos llegan a parecerse a los de Antony and the
Johnsons, Thorpe tiene una personalidad muy definida y un timbre perfectamente
reconocible.
Respecto al apartado musical, la banda toma como referencia el pop
británico de los ochenta en su variante más etérea
y soñadora, intercalado con momentos más rítmicos
y angulosos que pueden asemejarlos a bandas contemporáneas como
Foals.
En definitiva, nos encontramos ante un muy buen disco que debería
hacer que Wild Beasts pasaran a la primera división del pop británico
y obtuvieran mayor repercusión de la que han tenido hasta ahora.
Aqua Nebula Oscillator “Under the Moon of…”
por Muriel Mo - IndyRock Hace mucho tiempo que el mundo escondido de la sicodélia francesa
esperaba su momento de gloria. Un grupo secreto que creía todavía
en la energía cósmica de la música, en la fuerza hipnótica
de las melodías. Al final, el Mesías sicodélico llegó
bajo el nombre de Aqua Nebula Oscillator.
Pero, ¿Quien se esconde detrás de este nombre sibilino?
Los miembros principales de Aqua Nebula se llaman: David Spher’os, Shazula,
Vince Posadzki e Simon y llegan de Paris, Quebec y Bruselas...toda la francofonía
reunida en un solo grupo. Las influencias de Aqua Nebula son de todo respeto:
The Velvet Underground, Love, Sam Gopal, Silver Apples, The Seeds o The
Stooges...una mezcla increíble de rock&roll puro y de ritmos
salvaje que te da de pronto ganas de descubrir sus propias creaciones.
El intuito no va a ser decepcionado porqué, en efecto, lo que “Under
the Moon of...” propone son verdaderas hojas musicales, obras preciosas
de sicodelismo y de puro rock garage. Las melodías entran en el
celebro casi mágicamente y trasforman la cabeza y el cuerpo en una
caja de resonancia para emociones sin limites. El cuerpo no puede parar
su movimiento repetitivo y la música se vuelve a nenia sensual que
no se desvía de su ruta infernal. Para resumir, una mezcla fascinante
y obsesiva de ritmos primordiales, una verdadera experiencia total para
el cuerpo y la mente.
El primero elemento interesante con respeto a estos francófonos
lisérgicos es su label: Paneuropean Recording. Detrás de
este label se esconde Romain Turzi, mente del homónimo grupo que,
con solamente dos CD, conseguí revolucionar el panorama de la emergente
escena sicodélica francesa. De echo, Pareuropean Recording se define
come el label de referencia de la nueva “french Psychedelia”. Romain Turzi
quiere poner el acento sobre la tradición, demasiado escondida,
de la sicodélica francesa del comienzo de los 70. La influencia
de Turzi es presente en “Under the Moon of...”, aunque Aqua Nebula se destaque
de su “padre” proponiendo sonidos mas inquietantes, hipnóticos,
trascendentes. No a caso, el baterista vive escondido en una comunidad
hippy en los Pirineos. En pocas palabras, Aqua Nebula se podría
definir come el lado oscuro de esta nueva tendencia francesa.
Cada concierto de estos mágicos habitantes de las estrellas
es una verdadera experiencia trance y no es por nada si su objetivo es
expandir la sicodélica a través de una música hipnótica,
impactante, que haga vibrar el cuerpo y la mente. Aqua Nebula se impone
justamente como un grupo inquietante porqué se atreve enseñar
su cara obscura, fuera del tiempo, fuera de nuestra época tan concreta
y realista. Su música se podría definir como heavy Metal
esotérico, una bomba de energía salida de las tinieblas.
Sus canciones emanan una fuerza incontrolable, animal, salvaje, que posee
totalmente a la persona que la escucha. Parece ingenuo decir que un ritmo
puede dominarte, imponiendo su energía, pero en el caso de Aqua
Nebula todo esto es realidad. “Under the Moon of...” es una verdadera experiencia
alucinante y alucinada: sonidos sublimes, ritmos perfectos acompañados
a la perfección por la voz sádicamente mágica de Shazzula.
Su energía primitiva, primordial, recuerda a veces a Siouxsie &
The Banshees a veces a Suicide, sin olvidar el siquodelismo místico
de Sam Gopal. Definitivamente un grupo increíble que merece la pena
ser descubierto mas halla de los confines franceses. Un concentrado de
perversión y locura que te conduce hasta las estrellas.
The Phenomenal Handclap Band The
Phenomenal Handclap Band Lovemonk Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Es lo que ocurre cuando dos pinchadiscos de las noches del brooklyn,
bien conocidos en la zona por sus meritorias selecciones nocturnas de rock´n´roll,
dan el salto a la composición grupal para exprimir todos los sonidos
que llevan mamando casi una década. The Phenomenal Handclap Band
es una mezcolanza de ocho músicos provenientes del underground neoyorquino
que apuesta por la fusión de sonidos rock´n´roll psicodélico,
soul, funk y música disco. Producidos por LoveMonk, factoría
de éxito asegurado en el circuito independiente, presentan su debut
homónimo. Obra orquestal concebida para la pista de baile. Psicodelia
discotequera y groove con músculo para una noche febril en
el sábado noche. Sonidos que emulan a clásicos de Aretha
Franklyn, Stevie Wonder o Prince, aunque también piezas no tan lejanas
de formaciones más recientes como Morcheeba o Goldfrapp, se presentan
como influencias palpables. También tintes de clásicos disco
ochentenos como “You´ll disappear” o “ 15 to 20”, single rompepistas
con el que salieron al mercado el pasado mes de junio en EEUU, y julio
en Inglaterra y Europa. Y es que este doce cortes se presenta como una
de las joyitas del soul más experimental en lo que va de año.
Visitarán España en Diciembre. Una oportunidad para comprobar
si la capacidad hipnótica de su trabajo en el estudio, se plasma
en un directo.
Happy Kiss.Bang
2009
por Diego Soto-Indyrock Proceden de Alberta (Canadá) y se hacen llamar Happy. Liderados
por Sherry Lee, cantautora de distintas formaciones locales, acaban de
publicar su primer lanzamiento titulado “Kiss.Bang”. Tierno trabajo
que se asienta en canciones de letra sencilla y melodías folk que
enfatizan con sonidos indie y texturas country. Seis historias destinadas
a la sosegada escucha. En ocasiones, beben del Dylan más vaquero,
en otras mastican las sonoridades de Diane Cluck o Kelly de Martino, y
en el mercado español, se asemejan a formaciones como Marlang. Su
mensaje camina por los derroteros del alma sin detenerse en enrevesadas
estructuras pasionales. “Seven” es la pieza más insurrecta
del trabajo, con sonidos más cercanos al rock´n´roll
puesto en práctica a finales de los 80 en EEUU. Y es que estos canadienses,
con pequeñas dosis de sus principales influencias, han sucumbido
al aburrimiento. Primera piedra para un proyecto con detalles de banda
trabajadora y constante. Sin duda, una fresca apuesta.
Los Fulanos y la mengana Band Parte
de Cero 2009
por Diego Soto-Indyrock Sangre veneno y sonido rumbero. La última aventura de estos
madrileños viene infectada de folk festivo, ambiente rumbero y flamenco
cabaretero. Canciones pegadizas que narran historias mundanas, estados
de ánimo en los que la reflexión sobre las sandeces del quehacer
diario se convierten en toda una lección. “Voy a contar hasta diez”
bien lo defiende. Se intuye bebedores de formaciones como La Cabra Mecánica,
Amparanoia o los Muchachito Bombo Infierno. Basan su mensaje en una
letra directa, de esas que se interpretan a la primera escucha. Chulería
madrileña y desparpajo circense. Las guitarras y el cajón
marcan el recorrido por el que se guía el sendero sonoro. El viento
se une a esta composición orquestal que desgasta tarimas de escenarios
de fina verbena. Tras casi diez años sobre el asfalto, sacan este
trabajo ‘Parte de Cero’ producido por el Lichis (La Cabra Mecánica),
y que supone una bocanada de aire fresco en el exigente universo del estilo.
En sus directos, el baile está asegurado.
The Editors - In this light and on this
evening
Por Abel Guerola / IndyRock Aquí tenemos otro ejemplo más, y son incontables en el
último lustro, de grupo con un debut prometedor que se deshincha
o parece llegar con el rumbo perdido a su tercer álbum. Si hace
unas semanas eran los australianos Jet los que publicaban un disco decepcionante,
en esta ocasión son The Editors a los que les ha ocurrido algo parecido.
Los británicos han puesto bastante empeño en anunciar
que en “In this light and on this evening” han evolucionado como banda
y han introducido numerosos cambios en su música. Es justo reconocer
que en esa afirmación llevan razón, ya que con una sola escucha
basta para comprobar que su nueva obra sin duda es distinta a las anteriores.
Sin embargo, como suele ocurrir a menudo, cambiar no significa necesariamente
cambiar a mejor.
El cuarteto ha sustituido su sonido basado en el after-punk y sus guitarras
sencillas y resultonas por numerosas capas de sintes, de bases electrónicas
y de atmósferas que en bastantes ocasiones caen en lo repetitivo.
A pesar de ésta falta de imaginación en los arreglos, la
fórmula llega a funcionar en los tres primeros temas, la inquietante
y ampulosa “In this light an in this evening”, la excelente “Bricks and
Mortar” y “Papillon”, una canción que sin ser una maravilla seguro
que se acaba bailando en medio mundo. A partir de ahí se suceden
media docena de temas durante los que es ciertamente difícil mantener
el interés y que son anodinos a pesar de que intenten recurrir a
la épica más facilona. Visto lo visto, es fácil quedarse
con los Editors que sonaban a Joy Division (la voz de Tom Martin es lo
único que sigue recordando a la banda de Ian Curtis) antes que con
éstos, que llegan a parecer una versión inspirada sólo
a ratos de un grupo de tecno-pop de los ochenta.
The Last
3 Lines
Crows, 2009, Aloud Music
Por Raül Ruiz – IndyRock Los muchachos de The Last 3 Lines acaban de lanzar al mercado su segundo
disco tras la brillante presentación de “You Are A Deep Forest”.
Con cambio de bajista en la formación, la banda apuesta por un rock
mucho más ‘dance’, pero sin permitirse ni un solo desliz en su contundencia
original, conservando, de esta forma, el ardor musical que les caracteriza.
Quizá, el único ‘pero’ que se le puede recriminar a este
álbum son las ganas, o necesidad, de más con las que se queda
uno tras la finalización de los cuatro temas que lo conforman; no
obstante, la intachable composición de los mismos actúa como
una dosis decibélica de adrenalina como oyente, obligándote
a escuchar el EP de forma cíclica… casi tendiendo a infinito.
El disco lo nutren 3 únicos temas, quizá como guiño
al nombre del propio grupo. Del mismo modo, incluye como al Dartagnan de
turno, un remix de ‘Fish Tank’. Sobre esta canción en concreto es
necesario apuntar que posee un videoclip estupendo, el cual no para de
recibir elogios y que, sin duda, se ha convertido en uno de los más
comentados durante el presente año.
Blue Roses - Blue Roses 2009
Es justo reconocer que, a priori, es difícil ponerle alguna
pega al debut de Laura Groves, cantautora que se esconde detrás
del nombre “Blue Roses”. La chica canta como los ángeles (de hecho,
está tan sobrada de facultades que a veces hace gorgoritos y florituras
de más), es una compositora de bastante talento y la producción
y los arreglos son los apropiados para un disco de folk-pop (acústicas
de arpegios cristalinos, orquestaciones y pianos cuando hacen falta, alguna
guitarra eléctrica que sirve de contrapunto…). Entonces, si todo
es tan perfecto, ¿por qué la escucha de “Blue Roses” deja
a un servidor con una sensación agradable, pero de ni fu ni fa en
el fondo? Precisamente porque el problema de este disco es que es el típico
álbum en el que todo es demasiado bonito y amable.
Aunque ya se la ha comparado con Kate Bush, y es cierto que su primer
single “I am leaving” recuerda a la londinense, la música de Laura
Groves tiene poco de pop ochentero y sí mucho de folk británico
y en menor medida norteamericano. La inglesa se ha empapado de los viejos
discos de Joni Mitchel, e incluso por momentos su forma de cantar parece
una versión aguda de voces como la de Sandy Denny de Fairport Convention
o Jacqui Mcshee de Pentangle. Si, además de esto, hubiera escuchado,
por ejemplo, a gente como Buckley o Nina Simone, puede que nos encontráramos
ante una obra maestra. Y es que el día en que esta chica aprenda
a doler y a hacer una música con más aristas dará
miedo a donde puede llegar. De momento, se queda en una cantautora que
ha facturado 4 o 5 temas excelentes que, aunque un tanto inocuos, hacen
que se le vean las vergüenzas a féminas de la misma cuerda
como Russian Red.
Chris Garneau -
El Radio 2009
Si hace algo más de un lustro era motivo de alegría observar
como la canción de autor anglosajona se revitalizaba en casi todas
sus vertientes, hoy se puede afirmar que la escena ha pasado de estar boyante
a encontrarse al borde de la saturación. Y es que como siempre ocurre
con los movimientos musicales que están en boga, a la sombra de
artistas imprescindibles surgen otros medianos o directamente mediocres.
A éste respecto, más cerca de lo simplemente correcto que
de lo sublime se ha situado Chris Garneau con su segundo disco, titulado
“El Radio”.
En un panorama musical cada vez más lleno de imitadores de Rufus
Wainwright y Antony and the Johnsons, al menos es loable que Garneau haya
querido escapar de las comparaciones evidentes. Y aunque algunas orquestaciones
y pianos (que se mueven entre lo juguetón y lo marcial) remiten
irremisiblemente a ambos músicos, Garneau ha preferido la inquietud
y cierto minimalismo a la pomposidad y el exceso.
Por desgracia, no sólo hacen falta buenas intenciones para grabar
un buen álbum. El Radio tiene varias defectos, y puede que a éste
respecto lo primero que llame la atención sea el timbre de Garneau,
tan personal que es imposible que deje indiferente. Tal vez su forma de
cantar, deliberadamente aniñada, emocione a muchos oyentes, pero
a un servidor le ha conseguido irritar y poner de los nervios a menudo.
Si se supera el escollo de la voz, se descubre un álbum que, entre
piezas afrancesadas y momentos casi dignos de Danny Elfman, queda lastrado
por demasiadas canciones lentas y medios tiempos que hacen que a ratos
se pierda el interés. Todos estos handicaps convierten a “El Radio”
en una obra irregular, que difícilmente logrará destacar
dentro de la canción de autor actual.
Gogol Bordello Live from axis
mundi SideOneDummy Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Influencias balcánicas, ritmo, mucho ritmo y un extenso amalgama
de sonidos y texturas que caminan por la senda marcada de Kusturica&Brégovic.
Once canciones que compiten por la victoria del mejor baile con el violín
y el acordeón como maestros de orquesta. Atmósfera de barrio
en el que las penurias se pagan con el vicio. Sentimiento y realismo interpretativo
en un trabajo compuesto por todo tipo de mezclas y fusiones cuya furia
contagia. Y una cuidada composición tanto en el plano vocal como
en el instrumental. Además, apuestan por un trabajo como concepto
heterogéneo. “Stivali e Colbacco”, puede que la piedra angular sobre
la que se apoya este meteorito sonoro. Pieza de nueve minutos con una pasmosa
interpretación en el plano vocal. Disco cuyo componente mimético
tras varias escuchas tiene un festivo magnetismo. La tradición y
la tendencia se mezclan llevando a cabo una suma cualitativa de estilos
en uno propio. Y es que tanto el ska como el punk se postulan como principales
referencias estilísticas de este cabaret gitano. Gogol Bordello
es un todo sin fisuras, una mano amiga del movimiento y el compromiso social.
Una apuesta por la fusión entre la letra y el instrumento. Un trabajo
que se acompaña del impecable y eléctrico directo de la formación.
Brett Anderson Slow Attack
Edel Records 2009
por Diego Soto-Indyrock La apuesta por la calidez así como por la ponderación
de letra, voz e instrumentación, juegan el principal papel del nuevo
trabajo de Brett Anderson. Once cuentos en los que el violín, piano
y guitarra acústica siempre están presentes. En ocasiones,
como “Frozen Roads” Elton John, en otras como “The Haunted”, Mike Oldfield.
Y es que los registros son variados pero con una misma base llamada nostalgia.
Influencias marcadas de una Inglaterra que se adentra por momentos en las
bases de la lejana Islandia con Sigur Ros como formación de referencia
en el estilo. Texturas que evocan a la caída de la hoja otoñal
así como el resplandor de la flor de principios de verano. Nada
de composiciones frías ni argumentos tibios. La épica de
este trabajo es enfrentar la tristeza con la esperanza, la frustración
con la superación. Once escalas que inyectan una elevada dosis de
atención en el receptor desde la gélida “Hymn” hasta la efervescente
“Leave Me Sleeping”. Este ‘Slow Attack’ puede ser la banda sonora diaria
de un pensador.
Brand New Daisy
DGC Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Sonido oscuro de un post-rock nocturno e influencias de la suciedad
industrial, los Brand New, vuelven a la carga con una clara influencia
que bebe de formaciones como A Perfect Circle, The Smashing Pumpkins así
como de un Manson en versión ‘The high end of low’. Trabajo en el
que la experimentación de texturas nacidas de la distorsión
y los efectos de guitarras acústicas y eléctricas, se prestan
como principales elementos instrumentales. En “Gasolina” se nutren de la
senda iniciada por unos prematuros Limp Bizkit. “You stole” es presentado
como la pieza clave de este ‘Daisy’ con seis minutos ruidistas. Y es que
el proyecto de estos americanos es siniestro con un más que notable
en el ejercicio de estilo. Composiciones lúgubres, grises, quasi
siniestras que rebosan energía. En definitiva, que tiene tablas
para próximas aventuras dirigidas a un público amante del
efectismo y el ruido
Richard Hawley - Truelove’s Gutter
2009
por Abel Guerola -IndyRock Si no se ha escuchado la música de Truelove’s Gutter, la primera
reacción de los fans de Richard Hawley puede ser de sorpresa y de
inquietud al comprobar que su nuevo disco está formado sólo
por ocho títulos y que dos de ellos (concretamente la cuarta
“Remorse Code” y el cierre “Don’t you cry”) suman entre ambos más
de veinte minutos. Por suerte, los temores se disipan al comprobar que
casi todo lo que ha convertido al de Sheffield en uno de los músicos
más coherentes y brillantes del último decenio sigue ahí,
aunque, eso sí, con algunas pequeñas novedades.
En éste álbum, Hawley sigue siendo lo más parecido
a un Frank Sinatra, un Roy Orbison, un Elvis Presley o incluso un Johnny
Cash que se puede encontrar hoy en día. Su música enlaza
directamente con la tradición de los grandes crooners y cantantes
melódicos de toda la vida, y en este terreno no hay ningún
músico actual que le haga sombra. Además, es gratificante
comprobar que a pesar de que sus discos se venden muy bien y de que es
habitual encontrarlo formando parte del cartel de muchos festivales de
corte moderno esto no significa que el británico haya rebajado ni
un ápice su discurso musical, que es decidida y apasionadamente
retro. Su voz, barítona, profunda y estremecedora, sigue siendo
el elemento central sobre el que se articulan unas canciones que, como
casi siempre, nos hablan de intentar aguantar con entereza entre amores
fallidos, desolación y melancolía.
Las principales novedades se han producido en el acompañamiento
musical. Hawley ha optado en esta ocasión por dejar que las orquestaciones
lustrosas (algunos pasajes llegan a recordar a Mercury Rev) y las guitarras
acústicas pasen a un primer plano, en detrimento del sonido de banda
más al uso al que recurrió en anteriores ocasiones. Esta
elección hace que “Truelove’s Gutter” sea su disco más lento
y de difícil escucha. Los oyentes no van a encontrar aquí
ninguna pieza tan alegre y accesible como “Tonight the streets are ours”
y si varias que van más en la línea de “The Ocean”, osea,
temas que empiezan de forma sencilla y crecen y crecen hasta doler. Esta
densidad unida a un par de momentos en los que el británico está
a punto de caer en la autoindulgencia puede hacer que a muchos fans “Truelove’s
Gutter” les parezca menos redondo que sus dos obras anteriores. Por el
contrario, a los que adoren su faceta más triste y torturada un
servidor les asegura que éste se va a convertir en su disco favorito
del de Sheffield.
Sonido Vegetal
Sonido Vegetal 5000 Records 2009
por Diego Soto-IndyRock Magnetismo. El nuevo trabajo de ‘Sonido Vegetal’ viene cargado de una
enérgica interpretación de su mayor influencia, el Reggae,
así como una apuesta por la fusión con detalles de otros
estilos originarios de Cuba. Atmósfera positiva en un recorrido
de diez tracks en los que se dejan caer también aportes orquestales
al tiempo que fusionan sonidos del ritmo jamaicano más Dub. En el
plano lírico, el compromiso social es su mayor seña de identidad
junto con la denuncia de los atentados de abuso de autoridad sobre aquellos
que por desgracia, no tienen la suerte de dormir en hoteles de estrella.
Además la inclusión de bases pinchadas así como la
introducción de viento y un potente bajo, les permiten asentar el
trabajo en una base rítmica de continuo movimiento, imparable dinamismo
consiguiendo un sonido con cuerpo y personalidad. Ejercicio de estilo impoluto
que se presta a la interpretación en directo, donde a buen seguro
conforman un mensaje conjunto de calidad interpretativa.
Manolo Tarancón Imperfectos
Comboi Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Influencias de sí mismo. Intromisiones amistosas de los Dylan
y compañía. Detalles de un mundo comprometido con la reflexión
que se adentra en las historias cotidianas. Preocupaciones que a todos
atañen. Saben, ‘Imperfectos’ es una buena fotografía. O una
instructiva película. Un elaborado libro. Un sonido verdaderamente
encantador. En ocasiones, acude a la buena letra, clara y directa. Exenta
de moralinas. Simplemente dice aquello que el ser sencillo y sentimental
aprecia. Obra que se disgrega en diez canciones compuestas desde la ambivalencia
del estilo: contar con fundamento lo que suscita el devenir de las cosas
y conseguir el respeto del que verdaderamente escucha más allá
de las palabras. “Cómo me acuerdo de ti” pone el broche final, al
mismo tiempo que abre las puertas a próximos trabajos. Manolo Tarancón
demuestra que la esencia de la “Música fácil” es mirar siempre
al futuro no perdiendo de vista la pormenorizada composición, asentada
en una buena pluma.
Brand New Sinclairs Ten Blue Pills
Bip Bip Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Bajo su nuevo nombre, Brand New Sinclairs (antes, The Sinclairs), estos
bilbaínos han lanzado un impecable LP a la altura de los referentes
de la generación beat. Diez (que son once) temas asentados en una
dinámica interpretación del estilo entremezclando texturas
del garage tribal y del groove con una acertada apuesta en la combinación
de las voces. Atmósfera de baile y guateque que define a la perfección
una época musical repleta de referentes en la ya lejana España
de los años 80.
Una explosión de continuo movimiento. Estratos de una depurada
técnica conjunta e instrumental que se presenta como un jugoso
entremés en el encuentro de su directo. ‘Bongo Time’, ‘You Run’
o ‘ Eleven’, construyen una personalidad grupal de altura que cuanto menos
se podría introducir en cualquiera de las bandas sonoras de Tarantino.
¿Algún pero?. Como toda crítica se podría
revestir de alguna pincelada a mejorar. Pero esto es cuestión de
gustos. Con este disco, seguramente más de uno comience a hablar
de esta formación, y para bien. Dicen los que les han visto, que
su directo es puro ritmo. No extraña. Tienen moldes de buena madera.
Una buena nueva para los amantes de las noches de garito y apasionado movimiento
Layabouts
And they ran into the woods Homeless Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Hace unos cuantos días, sonaba en Radio 3 (Hoy Empieza Todo),
un acústico que cuanto menos resultaba familiar. Rebuscando en el
cajón de la memoria, la melodía caminaba de la mano de alguna
canción el día anterior escuchada. Al poco tiempo, el nombre
de Layabouts resolvía las dudas. Su segundo y último trabajo
había volado tan rápido que paso de ser uno de los discos
en la estantería a viajar rápidamente a un programa radiofónico
en vivo. Y es que esta formación, cuanto menos elegante, se intuye
tienen un vuelo veloz. Desde luego, alas no le faltan.
And the ran into the woods, está compuesto de once temas. Casi
una docena de historias en las que su predilección por el rock clásico
con tintes oscuros así como por el garage de los 80 de la
incipiente Gran Bretaña, marcan un camino plagado de mimosas influencias
de los Primal Scream y de los más modernos Placebo.
El comienzo es potente. Una pieza instrumental que da nombre a este
trabajo y que pone encima de la mesa un sonido depurado y consistente.
Se sienten valedores de una educación musical que camina por la
senda de los Stones (“Desértika”) así como de los clásicos
de una época dorada. Y se nota. Una obra redonda que espera ser
reproducida hasta el aburrimiento.
BlueChild
No Verás Demasiado Producciones 2009
por Diego Soto-Indyrock Dice la leyenda que detalla la corta pero intensa biografía
del grupo, que fue un niño el que dio el soplo David Azul, líder
de la formación, para que diese luz verde al actual proyecto musical,
BlueChild. Tras el primer trabajo, “Forever Living Young” (Tool Music,
2004), regresan con un nuevo álbum que tras lo escuchado está
cargado de texturas venidas del glam rock. Toques góticos con pinceladas
de un suburbio llamado quehacer diario.
Los elementos de la naturaleza son la fuerza de sus composiciones líricas,
siendo la luna y el mar los símbolos que reinan este universo oscuro
de tinte cálido. Clásicos del estilo como The Cure parecen
haber influido en este nuevo lanzamiento. El aperitivo de este “No Verás”
tiene buenos detalles y salas como Caracol (Madrid) o El Harlem Café
(Palma de Mallorca), ya esperan su presentación oficial.
The Chelsea Smiles – The Chelsea Smiles
2009
por Abel Guerola - IndyRock A medio camino entre los setenta y los ochenta, ahí se encuentra
sin duda la base del segundo disco de estudio de The Chelsea Smiles, que
además se titula como la banda. Formada por el exguitarrista
de Danzig y D Generation Todd Youth, los norteamericanos suenan tanto a
punk de los setenta (The New York Dolls, The Stooges y los Ramones son
3 de sus influencias más evidentes) como a ese sleaze rock de los
ochenta que se dio sobre todo en la ciudad de Los Ángeles.
Una de las principales virtudes de The Chelsea Smiles es que, al contrario
que muchos contemporáneos que se mueven en un terreno parecido al
suyo, consiguen imprimir suficiente fuerza, macarrismo y testoterona a
su música, elementos todos imprescindibles en un disco como el suyo.
El cuarteto no pretende engañar a nadie con su discurso, y lo cierto
es que aunque lo que hacen está inventado desde muchos años,
lo ejecutan con tanto oficio y convicción que resultan creibles.
Sin embargo, poseer una cantidad notable de riffs y estribillos pegadizos,
e incluso realizar una excelente versión de The Rolling Stones,
no es sinónimo de quitarte la losa de tus referentes. El problema
de moverse en un estilo tan trillado como el que practican The Chelsea
Smiles es que siendo simplemente bueno no se logra evitar del todo la sensación
de “Deja Vu” y de “hay muchos que lo hicieron muy bien antes que tú”.
A pesar de esto, “The Chelsea Smiles” es una escucha recomendable para
los aficionados al género.
Soap & Skin – “Lovetune for Vacuum” 2009
por Abel Guerola - IndyRock Oscura, compleja y a ratos difícil. Doliente y gélida
al mismo tiempo. Todos esos calificativos sirven para explicar la música
que encierra el disco de debut de Anja Plaschg, nombre de mujer que se
esconde detrás de “Soap & Skin”. “Lovetune for Vacuum” suena
sorprendentemente serio y grave, sobre todo teniendo en cuenta de que se
trata de la ópera prima de una adolescente de 18 años. Tanta
solemnidad hace que el disco esté a veces a punto de caer en lo
impostado y lo artificial, aunque por otra parte se agradece hallar de
vez en cuando personalidades musicales tan marcadas.
Anja Plaschg une en sus composiciones su formación de piano
clásico a influencias contemporáneas como Portishead (sobre
todo en el uso de elementos electrónicos) o la Bjork más
desquiciada (la voz recuerda a menudo de forma más que casual a
la de la artista islandesa). La presencia de otras grandes mujeres de la
música de los últimos veinte años como Kate Bush o
Tori Amos también se deja notar a lo largo del álbum, que
está formado por 11 canciones cantadas y dos piezas instrumentales.
En todas ellas, la tristeza y la melancolía son una constante, lo
que hace de este disco una escucha no recomendable para depresivos. Esta
falta de alegría unida a cierta homogeneidad hace que “Lovetune
for Vacuum” se haga a veces un poco denso, aunque canciones como “Thanatos”
o “Spiracle” constituyen un verdadero hallazgo.
Viktimas del Jäus
Viktimas del Jäus DFX Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Rock español con reminiscencias de los clásicos. Así,
a groso modo, se podría definir lo que hacen estos cinco madrileños.
Desde Rosendo hasta los Extremoduro("Mirada del Gitano") pasando por los
compases en algunos de sus tracks ("Una por vosotros") de los americanos
Offspring y los gallegos Def Con Dos (sobre todo el campo de los coros),
componen su variada forma de interpretar un género en demasía.
Trece temas que reflexionan sobre la vida y el quehacer diario desde una
óptica urbana e influenciada por el paso del tiempo. Entre estos,
llevan a cabo una más que atractiva versión de "Por qué
te vas".
Resulta curioso que no recurran más al género Ska pues
parecen desenvolverse con facilidad en este campo, algo que ponen de manifiesto
y casi a la perfección en uno de los temas más interesantes
de su trabajo llamado "Que voy a hacer". El punto y final de este álbum
lo asienta el electrizante "Toma". No son una banda más del estilo
o sí. Lo que está claro es que en este trabajo homónimo
dejan claro que son un conjunto de Rock que trabaja bien los temas y que
pueden ser una apuesta fuerte para venideras oportunidades en festivales
dedicados al género. En definitiva, un buen disco, cargado de agradecimientos
personales con una visión global de lo que quieren hacer así
como del público al que destinan sus acordes.
Ivan Julian&Capsula
The Naked Flame Bloody Hotsak 2009
por Diego Soto-Indyrock Como un brote de cactus en los pirineos, como un viaje de intenso ácido
por la senda oscura del Rock&Roll de los 70, como un manjar del que
nunca quieres deshacerte, como el primer lavado de la mañana, como
una buena cerveza junto al tocadiscos. Y otras muchas cosas suscita esta
simbiosis entre uno de los referentes del género ('Richard Hell&The
Voidoids', The Outsets y Lovelies), Ivan Julian, con un triplete de inconmensurable
juego suburbano que se refugia bajo el nombre de Cápsula (origen,
Argentina; acogida, Bilbao).
Entre los sonidos del Funk-Vodoo caminan los argumentos instrumentales
con los que presentan un proyecto cuanto menos atractivo. Pero también
resuenan los alegatos de grandes como la Velvet, Iggy Pop, The Clash o
incluso Hendrix. En esta nueva aventura que se editará por este
gran sello vasco (Bloody Hotsak) el camino nos marca doce estaciones, cada
una genuina, cada una magnética, a cada paso se respira décadas
doradas-pasadas. La verdad que lo consiguen. ¿Por ejemplo?. Pues
"You is dead", una pieza maestra en la que el folk aparece recubierto de
una intensa melodía con bases del Rock pausado.
Y es que, sin que el peso del comentario se lo lleve Ivan Julian,
se menta a una de esas figuras que ha encontrado en NY City un espacio,
convirtiéndose en un emisor de ondas radiofónico desde la
lejanía. Como dice en su carta de presentación, Iker Barandiaran,
"Ivan es un monstruo; y sus discípulos de Capsula dan miedo". No
adelantamos más. Solo terminar citando que puede que estemos hablando
de una de las bandas más originales por su combinación de
estilos inteligente y pegadiza de los últimos años. Por cierto,
también apuestan por el vinilo.
Zutaten
ZTTN Microsurco
Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Está claro que el punk-rock está de enhorabuena. Zutaten,
como versa en su carta de presentación para los medios especializados
ya está aquí. Y es que como su propio nombre indica (en alemán,
Lista de ingredientes), es de muy variada y rica conjunción. Si
además, se tiene la suerte de poder disfrutar de ellos en directo,
dicha lista de ingredientes desborda calidad por los cuatro costados. Cuatro
porque son los componentes.
Con una mezcla de punk descaballedo y desenfrenado guiado por el baluarte
y showman del grupo, el cantante, con ritmos de guitarra venidos en ciertos
compases del heavy de calidad, ya componen dos atributos de los que merece
la pena nutrirse. En este trabajo, megatrabajo, compuesto por 23 canciones,
estos granadinos quieren comerse el mundo. Como sigan así, más
de uno en sus conciertos terminará engullido.
Son buenos y lo hacen bien. Miden perfectamente el tiempo del
estilo que interpretan y no se pierden por la senda del virtuosismo. Todo
lo contrario, su apuesta es sonidos sencillos pero con gancho. Y en muchas
ocasiones, esta fórmula funciona. No se sabe cual será su
futuro más inmediato. Lo que está claro es que como sigan
con este electrizante buenhacer, pocos serán los que se atrevan
a ponerles pero. Enhorabuena.
Galadriel Calibrated
Collision Course Musea Records 2009
por Diego Soto-IndyRock La experiencia es un grado. En ocasiones, más que eso. Antes
de entrar en el análisis de lo que para un servidor se ha convertido
en una de las mejores pesquisas de los últimos años, agradecer
a estos 'peaso' de músicos por deleitar a una clientela que seguramente
es muy fija.
Siete canciones, cerca de una hora de trabajo, una docena de
músicos, obras de casi veinte minutos como "As big as bang" así
como un sinfín de conjunciones de alta calidad, solo pueden estar
a la altura de una formación que respire el rock progresivo de altas
copas. En ocasiones, génesis, en otras pinkfloyd (sonidos psicodélicos
de incluso la época de barret), y de otras más nobeles como
los Dream Theater, aparecen recogidas dentro de la maleta de este recomendable
trabajo.
A diferencia de otras formaciones que pueden pecar de demasiada
atención a la reminiscencia, Galadriel también tiene su estilo
depurado, medido hasta el último microsegundo del compás
más rebuscado. Y es que un grupo como este que comienza su andadura
allá por 1986, debe de contar con sus minutos de gloria. Aquí,
los tiene asegurados.
"Press?.Sure!". Se cita este tema, aparte de por su precioso
sonido y composición instruemental de primer nivel, sobre todo por
su lírica, otro de los puntos fuertes de la formación. Sus
dos cabezas pensantes, José Bautista y Jesús Filardi, han
sabido combinar lo mejor de antaño con lo valioso del presente,
de nuevos sonidos.
Si a este plato fuerte, le unimos ciertos toques como los de
una prodigiosa voz que se esconde bajo la figura de Andy Sears así
como colaboraciones de otros tan potentes como Santi Pérez (piano),
el canario Miguel Alfonso o el buen bajista, José Bautista, el manjar
es puro caviar.
En definitiva, un verdadero placer para los sentidos. No es usual
encontrar a una formación que combine tan bien, vamos de forma tan
elegante, los elementos de los que dispone, y aquí en este trabajo,
aseguramos que son unos cuantos. Simplemente, una obra de arte. De esas
que, como los buenos vinos, ganan con el tiempo. En este caso, con la escucha.
Enhorabuena.
Los Planetas – Principios básicos
de astronomía 2009
por Abel Guerola - IndyRock Más vale ser sincero y dejar varias cosas claras antes de abordar
la crítica de hoy, aún a riesgo de que a muchos lectores
les entren instintos homicidas. A un servidor Los Planetas le parecen un
grupo tremendamente sobrevalorado, que cuenta con unos guitarristas que
no siempre consiguen suplir con distorsiones y efectos sus carencias y
con un cantante que tal vez no es tan buen letrista como muchos creen y
que desafina más de lo que debería. En directo, además,
son una banda demasiado irregular, que muy a menudo convierte sus actuaciones
en experiencias decepcionantes o directamente infumables.
Una vez dicho esto, también es justo reconocer que los granadinos
tienen, al menos, talento suficiente como para incluir siempre en sus discos
dos o tres canciones inapelables, capaces de convencer durante cuatro minutos
incluso a los que los odian. Y más que talento, lo que el quinteto
liderado por J y Floren ha demostrado en esta ocasión ha sido una
gran inteligencia a la hora de dar forma a su primer recopilatorio de grandes
éxitos en quince años de trayectoria.
“Principios básicos de astronomía” tiene varías
virtudes, pero la principal es que puede gustar a todo el mundo, desde
neófitos a fanáticos recalcitrantes. Para los que no los
conocen y para los que no aguantan un disco entero del grupo, lo mejor
ha sido optar por sus 18 canciones más emblemáticas más
un tema extra. Aquí se encuentra todo el grano y nada de la paja:
están sus himnos generacionales (“Jose y yo”, “Un buen día”),
sus canciones de amor y venganza (“Segundo Premio”, “Pesadilla en el parque
de atracciones”) e incluso algunos de sus recientes acercamientos al flamenco
(“Alegrías del incendio”). Para los ya convencidos ha sido pensada
una suculenta edición limitada, que incluye un libreto con un cómic
de 48 páginas y un DVD con todos sus videoclips.
Lo dicho, más que un grandes éxitos, “Principios básicos
de astronomía” ha sido una maniobra digna del mejor estratega.
Psycho Loosers
– Las chicas que me destrozaron el corazón 2009
por Abel Guerola - IndyRock El disco que hoy nos ocupa tiene numerosos detalles que dejan claro
desde un primer momento que nos encontramos ante el típico ejercicio
de punk-pop lamentable y tópico. De este modo, “Las chicas que me
destrozaron el corazón” se convierte por méritos propios
en un ejemplo perfecto para que todos los que odian el género se
reafirmen en su creencia.
Lo primero que chirría, y de que forma, del segundo disco de
Psycho Loosers son las letras. Sus historias sobre lolitas de myspace,
inadaptados que espían a sus vecinas por la ventana, pajilleros
adolescentes y amoríos de campamento, entre otras lindezas por el
estilo, son de vergüenza ajena. Además, las numerosas referencias
cinematográficas a películas de terror como “Scream” y a
mitos de nuestra infancia como “Los Cazafantasmas” o “La Historia Interminable”
no ayudan precisamente a que la cosa mejore. Tal vez alguien debería
hablar con los tres miembros de este grupo y, aparte de explicarles urgentemente
el significado de la palabra “metáfora”, tendría que decirles
que es estúpido hablar de ciertas cosas en la letra de una canción.
Respecto a lo musical puede que no haya tanto que explicar, ni tantas
razones por las que ensañarse. La música de Psycho Loosers
es, básicamente, un corta y pega de riffs, bases y melodías
de casi cualquier grupo que haya hecho punk-pop en los últimos 10
o 15 años, en el que la originalidad brilla por su ausencia.
Probablemente, la aspiración de este grupo será emular
a los grandes del género como Green Day, Offspring, Weezer o Blink
182. En ese caso, más vale que se pongan las pilas o que se retiren,
por que con un despropósito como “Las chicas que me destrozaron
el corazón” lo único que logran es sonar como una versión
independiente de El canto del loco o de Pignoise.
Roy Loney&Señor No
Got me a hot one Bloody Hostak 2009
por Diego Soto-Indyrock
Tras la creación del sello de origen vasco Bloody Hostak, el
mítico Roy Loney (Flamin´Groovies), se une a los electrizantes
rockanroleros 'Señor No', banda de inusitada calidad. Esta conjunción
que por lo indagado, responde a una verdadera casualidad, ha dado lugar
a uno de los proyectos más interesantes de lo que va de año
en el género del Rock&Roll.
Doce temas componen este disco, doce auténticas joyas cargadas
de riffs verdaderamente apasionados y melodías venidas de los años
70, sin vestiduras ni medias tintas. Un placentero lujazo que junto a proyectos
como el Doghouse de Tom Lardner, demuestran que los 'viejos rockeros'
nunca mueren.
“Llevo mucho tiempo en esto y ya conozco a mi público, y él
a mi. En eso consiste: en convertirlo en una fiesta de amigos”, ha declarado
en una ocasión Loney. Y lo cierto es que, escuchando este trabajo
en cualquier sitio en el que se disponga a ello se convierte en una fiesta
de la que te hace partícipe del primer tema.. No puedes dejar de
moverte y disfrutar.
Lo cierto es que cuando escuchas este trabajo un halo de antaño
te recorre. De primeras, no se sabe muy bien si es cuestión de su
sonido de verdadera reproducción o por si, con el paso de los años
habías 'olvidado' el sonido de los grandes como Loney. Para los
que no conozcan el verdadero Rock&Roll, invitarles a que escuchen a
los Flamin´Groovies y después a este gran largo. A todos aquellos
que los conozcan de sobra, apostillar que disfruten hasta la médula
de ritmos tan frescos 40 años vista con este excelente trabajo.
There For Tomorrow A little faster
Hopeless Records 2009
por Diego Soto-Indyrock
En 2003 se forma esta banda con aires adolescentes y repetitivos por
seguir la pauta del Pop-Rock americano comercializado hasta la saciedad.
En este nuevo trabajo, el cuarto en su carrera, si se cuenta el EP de 2007
llamado “Páginas”, consiguen poner sobre la mesa un par de temas
que a bien seguro, se convertirán en referentes de este verano,
quizá no tanto en España, pero seguramente sí en el
universo americano.
Entre éstos se encuentra “A little faster”, que da nombre al
trabajo y “Deathbed”, puede que el mejor. ¿A qué suenan?.
Tokyo Hotel, Sum 41, todo ello apoyado en las pautas iniciales de un género
secundado por los Blink-182. ¿Tienen buen sonido?, pues no suenan
mal. ¿ Destaca alguno de sus instrumentos?, la batería. ¿
Y la voz?, sacada de la típica banda sonora de una película
americana para jóvenes.
Y es que, sin ánimo de ofender, este grupo, si bien es cierto
que se alejan de grupos de los que la crítica es más espesa
que la niebla del valle del Ebro, no presentan nada nuevo e innovador.
Repiten hasta la saciedad un estilo que no se entiende cuando va a ser
retocado. Disco para quinceañeras.
Blacanova
Madre.ep Beladrone Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Toda la crítica especializada, más aún en estilos
tan poco desarrollados como el Shoegaze en España, parecen haberse
puesto de acuerdo a la hora de alabar a esta formación de origen
sevillano. Lo cierto que éste, su tercer lanzamiento ( Monja.ep,
2007; Perro.ep, 2008 ambos autoproducidos), cuenta con una asentada puesta
en escena con cuatro pistas cuanto menos atractivas.
Entre ellas, “Demonio Azul”, la última, se presenta como una
verdadera obra de arte de seis minutos de duración cuyos aspectos
a destacar son los densos movimientos, retumbantes pero de un cuerpo y
una fuerza verdaderamente pocas veces antes visto en bandas de este país.
Muchos los comparan con My Bloody Valentine o Ride. Quizá la formación
que más se apareje a su sonido sean los Slowdive.
Además, una de las joyas que sorprende de este trabajo también
radica en que, con dos guitarras, un bajo y una batería, acompañados
de un dúo vocal continuado, crean una atmósfera que parece
contar con el triple de instrumentos. De entre sus citas recogidas, su
próxima ambición es ir a por el LP. Seguramente será
uno de los trabajos que con ojos de gacela deberemos ver desde la crítica.
Son buenos, sí sí. Sólo es cuestión de tiempo
y de suerte que lleguen a dar el paso a otras esferas.
Los Seis Días Lunes
Pupilo Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Hacía tiempo que no se encontraba en el panorama actual una
formación cuyo peso en todos sus argumentos fuera llevado a cabo
e interpretado por féminas. Los Seis Días es una interesante
formación cuyo mayor atractivo radica en su genuina interpretación
del estilo Pop al mismo tiempo, que su cálido acercamiento al receptor
con doce canciones que se asientan en un teclado imaginativo y una voz
sin muchos alardes pero con personalidad. Y es que mezclan tracks
en los que en ocasiones caminan hacia una oscuridad principalmente lírica
y vocal, como es el caso de “Te odio”- chelo con dueto vocal femenino-masculino
con cuerpo y sentimiento sin revestimientos-, mientras que en otras, apuestan
por imprimir colores más vivos y frescos como en “Globos Aeroestáticos”
o “Miroko y las Luciérnagas Tristes”. Lo cierto es que, sin inventar
nada nuevo, incluso en ocasiones repetitivo, construyen un mensaje uniforme
en este Lunes en el que puede que la figura del teclado se quede un poco
silenciada cuando se intuye que tiene más cosas que decir de las
que ha dicho en este trabajo. En todo caso, se anima a su escucha. Por
su atractiva sonoridad y sus vivas texturas.
Still Flyin’ – Never Gonna touch the ground
2009
por Abel Guerola - IndyRock Cuando uno escucha el disco de debut de Still Flyin’, al final es fácil
que al oyente le acabe quedando la sensación de que “Never Gonna
touch the ground” podría haber quedado resumido en un EP magnífico.
Si en lugar de once canciones, el grupo se hubiera quedado sólo
con los cuatro o cinco mejores momentos del lote (que son, para un servidor,
“Following the itinerary”, “Forever Dudes”, “Good thing it’s a ghost town
around here” y “The hot chord is stuck”) el resultado hubiera sido muy
distinto. Estos cuatro temas condensan perfectamente el sonido de esta
banda de San Francisco, que suena casi siempre como una versión
juguetona y alegre de bandas de reggae y world music de principios de los
ochenta como The Specials. A pesar del peso de estas influencias, las adorables
y deliciosas armonías vocales femeninas y el timbre de voz de su
cantante (que a menudo recuerda al vocalista de REM, Michael Stipe), hacen
que Still Flyin’ tengan un sonido bastante personal para tratarse de un
primer disco.
Aunque, como ya se ha dicho, los momentos brillantes de este disco
están intercalados con otros menores o que no pasan de anecdóticos
(como “Act of jamming” o “No go-kart ideas”), a Still Flyin’ se les intuye
el potencial y la calidad suficientes como para que en futuras entregas,
en las que la banda tenga más experiencia y se tome más en
serio a sí misma, consigan hacer algo realmente bueno.
Presidio Presidio 2009
por Diego Soto-Indyrock Vaya sorpresa. En la mayoría de las ocasiones, junto al disco
que nos llega a la redacción de Indyrock, viene adjunta una sinopsis
del grupo a criticar. En el caso de éste, se alega que es el primer
trabajo. Pues menudo debut. Nueve temas que se asientan en una cuidada
composición. Buenas guitarras, una voz que guía bastante
bien a los tracks, así como una batería de lujo, pueden ser
los argumentos que definen a un sinfín de bandas. Pero cuando además
de ese atributo, el cuerpo es una unidad indivisible en la que cada uno
tiene su espacio exento de protagonismo por alguna de las partes integrantes,
el producto comienza a subir de nivel.
De este trabajo se destaca- lo que no quiere decir que los demás
sean de menor grado- “Te digo Adiós”, “A tren” ( con un ritmo galopante,
potente en el que el dúo de las guitarras en el clímax es
una delicia) y “Independiente de ti”, por su gancho y frescura. ¿Por
dónde camina el estilo de la formación?. En ocasiones, sonidos
de Soundgarden aparecen. Aunque en otros, reminiscencias de los Tierra
Santa se presentan. Y es que aquí reside el mérito de este
buen trabajo. Sin abandonar el estilo del Rock y del Metal, fusionan sin
heridas, las variedades de un género mezclando los sonidos que cada
uno de ellos aportan.
Otro de los elementos interesantes de este lanzamiento radica en el
atrevimiento de la banda por lanzar, todas sus canciones tanto en inglés
como en español, lo que denota que la instrucción musical
de sus componentes queda más que probada. En definitiva, y sin más
dilación, invitar al lector a que escuchen este disco. Es fresco,
transparente y lo que, puede ser lo más importante. Tiene energía
positiva. Enhorabuena.
Dan Auerbach – Keep it Hid 2009
por Abel Guerola- IndyRock Si hubiera que definir con una sola palabra la música de “Keep
it Hid”, debut en solitario de Dan Auerbach, “raíz” probablemente
sería una buena opción. Dan, una de las mitades del dúo
de garage-rock de Ohio “The Black Keys”, se ha sacado de la manga un disco
que recorre a lo largo de catorce canciones gran parte de los orígenes
de la música popular norteamericana.
En “Keep it Hid” podemos encontrar casi de todo: country (“Trouble
weighs a ton”); baladas soul (con otros arreglos, “Whispered words” podría
pasar por una canción de Otis Redding); temas lentos a lo Motown
(“When the night comes”) y, sobre todo, mucho blues y rock de corte clásico.
La producción y los arreglos del disco están acordes
con un repertorio tan añejo, lo que significa que el sonido de “Keep
it Hid” es sucio y pantanoso como una ciénaga, con fuzz y guitarras
distorsionadas por todas partes. Y aunque a los fans de la baja fidelidad
y de lo analógico y “auténtico” esto les encantará,
el sonido es, al menos para un servidor, el gran punto débil de
este álbum. “Keep it Hid” tiene canciones excelentes que, con una
producción un poco más cuidada, podrían haber llegado
muy lejos. El problema es que tal como han sido grabadas hacen que el disco
se quede en anécdota divertida o en “proyecto paralelo de”, con
todas las connotaciones negativas que tiene esa etiqueta. Eso sí,
los fans de grupos como The White Stripes o Wolfmother deberían
darle una oportunidad.
Pulsar
Música para A nimales Tábano Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Entre melodías parejas a los de Tool y desenlaces guitarreros
de los Soundgarden en algunos de los tracks, camina el estilo por el que
Pulsar lanza este nuevo proyecto con una potente producción al igual
que un cuidado sonido. Batería potente con personalidad, guitarras-
la principal lo borda en 'Panorámica Práctica'- con un mensaje
transparente y una voz con fuerza. Éstos podrían ser los
principales atributos de una formación que a pies de gigante se
está introduciendo en los circuitos de calidad.
Diez tracks con energía, sin complejos a la hora de interpretar
un estilo trillado hasta la saciedad y más en estos modernos tiempos.
Pero estos tíos se saben salir del guión del género.
Y de que forma. Quizá lo mas interesante del trabajo radica en la
mezcla de una lírica con mensaje y que no recurren al trillado estilo
inglés para hacer llegar sus teorías musicales. Aunque el
hilo argumental del disco es bastante uniforme, si existen variaciones
que refrescan un cesar continuo de sonidos a los que acuden. Esto se puede
ver en algunos de los tracks como 'La Gran Función', así
como el 'El Día Menos Pensado', puede que el tema más versátil.
En definitiva, un disco correcto en el ejercicio de estilo. Sin alardes
ni virtuosismo pero si con un cuerpo y fisonomía conjunta que permiten
al receptor quedarse, en la primera escucha, con algunos de lo sonidos
y letras por las que caminan los animales de este bosque. Pronto los veremos
en festivales de renombre, y si no es así, en salas en las que el
público asistente sabrá a lo que va.
Propagandhi - Supporting Caste
- Hasslerecords 2009
Por Diego Soto-Indyrock Batería potente y de calidad, originalidad en los argumentos
de una creativa guitarra así como una potente voz, pueden ser los
mejores atributos que componen este trabajo de la canadiense formación
Propagandhi. Doce temas de tralla, composición medida hasta el último
atributo y letras llenas de mensaje abren la puerta a una formación
para entrar en el exigente mercado del Hard Rock con tintes más
suaves asentados en el Rock.
Y es que no es fácil hacer lo que ellos llevan a cabo. Por un
lado, como se puede demostrar en una de las obras maestras del género
de lo que va de año, “Last Will&Testament”, pieza de 15 minutos,
el amalgama de colores que emplean, bien sean coros, bien se apoye su argumentación
en la variante batería, ponen de manifiesto que lo que les va no
es hacer por hacer. En otros tracks, “Dear Coach´s Corner”, “The
Funeral Procession” o “ Without Love”, buscan ya no solo sonar bien, sino
convencer llevando, en la mayoría de los citados, un cuerpo uniforme.
Es decir, sin dejar fuera de los mismos ningún ápice sonoro.
Faith No More u Offsrping, ya tienen discípulos avanzados. Primero
porque deben haber mamado muy jondo los sonidos de los primeros; segundo
por su versatilidad al combinar todos los elementos, y simplemente, porque
son buenos músicos y eso es una de las piezas angulares por las
que camina esta senda de luchas y rencores humanas en el quehacer diario.
Mi Animal Sotto Voce
Records Label 2009
por Diego Soto-Indyrock El primer largo de estos madrileños parece haber estado pautado
desde el comienzo como el trabajo con el que querían dar un paso
más allá de las horas de ensayo, y cuya recompensa eran directos
sin álbum publicado. En este 'Sotto Voce', nutren, en ocasiones
de rock, en otras, con texturas más venidas del Pop, diez temas
idóneos para ser interpretados durante el verano que ya asoma, en
escenarios donde su ameno sonido se intuye, sea un disfrute para el público
asistente.
Canciones pegadizas apoyadas en una voz poco potente pero llamativa
así como en una buen empleo guitarrístico. Sin duda, el primero
de los tracks, ? Viva lo bueno? es la pieza más contagiosa de este
trabajo cuyo desenlace instrumental final, es de buen calibre. ?Tiempos
Extraños? es otra de sus canciones más llamativas en la que
reflexionan sobre el valor de las cosas en este mundo en el que todo tiene
un precio.
Se desvela, desde la distancia en Andalucía, pero por conocimiento
de las calles de Madrid, que sus historias transcurren en escenarios de
la capital y cuyos personajes podemos ser todos y cada uno de los que elegimos
este destino para disfrutar de sus interactivas noches. Buen lanzamiento
debut. No es música para grandes festivales pero a veces, los grandes
encuentros se inspiran en pequeños reductos sociales. Que mejor
que la noches de Madrid para disfrutar de esta incipiente formación.
Bowerbirds – “Hymns for a dark horse”
2009
por Abel Guerola- IndyRock Pocos hubieran sido capaces de prever hace 10 años, en un momento
en el que el nu-metal llenaba estadios y la mitad de los grupos del mundo
querían sonar como Radiohead, que en la entrada del nuevo milenio
la música americana de raíces gozaría de tan buena
salud y de tantos seguidores. De hecho, el llamado neo-folk o neo-country
se ha convertido en uno de los géneros más en boga dentro
de la música independiente actual.
Bowerbirds, la banda que hoy nos ocupa, viene a engrosar esa lista
de grupos que tienen su fundamento en el folk de los 60 y 70 y también
en músicos contemporáneos como Devendra Banhart, del que
toman su vertiente más amable y menos psicodélica y mística.
Este trío de Carolina del Norte nos presenta en su debut 12 piezas
aparentemente sencillas en las que demuestran un gran gusto a la hora de
componer armonías vocales elaboradas y pegadizas al mismo tiempo.
En lo musical, las piezas de “Hymns for a Dark Horse” están
construidas casi siempre en torno a la guitarra acústica y al bombo.
A partir de esta base mínima, el grupo ha incluido en sus canciones
numerosos detalles de violín, acordeón, banjo o pandereta
que enriquecen y dan brillo al conjunto.
Aunque la mayoría de las canciones incluidas en “Hymns for a
Dark Horse” son excelentes (salvo el último tercio del disco, que
se hace un poco aburrido) hay tres piezas que quizás destaquen sobre
las demás: “In Our Talloons”, “Bur Oak” y “My oldest Memory”.
Visto lo visto en su opera prima, sólo queda desearles a Bowerbirds
el reconocimiento que se merecen, cosa que no siempre es fácil es
una escena que va camino de la saturación como la del neo-folk
La bien querida
“Romancero”2009
por Abel Guerola - IndyRock En más ocasiones de las que serían deseables, el periodismo
musical funciona de una forma bastante previsible. El disco que hoy nos
ocupa es uno de los ejemplos más recientes de este comportamiento.
Y es que está claro que si desde tú primera maqueta consigues
que gente como J de Los Planetas o Antonio Luque se fijen en ti, es difícil
que algún crítico musical hable mal de tu opera prima. Dicho
y hecho, el primer álbum de Ana Fernández-Villaverde, nombre
que se esconde detrás de “La bien querida”, ya ha sido calificado
de obra maestra e incluso de mejor disco de debut en lo que va de año
por diversos medios especializados.
Más allá de las alabanzas quizá un tanto hiperbólicas,
la primera impresión que causa este disco no es demasiado prometedora.
Aunque la producción de “Romancero” es sumamente imaginativa y rica
en detalles, da la impresión de que Ana Fernández siempre
canta igual y habla de las mismas cosas, básicamente amor, desamor
y despecho, tenga el fondo musical que tenga. Da igual que la canción
sea revestida de tecno-pop (“9.6”) o incluso tenga ciertos aires aflamencados
(“El zoo absoluto”); da lo mismo que suenen flautas, trompetas o violines
arabescos, “La bien querida” parece querer convertirse por momentos en
una versión indie de Conchita.
Por suerte, no siempre las primeras impresiones son las correctas.
Tras varias escuchas, en “Romancero” se acaban encontrando media
docena de pequeñas joyas pop, fuertemente influenciadas por los
grandes nombres del indie español de los últimos 15 años,
y también por cantautoras de los setenta como Cecilia. Y aunque
la forma de cantar de Ana es ciertamente monocorde, su timbre de voz acaba
entrando al oyente.
Como conclusión final se puede decir que aunque “Romancero”
posee bastantes virtudes, también tiene los defectos ya mencionados
en el segundo párrafo, así que es muy probable que este álbum
no sea la obra maestra que muchos quieren ver. En todo caso, antes de consagrar
a “La bien querida” habrá que ver lo que su talento da de sí
en futuras entregas. Sólo entonces se sabrá si Ana Fernández
es una realidad o es flor de un día.
Eh! 36 de 48 Bcore
Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Cuanto menos sorprendente, experimental y potente. El trabajo del nuevo
proyecto de Elías Egido (Standstill, E150), es una mezcla continua
de elementos jazzísticos y electrónicos, de envolventes texturas
y sonidos como extraídos de una banda sonora. Lo cierto que en sí,
lo es. Diez tracks potentes, compuestos fuera de los canones comerciales
y sí instigados hacia la vanguardia instrumental. Grupos como Fantomas
o Tribal Tech aparecen en este trabajo como influencias de las que se intuye,
se nutre el autor y compositor.
Otro de los aspectos realmente atractivos de este álbum reside
en la variedad de instrumentos con los que se componen los tracks. Desde
el Themerín hasta el Serrucho con arco pasando por la Calimba eléctrica,
se argumentan temas como 'Valores por Retales' y 'Un cantante afónico,
un pianista de cocktail y un batería', cuyo mejor aliado es el sonido
esquizo. En otros como 'Huella del otro', con el que se cierra este buen
trabajo, la tenebrosidad que por momentos se emplea, parece venir de la
mano el grupo inglés Portishead.
El sonido hardcore también tiene su espacio reservado en esta
genuina Obra. Puede que por su influencia con E150, formación de
gran calado en la que los sonidos extremos abordan gran parte de la instrumentación
empleada. No es un disco para estadios ni para promociones televisivas.
Sus partituras van más allá, un paso por encima de lo actual.
Es un disco para disfrutarlo, masticándolo hasta la insipidez en
un espacio elegido por el oyente para entrar en trance con la verdadera
experimentación.
Speak Low Hands
up Lovemonk 2009
por Diego Soto- Indyrock Vaya sorpresa. Sí señor. Por lo menos para un servidor.
En el circuito del Soul y el Funk, grupos como Speak Low suenan ya como
veteranos por su buen hacer tanto en el estudio como en los escenarios,
y no sorprende que una vez aventurado en la escucha de sus tracks, la calidad
y el buen gusto, sean aliados de la vibración sentida. Pero lo verdaderamente
sorprendente es que en este 'Hands up', han ido más allá.
Es un muy buen trabajo, tanto por la parte instrumental como por la producción.
En ocasiones pinceladas de Albert King, en otras, contagiosos ritmos de
John Patton o Larry Young- sobre todo en el proyecto lanzado en 1964 llamado
Testifying, Young Blues and Groove Street- permiten disfrutar tema tras
tema, de una formación con muchas ganas de hacer buena música.
No es un típico disco de Funk. Que va, que va. Aquí estos
tíos declaran haber mamado del buen Jazz, del sesentero. Sucio y
fresco. Esto más que puesto sobre la mesa es desarrollado en temas
como “I want my money back” o “This letter”. Verdaderas joyas. También
resaltar el sonido oldie que imprime el saxo tenor y teclados en uno de
los mejores tracks que han llegado a esta redacción: “Take your
time”. Del mismo modo, en otro de los más atractivos por su dinámica
forma de interpretar los tiempos es “Soul is what you got”.
Si a esto le unimos que en el penúltimo de los temas hacen una
versión superatractiva, distinta a las lanzadas hasta el momento,
del “Thriller” de Jackson, la cosa deja un gustazo difícil de olvidar.
“Uba-Yuba”, con el que cierran el disco, es un directo desde Italia en
el que escuchándolo, da pena no haber asistido al mismo. En definitiva,
estos tíos- ojo, todos venidos de formaciones que están pegando
fuerte en el último lustro como Vetusta Morla-, tienen un sentido
para el estilo realmente fresco. Y esto, es de agradecer. Gracias y enhorabuena.
Fabio & Glitter Klinik – “Bye bye supersonic”
2009
por Abel Guerola- IndyRock No eran pocos los que esperaban como agua de Mayo un nuevo disco hecho
en conjunto por Fanny Mcnamara y Luis Miguélez. Para encontrar la
última colaboración de estos dos emblemáticos personajes
de la movida hay que remontarse al 2001, año en el que publicaron,
bajo el nombre de “Mcnamara”, “Rockstation”. Hoy en día este disco
está considerado un clásico y, visto con la perspectiva suficiente,
parece claro que dicha grabación fue un elemento importante a la
hora de redescubrir la música española de los 80. Tan de
moda se ha puesto esta década desde entonces que, hoy en día,
veteranos como Fangoria venden más discos que nunca y grupos como
Nancys Rubias han hecho de todo lo “glitter”, “glam” o “petardo” algo previsible,
inofensivo y aburrido. Y esa era la otra razón, aparte de la nostalgia,
para esperar un disco de esta pareja; era necesario que los maestros pusieran
en su sitio a tanto alumno que no pasa de mediocre. Y se puede afirmar
que, al menos parcialmente, lo han conseguido.
Lo primero que llama la atención de “Bye bye supersonic” es
que hay una mayor presencia de teclados y sintetizadores que en otras ocasiones.
Estos han corrido a cargo de Juan Tormento, quien ya coincidió con
Miguélez en grupos como Glamour to Kill. La guitarra eléctrica
de Luis, por el contrario, ha pasado a ocupar casi siempre un segundo plano,
y lo cierto es que se echan de menos esos riffs pegadizos y resultones
marca de la casa. Lo que si se ha mantenido prácticamente intacto
es el talento de Mcnamara para escribir letras surrealistas, humorísticas
y petardas. Y es que estrofas como “España es sangre en la arena,
aceite puro de oliva, jamón serrano escondido debajo de tu capote”
están al alcance de muy pocos.
Por desgracia, aunque el disco tiene bastantes momentos dignos de la
pareja que lo firma (“Lo que tú digas cariño”, “España
es different” y “Celebritis” son lo mejor del lote y valen más que
toda la discografía de Nancys Rubias junta), no todo el minutaje
del álbum está igual de inspirado. Tan es así, que
hay un par de canciones que dan la sensación de estar echas con
el piloto automático. Estos momentos menores hacen que el disco
quede un poco por debajo de obras maestras como “Rockstation” o “Como está
el servicio de señoras” (único disco que sacaron Almodóvar
y Mcnamara como dúo musical). A pesar de esto, Luis Miguélez
y Mcnamara han demostrado con “Bye bye supersonic” que, aunque hayan pasado
ocho años, siguen sin tener rival en su terreno.
Luis Ramiro Dramas y Caballeros
Relocos Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Agradable sorpresa la que presta el último trabajo de este joven
cantautor madrileño, que tras abandonar sus influencias más
metaleras
de sus comienzos, se refugia en el rocanrol y la poesía transparente,
desnuda, emulando en cada uno de sus tracks, la figura de un niño
al que no le ha faltado la imaginación. Trece temas de exquisita
composición y acompañamiento- la formación que le
acompaña es deliciosa- en los que la aportación de trompetas,
piano y violín, supone un lujo.
Otro de los atributos de este trabajo, es la personal y profunda voz
de Luis Ramiro, permitiendo al receptor entrar a ser partícipe de
historias, que como defiende el propio autor, la gente lo hace suyo, aunque
no hayan vivido la misma experiencia. El desamor y la incomprensión
de este sentimiento, pueden ser los hilos argumentales de este Dramas y
Caballeros, en el que la figura femenina se confirma como un referente
continuo para el artista.
Por temas, destacar “La distancia”, en el que el abanico de los instrumentos
protagonistas en el mismo, lo dotan de un cuerpo verdaderamente envolvente
y del que se intuye, ser todo un éxito. También nos encontramos
con “Relocos y Recuerdos”, en el que mezcla colores venidos de la rumba
y el tango con cierto sabor a melancolía pero cargada de vibraciones
positivas, siendo su final, de verdadera talla. En “Tonterías” o
“Te quiero y Te Odio”, la calidez del piano, violín y chelo, encuentran
el refugio en la voz.
Y es que para sugerir al lector-oyente, en que se basan cada una de
las canciones así como el gusto que tiene por elaborarlas y desmenuzarlas
con un toque muy personal, no quedaría espacio vacío en
varios folios en blanco. Por último, por su salida del guión
y su calidez en los tiempos, resaltar “Paraíso con gastos Pagados”,
en el que vierte a la formación sonidos venidos del Reggae. Verdaderamente,
una joya de esas que con el tiempo, como los buenos capricornios, toman
la esencia de lo que son y juegan a ser valedores de una obra póstuma.
Enhorabuena Luis, enhorabuena.
Idealipsticks Radio
Days Rock on Music2009
por Diego Soto-Indyrock Bien, muy bien. En ocasiones, la sorpresa llena como si de un directo
se tratase al escuchar un trabajo con tanto gancho y potencia. Personalidad
y buen gusto, es lo que tienen estos tíos- Eva y Jave Ryjlen- para
ser capaces de poner a tal altura, un estilo en demasía poco experimentado.
A veces sucios, otras elegantes, muestran una transparencia en los sonidos
digna de agradecer. Imprimen, pintan, colores, por momentos, rojo burdel
en las aceras que marcan el final del bar de borrachera, así como
aquellos que evocan a noches desenfrenadas pisando el acelerador. Vamos,
una delicia. El movimiento de cadera está asegurado.
¿A qué suenan, o mejor preguntado, a quién se
parecen?. Pues a nadie. Tienen un sonido único. Quizá aquí
radique, perdonen personalice, mi trance con esta formación. Y es
que no se les puede buscar antecesor. Está claro que suenan a otros,
en ciertos cortes puesto que interpretan un estilo, por cierto, Rock garagero
puro y duro, muy secundando. Once temas, de los cuales, los que cuentan
una mano, pueden ser perfectamente temazos de baile y gozo en las pistas.
Entre ellos, “There is no Music at Home”, cuyo atractivo radica en la repetitiva
claqueta, o “Frozen Head”, en el que pululan las ondas magnéticas
del Rock sin complejos.
Del mismo modo, acogen sonidos muy bluseros maquillados con potentes
guitarras que se ponen de manifiesto en “I don´t love me anymore”
o “Bitch and Whore”. Pero aún hay más. Tres son los tracks
que lanzan como piezas de presnetación: “The king has died”, ( todo
un hit, huele a single, Julio Ruiz de Radio 3), incluido en este
trabajo, y “Forever” y “He was my friend”, como pinceladas para el venidero.
En definitiva, y sin complejos, uno de los mejores trabajos de lo que va
de campaña. Frescura y limpios ritmos, hacen un disfrute la escucha
continua de este Radio Days. Enhorabuena.
Ben Lee The Rebirth of Venus
New West Recordx 2009
por Diego Soto- Indyrock Pop puro y duro, con tintes comerciales que se refugian en una instrumentación
venida de lo más curtido del estilo así como una lírica,
en ocasiones, algo pastelosa, en otras, puede que aceptable. La composición
conjunta puede tener un aprobado, no alejándose de su anterior trabajo
en el que también apostó por llevar a cabo la construcción
de los tracks con sonidos en los que comibina texturas de Bob Dylan así
como en otras, se aleja y se enfrasca en lo más pink de Elton John.
En temas como, “I Love Pop Music”, deja claro que sus intenciones son
las de secundar un estilo trillado pero con un toque jovial, muy cercano
a las bandas sonoras de Disney, por decir algo. Está bien
producido, emplea buenos colores en temas como “Yoko ono” o “Boy with a
Barbie”, en los que también introuduce texturas más electrónicas
al estilo de Mica. El mejor tema de este trabajo es “Families Cheating
at Board Games”, obra que realmente si pertenece a las buenas piezas del
estilo, en su concepción moderna. Influencias de Coldplay.
Trece temas gustarán al receptor que se incline por sonidos
venidos de los tracks puestos en radio o en la Mtv, pero que no encontrán
acogida en todos aquellos que prefieran un poco más de suciedad
en el estilo. Puede que sea demasiado pastel. En definitiva, un disco para
escuchar pero que no supone nada nuevo ni cuanto menos, no inventado. Esperemos
que este compositor y músico, se decante en trabajos venideros,
por algo más de influencias construidas.
Noise Box Locked up in a Human
Body Sunnday Records 2009
por Diego Soto- Indyrock Elaborada composición con buenos tintes de guitarra y batería,
voz y lírica potente así como las influencias del conservatorio,
pueden ser las principales características del último trabajo
de esta formación murciana. Lo cierto, es que es un verdadero trabajo
de talla y retoque. Quince canciones, abanico en cada tema de colores y
texturas de lo más indagadas así como influencias bien marcadas
de grandes formaciones, permiten acontecer que este 'Locked up in a Human
Body', supone una Obra de calidad.
El trabajo comienza con una melódica intro, de cambio ascendente
cuyo verdadero atractivo se sustenta en la conexión directa con
el segundo de los tracks, “We are made of Sand”, un buen tema apoyado en
las raíces del Rock con tintes Pop cañero, en el que se puede
intuir la influencia de bandas, en algunos de los compases, de Smashing
Pumpkins. En otro, “Alexandrine Year”, tiran más por el camino,
sobre todo al principio, de los R.E.M, dando paso a “Another You”, pieza
de calidad en la que la voz de Alondra Bentley, da color a un tema reflexivo.
Y es que se descifra una buena formación por parte de todos
sus integrantes por la cantidad de texturas venidas de otras bandas predecesoras
a ésta, de calidad. Además, la combinación de fuerza
rítmica dada en los anteriormente citados temas o en “Something
To Bury”, es mezclada con pausas bucólicas de “Someone Pay
the Ransom” o la instrumentación cuidada de “Hoax”, en la que buscan
sonidos venidos de los Soundgarden. Estos atributos, no los tiene cualquier
banda. En definitiva, la calidad no entiende de estilos sino de duro trabajo,
y el aquí interpretado, se sale. Buen disco.
Hatcham Social “You
dig the tunnel I’ll hide the soil” 2009
por Abel Guerola- IndyRock Hoy en día hay tantas bandas que toman como referencia los ochenta
que a menudo cuesta diferenciar el grano de la paja y discernir entre lo
que es bueno y lo que simplemente se suma al carro del revivalismo para
conseguir notoriedad. Por suerte, los fans de dicha década hoy pueden
estar de enhorabuena; el debut de Hatcham Social es una maravilla que suena
a pop-rock ochentero por los cuatro costados.
El disco de los londinenses empieza de forma prometedora con “Crocodile”,
un temazo que parece directamente sacado de cualquiera de los cinco primeros
discos de Echo and the Bunnymen. Y no será la última vez
que recuerden a los de Liverpool, ya que la forma de cantar de Tobias Kidd
es claramente deudora de la de Ian McCulloh. La segunda canción,
“Sidewalk”, aparte de tener uno de los riffs de bajo con más sentimiento
que un servidor ha podido escuchar en bastante tiempo, nos hace intuir
que nos encontramos ante algo grande; sensación que se confirma
con los nueve temas restantes que forman “You dig the tunnel I’ll hide
the soil”. Once canciones en total en las que no hay ni pizca de relleno;
once perlas que suenan a los The Cure de la primera época (a los
de “Jumping someone else’s train” o “Killing an Arab”), a la distorsión
guitarrera de Jesus & Mary Chain y a otros tantos grupos de la época.
Si se le puede poner alguna pega al debut de Hatcham Social es que
es tan bueno que se hace corto. Con un par de temas más, “You dig
the túnel I’ll hide the soil” hubiera sido insuperable. Aún
así, un debut enorme, especialmente indicado para aquellos que creen
que el mejor disco ochentero de la temporada es el último de The
Killers.
White Lies To Lose My Life Polydor
2009
por Diego Soto-Indyrock “Cultos y oscuros cuentos alrededor de ganchos como rascacielos y coros
galopantes perfectos para la radio” (The Guardian), “Todo está en
su sitio, es ambicioso y deliciosamente oscuro. El punto de referencia
se ha elevado” (The Fly). Son algunos de los muchos comentarios que la
prensa especializada está llevando a cabo sobre esta joven formación
inglesa que con este primer disco, dejan claro que lo suyo no son proyectos
a medio gas. Van a por todas y de qué forma. Este 'To Lose My Life',
no es una mera presentación de lo que quieren o intentan llevar
a cabo. Es un disco de alta calidad debido a su exquisita composición
y su potente estilo, el cual, radica en contar sus historias desde la óptica
de tintes subterráneos, verdaderamente oscuros.
Toda una sorpresa para el mercado del género impuesto por bandas
como Joe Division, U2 o Interpol. Y es que suenan muy bien. En este álbum
debut, ofrecen diez temas que van desde la intachable “Death”, con el que
abren las puertas de este trabajo, hasta los orquestales “Unfinished Business”,-tema
original de 15 minutos pero que en el disco es acortado- y “The Price of
Love”, con el que cierran de forma elegante toda la Obra.
En otro de los tracks que lleva por nombre “Farewell to the Fairground”,
el sonido a los Depeche Mode resuena por los cuatro costados del mismo.
Y es que el apostar por la oscuridad lírica y combinarla con texturas
venidas de la década de los años 80, funden su música
en una deliciosa mezcla de nostalgia y new age perfecta. En definitiva,
uno de los mejores trabajos de lo que va de año por su frescura,
tablas y ganas de llenar estanterías. Enhorabuena.
Anarbor Free Your Mind Hopeless
Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Pop-Rock melódico sin muchos remilgos ni virtuosismos. Forma
sencilla de interpretar un estilo cada vez más demandado e interpretado,
sobre todo por bandas americanas venidas de California. 'Free Your Mind',
se compone de siete pistas en las que se puede intuir que con trabajo duro,
en unos años, estarán en las listas de los festivales del
género. Una voz potente, con personalidad y una batería
con suficientes argumentos para dejar como digno este trabajo, son sus
principales atractivos.
Sus temas con mayor gancho, pueden intuirse como “Where The Wild Things
Are”, tema rabioso de energía 'estudiantil' que se intuye como éxito
de radios comerciales en su campo, o “Halfway Sober' en el que imprimen
sus influencias de bandas como Eagle go Cherry o Goo Goo Dolls, mediante
el predominio de texturas melódicas exentas de virtuosismo. Le siguen
otros tracks, puede que con menos gancho, valoración subjetiva que
va acorde a cada receptor, como pueden ser 'Always Dirty, Never Clean'
y 'Passion for Publication' cuyo máximo atractivo radica en que
maman de grupos míticos del género como Blink-182 o Sum 41.
En definitiva, no supone el trabajo del año pero si una fresca
aportación con nuevos matices y conceptos a un estilo tan trillado.
Seguramente, publicarán más trabajos.
Fleet Foxes: los Ángeles inquietantes
del folk made in USA por Muriel Mo - IndyRock Fleet Foxes: ¿Quién se esconde detrás de este
nombre extraño? Un oscuro grupo heavy metal que adora un improbable
dios-animal de la foresta ? Nada más alejado de la realidad. En
efecto, los Fleed Foxes se acercan más de un Bambi que de un lobo
salvaje…aunque, como se sabe, no hay que fiarse de las apariencias. Originariamente
los Foxees se componen de dos tíos de Seattle, dos compañeros
de la escuela que comparten la misma pasión por el folk de los orígenes.
Robin Pecknold y Skyler Skjelset, estos son sus nombres, admiran casi a
un nivel maníaco las estrellas del pasado como Bob Dylan y Neal
Young, figuras impactantes y constantes en su infancia durante la cual
sus padres les inculcaron una fuerte cultura folk…¡ y hay todavía
escépticos que no creen en la importancia de la educación
musical ! Bueno, no empezamos a polemizar…estaba diciendo que estos dos
« duendes » de Seattle empezaron a componer música juntos,
Robin se ocupaba de las composiciones y Skyler se hacía cargo de
la guitarra, con la ambición de salir dentro poco tiempo un disco
de canciones en la pura tradición folk, es decir sencillas y impactantes,
directas pero al mismo tiempo llenas de melodías ricas, suaves y
fascinantes. Es con esta idea precisa en la mente que editaron por ellos
mismos su primer EP Fleed Foxes. Este primer esfuerzo musical hubo un éxito
increíble a nivel local, recibiendo elogios por parte de la crítica
y del público. Gracias también a Myspace y al “boca a boca”,
los Foxes ganaron una gran notoriedad, aunque su álbum no existiera
todavía...el poder del Net.
El segundo EP Sun Giant salió, en junio 2008, bajo la etiqueta
Sub Pop. Durante este período el grupo incorporó también
a J. Tillman, genio de la batería y de los coros.
Y aquí estamos, Fleet Foxes, su primer álbum, es de verdad
lo que el folk ha producido de mejor en los últimos años.
Una mezcla innovadora de folk-rock armónico que recuerda a los grandes
grupos vocales de los ’60 como Samuel and Garfunkel o Crosby Still &
Nash y folk tradicional, un poco extraño, como los Fairport Convention.
Las armonías de este primer álbum parecen salir de otro mundo,
lejano y secreto y las melodías encajadas las unas dentro de las
otras, crean un ambiente pastoral y caluroso salido directamente de los
sueños secretos de un niño. No hay que olvidar que Robin
tiene solamente 22 años y es por eso que la madurez de sus composiciones
choca de manera tan fuerte, como si hubiera vivido de verdad en una época
lejana, incontaminada y salvaje. El secreto y la fuerza de Fleet Foxes
se encuentran en las voces celestes y en su búsqueda de sencillez.
De echo, los tres admiran el folk inglés tradicional justamente
porqué se compone de una sola y única estrofa. El poder es
lo de las palabras, no hay que añadir más, no hay que intentar
llenar los vacíos con melodías inútiles. El significado
de los textos es muy importante y lleva a la luz la pasión que tienen
por la naturaleza, por los espacios incontaminados que permiten soñar.
Bueno, que añadir más, Fleet Foxes es de verdad una joya
preciosa, un conjunto de melancolía y ganas de vivir… ¡Que
disfrutéis sin moderación!
Fake Problems
It´s Great to be Alive SideOneDummy Records 2009
por Diego Soto-Indyrock Rock festivo y circense. Estos americanos parecen tener claro que su
forma de trabajar debe estar asentada en el positivismo melódico
y la composición cargada de variaciones que van desde lo más
sosegado a la explosión instrumental y vocal con bases del himno.
Un estilo a Kusturica pero con texturas más bien venidas del Rock
y del Rock&Roll. Un trabajo en el que sobresale la voz principal de
Chris Farren quien imprime personalidad y fuerza a la formación.
Doce temas que caminan entre las sombras del juego de texturas poco empleadas
con la inclusión del triángulo y otros elementos de percusión
y de la suavidad el folclore, se intuye, de países mediterráneos
y del Este. También la introducción de trombón y trompeta,
les permiten jugar con otros sonidos que dan paso a temas que básicamente
sonarían de otra forma mucho más simple. Aquí radica
su inesperado trabajo. En la sorpresa continúa y bien llevada. ‘Don´t
worry baby’, es un himno de la cabeza a los pies, pegadizo y con variedad
de colores que dan fe de la influencia circense anteriormente citada. ‘Diamonds
Rings’, en el que se mezclan las influencias de The Ramones o de David
Bowie, acontecen a vibraciones que se encuadran dentro de un marco de taberna
y alcohol. En otros temas como ‘Alligator Assesinator’, en el que juegan
a interpretar un acelerado Country-Rock con gran estilo o ‘There are times’,
puede que el más completo por su diversidad cromática y protagonismo
del viento madera, el nivel de esta formación queda más que
demostrado. Buen rollo y mucho gusto .
Alis
“Cuando el sol nos de calambre" 2009
por Abel Guerola -IndyRock Tres discos en tres años demuestran que
si de algo puede presumir Pachi Delgado, nombre que se esconde tras el
pseudónimo de Alis, es de ser un músico prolífico
como pocos en la actualidad. Tras un disco de debut homónimo y “Mínimo
(segundo acto)”, el artista jienense publica ahora “Cuando el sol no de
calambre”, un álbum (con un título bastante feo, todo hay
que decirlo) en el que Pachi ha querido dar una pequeña vuelta de
tuerca a su sonido pop-rock.
La verdad es que el disco empieza pisando
fuerte con la sorprendente “Entren, pasen y beban”. Sorprendente por que
la canción se mueve en un registro alegre y vitalista casi inédito
hasta ahora en la música de Alis, y también por que tiene
un riff de guitarra y unos “lalalas” en el estribillo que son dignos de
cualquier grupo español de los 60. Para colmo, la letra del tema
es un claro homenaje al “Bienvenidos” de Miguel Ríos. Tras esta
apertura, que seguro que es la encargada de abrir también los directos,
se suceden varias canciones que ofrecen como principal novedad un mayor
uso de los teclados y de los sintetizadores en los arreglos, que a pesar
de esto siguen girando en torno a la voz de Pachi, cuyo timbre emotivo
(y un poco irritante a veces) es la principal seña de identidad
de su música.
A nivel lírico, “Cuando el sol nos de
calambre” también ofrece algunas novedades. Pachi Delgado ha intentado
enriquecer sus letras acentuando aun más su tendencia a incluir
referencias cinematográficas en sus versos. Tanto es así,
que en menos de cuarenta minutos de música se menciona a Errol Flynn,
a Chaplin, a Harold Lloyd, a Búster Keaton, a Buñuel, a Almodóvar
y al “Barbero de Sweeney Todd” de Tim Burton. Sin embargo, y aunque han
mejorado algo respecto a sus dos primeros discos, siguen siendo lo más
flojo dentro de la música de Alis; ya que el jienense mantiene intacta
su facultad para incluir de vez en cuando versos que provocan vergüenza
ajena. El álbum se cierra con “Liverpool” (un homenaje un tanto
tópico a los Beatles) que sirve de punto y final a un disco bastante
correcto, pero que está un peldaño por debajo de su grabación
anterior
XKrude Del Último día
Black Bunker Records 2009
por Diego Soto-Indyrock El sonido que llegan a tener estos jienenses en éste, su tercer
álbum, no tiene nada que envidiar al de las grandes formaciones
del género, ya no sólo del panorama nacional, sino también
del internacional. Con reminiscencias venidas de grupos como Fear Factory,
Sepultura o Ktulu, componen una obra de arte. Enlace de los tracks, título
cuyas iniciales componen a su vez, el nombre del trabajo, potentísma
batería con ciertos aires al profesor, Mike Mangini así como
una completa adecuación de los tiempos de un estilo realmente difícil
de llevarlo a la práctica con tal brillantez.
La voz (Litox) es también, digna de mención. Primero
por su facilidad en la interpretación de los registros. Segundo,
porque dota de mucha personalidad a la obra . Y por último, por
su torrente que en temas como 'Otro', rompe cristales. Por su parte, las
guitarras sobrevuelan la perfección. No buscan el reconocimiento,
sino ser el mejor canal para las potentes batería y voz. Y que decir
del bajo. Sin él, en una formación como ésta, no sonaría
tan oscuro.
Los temas- sinceramente todos valen la pena- más llamativos
podrían ser 'El Camino', con el que realmente abren este trabajo
debido a la semi- intro 'Después de todo', y en el que la batería
marca su protagonismo con un excelente, doble bombo. De la misma forma,
se podría citar a otros como 'Transformando Realidades', puede que
el más completo por su duración y aguante durante más
de seis minutos, y 'Únicamente' o 'Libre', ambos con una tralla
que hace recordar a los S.A.
Por último, el detallazo de la obra, viene marcado por un solo
de chelo y violín, en 'Antes del Fin', que además de su profunda
lírica, ofrece un sobremayúsculo empleo del conjunto que
parece darlo todo para el despedir Del Último Día. Realmente,
exquisito. Enhorabuena y gracias.
PAL Error de Fábrica
Limbo Starr 2009
por Diego Soto-Indyrock Buen grupo de inusitadas reminicescias en la construida construcción
de canciones de Rock&Roll moderno. Y es que su fuerte es el buen hacer
al que tenido que llegar para sacar este nuevo trabajo debido a su exquisito
sonido. Buenas letras, un interesante empleo de las guitarras y una voz
con suficiente personalidad para tirar de este carro fabricado en la atmósfera
del error, son los atributos que presenta esta banda en este último
trabajo.
Once son los temas que lo conforman. La mayoría de sus texturas
van desde el vibrante universo de la mezcla de sonidos venidos del citado
Rock&Roll, Blues y pop, contaminados en ciertos compases de colores
venidos de lo latino como en 'Intertoto', tema que cierra el disco. También
dan acogida a al puro sonido de la carretera como en 'Libre Mercado', muy
cinematográfico.
Si bien es cierto que en otros como 'Presencia Nómada' se aventuran
por la senda de la cuerda locura de combinar sonidos, en la sombra, venidos
de una depurada electrónica, casi imperceptible, pero con mucha
fuerza constructiva. En definitiva, un trabajo convincente, de completo
y defendido estilo de entender un género. Enhorabuena.
Nestor Mir y las Potencias del Este La Nuit
Subatomique Malatesta Records 2009
por Diego Soto- Indyrock Gran disco. Completo, equilibrado y muy bien construido, Nestor Mir
lanza su último trabajo junto a una banda, Las Potencias del Este,
realmente que suena muy bien. Nueve temas que van desde el Pop de cantautor
de 'Ces Hommes Intouchables' hasta el toque a lo Dylan en 'Etoile Lointaine'.
Uno de sus grandes atractivos o atributos, como se quiera calificar, es
la interpretación en uno de los idiomas más dados a la elegancia
en cualquiera de sus interpretativas vertientes musicales: el francés.
En realidad es un disco en el que sin salirse de los márgenes
de lo expuesto, tienen cabida variadas texturas que amenizan y de que forma
la activa escucha. 'Le vals de Morfini', es un claro ejemplo. Balada exquisita,
de principio a final, con un clímax de refinada elaboración
e interpretación que enriquece en gran medida la visita de los siguientes
tracks.
También es interesante uno de los temas que ya cierran el trabajo.
Lleva por nombre 'Rita Berger'. En este, el gran atractivo es la preciosa
voz de Carolina Otero que de la mano de la instrumentación, camina
hacia el efectivo mundo del blues. El trabajo lo cierra el tema que da
nombre al disco, 'La nuit Subatomique', simplemente un bonito tema que
cierra el círculo de este redondo trabajo. Seguramente, sea una
de las sorpresas del año, y si no al tiempo. Enhorabuena.
The Handsome Family Honey Moon
Houston Party 2009
por Diego Soto- Indyrock Calma y más calma. Disco compuesto para disfrutar del pasar
de los días junto al tocadiscos. Música para trabajar, para
crear, para ver pasar la vida, para escuchar y saborear las texturas y
colores de esta formación que lanza este Honey Moon, noveno trabajo,
como un trabajo íntimo y sosegado, alejándose de su quehacer
hasta ahora y dando paso a la reflexión.
Doce temas, doce historias llenas de amor y pasión cuya frescura
y buen hacer no deja indiferente en ninguno de sus compases. La voz característica
de Bret Sparks( vocals, guitars and keyboards) es acompañada, acompasada
por la fantástica Rennie Sparks( bass vocals) y el teclista Mike
Werner. Un country relajado, sin artificios ni filtros que en ocasiones
es combinado con el Bluegrass más suave. Palabras y acordes al aire
que en un tono realmente terapeútico.
Temas como 'The Loneliness of Magnets', 'Junebugs' y ''Love is like',
se enfrascan en la línea más melódica mientras que
otros como 'A Thousand Diamond Rings' o 'Wild Wood', se aventuran en sonidos
más dinámicos con reminiscencias de Bruce Springsteen. Cierto
es que han cambiado- ya son más de trece años publicando-
desde sus prometedores comienzos con ese buen disco llamado Odessa (Carrot
Top, 1995), pero continúan maravillando con su delicado tratamiento
del estilo. No hace falta hablar más alto para que las palabras
sirvan para convencer.
Desde 2006 no se sabía nada de ellos (Last Days of wonder) y
por fin han vuelto, con un muy buen disco bajo el brazo. Una formación
que encandila desde sus primeros acordes por su simple composición
pero intensa interpretación.
The Chimestry Set Alchemy*101
Skittelebrau 2009
por Diego Soto-Indyrock Han vuelto y de que forma, una de las mejores formaciones de pop psicodélico
de los últimos decenios. En este último trabajo, van a saco
con la mezcla de voces y guitarras con claras reminiscencias de finales
de los años 70 de la Gran Bretaña más alocada. Seis
temas dinámicos, frescos y con mucho color.
'Seeing upside down', tema de arte compositivo hasta la médula.
La introducción está compuesta con texturas de la década
anteriormente citada y guitarras de principios de los 90, con mucho gancho
y positivo desbordante. En otras como en 'Look to the Sky', se pone de
manifiesto la psicodelia que llevan en la sangre. Teclados a los que solo
le falta llevar la bandera con ciertos matices al puro estilo del mítico
Syd Barret (Pink Floyd) y que ahonda en la buena idea construyéndola
hasta el final.
Del mismo modo pero con distinta forma y construcción componen
'If Rome Was Meant to Fall', en el que se pone de manifiesto la elegancia
a la hora de poner en práctica el rollo psicodélico y 'Silver
Birch'. Mi himno íntimo, una oda al recuerdo, con un cambio que
deja la piel de gallina. En definitiva, toda una obra circular, que tiene
pinta de acontecer trabajos en el futuro a corto plazo de la misma o mejor
calidad.
Los Flojos - «A duras penas»
- CD 2009 Locomotive
Por Juan Enrique Gómez / IndyRock La verdad es que se agradece. Un grupo que no oculta sus intenciones
y no le duelen prendas en decir que sólo pretenden divertir y crear
una música que recuerde vivencias con un buen toque de humor. Hacerte
pasar un buen rato, y punto. Eso dicen. Pop rock divertido con un impresionante
toque de humor total. Los Flojos, con su trabajo «a estas alturas»,
al que suman la cletilla «al mal tiempo... un poco de cachondeo»,
dan esquinazo a la crisis y recuerdan los momentos de cubatas, ligues de
juventud, y diez años de escenarios cargando y descargando amplis
y el incordio de los platos y cajas del batera. Diez temas en los que cuentan
historias sencillas, como aquella noche de ligue que acabó en la
comisaría, el recuerdo a aquellos que al final, han tenido hijos,
e incluso canciones dedicadas a perversiones sexuales que «al principio
no te gustan y al final te dan rollo», dicen estos chicos. Una banda
formada por Eduardo Verdú, Jaime álvarez, Daniel Calderón
y Pablo Lorio, que comenzaron en 1996 con el nombre de Karamandú.
Este nuevo disco es el primer larga duración, tras dos Eps, Los
Flojos y Maracana. Un grupo que ha recorrido mil y una salas y que esperan
tener un hueco en los mejores festivales de este país.
Slowlee Cojo
Aire Animal Crackers Records 2009
por Diego Soto- Indyrock Desde su primer disco en solitario en 2004. «Chupado»,
este gallego daba señales de que algo bueno estaba en su cabeza.
En este trabajo, para el que ha contado con la colaboración de VGA
En Llamas, Marte o Sentinel, ente otros, se ha volcado y ha sacado una
energía que desde su single 'Cojo Aire', deja claro de antemano
que la buena lírica, mezclas y gusto por las bases del soul, son
parte de su forma de interpretar el género.
Su aportación más sentida o percibida puede ser la de
claridad de los elementos que conforman este buen conjunto Cojo Aire. Puede
que haya tracks que actúen por separado como 'Eslou parte 2' o 'Solo
es música', pero en globalmente, es un trabajo medido de letra por
letra. Señalar 'Somos Siglas', en la que realiza una suntuosa relación
de lo que significa el vivir en el quehacer diario en el asfalto de la
urbe, o 'No more lies' en la que Sentinel lleva a cabo una verdadera obra
de arte.
Un buen trabajo en el que la constancia y el duro esfuerzo, parecen
haber sido sus aliados. Seguramente refleje las verdades que para él
y los suyos significa su profesión. Seguir con energía es
la mejor medicina.
Pájaro Sunrise
Done/Undone Lovemonk 2009
por Diego Soto-Indyrock En el primer disco lanzado allá por el 2006 bajo el título
de 'Pájaro Sunrise'(Lovemonk) el grupo creó el remedio a
la peligrosa enfermedad de la prensa especializada de criticar lo incuestionable.
Los puso a todos de acuerdo. El primer trabajo era bueno. En este segundo,
lo íntimo y el positivismo- se podría decir que Done y Undone
secundan estos apelativos respectivamente- se funden en 22 temas llenos
de esfuerzo y trabajo consiguiendo texturas con base en el Pop que suscitan
un recuerdo a los grandes como Simon&Garfunkel, por ejemplo.
Una verdadera delicia en la que se combinan texturas típicas
del género con otras reminiscencias del Soul y matices de la electrónica
más depurada, es decir, sin el redoble cansino al que suelen acudir
muchas formaciones de pop moderno. Una atmósfera tranquila que deja
al receptor un gusto de buen manjar, depurado hasta la médula, de
un antes y un después.
Sacar un disco en sí ya es una empresa que- según
están las cosas- no parece ser fácil de poner en práctica.
Pero sin encima son 22 tracks en uno, la cosa se pone difícil para
igualar este trabajo. Esto lo ha conseguido esta formación con un
tiempo de dos años en los que han sacado lo mejor que tienen dentro
por ofrecer un muy buen resultado. Temas como Disabled, The things you
cherish most, Young&free o Hungry heart son un simple recuento de lo
que pueden significar los mejores temas del disco. En definitiva, un buen
vino reserva para disfrutar a solas o en muy buena compañía.
Enhorabuena.
Póg Mo Thón
Oztopo Guztien Gainetik Babel Msk 2009
por Diego Soto- Indyrock Ya está aquí el segundo trabajo de esta buena formación
vasca. Con nuevos matices, puede que más cuidados que en su primer
álbum 'Itzalitako argi bakoitzeko' (Babelmusik, 2006), presentan
un completo abanico de texturas y sonidos más depurados con toques
venidos del trash y el hardcore más refinado. No hace falta chillar
para ser escuchado.
Toda la obra en sí es circular empezando con el potente Ulda
y terminando con el apoteósico Foza. Doce temas en los que se nota
la producción e influencias de músicos que han colaborado
en este nuevo trabajo como el pianista Aitor Abio. Docena de temas, cantados
todos ellos en vasco, que resultan un buen soplido de aire fresco en un
estilo sobrecargado de influencias venidas de la norteamérica más
comercial.
Sin embargo, Póg Mo Thón sorprenden una vez más
a propios extraños por varios motivos. En primer lugar, su buen
sonido, cuidado muy elaborado. Por otra parte, ser fiel a sus creencias
de que cantar en su idioma es algo que no puede ser reprochado, sino todo
lo contrario- o acaso se entiende todo lo cantado en inglés- debe
ser apoyado. Y por último, su buen hacer en el estudio pero también
en el escenario donde no dejan ni un átomo de grasa en el cuerpo.
Entre los temas más potentes del trabajo se menta a Pharma,
Ptrest argazkirako o Heria Eraiki. Temazos de alta calidad y buen color
que están haciendo este grupo un referente del género en
nuestro país.
Zapata Zapata
Autoproducción 2009
por Diego Soto- Indyrock Rock&Roll fresco, limpio y con mensaje. Atributos pormenorizados
para englobar la gran variedad de texturas que emplea el grupo, buen grupo.
En primer lugar, resaltar el poder de la voz principal. Toda una declaración
de elegancia reivindicativa- no hace falta mentar a la madre de nadie-
mediante la que dicen las cosas que muchos piensan pero que no ponen en
práctica. Segundo. El contagio de las canciones tras su escucha.
De pronto, se conoce sin darse cuenta el estribillo de sus letras. Y tercero.
Batería de calidad apoyada en una buena guitarra protagonista y
un bajo con voz propia.
Es debido añadir que sobresalen en la composición, de
menos a más, llegando a los puntos de las canciones en los que hay
que dar la cara sin esconderse. Todo lo contrario. Sin estorbarse, enjuagan
una mezcla que en algunos momentos resulta muy relajante. Como una buena
cerveza fría. Como ese tema que te atrapa todo el día. Y
es que esta Obra tiene temas que contagian de verdad. 'Apuesta de
perdedor', en el que se evidencia lo anteriormente citado de progresivo
clímax y un final con mucha garra.
En otros como 'Algo contigo' expresan sus preferencias por lo puro
del estilo sin arquetipos ni estéticas vacías. Afrontan el
tema de manera clásica, algo que es de agradecer- en muchos de los
grupos que desarrollan su género se pierden más en lo que
creen que dicen de ellos que realmente que en lo interpretado- en el panorama
actual.
Continuando se encuentra con 'Música de fondo', auténtica
balada en la que se siente que la voz principal no puede ser otra para
que el traje de luces brille con frescura. A continuación, se presenta
'Morir por mí', el cierre de este trabajo que merece la pena escucharlo.
Tiene una conclusión digna de mención, con estirpe de gran
formación. Enhorabuena.
The Nines
'9 O'clock'
por Diego Soto- Indyrock Que estos chicos no hayan triunfado con mayúsculas en el touring
europeo tiene su razón en la procedencia: España. Seguramente
si se llamasen Michael, Terry o Clifford y vinieran de Oxford, ya sería
uno de los grupos del año en el panorama del Brit Pop. El caso es
que es un muy buen trabajo. No se quedan en el simple argumento de componer
sino que van más allá intentando que hasta lo que parece
no oírse tenga la misma importancia que lo que resuena. Así
debe ser.
Tras escuchar, detenidamente, toda la obra, suscita la asimilación
lógica de la reminiscencias de las que el grupo se influye. Oasis
o texturas de The Beatles. Pero en un abrir y cerrar de ojos uno se da
cuenta de que tienen su estilo propio gracias al tratamiento ingenioso
con el que combinan las guitarras y los teclados. Algo que tiene su gran
significado y personalidad.
Se intuye formación de conservatorio pues emplean texturas y
colores de refinado uso. Esto se intuye en tracks como 'The Rising', 'I´m
Craying though i´m still young'- quizá el mejor tema del trabajo
en el que se siente la figura del Elton John creativo e influencias de
los Supertramp en alguno de sus compases- o 'You know, I know', pues el
peso de las mismas es llevado por un teclado de calidad.
En otros como en 'Little Bird'- lírica con matices poéticos-
o 'Catch the Moon', es en los que se puede respirar el puro rollo de los
Beatles de los finales. En definitiva, una obra que pasa de ser una simple
expectativa escéptica al comienzo, para convertirse en una escucha
segura en las tardes que acontecen noches con derroche. Enhorabuena.
Captan Obvio por Diego Soto- Indyrock Banda: Captan Obvio. Procedencia: Venezuela. Estilo: Frank Zappa. Trabajo:
experimentación bestial. Dos son las alusiones que deben de hacerse
respecto a la formación. Una. Graban su primer trabajo en un solo
día consiguiendo un que los fallos que pueda haber sean verdaderos
detalles, quizá improvisados, permitiendo un sonido de lo más
cercano a la vanguardia. Y dos. Su imaginería en cuanto a texturas
y colores, es todo un deleite.
Siete temas. Siete piezas compuestas en clave jazzística que
suponen una nueva forma de interpretar la fusión de sonidos venidos
de la experimentación instrumental de teclados, guitarras y bajo.
Citar que la calidad del batería es digna de reconocimiento y que
no se entiende como ésta se guarda en muchas ocasiones, en los cajones
de las productoras y discográficas. Son gente joven, con ganas y
aires frescos, muy frescos, cargados de una inusitada experimentación
en el compás de los tiempos.
Y es que mediante la combinación de guitarras al más
puro estilo sin depurar con el amalgama de elementos escasos con los que
cuenta la formación- se nota que no hay arreglos ni filtros, únicamente
el puro sonido de un ensayo- componen un disco que antes que nada es innovador
y verdaderamente de frescura esquizofrénica. Una atmósfera
de la que es difícil salir sin que toque la fibra sensible.
Temas como 'De lo interior salió algo', 'Bajaron de todos los
lados' o 'Revolution of the Tortels', por sí solos generan una vibración
de novedosa y radiante experimentación. Seguramente grupos como
The Tribal Tech o Fantomas se llenarían de orgullo por ver que músicos
que son conocidos sólo en su reducido ámbito local, consiguen
llevar a cabo texturas que fueron incentivadas por ellos, grandes músicos.
Esperemos den el salto a Europa, pues será un placer ver su puesta
en escena. Enhorabuena y ánimo.
Dos Mil Locos
Un Otoño Más Village Green Records 2009
por Diego Soto- Indyrock Tras las distintas texturas acogidas por la formación en los
'Experimento C14', esta formación que cuida todas y cada una de
las piezas que interpreta, llega su nuevo trabajo 'Un otoño más',
del que se puede calificar de buen EP. Cinco son sus canciones en las que
combinan hábilmente el buen tratamiento de las guitarras en clave
de Rock español con influencias de los grandes del Rock&Blues
mediante una buena conjunción de lo instrumental.
Por temas, el álbum comienza con el track 'Un otoño más',
que preside el disco y del que se citan como elementos más destacados
el ambiente creado desde el plano vocal y la buena aceptación- cada
uno de los instrumentos en su sitio, no se molestan- de la parte instrumental
por guiar los distintos colores por el que camina el mismo. Le siguen 'Desconocido',
el cual, tras escucharlo permite una valoración positiva de las
guitarras, aunque gustaría mayor número de solos a la guitarra.
'Adiós', en el que adoptan texturas parecidas a las empleadas
como Iván Ferreiro, 'Cien años de Soledad', por el que demuestran
su valía instrumental y 'En el Principio', del que podemos decir
que puede ser el mejor track del disco gracias a su cambio a sonidos más
cercanos al blues, configuran en su totalidad un álbum que supone
un adelanto alentador de una banda de la que se espera, tenga cuerda para
rato.
Backflip: Dead Man In Barcelona, 2009,
Hang the Dj!
Por Raül Ruiz - Indyrock Tras su anterior proyecto MATAME YA, el ex miembro de SICK OF NAMES,
Jorge Ochoa, nos presenta su nueva aventura musical. De la mano del sello
independiente catalán "Hang the Dj!", el artista nos descubre su
vertiente más electrónica a través de un EP de 5 temas
llenos de frescura y movilidad. Las composiciones, interpretadas íntegramente
en inglés, invitan a la expansión en un momento social que
bien lo necesita; "Welcome to the party", canción que abre el álbum,
emplea su título a modo de declaración de intenciones al
respecto. Junto a los otros cuatro cortes que componen el álbum,
conforma un ligero trabajo de Club que invita al baile y, por qué
no decirlo, al optimismo.
Un tanto a su favor, en lo que a la calidad se refiere, es el hecho
de contar con la producción de Eric Fuentes, cantante y vocalista
de THE UNFINISHED SYMPATHY.
Eric Fuentes: Bahía
Paraiso, 2009, Hang the Dj!
Por Raül Ruiz - Indyrock Segundo disco en solitario de unos de los baluartes de THE UNFINISHED
SYMPATHY, tras su anterior trabajo: "Descarrilant". Más de 10 años
han pasado desde entonces, demasiados quizá para los seguidores
de la vertiente más subjetiva del músico. Pero, tras escuchar
el álbum reiteradamente, puedo asegurar que la espera de su público
habrá valido la pena. Y eso que no me importa admitir que nunca
he seguido muy de cerca la carrera de TUS; hecho que no hace otra cosa
que reforzar mi consideración hacia este trabajo.
BAHÍA PARAISO es un homenaje musical a las composiciones electrónicas
de los 80. El tono reprise que constituye la base del mismo, le dota de
una sensación de elegancia sonora que responde a un magnifico trabajo
de masterización. Sus 10 temas convergen en una homogeneidad a nivel
compositivo donde el eclecticismo de las influencias del artista enriquecen
el resultado final.
Temas como "Some people were born old" enlazan con maestría
la fuerza del acústico, el empleo contenido de los samplers, y la
modulación vocal a la hora de enfatizar letras trabajadas. Géneros
como el folk también se ven representados en "My fix is out", aunque
la esencia new wave es la que acomoda la uniformidad del disco.
Para su publicación, al artista ha optado por el formato digital,
empleando la plataforma web de su sello "Hang the Dj!" en la distribución
del mismo.
Steve Wilson Insurgentes
Kscope 2009
por Diego Soto-Indyrock Como venido de la soterrada oscuridad, emergen sonidos bajo tierra
que por su fuerza llegan a lo más alto. Nueve temas, nueve historias
en las que Steve Wilson, sumerge su última creación. Toda
una obra maestra de composición contemporánea, que fácilmente
podría ser el oscar a la mejor banda sonora. Todo un elenco de texturas
y colores dignas de los grandes compositores quién mezcla lo más
íntimo, tirando a lo minimalista, con el estruendo caótico
cercano al mundo de Gyorgy Sandor Ligeti. Un experimento instrumental basado
no en el causa y posterior posible error, sino en la enhiesta opción
del seguro acierto.
El comienzo se asienta en un tema,'Harmony Korine', cuya atmósfera
se asemeja a la de grupos como Tool o Porcupine Tree, y del que se menta
principalmente el empleo en la fina batería y la distorsión
de la guitarra. Y es que este disco combina lo industrial, más oscuro
tirando a Dub, con las melodías de componente clásico e incluso
sinfónico. Delicia.
Al mentado tema le siguen otros en los que la intensidad así
como la angustia creada en temas como 'Veneno para las Hadas' o 'No twilight
within the courts of the sun' cuya composición está cargada
de matices, detalles, que demuestran que hasta el sonido más hueco
es parte integrante de Insurgentes.
The Gambas
Alegría Social Maldito Records 2009
por Diego Soto- Indyrock La alegría debería ser el constante diario por el que
la humanidad se moviese ¿Quimera?. Puede que sí. Lo que ocurre
es que aún existen artistas, como The Gambas, para los que hacer
bailar y sentir que mediante la música, su música, pueden
aportar una pizca de gracia a corazones a los que por el movimiento tan
Cool de hoy, se les empieza a apagar la llama. Y es que la aventura, que
no es poca, de escuchar toda la obra de este álbum debut, «Alegría
Social», contagia hasta la médula, como una enfermedad
del baile para la que no existe cura, y de pronto, un halo de comparsa
y buen rollo, inunda la escucha.
Son ocho los que forman la aventura de este grupo, siendo otros quince
temas, temazos, los que componen todo el trabajo. Y es que desde 'Honrado
y Pobre', historia que nos acerca al presente más puro al contar
las vicisitudes en la que nos encontramos bajo la llamada crisis económica,
hasta 'Bolinga', 'Vamos a lo que vamos' o 'Baila', en los que el esqueleto
se mueve por sí solo mediante ritmos de lo más diversos pero
que en conjunto conforman un mismo estilo: Rocksteady, dirigen una obra
de alto copete.
¿Fórmula?. Mucho mucho color y más. Un citado
Rocksteady combinado con un fino Ska y un alegre Reggae. Es de agradecer,
y no se miente, que la lírica de las canciones de grupos del estilo
a The Gambas, sea potente e inteligente. Si continúan así
y no se pierden en el sonido rave en el que se desvirtúa la grandeza
de muchas formaciones, esta banda sera un seguro reclamo.
Joe Bonamassa The Balad of John
Henry Provogue 2009
por Diego Soto- Indyrock Que barbaridad de disco. De principio a fin toda una sensación
de respeto inunda al receptor al ser partícipe en la escucha de
tan grande guitarrista, Joe Bonamassa. Hombre que con 12 años ya
tocaba para Don B.B King y que ha día de hoy deleita con su último
trabajo, todo músculo, fuerza y buen hacer. Como un halo de Rock&Roll&Blues
cargará las pilas de los solitarios que escuchen, entre otros, clásicos
de Tom Waits, Aillene Bullock y el propio Bonamassa. Temas llenos de poder
instrumental y acompañamiento de conservatorio.
Baladas, temas movidos, temas para llorar, temas para reir. De todo
tiene este pedazo de trabajo. Y es que su calidad puede revestirse de cualquier
disfraz que Joe, lo sabrá vestir. Una guitarra que al cerrar los
ojos, emociona, llega, algo que suele pasar al escuchar a Clapton, Thomas
Blug o Jimy Hendrix.
Además el tratamiento de los tiempos es todo un acierto, solo
a la altura de cracks del estilo. Por temas, calificar cada uno de ellos,
sería complicada empresa debido a la innumerable suma de colores.
Aún así, tracks como 'Last Kiss', 'Jockey Full of Bourbon'
o 'Felling Good', (todo un clásico cargado de soul), son bárbaras
composiciones. Así siguen, en otro registro más construido,
totalmente progresivo, son 'Story of a Quarryman','Happier Times' (puede
que el mejor del disco) y 'Funkier than a Mosquito´s Tweeler', joyas
de alto calibre.
Únicamente queda ver el desenlace en directo. Una oportunidad
para disfrutar con los seres queridos de un hombre que se apasiona construyendo
dosis de cura al puro estilo blues eléctrico e historias de vaqueros
que caminan por las aceras de las urbes, descalzos. Bravo, bravísimo
Joe. Yeah Man!.
Hoey &The Mussels
A Daemon Dozen Labatelkueyo Records 2009
por Diego Soto - Indyrock No caben apelativos para calificar el trabajo de esta formación.
Todo ello es un soplo de aire puro, refrescante. Una de esas sorpresas
que los amantes de lo sencillo con sentimiento disfrutarán hasta
la saciedad. Y es que solamente es el segundo trabajo de estos cracks-
dos vascos y dos irlandeses- que saben lo que necesita la buena música,
en este caso, un Rock con sentimiento limpio. No hacen falta alardes ni
revestimientos; en la sencillez sentida que busca Hoey&The Mussels,
se encuentra el alma pura del arte sin apellidos ni falsas vestiduras.
Desde el primer tema al último, la atmósfera crea una
paz en la que se siente el disfrute de un buen disco, masticándolo
despacio, saboreando los detalles, algo que parecía haberse perdido.
Pero no. Todo ocurre por algo y que éstos hayan llegado en este
instante, tendrá su razón de peso en el momento en el que
el mundo les escuche. Quedarse con un tema es difícil pues la altura
de la composición global del disco es perfectamente homogénea
en cuanto a la calidad.
El trabajo empieza con 'The Highway´s Looking Blue', con un clímax
en el que la textura de las guitarras, es todo un acierto permitiendo que
el final del tema, ya fundido, sea de la altura de los grandes del género.
No sin ir más lejos se encuentra su continuador track, 'Free Again',
en el que el colorido del Tom Waits más auténtico ronda en
el ambiente. Del mismo modo, 'Aegean Sea Shanty', en el que la inclusión
de los teclados hábilmente dirigidos así como de la armónica,
generan un puro Rock&Roll de lírica cargada de energía,
profunda, como 'My Own Favourite Scarab Tale' o 'Any Time', se enmarcan
dentro dentro de un universo en el que para vivir se necesita disfrutar
reflexionando.
Tanto 'Morb' como 'Gonna Howl', quizá los temas a destacar
por su colorido empleo de los instrumentos. El segundo genera una sensación
de vaquero en las noches salvajes de pasión. Un verdadero blues.
La Obra se termina con una clase bestial, mediante un duelo de voz y piano
en el que fluyen de la mano hasta dormirse. Enhorabuena y gracias.
# Comentarios anteriores
en IndyRock - BASE HISTÓRICA Albumes # 2010
# 2009 # 2008 #
2007
# 2006 # 2005 # 2004
# 2003 # 2002 # 2001
# Anteriores
Comentario especial para IndyRock
IMPACTO GLOBAL.
Radiohead The King of Limbs XL 2011
Por Juan Gallardo
* Realizacion de Video Clips 
