Ni retro, ni progre. simplemente, Stay por Natacha Nazer- IndyRock Fuera de los límites del pop tradicional aunque sin traspasar las fronteras de ese sonido sixty que tanto les caracteriza, el grupo barcelonés Stay juega interpretando, según sus propias palabras, temas propios y versiones poco convencionales de esos años dorados, los sesenta. Con dos discos en su haber presentarán en breve (aún no tienen fecha) su ya tercer Ep, el cual incluirá varias canciones inéditas y una versión, nada desdeñable, de "Strawberry Alarm Clock".  Por momentos, sus melodías nos abducen a un sonido que podría llevar, perfectamente, la firma de Ray Manzarek o Mickey Finn; sin embargo sería de una absoluta necedad no reconocer un talento genuino en "Things You Cannot See", su trabajo discográfico mas reciente (disponible en las tiendas desde julio del año pasado). Dicho trabajo, producido por Roger Rodés (Gallygows, Poises, entre otros) es sin duda, la obra más personal de su discografía hasta el momento. Una obra que requirió un considerable esfuerzo por parte de todos los integrantes del grupo, aunque  tuvo su recompensa: un puñado de soberbias composiciones.  Letras claras y comprometidas que desvelan temas como The Fight Generation inspirada en la vida de Salvador Puig Antich o We Need Neil Youngs dedicada, como bien se aprecia, al gran cantautor canadiense.  Ya pasaron diez años desde que Jordi Bel y Jordi Cruellas decidieron contactar con Coke para formar un grupo capaz de recrear melodías que sin ser originales ni caer en lo retro (que tan de moda está...) consiguen dar a luz un disco subyugante que abraza grandes canciones. Stay se caracterizan por imprimir en sus temas un aire británico, dándole suma importancia a las armonías vocales y a un intenso trabajo de guitarras que les ha llevado  a ser una de las bandas más prometedoras de la escena "indi" actual. Sus influencias beben tanto del pop de los sesenta: The Byrds, The Kinks, The Who, The Small Faces; como de la escena Manchester  y el Brit-Pop de los noventa: The Stone Roses, Primal Scream, Pulp.  ¿Hace cuánto tiempo que nos escuchábamos esos solos instrumentales que llegaban al punto álgido del tema y rompían sin dilación? ¿O ese coro de voces diáfanas acompañado de grandes acordes? Pocas propuestas musicales funden el pasado con el presente sin caer en lo "ya anteriormente escuchado", sin pecar de cierta exageración escénica y convertirse en uno de esos grupos tan poco interesantes.  Stay, supo lidiar con ese handicap y conseguir un lugar privilegiado en la vanguardia musical. Sin embargo, su nuevo Ep no es la única novedad que trae consigo el quinteto barcelonés y hasta podemos decir que no tienen respiro; en muy poco tiempo estará disponible su propia tienda Online, en la que además de discos se encontrarán condones, chapas, camisetas y complementos. Y como si esto fuera poco están preparando su candidatura para Eurovisión 2008 (aquí puedes ver las tomas falsas: http://es.youtube.com/watch?v=mbObmnz1KhM).  Jordi Bel (guitarra y voz); Enrique Chalaux (guitar, sitar), Arnau Obiols (batería), Xavi Cervera (sampler y programación) e Iván López (bajo) conforman el grupo definitivo tras la partida de dos de sus componentes en diciembre del 2006. Habitualmente en sus conciertos se aprecian sitares, theremines, Hammonds, Farfisas, etc. Por ese motivo (aunque no es el único) son una de las bandas punteras de la escena independiente nacional. Y eso, no es poco decir.  www.staysongs.com www.myspace.com/staysongs  Strawberry Hardcore: Todos vamos a morir (Warner, 2007)  Por Jesús Rojas - IndyRock El grupo de punk rock melódico que surgiera de las cenizas de los legendarios Def Con Dos vuelve con una nueva bomba musical. Desde la portada a los títulos de las canciones ya se percibe lo que nos vamos a encontrar: un disco de media hora de duración en la que el hardcore californiano se tiñe de bestialidad ibérica.  En esta ocasión, la producción ha corrido a cargo de Dani Alcover (Sindicato del Crimen, Habeas Corpus, La Vacazul,.), con quien ya habían trabajado con anterioridad. El disco suena compacto y lineal y consiguen sonar implacables canciones como "Bebe, fuma y folla", "El ataque de los strikers" o "Los 400 golpes", donde el sarcasmo y el punk rock se funden en uno. Además, bordan piezas como "Ya no hay olas en Mundaka"o "Todos vamos a morir", que cierra este esperado segundo trabajo del quinteto.  Strawberry Hardcore son una de las pocas bandas españolas que practican este género tan sumamente americano y lo hacen sumamente bien, aunque en ocasiones las voces dejan que desear. Cabe señalar que ya son cuatro las veces que el quinteto ha compartido escenario con los míticos Bad Religión, algo de lo que no muchas bandas pueden presumir.  Meko Makafi C.A.K.E.  por Joe McGaha - IndyRock Meko Makafi es un rapero de San José, California (cerca de San Francisco).  Acabo de escuchar su c.d. C.A.K.E., y de verdad, me ha gustado bastante.  La música que usa para apoyar sus raps es una mezcla de ritmos, y de grabaciones de todo tipo de instrumentos.  Sus letras son bastante típicas del rap, hablando de vivir en el ghetto, y de drogas, pandillas, prostitución, todo lo que la gente pobre usa para sobrevivir en ese ambiente. Me gusta la manera de que rapea. muy suave, y siguiendo la línea de la música.  Me recuerda un poco a Lupe Fiasco, de Chicago, que está ganando mucho éxito ahora mismo (más que nada a través del internet).  Creo que Meko tiene un buen futuro, y espero oír más de él muy pronto.  Para más información sobre Meko Makafi en la red: http://www.myspace.com/mekomakafi  Carlos Acebo: Eternas Vidas, 2007, Musice  Por Raül Ruiz - Indyrock En un mercado cada vez más agresivo, donde solo parecen sobrevivir aquellos que se adaptan a las demandas comerciales que marcan las corrientes, es extraño encontrar músicos que apuestan por su propia sinceridad. El álbum que Carlos Acebo ha grabado es una declaración de intenciones de once temas (diez + un bonus track); once canciones que suenan a rock sureño cantado en castellano, cuyas letras nos hablan de los tópicos avatares de los sentimientos. La música de Carlos Acebo es fácilmente vinculable a la de rockeros nacionales consagrados que pueden haber actuado como referentes a su manera de componer e interpretar. El reflejo más claro de su estilo lo encontramos en la formación de Carlos Goñi, Revólver. No en vano, ambos cantantes disponen de similar timbre de voz, así como una manera muy emocional de cantar.  Aunque a lo largo del disco encontramos diferentes colaboraciones instrumentales y vocales, este se conforma de una uniformidad sonora de corte individual que le confiere el aire de disco acústico y personal.  A pesar de todo es inevitable encontrarnos con algunos de los tópicos del género en sus letras y acordes.  Triángulo de Amor Bizarro: El Hombre del Siglo V (Mushroom Pillow, 2007) por Quim García - IndyRock Después de convertirse en la banda revelación de 2007, en Mushroom Pillow decidieron publicar en noviembre una nueva referencia del grupo gallego. Bajo el nombre de "El hombre del siglo V" se encuentra un disco de rarezas con 8 canciones en versión maqueta y 3 grabaciones de estudio inéditas. ¿Maniobra comercial? Según la discográfica su publicación se debe a cuestiones meramente musicales, pero a nadie se le escapa que hay que pagar las facturas a fin de mes y si hubiesen creído que el disco no se vendería no lo hubiesen publicado. Pero lo cierto es que Mushroom ha acertado. Pese a que la mayoría de las canciones ya se han podido escuchar con anterioridad siguen sorprendiendo. Aunque sigue tratándose de un grupo que apuesta por el ruido la distorsión pierde un poco de protagonismo en las maquetas, lo que permite escuchar otros aspectos de la música de Triángulo de Amor Bizarro. Los detalles en en segundo plano están más visibles que nunca y por momentos aparecen como un grupo más experimental de lo que parecía en su disco debut. A diferencia del resto de discos de rarezas, que suelen servir para cumplir el expediente con la discográfica, "El hombre del siglo V" es un disco con valor propio. Quienes hayan disfrutado con su primer disco no se deberían perder éste.  Post: No sleep, 2007, Junk Records  Por Raül Ruiz - Indyrock La primera vez que escuché a estos chicos no pude reprimir un ¡guau! interno que sacudió mis neuronas más musicales. Sucedió en el concierto presentación en Barcelona de su primer álbum: No sleep y, para mí, fue una agradable combinación de sorpresa y descubrimiento. Pero ¿qué es lo que convierte el debut discográfico de esta banda mallorquina en un trabajo digno de mención? Pues, siguiendo los costumbristas cánones, lo primero que encontramos es Cielo rojo, un tema enorme, de sonoridad pop enmascarada tras cuerdas de agresividad post-punk y compuesto con una exquisita sencillez lírica castellana. La canción engancha desde el principio, adoptando la intuitiva figura de un posible exitoso single.  Es a partir de la segunda creación cuando el cuarteto se aferra al inglés como medio de expresión verbal, convirtiéndolo en el idioma predominante del disco. Su admiración a grupos como Radiohead (al cual, por cierto, deben mucho), Nirvana o Pixies hayan, quizá, condicionado tal elección. Y, pese a que yo me quedo con Cielo rojo como hit representativo de este álbum, sería una necedad por mi parte no reconocer el mérito de temas tan estupendos como Crowd, Love o Time. Títulos monosílabos para composiciones polifónicas de acertados recursos y combinaciones (en Crowd, por ejemplo, es reseñable la pulcritud de la guitarra emulando a una mandolina).  El disco cierra tal como empezó, con otro tema en castellano: Destellos de ambición. Una solicitud de sinceridad en reprise que deriva en melancólico efecto de lluvia, no apto para escuchar mientras se conduce, según indicaciones del propio libreto. Y a modo de telón y cierre un pequeño regalo instrumental que parece imitar, a través de sus notas musicales, el efecto nostálgico del sonido del aguacero.  Otro tanto a favor que se apunta este No sleep es el interesante diseño del libreto desplegable: una colección de ilustraciones oníricas que emergen de la mente de una silueta en portada, y deambulan adoptando formas y colores convirtiendo el título del álbum en una acertada ironía. ¿Un disco recomendable? Rotundamente "sí".  Amarillo: Vuelve a por mí, 2007, Junk Records  Por Raül Ruiz - Indyrock La banda que se dio a conocer en el mercado discográfico con Piruetas en el aire, regresa de nuevo al mercado musical con un disco lleno de emoción y sonidos que invitan a la calma y la reflexión: Vuelve a por mí. Tras la producción del disco encontramos la figura de Jaime Garcia Soriano; el emergente sello que ha editado el disco, Pimpampum Records, debe su origen a la ilusión de poder editar este álbum. ¿Un riesgo? Yo no lo creo. A Jaime García le avalan sus años de experiencia en la música para saber reconocer aquello que contiene oficio (No en vano, Pimpampum Records ha editado también el debut discográfico de Post, nuevo proyecto del que fuese su compañero vocalista en Sexy Sadie).  Catorce son los temas que componen un disco repleto de canciones melódicas de pop apacible. Sus títulos actúan como inequívocos indicadores ante lo que encontraremos en su interior: Lejos de casa, My enemy, Laberintos o Sonrojos son algunos ejemplos representativos. Canciones supeditadas a las marañas del amor y le necesidad del prójimo se expresan con letras sencillas acomodadas entre composiciones de sonoridad afable.  Uno de los "peros" que se le podría achacar a este trabajo es la ausencia de esa punta de cierta originalidad o frescura capaz de permitirle alzar ligeramente la cabeza sobre homónimos y relacionables. Y reconozco que es fácil realizar una afirmación de esta índole conociendo la saturación de oferta y la, cada vez más, acuciante raleza en la demanda; pero justamente es este condicionante el que debería estimular el ingenio de músicos y productores. Aunque también admito que el hecho de contar con 2 personas compartiendo roles de guitarra y voz aporta un contraste capaz de dotar a la banda de su propio distintivo identificable.  De momento, y a expensas de lo que dictamine el tiempo, nos encontramos ante un disco laborado con pulcritud que consigue dignificar el pop-rock independiente al que tanto daño han hecho últimamente los grandes sellos y los intereses comerciales. Una última nota antes de cerrar el comentario: cuando hayas escuchado la última canción, no pulses "stop" o te perderás una bella versión de Lejos de casa.  Luz oscura: Empezar de cero, 2007, Musicplus  Por Raül Ruiz - Indyrock Por fin ha visto la luz el disco de la formación que alcanzó fama estatal con su tema LA ESPINA (creación de Fernando Delgado) en el verano de 2005. Y es que muchos meses han pasado desde que los muchachos de Luz Oscura dieran el bombazo sonoro con el tema en cuestión. Pero, como dice el dicho, "más vale tarde que nunca"; pues paciencia y trabajo es lo que se oculta tras una caja de plástico y un libreto de seis páginas.  Empezar de cero no es solo el nombre de un álbum; el contexto de la frase puede adoptarse como una reivindicación de humildad ante el largo camino que se dibuja en el horizonte de la formación madrileña. Pero ¿qué es el rock sino una necesidad de reivindicaciones ante estados de ánimo, sentimientos, injusticias de todo tipo e inconformismo? La fórmula la conocen bien estos chicos, pues los doce temas que componen el disco son una oda al desamor y el fracaso del antihéroe. Y todo ello bajo el escudo enfático del rock que les caracteriza, si bien aportan alguna sorpresa sonora en alguno de sus temas, como el toque funky que ornamenta el tema DESDE EL MAR.  La composición de la gran mayoría de los temas corre a cargo de Fefe, guitarra del grupo. De las ocho canciones que ha elaborado para el CD, destaca entre todas DESDE AQUEL DÍA. El tema es una balada llena de tristeza y sentimiento donde el grupo se desnuda emocionalmente al hablar de María, hermana del integrante del grupo y una de las víctima del trágico atentado terrorista del 11M en Madrid. En lo que a la presentación se refiere, el disco incluye un par de pistas de video, en las que encontramos el video clip de BAJO MI PIEL y un documental del grupo.  The Charades: En ningún lugar, 2008, BCore Disc  Por Raül Ruiz - Indyrock El pasado 28 de enero salió a la venta el segundo trabajo de The Charades, tras su debut con When sining blue. En esta ocasión, la formación abandona los ritmos garageros para profundizar en un pop más melódico, de herencia británica. No se trata de un cambio, en el sentido global de la palabra, si no de una transformación progresiva de derivación lógica. Las energías rítmicas de su primer álbum han cedido terreno a unas creaciones más armoniosas que incitan a la calma y el optimismo.   Otro cambio significativo de este En Ningún Lugar lo encontramos en las letras, más concretamente en el lenguaje empleado para elaborar las mismas. Si en When sining... el grupo escogió el inglés para sus temas, ahora nos sorprenden con un cambio radical, huyendo de la lengua anglosajona en beneficio del castellano. Con esta variación se produce un efecto inversamente proporcional entre ambos discos: si el primero fue un disco cantado íntegramente en lengua inglesa, este nos ofrece once temas de castellana composición.   Siete es la canción encargada de abrir el disco. Se trata de un tema ágil, de cadencia rítmica y textos sencillos.  Pero es esta misma simplicidad la que le otorga un factor de adicción, convirtiendo el tema en enlace de conectividad y rodamiento. Y es que, a partir de su escucha, el oyente se deja arrastras por un seguido de melodías poperas que se entrelazan una tras otra, demostrando que su orden y distribución dista del puro azar. Temas como Un lugar de los dos, Un día en Brighton o La máquina del tiempo comparten una estructura similar en su composición, ofreciendo al disco una sensación de homogeneidad deliberada.    Y es que la propia inercia, sumada a la brevedad temporal de cada canción, consigue emitir el efecto de no estar escuchando once temas independientes, sino uno único conformado por once tempos.  Un detalle que sí se mantiene del trabajo anterior es el recurso de los coros como instrumento vocal de acompañamiento.   La producción del disco ha corrido a cargo de Santa García, quien repite rol y función con estos chicos. Como hiciese  en When Sining.ha recurrido de nuevo a sus amplios conocimientos musicales para "decorar" los temas con "delays", "dobros", "vocoders" y sintetizadores varios, revistiéndolos con una sonoridad más rica y completa.   En definitiva un disco que a muchos puede traer a la memoria las mejores creaciones de grupos ya míticos dentro del pop contemporáneo estatal como Nosoträsh, Los Fresones Rebeldes o Pauline en la playa; pero con la diferencia de que, en Ningún lugar, la consistencia se mantiene viva desde el primer hasta el último tema. Y esto, hoy en día, es más de lo que de muchas otras bandas consagradas podría decir.  Lucas 15: Lucas 15 (Lloria Discos, 2007) Por Jesús Rojas - IndyRock Bajo este nombre tan sumamente bíblico se esconde el nuevo proyecto de Xel Pereda y Nacho Vegas, dos conocidos asturianos de la escena independiente española. En principio, no sorprende que estos dos artistas hayan unido sus fuerzas para crear una nueva vía de escape para sus creaciones. Lo que llama la atención es que se trata de un disco de pop-rock que bebe (y se emborracha) del folk asturiano.  La idea se puede entender de la siguiente manera. Si Tom Waits y Nick Cave consiguen sonar cool aún cuando centran sus composiciones en el folk anglosajón, ¿por qué no podemos hacer nosotros lo mismo con las raíces musicales de nuestra tierra asturiana? El resultado está en disco formado por once cortes que van desde la energía guitarrera de "El Sacaúntos de Allariz" o "El Diciembre, mes glaciar" hasta los pasajes acústicos a la par que poéticos de "Los fayeos de Mayo" y "Con tomillo y romero". En resumen, es una obra difícil de digerir, aunque supongo que los seguidores de Nacho Vegas y el sector más indie del Principado pueden encontrar algo más de provecho en estas composiciones que el resto de los mortales.  Vampire Weekend: Vampire Weekend (XL Recordings)  por Quim García - IndyRock Este nuevo grupo de cuatro universitarios de Columbia puede ser una de las sensaciones de este principio de año porque, al igual que Rumble Strips, Vampire Weekend aporta un poco de aire fresco al panorama musical. Y eso esta bien. Pero mientras los británicos optaban por el soul como vía de escape estos norteamericanos lo hacen principalmente amparándose en el reggae, el ska, el calypso y el pop. Todo en su justa medida y aderezado con unas letras en las que aprovechan su bagaje universitario. No por lo inteligentes que puedan llegar a ser (que cada cual juzgue por si mismo), si no por la temática tratada en temas como por ejemplo "Campus" o "Oxford Comma". En total 11 canciones cantadas por la ya característica voz de Ezra Koenig, que unas veces puede recordar a Bob Marley y otras a Sting. Pero no sólo la voz es característica, también lo es la música, las letras, y el sentido del humor. Sobretodo el sentido del humor, porque hay mucha ironía en este disco debut que está lleno de referencias. Musicales y extramusicales. Lo que convierte "Vampire Weekend" en un juego para el que lo escucha. Entonces la pregunta es, ¿quién quiere jugar?  Sons and Daughters: This Gift (Domino, 2007)  por Quim García - IndyRock Cada canción del nuevo álbum de estos escoceses es la ejemplificación de que la economización de recursos -o lo que es lo mismo, de ideas - no es buena si la llevas al extremo. Cada tema del disco acaba siendo una repetición de él mismo. En minuto y medio ya han presentado el 99 por cierto de la canción. Algo falla. No puede ser que una canción de dos minutos y medio se haga larga. Quizás le ha faltado la osadía de hacer un disco de canciones de minuto y medio. Tener de referencia el "Pink Flag" de Wire en vez del hype de última generación.  Pero no todo es negativo, si dejamos a un lado que sean demasiado repetitivas, las canciones de "This Gift" son buenas, hechas a partir de melodías que se enganchan a la primera. Un álbum a medio camino entre el post-punk y la new wave. Canciones que pueden recordar tanto a B-52's (sobretodo en los coros) como a Kylie Minogue (el estribillo de Darling bien podría ser de la artista australiana) o a los primeros Echo and the Bunnymen. En definitiva, "This Gift" podría haber sido un álbum excelente pero se ha quedado en uno más. Sons and Daughters tienen actitud pero les ha faltado concreción.  Marah: Angels of Destruction! (Yep Roc, 2008)  por Quim García - IndyRock El séptimo disco de los hermanos Bielanko y compañía es un descenso a las raíces del la música americana. Empieza en lo más alto de la cúspide, sonando a rock de la vieja escuela. A riffs de guitarra eléctrica, a cerveza, a whisky. Pero poco a poco la energía del principio se va diluyendo en un viaje hacía lo más profundo de la América musical donde en vez de quedarse en el folk o en el country demuestran que lo suyo es la combinación de todos los elementos posibles (incluido el tango). Un terreno que no es nuevo para los que ya conocen -por suerte cada día son más- a Marah pero que resultará iniciático para los que aún están por descubrir la música de este grupo que todavía se mueve por territorios minoritarios pero que a cada disco que sacan son más reivindicados. "Angels of Destruction!" vuelve a ser la confirmación de que, como algunos vaticinan, Marah son la esperanza blanca del rock. De esos grupos que no pierden la eficacia con los años, que todavía son capaces de sorprender, quizás no por la originalidad de su propuesta, si no por la riqueza instrumental y la calidad de las canciones, porque no lo olvidemos: hacer buenos temas dentro de la tradición también tiene su mérito.  Simple Plan Los rostros jóvenes de la escena musical canadiense /por Natacha Nazer Simple Plan vuelve a escena con su tercer trabajo discográfico producido por un equipo de lujo entre los que se encuentran Dave Fortman (Evanescence), Danjahands (T.I., Timbaland, Justin Timberlake), y Max Martin (James Blunt, Avril Lavigne). "When I'm Gone" será la encargada de dar a conocer su álbum homónimo. A estas alturas decir que la industria discográfica canadiense es un hervidero de buenas canciones y grandes artistas, no sorprende a nadie. Todos escuchamos a grupos como Barenaked Ladies, Arcade Fire o The Dears y fuimos testigos de esa prolijidad musical que tanto les caracteriza. Sin embargo, artistas como Alanis Morisette y Avril Lavigne, aunque extremadamente comerciales y esclavas de todos los charts, han aportado a esa supuesta prolijidad una explosión de energía y estilo propio. Por su parte, Simple Plan, los niños mimados del escaparate actual canadiense, apuestan por canciones que aunque poco originales y escasas de creatividad, se erigen como himnos de esta generación y alcanzan los puestos más alto en los rankings internacionales. Lo cual no es poco decir. Pierre Bouvier (cantante), Jeff Stinco (guitarra solista), David Desrosiers (bajo y coros), Sebastien Lefebvre (guitarra y coros) y Check Comeau (Batería) comenzarán su gira mundial en Estados Unidos y Europa. Por otro lado, su disco sale hoy a la venta junto con una edición especial CD + DVD que incluye 2 bonus tracks y un DVD con más de una hora de contenido: making of "Simple Plan", beyond the video, video "When I'm Gone", beyond the photoshoot y 4 canciones del concierto que dieron el día de Fin de Año en New York. Tras el éxito obtenido con "Welcome to my life" el listón se pone muy alto para esta "joven promesa" canadiense, no obstante, un objetivo tan ambicioso se convierte en un desafío necesario para muchos artistas aunque para otros en una presión difícil de sobrellevar. esperemos que para Simple Plan sea un reto justo. www.simpleplan.es Por fin, un poco de JUSTICE en el mundo por Muriel Mo - IndyRock Francia y música electro, un binomio que ya había propuesto perlas de gran cualidad y innovación llamadas: Daft Punk, Air o, más recientemente Poni Hoax. Todos estos grupos han contribuido a fomentar la fama de la "French-Touch", termine utilizado para intentar dar "consistencia" a este fenómeno electro-sexy que dominaba el Hexágono. Por supuesto, los "branchés" de Paris tenían que participar al "mood" y los "live" de nuestros héroes de los "beats" se convirtieron en verdaderos momentos de gracia. Es bastante pensar en el fenómeno Poni Hoax, que en poco tiempo ha logrado captar la atención del mundo artístico de París, y no solamente, con su encantadora Budapest, verdadero éxito musical de los dancefloors.  Una pregunta sale ahora espontánea ¿Todo se resume a una simple cuestión de moda? ¿Francia ha logrado producir nuevos grupos electro innovadores después de esta "primera" French-Touch? La respuesta a esta pregunta músico-existencial se resume justamente a un nombre: Justice, grupo que, diez años después de los Daft Punk, ha sabido imponerse en el panorama musical francés e internacional como una de las novedades electro más intrigantes de la nueva generación. ¡Y entonces, gracias Francia para darnos todavía la posibilidad de mover nuestros "slim" al ritmo infernal de tus decibel! Hacía ya algunos meses que en el Hexágono se hablaba discretamente de un nuevo grupo electro que prometía grandes cosas, pero bueno, como ya lo sabemos, ¡nunca confiar en las palabras, sólo los hechos cuentan! "+", primera obra de Justice, nos permite justamente juzgar el fenómeno para, al final, darnos cuenta de las potencialidades de estos nuevos paladinos de la justicia universal. ¿Esto significa que la French-Touch ha hecho nuevas victimas? Por supuesto, y en efecto Justice nos propone, con su primero álbum, una mezcla perfecta de ritmos obsesivos-lascivos de tendencia rock que nos hacen pensar en Air o Saez, y elementos casi lúdicos que nos llevan hasta nuestra niñez. Es bastante citar la súper conocida D.A.N.C.E, donde un coro de niños inquietantes, casi inhumanos, repite obsesivamente la misma frase. Al final, un "trip" alucinógeno hecho de contaminaciones rumorosas y de sintetizadores ácidos que nunca se paran. Lo que diferencia Justice de los otros grupos electro actuales es justamente esta mezcla entre ingenuidad e inquietud, sueño y pesadilla. El forro del álbum, negro con una cruz oro, ya nos da una idea del universo de estos "frenchies", universo hecho de sonidos a la "Alicia en el País de la maravillas" y ritmos casi tribales que se pueden encontrar también en otras formaciones musicales como por ejemplo los canadienses de Holy Fuck. Durante sus conciertos, que se han convertidos en verdaderos fenómenos, logran crear una atmósfera hipnótica y enérgica que atrapa inmediatamente las miradas de sus adoradores hasta una inmensa cruz fosforescente que domina la mesa de grabación ¡Una verdadera performance! Finalmente un signo que nos hace confiar en una Justicia superior dominada por la música. The Last 3 Lines: You are a deep forest, 2008, SiNlovers Records  Por Raül Ruiz - Indyrock Clasificar el primer disco de The Last 3 Lines dentro de un género musical específico es algo tan difícil como innecesario. Y es que el álbum con el que esta banda barcelonesa irrumpe en el terreno profesional ondula en diferentes direcciones, asimilando en sus diversas curvaturas estilos y géneros afines. Pero ¿a qué suena "You are a deep forest"? Pues a mucho y bueno; el disco es una hábil combinación de psicodélia setentera, garaje, bases post-punk, y alguna brisa ligera de querencias étnicas tan efectivas como sutiles. Y a pesar de todo ello también estoy seguro de que este habría sido un buen disco de baile en otra época.  El álbum es de aquellos que explosionan con su primer tema, Sometimes The Trigger.La sinceridad del trabajo queda patente desde los primeros segundos de escucha, no dejando margen a la suspicacia del oyente; el disco es agresivo, adictivo y salvaje. Culpa de ello lo tienen la voz de Xavi y el maremoto percusionista que es Jordi; ambos actúan como Maestro de Ceremonias y Director de Orquesta, respectivamente, dentro de una banda que suena a veteranía asimilada en lo que no deja de ser su debut y presentación.  Destacar temas también resulta una tarea complicada pues uno no deja de encontrar cosas señalables en cada uno de ellos. A modo de pequeña guinda, acentuaré alguno de los títulos incluidos: I Don't Wanna Know es casi una balada acelerada que nos habla de la necesidad y dependencia. A Substitute es, quizá, uno de los temas con más agresividad sonora, no en vano su orden dentro del álbum viene precedido de un Interlude que permite al oyente retomar aire durante unos segundos antes de volver a sumergirse en el tsunami musical que es este álbum. Y, como curiosidad agradable, enfatizar la canción Bark, una creación, pese a su ritmo vertiginoso, de esencia genuinamente pop que, por momentos, traza lazos de familiaridad con grupos como Sonics o Small Faces.  Recomendable quizá sea un término que sí pueda "clasificar" el trabajo de unos chicos que ya me sorprendieron en el 2007 al verles actuar junto a Peluze.  British Sea Power: Do you like rock music? (Rough Trade/Sinnamon, 2008)  por Quim García - IndyRock Escuchar un disco - y ya van tres- de esta banda inglesa siempre es una buena opción. Incluso a pesar de que con el paso del tiempo hayan sacrificado la calidad de las composiciones en favor de un sonido cada vez más perfecto. Es cierto que las canciones de su primer disco ("The Decline of British Sea Power", 2003) eran más brillantes, pero lo han sabido suplir con una profesionalidad dentro del estudio digna de mención. Canciones que podrían considerarse menores ahora ganan en detalles, consiguiendo que cada escucha se convierta en una experiencia. Técnicamente se les puede reprochar más bien poco: han buscado sonar más rockeros que en discos anteriores sin perder las coordenadas características de la banda y lo han conseguido. El primer aviso ya lo dan con el título. Todo un acierto: una declaración de principios y la mejor carta de presentación posible, porqué a quien le guste el rock acertará con este disco que es la confirmación de que British Sea Power es de esos grupos con personalidad propia, consiguiendo siempre un sonido personal. "Do you like rock music?" suena a rock, pero al rock visto desde el punto de vista de la banda de Cumbria (Inglaterra). Una visión única. RSK: Corriendo Las Calles, 2007, Musicplus  Por Raül Ruiz - Indyrock Naturales de Tarragona, los miembros de RSK se inician con este disco dentro del mercado profesional. De ello se ha encargado Musicplus, un sello joven que ha decidido comenzar su andadura musical apostando por nuevos valores musicales.  La banda catalana ataja, de esta manera, un peldaño más dentro de su progresión musical; pues más de nueve son los años que lleva subiendo y bajando escenarios a ritmo de rock. Y es que RSK son, ante todo, un grupo de rockeros auténticos. Ellos han nacido, crecido y vivido "en el barrio", mamando los problemas reales de la clase media/proletaria de esta sociedad. Por eso, cuando uno escucha Corriendo las calles identifica sus inquietudes musicales como protestas y reivindicaciones sinceras. Los once temas que componen el disco no hablan de Chanel, cocaína y Don Perignon; ninguno de ellos necesita maquillar las emociones entre bastidores de dificultades artificiales. Temas como Mil pateras, Sin mirar atrás o Lolo reflejan en sus letras problemas tan reales como de actualidad; y esto, en un mercado dominado por fariseos y mercenarios de notas variables, es de agradecer.  En definitiva, el trabajo de este quinteto es un claro ejemplo de que los sonidos contundentes y las turbaciones humanas coexisten en un mismo plano, aunque tenga este el color del asfalto y el aroma de una jornada laboral.  Aeropuerto: El aspecto del alma (Closer, 2007)  por Quim García - IndyRock Las etiquetas y las comparaciones a veces sólo dejan ver un árbol en vez de todo el bosque. A Aeropuerto se les ha comparado con bandas shoegazer  (My Bloody Valentine, Ride) y con otras como Spacemen 3. Pero su registro es más amplio, o más limitado, depende como se mire y hasta donde se quiera llegar. ¿Entonces, se pueden oír rastros de esos grupos en su primer disco, "El Aspecto del Alma"? Sí. Es cierto que tienen cierto apego por los pedales de efectos y a los sonidos ambientales o psicodélicos, pero también es un disco de pop-rock del de toda la vida.  El debut de estos barceloneses es de aquellos que se deja escuchar pese a que en algunos momentos puede llegar a dejarte indiferente. Un álbum a medio camino entre lo tradicional (muchas canciones tienen un aire pop, sobre todo en las partes cantadas) y lo experimental (las partes instrumentales con las que acaban las canciones son lo mejor del disco). Precismante es en ese último aspecto donde donde realmente sobresalen, demostrando lo que son capaces de hacer y lo que podrían llegar a conseguir.  Lástima que, para algunos, el "El Aspecto de Alma" se haya quedado corto.  The Smokers: Still giving (Lengua Armada, 2007) Por Jesús Rojas - IndyRock Nos encontramos ante una obra de importancia capital en los desérticos terrenos del hard rock estatal. Se trata del segundo trabajo de The Smokers, que siguen dando caña a raudales como demostraron en ese impecable debut titulado "Giving up". Si antes se caracterizaban por ese rock duro de herencia ochentera, inspirado en bandas como Guns N Roses o Motley Crüe, ahora se atreven además en ahondar en los terrenos del rock sureño, llegando a recordar a The Black Crowes en cortes como "Rock star" o "Time", que parecen haber sido facturados muy lejos de la península ibérica. Los de Estepona han conseguido bordar un trabajo compacto plagado de riffs incendiarios y mucho sentimiento.  El primer corte con que nos topamos es toda una declaración de principios que ya utilizaron Quireboys hace seis años. "This is rock and roll" transmite pura energía, al igual que "Out of control" o "Desires", que suenan avasalladores de principio a fin. La banda liderada por Gaspar Gil suena más sólida que nunca bajo la producción de Sergio Cascales (una eminencia en el underground malagueño). A lo largo de tres cuartos de hora se van sucediendo medios tiempos de toda la vida con pasajes más melódicos y otros llenos de rabia y contundencia. Ante todo, estamos ante un disco poco previsible en el que The Smokers lo dan todo y buena muestra de ello son canciones como la vertiginosa "The talent" o "Blast the radio", que rebosa auténtico honky tonk por los cuatro costados. No es uno de los mejores trabajos del año, es una de las obras más importantes del rock ibérico de todos los tiempos, y no exagero.  Okkervil River The Stage Names Jagjaguwar  2007  por Mauri Edo - IndyRock Tras el exitoso Black Sheep Boy, editado en 2005, los tejanos Okkervil River vuelven a la escena del folk-rock independiente con The Stage Names. Se trata del sexto álbum de estudio de este grupo, que se encuentra actualmente en gira de presentación mundial del mismo. Precisamente es esta gira la que los traerá a España, concretamente al Primavera Sound Festival, en mayo de 2008.  The Stage Names ofrece un inicio arrollador, con tres temas de bandera como son Our life is not a movie or maybe, Unless it's kicks y A hand to take hold of the scene, dónde la lírica inspirada y punzante de Will Sheff se acopla perfectamente al entorno sureño que tan bien sabe generar la banda. En ese mismo ambiente de contrabajo, banjo y trompeta, pero con menos revoluciones, entramos en el ecuador del trabajo destacando por encima de todo A girl in port, oda al amor y desamor, a las relaciones incompletas que se acumulan en el bagaje vital y que dejan un regusto amargo al recordarlas. La dinámica de "storyteller" se mantiene hasta la última canción del disco, John Allyn Smith Sails, en la que Sheff se las ingenia con maestría para insertar el estribillo de la archiconocida en el sector Sloop John B, como homenaje velado (o no tanto) a los Beach Boys y al poeta John Berryman, que inspiró ambas canciones.  The Stage Names es un disco de rock con muchas etiquetas adicionales posibles (folk, country, alternativo...) pero rock con contenido al fin y al cabo, y su presentación (en el Primavera Sound 2008) es un directo que esperamos con gran interés.  Amigos Imaginarios: El Maestro de Houdini (Banjo Records, 2007)  por Quim García - IndyRock Segundo disco de este grupo que en principio sólo tenía que acompañar de gira a Santi Campos para la presentación de su disco en solitario de 2005, titulado precisamente "Amigos Imaginarios". Al final, a Santi le gustó tanto la experiencia que desde entonces ha ido eliminando progresivamente su nombre de las portadas hasta culminar en "El Maestro de Houdini", donde ya sólo se hace referencia a "Amigos Imaginarios".  Con "El Maestro de Houdini" consiguen sintetizar las ideas del anterior disco "El invierno Secreto" en 37 minutos, 20 menos que su antecesor. Esta contención en el minutaje del álbum lo hace mejorar notablemente. Pero la concisión no es la única virtud de este álbum. También es más variado, con más registros, incluso con alguna que otra canción apta para radiofórmulas. En total 10 canciones atemporales que beben más de la tradición norteamericana que de cualquier otro sitio. "Chistes raros" es grande, todo un himno inmediato, "Aprendiendo a Volar" un maravilloso ejercicio de americana, "Una Educación Católica" toda una lección sobre como hacer canciones y la canción que da nombre al disco la combinación perfecta entre lo épico y lo íntimo.  Sin duda, este es un disco que pese a ser ya del año pasado seguro estará presente durante el 2008. Mientras llegan las novedades de este año, escuchar "El Maestro de Houdini" es una de las mejores opciones para seguir esperando.  The Rumble Strips: Girls and Weather (Universal, 2007) por Quim García - IndyRock El primer disco de The Rumble Strips es como un soplo de aire fresco especialmente indicado para la resaca post-transcendental de algún que otro grupo. Estos cuatro ingleses liderados por Charlie Waller proponen una música animada -festiva- que retoma la herencia de los Dexys Midnight Runners y la vuelve a poner de moda veinte años después. Incluso más de una canción de "Girls and Weather" podría estar en alguno de los discos que los Runners hicieron en la década de los ochenta.  Pese a que en el primer verso del disco Waller lo niega ("I ain't got no soul") lo cierto es que no sólo él, sino las canciones del disco tienen un gran poso de soul. La fórmula es simple: batería, bajo, un poco de guitarra, trompeta, saxofón, mucho ritmo y mucha melodía). Sencilla pero a la vez también peligrosa, demasiado encorsetada. La suerte es que la jugada les ha salido a la perfección. Las canciones son buenas. Más de la mitad de las canciones del disco han salido como single, ya sea como presentación de "Girls and Weather" o anteriores a la grabación del disco ("Motorcycle" y "No Soul" salieron como sencillo hace un par de años). Las que no han tenido la suerte de salir como singles podrían haberlo hecho tranquilamente, porque todas las canciones de "Girls and Weather" tienen alma de hit festivalero. Seguro que este verano tendremos oportunidad de verlos en alguno. Será entonces la excusa perfecta para disfrutar.  Division Day: Beartrap Island (Eenie Meenie, 2007)  por Quim García - IndyRock Hay que estar atentos al futuro de la banda formada por Rohner Segnitz, Seb Bailey, Keys Ryan y Kevin Lenhart porque son capaces de hacer cosas excepcionales. Como por ejemplo debutar dos veces. La primera en 2006, cuando se autoeditaron su primer álbum. La segunda hace dos meses, cuando la discográfica Eenie Meenie reeditaba Beartrap Island, un disco para aquellos que buscan una pequeña sorpresa. Una joya a escala, de aquellas que llegan sin hacer mucho ruido y que, precisamente por eso, sorprenden.  Beartrap Island es un disco frágil, sobretodo cuando los ritmos se ralentizan y la música se hace más ligera, creando una sensación de vacío. Y cuando más se asoma uno al abismo más poder de atracción tiene. Por contra, cuando se pisa terreno seguro y las gruitarras se endurecen y aceleran se pierde parte de la magia del disco. La única excepción es "Reversible", quizás porque consiguen juntar las dos caras del disco. Una más eléctrica (y más floja) con otra más intimista donde, ahí sí, uno encuentra la auténtica belleza del debut de División Day, un grupo que ha hecho un buen disco, el cual, con sus aciertos y errores, supone un primer paso en firme hacía algo mejor.  Yeasayer: All Hour Cymbals (We are free, 2007)  por Quim García - IndyRock Todo lo antiguo vuelve. Se quiera o no. El truco está en ser los primeros en recuperar -o parecer que se recupera- algo que se creía olvidado. Eso es lo que han hecho los cuatro miembros de Yeasayer. Tomar de punto de partida unos ritmos tribales, aderezarlos con unos coros de varias partes del mundo y darles un toque de experimentación electrónica y de guitarra con reverb . El resultado es un disco de una música con tendencia a lo etéreo, que se deja escuchar y que por momentos llega a hacer vibrar. Pero en el fondo no suena nuevo. Llegando a parecer en ocasiones un disco de la época en que la filosofía new age estaba más de moda.  La gracia del disco está en ese toque de electrónica más contemporánea. Por una parte es lo que hace que se pueda escuchar con agrado y por otra lo entronca directamente con el panorama indie actual. Por que si no, en vez de actuar en salas de música alternativas tocarían en festivales de world music. Y es que pese a las guitarras, a los teclados y a la electrónica "All Hour Cymbals" es más un disco para respirar aroma de incienso en la oscuridad que para bailar en la discoteca. Eso sí, para respirar incienso está bastante bien. The Last Army "The Last Army", 2007  Por Raül Ruiz - Indyrock Este potente quinteto inglés nos presenta su primer disco compuesto por ocho temas tan divergentes como adictivos. Definiéndose a sí mismos como "trovadores pre-apocalípticos", los británicos emplean un rock sobrio y fosco para expresar sus inquietudes sociales y existenciales.  Si hay algo que sus canciones eluden a la perfección es la indiferencia del oyente. Las letras, tan directas como inclementes, disfrazan su crudeza bajo la calidez cadenciosa de la voz de Rebekah. Esto queda claramente reflejado en temas como Dead, donde la base rítmica se asemeja a una canción infantil de distorsión tenebrosa, y los coros cantícos ceremoniales de algún ritual arcaico. O Broken Down In London Town donde la voz de Rebekah narra una historia bilingüística, combinando el francés con el inglés sobre un fondo acordeónico de chanson que nos transporta a los cafés de París.  Otra de las bazas a su favor es la presentación del álbum. Una lujosa y original composición de 2 discos, con cuatro canciones cada uno, escogiendo el negro sobre blanco para uno de ellos, y el blanco sobre negro para el otro.  Este año tuvimos la posibilidad de verles en directo por nuestro país,  no desaprovechando la oportunidad Julio Ruiz de entrevistarles para Radio Tres. Si la justicia impera en este caso, The Last Army no tardará en ampliar su nombre y fama con este disco. Será entonces cuando, quizá, volvamos a verles por estos lares.  Hulk - "Cowboy coffee & burned knives."  Suburban Records / Holanda / 2005  Puntuación: 7  Temas recomendados: 01 My nation / 03 It´s allright / 07 Real rocker  por Jesús Rojas - IndyRock A medio camino entre el stoner y el punk rock, el trío formado por Herr Mayer, Mathew Mc Gnasher y Giacomo Paranisi presenta su segundo trabajo de estudio, una apuesta arriesgada que no dejará impasibles a los seguidores de los sonidos más densos y guitarreros.  Tras "Party time", su álbum debut, llega este "Cowboy coffee & burned knives.", donde experimentan con el hard rock de toda la vida y se identifican con lo que algunos han denominado desert rock, esa corriente californiana que gana cada vez más adeptos. En esa línea se mueven cortes como "My nation", "Magic" o "Never walk this way", con unas atmósferas instrumentales implacables.  Del mismo modo, Hulk coquetean con sonidos más convencionales, que se a veces se acercan al pop ("Sorry"), al hard rock ("Bad girl. bad boy") y otras al punk ("It´s allright"). Lo que coincide en todas las composiciones es el afán por hacer las cosas bien y dejarlo todo acabado tras un intenso trabajo de producción. El resultado, que canciones como "Real rocker", "Sweet love" o "Magic" te cautiven desde la primera escucha.  Señalar además que los belgas han contado con colaboraciones de lujo como las de Chris Goss (Masters Of Reality), Brant Bjork (Kyuss) y Jess Hughes (Eagles of Death Metal) para dar forma a este pretencioso álbum.  Lek Mun "Infra Leve", 2007, Aloud Music Ltd  Por Raül Ruiz - Indyrock Semifinalistas en el Proyecto Demo 2007, Lek Mun se estrena por fin en el mercado discográfico con la edición de su primer disco: Infra Leve. Un trabajo cuya calidad aflora en el tema apertura, Sailors, y que se mantiene hasta la finalización de los otros nueve. Nada hallaremos esporádico en él, la fortuna no ha salpicado de forma azarosa esta creación; si dijese lo contrario estaría pecando de injusto ante una gran labor de ingenio, arte y, sin duda, laboriosidad. No en vano, el equipo humano de Lek Mun lo forman músicos consagrados. Repasemos: Dani y Laura son la columna vertebral de Maple, Edu fue teclado de La Habitación Roja, mientras que Ander hace sonar su bajo en la formación de funk Five Mix Colors. Junto a ellos, Francesc se encarga de templar una guitarra que se convierte casi en una segunda voz en este álbum. Pero, precisamente, de voz es de lo que menos carecen los temas; ello es responsabilidad de Laura, ayudada de su garganta y sensibilidad. Y es que Infra Leve es puro sentimiento narrado; los temas se suceden como caricias sonoras convertidas en lullabies para adultos; la voz de Laura parece susurrarnos cada canción al oído, concediendo al oyente la sensación de una dedicación exclusiva.  La composición de los temas es el otro pilar fundamental de Infra Leve. Cualquier barco necesita un mar para poder navegar. Los cuatro chicos mecen a la perfección los tonos de su compañera en relajantes estructuras melódicas de una profesionalidad nada desdeñable. Incluso en las canciones donde la base rítmica de las mismas les obliga a acelerarse (Plans, Round Trip, Waiting & Action), a uno no le abandona ese estado de serenidad que transmite el disco.  Una auténtica delicia de diez temas, de los cuales ya pudimos saborear algún avance con My own weakness y Let the phone ring.  Recomendación personal: al llegar al último tema (el único en castellano), intentar escucharlo con los ojos cerrados y con algún aroma agradable embriagando la estancia. Se trata de una creación sonora tan exquisita que merece la pena saborearla.  Another Kind of Death. Sleepless every night.  Underhill Records. 2007  Por Jesús S. - IndyRock No resulta extraño que el título de primera figura nacional de ese estilo aun bastante desconocido para muchos como es el mathcore recaiga sobre estos cinco perturbadores seres. Velocidad matálica y buenas dosis de punk espídico son los elementos básicos de la música de los gamberros Another Kind of Death. Tampoco es de extrañar que el título del album haga referencia  al insomnio: nadie en su sano juicio podrá dormir a pierna suelta tras escuchar de cabo a rabo un trabajo agresivo, duro y de dificil digestión para quien no esté habituado a este tipo de sonidos, de hecho sólo dan -relativamente- tregua en un par de temas algo más pausados pero igualmente densos. Aun así, el disco crece tras varias escuchas y acaba por entrar a fondo a base de buenos trallazos que terminan clavándose como dagas. Potentes como quien más, AKOD son una turbina ultraexcitada que desde la inicial "Car crash" (descriptivo título) dejan bien claro que van a por todo y todos.  Subterranean Kids "Early days", 2007, BCore  Por Raül Ruiz - Indyrock De la mano de BCore nos llega algo que muchos anhelábamos desde hace tiempo: la recopilación definitiva de Subterranean Kids.  Estos cuatro chicos revolucionaron la escena punk estatal durante la mitad de los ochenta, siendo los primeros en adaptar el Hardcore americano y hacerlo algo nuestro.  Poco más de veinte años después, se nos ofrece la oportunidad de conseguir en un mismo recopilatorio, y de forma remasterizada, sus dos 12" Los ojos de la víctima y Hasta el final así como sus primera maqueta Subterranean Hardcore.  Con una presentación en digipack de lujo y un libreto repleto de fotos de la época, dentro del disco encontraremos otra grata sorpresa: un código para la descarga gratuita de 6 temas inéditos y sus letras.  Sin duda se trata de una grata noticia para punks, mitómanos, nostálgicos y todos aquellos que deseen conservar y/o revivir un punto de inflexión imborrable dentro de la historia musical de este Estado.  The Unit "The Unit", 2007 Por Raül Ruiz - Indyrock Desde la ciudad condal nos llega el EP debut de The Unit. La presentación de esta banda catalana la componen seis temas de rock psicodélico interpretados en inglés.  Ya en el primer tema, Devil is around, descubrimos unas guitarras que flirtean con el funky escudando la voz de Iván Soulster, cantante de la formación. Leyendo el apodo que acompaña  a su nombre es fácil adivinar la clara influencia musical que adopta en sus interpretaciones.  Y es que bajo la influencia de grandes mitos del rock como Led Zeppelín, los Rolling o The Stones Roses, el grupo consolida el álbum dentro de un tono meridiano, evidenciando sus claras intenciones.  Recién incorporados a Madforit Management los barcelonenses prodigarán su música más allá de su comunidad autónoma.  Mürfila "Miss Lios", 2007, Boom Tv  Por Raül Ruiz - Indyrock Mar Ofelia, o lo que es lo mismo, Mürfila nos presenta su segundo disco después de Vamos a hacer pupita.  Este nuevo trabajo comenzó a grabarse en abril del 2006 en Sentir Estudios. Un año más tarde Miss Lios ve la luz con diez temas inéditos escritos por Mar y arreglados por Aurelio Morata, corazón de Aurelio y los Vagabundos.  El disco arranca con Me pones, una declaración sincera de gustos, mitomanía y reproches. En una línea similar se encuentran los temas Money y Tiempo para. Siempre dentro de su sensualidad e imagen de mujer decidida y autosuficiente, el disco cambia el tono de sus intenciones después del tercer tema: Que fluya lo cursi. Es a partir de aquí cuando las canciones adoptan un perfil más intimista y emocional, mutando los deseos y apetencias por necesidades y anhelos.  A caballo entre lo alternativo y lo comercial, la cantante nos ofrece un LP donde entremezcla temas bailables, muy en la línea musical actual, con otros más templados llenos de sensualidad premeditada.  Miss Lios incluye también videoclips de los temas: Caliente y Me pones.  Nisei "Continents", 2007, BCore  Por Raül Ruiz - Indyrock El  10 de diciembre salió a la venta el segundo álbum de los catalanes Nisei, tras More Light.  Los de Vilassar de Mar han realizado una apuesta importante en este nuevo proyecto y es que, sin perder la entidad musical que les hace fijar su horizonte en los sonidos post hardcore americanos de Chicago y Washington, olvidan el lenguaje anglosajón en sus letras para reivindicar el catalán como lengua válida y oficiosa dentro del género. Diez temas íntegramente en esta lengua reafirman sus identidad e intenciones, entre los cuales existe la cabida del coqueteo con otras naturalezas musicales, como ahora el garaje en el tema Tortuga o las reminiscencias setenteras que tanto les gustan.  No en vano, la banda ha participado este año en el Primavera Sound y en el BAM.  Otro punto que despierta el interés de este álbum es que ha sido masterizado por Bob Weston en su flamante estudio Chicago Mastering Service.  Asimismo, siguiendo una actual tendencia retro, es posible conseguir el álbum en vinilo, dentro de una edición limitada de 180 gramos.  Patrick Watson "Close to Paradise" SECRET CITY RECORDS 2007  La sorpresa canadiense que nos acerca al paraíso. por Juan Gallardo - Indyrock  Tal y como Michael Moore nos recuerda continuamente a los americanos y americanos de adopción, la respuesta para todo siempre está en Canadá.  Patrick Watson, líder de la banda Patrick Watson (todavía me acuerdo de cuando Pau Donés se hacía llamar "Jarabe de Palo") derrocha su talento en "Close to Paradise" su segundo álbum, aunque el primero en editarse internacionalmente. Cuando hablo de talento, en el caso de Watson, me refiero a su extraordinaria voz y su inteligencia a la hora de usarla, llegando a las alturas de Jeff Buckley, recordando a Antony and the Johnsons en ocasiones, y desenvolviéndose como pez en el agua a través de varias octavas, saltando del contralto al falsete como si cualquier cosa. Pero no es solo el tono, aparte de la impresionante técnica, consigue no caer descansar en el virtuosismo desapasionado, su voz consigue ser personal, hiriente, inconformista pero sobre todo: esperanzada.  Cuando hablo de talento me refiero también a la capacidad de componer canciones como Luscious Life, la mejor canción que he escuchado en años, original y rompedora, polvo de estrellas y rodearla de joyas que solo muestran su belleza y esplendor tras la cuarta o quinta escucha, atmósferas que suenan a Bjork en ocasiones, coros de los mejores Beatles, guitarras que suenan a los 60, 70, 90, el siglo 21 y más allá, amenazando el virtuosismo al piano de Watson, desde el pop más sesentero hasta la experimentación electrónica pasando por el jazz, canciones de taberna, de circo ambulante.  Cuando hablo de talento no puedo dejar de referirme al buen hacer al rodearse de músicos que, seguramente sin llegar al talento de Watson, no se limitan a musicalizar lo que les dan, si no que dan a cada instrumento un espacio propio en el maravilloso universo sónico que ofrecen las canciones de "Close to Paradise"  Grande-Marlaska: El momento de hacer (Tres pies, 2007) por Quim García - IndyRock No es casualidad que el trío formado por Roberto Herreros, Malela y Pepo Márquez se llamara Garzón en sus inicios. No es casualidad que el juez de la Audiencia Nacional amenazara con demandarlos. Y no es casualidad que ahora se llamen Grande-Marlaska. Su intención desde el primer momento fue reivindicar la música como un medio donde expresar unos ideales. Quedó claro con su primer EP ("Otra fuerza", Yoyó Industrias/Grabaciones en el Mar, 2005) y lo vuelve a quedar ahora con su primer disco. Desde la primera frase. Llegó el día, escoged la posición/llegó la hora, despertad/es el momento de hacer. Pues bien, ellos han escogido el pop. Un pop acústico donde de tanto en tanto se cuela una guitarra eléctrica o una trompeta. Incluso hay espacio para el rock'n'roll ("Turno de réplica") y el indie ("Caza menor") pero lo que realmente define el sonido de Grande-Marlaska es la manera de tocar la guitarra de Roberto.Y ahí radica una de las grandes virtudes de Grande-Marlaska. "El momento de hacer" se convierte en un manual de como utilizar la guitarra acústica sin caer en lo soporífero ni en lo fácil. Si a eso le sumamos una melodías sencillas pero efectivas con unas letras que se mueven entre lo personal y lo reivindicativo, y una sección rítmica más que solvente nos da como resultado un disco aparentemente con pocas pretensiones, pero de gran calidad.  Ray Davies: Working Man's Cafe (V2, 2007)  por Quim García - IndyRock Ray Davies ha conseguido que su nuevo disco esté en miles de hogares del Reino Unido antes de que saliera oficialmente a la venta. La fórmula, sencilla: regalarlo con el periódico de los domingos el día antes de que se pudiera comprar en las tiendas. Declaración de princpios para Davies, maniobra comercial para el periódico (The Sunday Times). Pero el hecho es que Davies no sólo ha acertado con la publicidad, también con el título. Sus canciones se podrían escuchar en cualquier cafetería. Justo después de un tema de Mark Knopfler y antes de un single de Paul McCartney. Canciones que no están mal pero a las que les falta la brillantez de antaño. Davies, como la mayoría de compositores que superan la cincuentena, ha optado por la vía autoindulgente. El resultado es un disco más lento y menos variado que el anterior (Others People's Lives , V2, 2006). Aun hay destellos de destreza del que fuera líder de una de las mejores bandas de los 60's, como por ejemplo la habilidad de Ray para contar historias y retratar la sociedad, pero el resultado general no acaba de convencer. Demasiado igual a discos ya escuchados. Demasiado cercano a las radiofórmulas nostálgicas. Unos se decantan por clasificarlo como rock adulto, otros prefieren directamente no llamarlo. Working man's café es la constatación de que las revoluciones se hacen de joven.  Shotter's Nation, Babyshambles 2007 por Muriel Mo - IndyRock Pete Doherty: se odia o se ama, no hay otras posibilidades...su influencia es como una enfermedad extraña, un veneno peligroso. Como dicho, este veneno puede ser mortal o, al contrario, puede provocar una dependencia que no se elimina tan fácilmente. Está claro que la presencia constante, en los tabloides ingleses, de sus "aventuras" sentimentales y jurídicas, no hace que su popularidad en el mundo de la música suba hasta las estrellas. Pete es la representación misma del "cliché" sexo, droga y rock&roll: una dependencia incontrolable al crack, una ex novia súper Modelo, una gana constante de provocación...todo lo que se puede esperar encontrar en el "manual de la perfecta Rock Star". El problema es que, a causa de esta súper mediatización, Pit se ha vuelto en la parodia de si mismo. En efecto, su popularidad está más atada a sus "dependencias" que a su música y su credibilidad como artista ha caído hasta los límites más bajos. Los tabloides ingleses están obsesionados con su persona, como si tuvieran que inculpar a alguien para esconder los "vicios" de un montón de hipócritas..."peoples" incluidos. ¿No es esta una contradicción? Acusar y después hacer lo mismo...¡pero en secreto, evitando los ojos indiscretos de los "paparazzi"! Esta no es, evidentemente, una apología de la droga, y no es absolutamente para justificar la actitud de Doherty, pero bueno, hay que ser realistas y considerar los vicios de una sociedad en su totalidad, perdida en el culto de la perfección y de la superficialidad. Pete es más que la muñeca junky de Kate Moss y Shotter's Nation es la prueba de su talento, a pesar de los gossips, de la droga o de sus problemas sentimentales.  Ya el título nos muestra el camino: Shotter's Nation, traducido literalmente: nación de los dealers, referencia directa al mundo de las drogas, universo que Pete conoce muy bien y que le obsesiona desde demasiado tiempo. Pero, hay que tener cuidado, porqué esta no quiere ser una glorificación de la auto destrucción, al contrario, quiere ser pura representación de la realidad, realidad difícil de aceptar, pero siempre realidad. Esta segunda obra de Babyshambles está construida por pequeños pedazos de existencia, momentos íntimos a flor de piel que muestran el talento de songwriter de Doherty, talento ya explotado durante la memorable época de los Libertines. Pete prefiere explicarse gracias a la música, dar una muestra de su "mundo interior", de sus ambiciones y de sus miedos gracias a la escritura...pero, como sucede a menudo cuando se habla de Doherty, su actitud es, a veces, contradictoria, una mezcla de compasión (actitud de victima) y autodestrucción (goza del sentimiento de poder dado por las drogas). "Carry Up The Morning", primera canción de Shotter's Nation, propone una pop calibrada y enérgica típica de Doherty, una delicia, se continua con "Delivery", una bomba para los dancefloors, una pura joya que nos da una gana irresistible de bailar...increíble! "Crumb Begging Baghead" nos da una muestra de la creatividad de Pete, proponiendo un universo más siquedélico, con respeto a las otras canciones, más directo, casi brutal. En "Unstookie Titled" Doherty empuja la provocación hasta la auto citación, reproponiendo el "ponte" de "Fuck Forever". "The lost Art Of Morder" cierra el CD y nos muestra un Pete sin artificios, sencillo y impactante...sublime!  Shotter's Nation se puede considerar como la continuación del primer CD de Babyshambles Down in Albion, pero portador de una carga suplementaria de coherencia y ganas de hacer. Esta segunda obra está totalmente controlada, desde el comienzo hasta el final, como si Pete quisiera contar una historia, la historia de su vida, al mismo tiempo terrible y fascinante. Shotter's Nation  es un Down in Albion, pero sin las canciones un poco pesadas de este último, canciones que le daban un aura incoherente, inestable.  Shotter's Nation corrige el problema y muestra el talento de Doherty, proponiendo algunos momentos de pura intimidad, momentos privilegiados, sublimes, que tocan el corazón.  Motociclón: Himnos de extrarradio (Rock is Pain, 2007)  por Jesús Rojas- IndyRock Primer larga duración de estos cuatro jóvenes-pollinocerdo-salvaje-sietemesinos, como ellos se definen a sí mismos en su myspace. La música de Motociclón está fermentada en la calle y tiene un 50% de punk y un 50% de heavy metal, rescatando del olvido a Ramones y Barón Rojo por igual.  Su vena "jevimetal" les lleva a facturar cortes como "Crapulismo" o "Warriors", basada esta última en el film The Warriors (Los amos de la noche), un clásico del modo de vida barriobajero protagonizado por las luchas entre bandas violentas. Y es que Motociclón son agresivos y descarados, y así se muestran en "Himnos de extrarradio".  Los madrileños arremeten contra el New Musical Express (NME) en "La policía del rock", rinden homenaje al autobús 130 y su turístico recorrido en "Ruta 130" y, no satisfechos con ello, recuerdan a una pija con la que tuvieron relación pero que ahora no pueden ni ver en "Lávate el cuello".  En conclusión, Motociclón ofrecen en este su debut 13 cañonazos trepidantes y tremendamente provocadores que igual contonean con el hard rock ochentero que se dejan llevar por el punk suburbial.  Los Chicos: Launching rockets (Rock is Pain, 2007)  por Jesús Rojas- IndyRock El tercer disco de los madrileños ve la luz a través de Rock is Pain, un joven sello que ha apostado por Los Chicos para su primer lanzamiento. Los que no hayan tenido el placer de degustar el explosivo cóctel de la banda que cuenta con los gemelos Antonio y Gerardo, sólo decirles que ellos mismos definen la ecuación que hace posible su sonido de la siguiente manera: Rock and Roll + Rhythm & Blues + Soul + Punk + Pub-rock + Country + Cerveza = FIESTA. Eso es en lo que deriva cada concierto del sexteto.  Hasta ahora, en el estudio, no conseguían transmitir toda la energía desplegada en sus shows y de ahí la publicación de "Launching rockets" el disco que mejor capta el potencial en vivo de esta banda. Buena muestra de esta decisión es "Alive", el corte que abre el disco con la misma energía y atmósfera sudorípara que se respira en sus espectáculos. Ellos son la banda favorita de Beck en territorio nacional y han compartido escenario con bandas de la talla de The Pirates, Southern Culture On The Skids o Paul Collins, con cuya voz han tenido el placer de contar en "Play it for real".  A lo largo de 15 cortes despliegan su devoción por el rock and roll puro, el que fabricaban en su día artistas como Credence Clearwater Revival o Bo Didley, tan diferentes y tan necesarios a la vez. Se atreven con el rockabilly en "Los Chicos Party Boogie", el punk surfero en "Vision", el country-rock en "Sheep attack" y el rhythm and blues sesentero en "You are my sign".  El nuevo trabajo de Los Chicos no sólo está a la altura de "Shakin & Prayin" y "Fat spark!", sino que se encumbra como su mejor grabación hasta el momento, convenciendo al personal con una portentosa base rítmica que absorbe lo mejor del rock and roll desde su nacimiento en 1954.  Tarik y la fábrica de colores: El hueso y la carne (Mushroom Pillow, 2007) por Quim García - IndyRock Todo parece encajar ya perfectamente. Todos los elementos dispersos por "Sequentialee" (Mushroom Pillow, 2005) se han cohesionado y articulado en las 10 canciones que se esconden en "El hueso y la carne". Para conseguirlo, Álvaro Muñoz ha renegado de la luminosidad del disco anterior para entregarse a una sonoridad más obscura y densa. El resultado es un disco que supera a su antecesor a base de canciones certeras, donde el caos controlado de las guitarras no impide que las melodías fluyan libremente. Se conjugan así dos de los elementos más característicos de Álvaro, el pop británico de los 60 y 70 ("Tiene que pasar", "Vuelta a los colores") y el indie más contemporáneo ("Tormenta esta noche"). Y entremedio un par de homenajes. El primero a The Velvet Underground en la introducción de "Anticipo". El segundo rinde tributo a "Spiders (Kidsmoke)" de Wilco, o lo que es lo mismo al grupo alemán Neu!, en "Nadador", canción que cierra el estupendo disco de un artista que, de haber nacido en otro país estaría mucho más considerado. Cruel realidad.  The Jubes, desnudar el alma Por J. E. Gómez / IndyRock Magazine Intensidad, sensaciones desde lo más profundo de tu ser, sinceridad y almas desnudas. Es la clave de la música de The Jubes, un dúo de creadores que logra dar un paso más allá del pop para convertirlo en el medio para expresar sentimientos cargados de intimidad y giros poéticos. The Jubes es la unión de un músico y compositor español, afincado en Houston (Texas), un creador que en España lideraba una de las bandas de pop-rock más personales de la geografía hispana, Street Spirit, y Gerald Thurmond, un norteamericano curtido en decenas de locales de blues, pop, rock, jazz, junto a músicos y bandas como Tina Allen Group, TunaPilot y Bankshot. En Houston mezclan sus personalidades para dar vida a las canciones de The Jubes, una sugestiva mezcla de temas en español e inglés, todos ellos enraizados en el brit pop, el indie y en la más profunda canción de autor. The Jubes juega con el jazz, la experimentación, incluso el folk y la nueva "chanson" francesa... Sensaciones que emergen de guitarras cálidas, cargadas de crescendos, que envuelven la susurante y rasgada voz de Juan Gallardo, repleta de armonías, matices y fuerza expresiva. The Jubes son atmósferas densas, momentos íntimos en la penumbra.  Puta Lokura "Puta Lokura... Y su puta madre", 2007  Por Raül Ruiz - Indyrock Power pop, Ska punk, Power punk, Emo core, Punk core, Punk pop. Demasiados términos, demasiados estilos y una sobredosis de conceptos que no sirven más que para edulcorar el punk o acelerar el pop. ¿Pero que sucede con el punk de toda la vida? Y me refiero a aquel que se pronuncia tal como se escribe, con "u"; nuestro punk, el de nuestras comunidades, el que apareció a principios de los 80, viviéndolo algunos, mamándolo otros y descubriéndolo los más tardíos. El punk, en su pura esencia, no solo es música, es una actitud, una negación a una sociedad no escogida, una elección de vida o la única puerta de salida. Y es curioso que inmersos en el, hasta el momento, siglo más consumista de todos, existan apuestas valientes como Puta Lokura. En su EP debut, estos cuatro chicos muestran su rabia e inconformismo social a través de cinco temas llenos de rabia, repulsa, denuncia y condena.  Lástima que los temas vuelvan a ser los de siempre: corrupción en el poder, exaltación del antimilitarismo, drogas, sexo... La savia nueva debería protestar por los problemas actuales, sin olvidarnos de mirar de soslayo al pasado, por supuesto. Pero protestar de forma genérica sin golpear sobre objetivos definidos acarrea el peligro de filtrar en tu mente la frase "más de lo mismo" entre canción y canción. Porque el punk debe ser contundente y acarrear una reacción o, por lo menos, un cosquilleo de replanteamiento existencial; y es esa falta de contundencia de lo que quizá peque "Puta Lokura... Y su puta madre", tanto en sus letras como en su interpretación. Pero es un disco franco, surgido por la necesidad de chillar ¡despierta! a esa parte del cerebro que nos tienen adormecida a base de productos de última generación y bienestares materiales; esto, por mi parte, ya es digno de admiración y respeto.  Demos una oportunidad a este disco, a esta formación y dejemos que maduren en su progresión musical y humana. Tal como dicen ellos en su tema "Zókala": Dándole tiempo al tiempo sé que encontraré mi puesto.  Johnny Casino and The Secrets. New clothes old shoes. (Off the hip records) 2007  Por Jesús S. - IndyRock En terminos de rock and roll, Australia ha parecido a veces, un apéndice en el tiempo del clásico sonido de ciudades americanas. Desde el clasicismo de Meomphis, pasando por los ecos de Detroit hasta llegar al feeling negro de Philadelphia, la que conocemos como música genuinamente americana ha tenido en ciudades como Sydney o Melbourne ecos a través de infinidad de bandas que, mirando al norte, han tendido un cable hacia la tierra de las oportunidades y la fast food. Johnny Casino va de este palo. Tanto con su ex-banda Asteroid B-612 como en este nuevo periplo con nueva formación, su punto de vista se situa en esos parametros: rock and roll con todas las letras, arraigado en el country-rock por momentos, pero siempre electrificado con maestría. Letras de carretera y polvo. Jugadas ganadoras de black-jack, mujeres fatales y millas delante del morro de tu Buick serían los elementos perfectos para acompañar a su música. Un viaje, insisto, ultra-recomendable para todo aquel que ame la música de gente desde Berry a Mitch Ryder pasando por Gram Parsons y por supuesto Bob Dylan, del que Johnny ofrece una gloriosa revisión del mítico "Ballad of a thin man" en una especie de orgía entre guitarras y vientos que se te clava en el alma. En definitiva, un disco fresco y hecho con el corazón, que además Casino y los suyos podrán defender en directo en una extensa gira por nuestro país. como para perderselos.  City Sleeps. Not an angel (SPV -Trustkill) 2007  Por Jesús S. - IndyRock Angustia, dudas existenciales, soledad y mucha tralla es la apuesta de estos chicos, nuevos exponentes de esa corriente de metal alternativo moderno que los viejos rockeros a veces no podemos o no queremos apreciar pero que está creando una industria alrededor que hace que al menos sea interesante de tener en cuenta. City Sleeps, por tanto, se suben al carro de lo que ahora más buscan los A&R americanos; musicalmente tiran un tanto de lo que más se estila (a saber, introducciones épicas, riffs de guitarra pesados, y base rítmica modelo taladradora) pero logran salir airosos del trance gracias a unos temas al menos bien construidos y en ocasiones bastante interesantes, como son "Prototype" y "Matilda". A la hora de levantar el pie del pedal de sitorsión ofrecen medios tiempos resultones como "I can´t make you love me". En definitiva, juventud y fuerza de la mano de una banda americana leal a unos principios y con ganas de destacar.  Sick City Nightlife (SPV-Trustkill) 2007  por Jesús S. -IndyRock Sick City es una joven banda canadiense formada por cinco jóvenes procedentes de una escena a veces deconocida para el gran público pero localmente importante. Dando el salto de Canadá al resto del planeta, Sick City han apostado fuerte desde 2005, reuniendo fuerzas y medios para presentar al gran público un trabajo sólido. Practican un hardcore melódico poco arriesgado y carente de agresividad, pero con un potencial inmenso de cara al "target" al que va destinado, un público joven que busca la inmediatez de un sonido que lleva ya unos cuantos años arrasando en los high-school americanos. Con "Nightlife", SC demuestran saber moverse en ese terreno, a través de intros dramáticas, bases contundentes y potencia guitarrera, lo que les ha permitido ya elevar su estatus y girar por los Estados Unidos.  Fiction Plane Left side of the brain 2007  por Jesús S. -IndyRock Segundo disco de esta banda inglesa marcada por un dato que a priori no debería valer de nada: está encabezada por Joe Sumner, hijo de Gordon Sumner, más conocido por Sting. El hecho de que el con las letras del nombre de esta banda podamos componer "Infant Police" podría ser de también de relevancia. Pero no nos equivoquemos. Fiction Plane, dejando de un lado parentescos y el indudable espaldarazo que supone tener un progenitor en el mainstream musical, poco se parece al trio recién reunido. Practican un rock vigoroso, lleno de buenas melodías. La voz de Joe es a ratos parecida a la de su padre, pero también recuerda a la de Bono en sus inicios. El disco mantiene un buen nivel compositivo. Un segundo trabajo que está llegando más lejos gracias a la inmediatez de temas como "Death machine"o el single "Two sisters". Claro, que el hecho de estar girando con The Police, también ayuda. Aunque insisto, deberán ser juzgados por sus méritos estrictamente musicales, que no son pocos.  Axel Rudi Pell . Diamonds unlocked (SPV) 2007 por Jesús S. -IndyRock Siguiendo la moda de los discos de versiones, Axel Rudi Pell nos propone con el suyo un curioso viaje por las tres últimas décadas del rock, pasado por su visión, particular e interesada, pero propia y legítima al menos. El logro ha sido reconvertir al estilo del guitarrista alemán piezas en principio difíciles de encajar como el "Bautiful day" de Bono y Cia. o "In the air tonight" de Phil Collins, dos extravaganzas bien resueltas que conviven con himnos metaleros de gente más afín a Axel, como pueden ser  "Warrior" de Riot" o "Rock the nation" de Montrose. Sin ambargo, lejos de vitaminizarlo, resta electricidad al "Love Gun" de Kiss, convirtiéndolo en una intensa balada acústica, que se situa junto "Heartbreaker" de Free y "Won´t get fooled again" de los Who entre lo mejor del album. Interesante y didáctico, perfecto para las masas metaleras que no pueden ver dos metros más allá del terreno que pisan.  King Khan & The Shrines What Is? (Bloody Mary) 2007 por Jesús S. -IndyRock Realmente incendiario este disco. Mezclando en un mismo concepto punk, soul, psicodelia, serie-B y mucho sentido del humor, King Khan (de ascendencia india) y sus amigos los Shrines nos ofrecen en "What is?" una fiesta sonora donde todo cabe, acompañada de una pista en video donde podemos constatar las locuras de este tipo amén de verle sobre un escenario, su entorno natural. Temas que enganchan a la primera como "I wanna be a girl" o "No regrets", y que navegan por todos esos mares que he mencionado. Inmediatos y frenéticos en ocasiones, con la personalidad y energía de King Khan al timón, esa suerte de cruce entre Screaming Jay Hawkins y Sid Vicious que lo pone todo patas arriba, como han podido presenciar muchos en sus incendiarios conciertos por nuestro país, al que volverá en 2008 para regocijo de sus fieles. Catarsis colectiva asegurada. Más información sobre fechas, próximamente en la página de conciertos de IndyRock. Les Savy Fav: Let's stay friends (French Kiss, 2007) por Quim García - IndyRock Lo más normal en los tiempos que corren es encontrarse con un disco que empieza fuerte y poco a poco se va desvaneciendo. En cambio el cuarto disco de estudio de Les Savy Fav es de aquellos que van de menos a más y que además mejora a cada escucha que se realiza. Let's stay friends no es un disco inmediato, se necesita tiempo para poder apreciar la propuesta de esta banda norteamericana. Y eso a pesar de que, en apariencia, se podría calificar este disco como un ejercicio de estilo. El resultado de juntar elementos del punk y del post-hardcore, adaptarlos al 2007 y aderezarlos con pop, mucho pop. Aunque no lo parezca detrás de la urgencia guitarrera, detrás de los riff más contundentes hay más pop en Let's stay friends de lo que aparenta.  Pese a todo, da la sensación de que en ocasiones la fórmula no ha salido bien. Algunas canciones se quedan ancladas en el pasado, repitiendoclichés ya conocidos. En cambio, cuando más actuales se vuelven las canciones más brilla el disco. Por suerte son la mayoría, presentándose así como una hoja de ruta para posibles discos futuros. Un camino que, de seguirlo, seguro que nos dará más de una alegría.  Tulsa Sólo me has rozado Subterfuge Records 2007 por Vanessa Prado - IndyRock Una voz femenina (de las más atractivas y especiales del momento) es la de Tulsa, alter ego de Miren Iza, la que fuera componente de las afamadas Electrobikinis, que vuelve ahora en solitario (casi, porque lleva banda) y nos trae su disco "Solo me has rozado", editado recientemente por el sello madrileño Subterfuge. Tulsa reconvierte aquél espíritu punk de adolescente en un sentimiento de desgarro emocional que combina con sonidos americanos y que convierten este disco en un viaje a través de los desiertos de una controvertida conciencia, con el sabor a polvo, asfalto y gasolina de un trayecto como es el suyo (no es casualidad que sea el tema "Carretera" el que abre el disco), un trayecto en el que está creciendo rápidamente y en el que deja atrás la ingenuidad de su anterior proyecto para aparecer ahora madura y firme. Las guitarras comparten el protagonismo con las melodías vocales, y con esos textos que hablan de una vida que podría ser mejor pero que no por ello va a dar por extinguida. Tulsa repasa sus miedos, sus angustias y sus decepciones en este disco, pero que nadie espere un Lp que hable de derrota y descalabro, porque, si bien los textos a veces caen en una cierta sensación de abatimiento, ahí están las melodías (excelente single es "Estúpida") para mostrarnos que el horizonte está en ojos y no en el corazón. Excelente debut de esta guipuzcoana que ha sido nominada a los Grammy Latinos 2007, que abarrota las salas por las que pasa, y a través de la cual vemos que hay sitio para nuevos posicionamientos para la música hecha en castellano.  Pigmy Miniaturas Junk Records 2007 por Vanessa Prado - IndyRock Son ya muchos años para Vicente Maciá "Willy" desde que empezara en el mundo de la música con Carrots, banda que cosechara éxitos en su día en sus nueve años de trayectoria. Ahora Pigmy (sobre nombre adoptado porque así le llama su familia) edita disco, de la mano de Junk Records, y lo hace para traernos canciones llenas de sencillez y buen pop. Se lee entre líneas las influencias de Simon & Garfunkel o Cat Stevens ("Miento menos" podría ser un buen ejemplo, aunque hay muchos más) y los ecos de ese pop antiguo y nostálgico de voces claras y cándidos arreglos. Queda siempre presente el peso de los sonidos de los sesenta para transformarlo en temas que adaptan el folk más consciente y la psicodelia más sensata. Grandes temas como "Piedras y Guisantes", con letras costumbristas y evocaciones a una realidad que se enriquece con metáforas transparentes. Un disco que se enmarca en el pop más humilde y espontáneo, pero con un carácter intimista y sincero, sin grandes pretensiones, pero no por ello menos exigente con una escena que últimamente adolece de propuestas como estas. Pigmy nos canta y nos cuenta fragmentos de su personal manera de ver el mundo, pero lo hace con estilo (los arreglos de "Válsamo", geniales) y con una calma y un sosiego que nos transporta a estados de ánimo que, si bien no son nuevos, sí que los teníamos olvidados.  Suite  "Piezas contentas" (Astro Discos, 2007)  Por Jesús Rojas - IndyRock Dos catalanes, un mallorquín y un sevillano. No es un chiste, es la nueva apuesta de Astro Discos. Se trata de una banda de rock en castellano que se sale de la normativa que hasta ahora ha utilizado la discográfica madrileña. No quieren ni oír hablar de pop, lo suyo es el rock, como rezaba en su día aquel himno de los desaparecidos Barón Rojo. El caso es que Suite se muestran naturales y directos, haciendo la música que les gusta y sin ocultar sus pelos en el pecho (la portada no tiene desperdicio). Sus influencias van desde Bolan o Bowie hasta Wilco y canciones como "La gran ciudad" o "Suite" dejan el pabellón bien alto para tratarse de un debut. Hay que señalar que los componentes de la banda vienen de otros proyectos musicales que han tenido más o menos repercusión: El Diablo en el Ojo, Pinball, Carrots, Smack Dab y Bunbury. A lo largo de los once cortes que encontramos en "Piezas contentas", uno se deja llevar por el rock psicodélico de alto contenido melódico ("Virginie"), las atmósferas acústicas ("Regalo de Reyes") y el rock de toda la vida ("Duque dellate", "Habitación drill"). Una grata sorpresa la de Suite, que ya forman parte de ese nuevo resurgir del rock de lírica ibérica y sonido anglosajón. Además, detalle a tener en cuenta, en la producción ha estado Sir Paco Loco, que ya tiene una obra de lujo más que sumar a su pedazo de trayectoria, como productor y como músico.  Beirut: The Flying Club Cup (Ba Da Bing!, 2007) por Quim García - IndyRock Acordeones, ukeleles, mandolinas, celestas, buzuquis, trompetas, violines y órganos. Esta es sólo un parte de los instrumentos que aparecen en The Flying Club Cup. La lista completa es mucho mas larga. Y todo porque Zach Condon, líder e impulsor de Beirut, ha decidido ir contracorriente. Si la mayoría de músicos tienden a miran hacia la tradición norteamericana Condon lo hace en dirección opuesta. Con la vista puesta en el viejo continente, el artista de Alburquerque (Nuevo México) se abastece, principalmente, del folclore de la Europa del Este y lo combina con algunos guiños -eso sí, pocos- de la música pop. De esta manera, Beirut se ha convertido en un "rara avis" dentro del panorama independiente. Su propuesta tiene más de lo que ahora se llama "músicas del mundo" que de música alternativa. Pero en la actualidad, un disco como el de Beirut sólo tiene sitio en una discográfica pequeña. Y gracias a ellas tenemos la oportunidad de disfrutar de una pequeña joya titulada The Flying Club Cup.  Escuchar el segundo disco de Beirut es como hacer un viaje sin salir de casa. La primera parada, obligatoria, es la portada del disco: toda una declaración de principios. Una vez contemplada uno ya puede intuir lo que va a suceder en los siguientes 40 minutos. A partir de aquí el trayecto es personal, cada uno irá a lugares diferentes. Unos llegarán más lejos que otros debido a que a mitad del disco hay un momento de confusión, donde aparece la duda de si Condon no estará sobreexplotando su fórmula. Es entonces cuando algún viajero decidirá volver a casa. Pero los que aguanten hasta el final verán que, en el último tramo, el disco revive, provocando que la imaginación vuelva a ir a lugares remotos, a tiempos pasados y después, en el momento del silencio final, ésta volverá a su lugar, al siglo XXI. Manna "Sister", - Suomen Musiikki Oy - 2007 Por Raül Ruiz - Indyrock Existen voces que invitan a la calma, a la reflexión, a la introspección. Suelen ser voces que anhelamos escuchar susurrando nuestro nombre en mitad de una noche fría y solitaria; voces que suenan a narraciones extraordinarias de princesas melancólicas y perdedores metidos a héroes; voces huérfanas adoptadas por Morfeo mientras vela nuestros sueños; voces ideales para guiar caricias, besos y roces. La voz de la cantante finlandesa Manna es una de ellas.  Con la nostalgia armoniosa de una Dolores O'Riordan de escala minoritaria, la cantante de Helsinki nos presenta "Sister", un trabajo de diez temas interpretados en inglés cuya fuerza radica, paradójicamente, en la serenidad que transmiten.  A excepción de los temas Stars, Sing for you e In the book of love, las letras del resto de canciones que completan el disco son obra de la propia cantante, la cual, incluso, se encarga de la total composición del tema que da nombre al LP: Sister; una creación muy personal, donde la intérprete nos habla de la necesidad de sentirnos protegidos y queridos. También hay que destacar Just for tonight¸ donde el cantante Ville Valo, lider de HIM, colabora en forma de dueto vocal.  Pero si optamos por no detenernos en estas reseñas y decidimos sumergirnos en las prácticas de "rascar e indagar" continuaremos descubriendo temas igual de interesantes, tales como Ending and Leaving, Lost o, el citado anteriormente, Stars: una belleza auditiva donde la voz de Manna se mueve de forma cromática y enarmónica, convirtiendo este en una savia elección de apertura del disco. Sobrio trabajo debut de una cantante que esperamos disponga de las oportunidades que su música merece. Nadadora "Hablaremos del miedo" (Jabalina Música, 2007) por Vanessa Prado - IndyRock Nuevo disco del sexteto gallego, Nadadora, y consolidamos referentes para el pop en castellano. "Hablaremos del miedo" (lástima que Aramburu se haya retirado, quizá con Nadadora será con quien le echaremos más de menos, y seguramente no por casualidad) lleva al oyente por los caminos que ya recorrieran sus anteriores trabajos, ese pop de matices y estribillos, de viajes por el túnel de la desolación o por la nostalgia teñida de invierno. Nadadora siguen recorriendo la senda que les ha consagrado ya como una de las bandas de pop nacionales, aunque quizá ahora se alejan de la frágil quietud de antaño para sumergirse en ambientes más épicos en los que las bases rítmicas tiene más presencia y donde las voces parecen exigir en vez de sugerir (el estribillo de "Tú y cuantos como tú", por ejemplo, podría ser una buena bronca convertida en canción). Ahora son más crudos, también más crueles, tanto en las letras como en la manera de envolverlas, y se nota que han hecho banda: leves cambios que matizan ese sonido Galaxie 500 tan atribuido y que, en según qué momentos, tiene mayor o menor justificación. Aparecen por primera vez en sus grabaciones los instrumentos de cuerda y viento ("Frágil" o "Al final (todo arde)" cuentan con una producción instrumental novedosa en los gallegos) y las guitarras dejan paso a los pianos y a las melodías vocales en algunos temas, aunque no en todos ("La forma" o "A=B=C" quizá abusan de cierta electricidad nerviosa). Grabado en los estudios Círculo Polar de O Grove, y masterizado por Alan Douches (que hizo lo propio con artistas como Galaxia 500, Damon and Naomi, o Anthony and the Jonhsons, entre otros) en los estudios West West Side Music de Nueva York. Parece que hay un cambio de intención, no en el resultado final, porque Nadadora siguen gustando igual, aunque sí en el modo de reconstruir y reinventar los colores con los que llenan ese paisaje que sigue oliendo a norte y a tristeza. Sin duda, uno de los lanzamientos del año.  Daniel Drexler. Valorar el vacío Por J.E. Gómez / IndyRock Folk,rock y electrónica. Una Sugestiva mezcla de sonidos para convencer al mundo de que el vacío tiene su espacio creativo positivista. Es la idea que lanza Daniel Drexler en su ultimo Trabajo Living in Confort lnc. Un disco cargado de espontaneidad que se ha sido posible al grabar de forma simultánea todos los músicos, como si se tratase de un directo en el que los músicos se dejan llevar por sus sentimientos Drexler ha contado con la producción de Matías Cella como productor y la masterización de Mario Brever. Este trabajo de Drexler, medico y creador de canciones, ha sido publicado por Factoría Autor. Una forma especial de sumergirse en el universo de este músico nacido en Montevideo  Desechos lncorruptibles Promo Sapiens CD  Por J .E. Gòmez , lndyRock Mantienen su esencia, su particular forma de hacer las cosas, de crear canciones.  Desechos vuelve con un segundo disco más decidido y personal, cargado de aires de reggae, rock, funk y rebeldía. Desechos es una banda de Madrid formada por músicos de Hechos Contra el Decoro, que se decidieron a experimentar con otros ritmos y crear una cocktelera musical muy especial. Ahora lanzan su álbum Dos y Medio con la productora Homo Sapiens. Un disco en el que colaboran Javier Ruibal, Bebe dj Daem y Willy Lopez, un trabajo càagado de sonidos de vientos inconfundibles y un particular estilo incorruptible. www.promosapiens.net As I Lay Dying,  An Ocean Between Us (Metal Blade Europe) 2007 por Jesús S. -IndyRock Herederos de una estirpe de bandas que hacen del metal extremo y el death bandera, As I Lay Dying es una de las bandas de moda entre los metalheads del área de San Diego. Tras un puñado de discos menores, preparan una especie de asalto internacional de la mano de Metal Blade. Liderados por Tim Lambesis, los californianos muestran sus uñas en este nuevo lanzamiento, "An ocean between us", en el que redundan en su temática pseudo-religiosa e infecciosos himnos que a pesar de la presunta inaccesibilidad de la voz de Lambesis terminan siempre enganchando con guitarras poderosas y estribillos demoledores, cuya prueba son temas como "I never wanted" y el que da título al disco. Eso sí, cuando te despistas te clavan otros incendiarios y rapidísimos, de los que se apoderan los alaridos del personal. Imagino que Europa está preparada para el asalto de As I Lay Dying, no creo que acepten un no por respuesta.  Oceansize Frames (Superball Music) 2007 por Jesús S. -IndyRock Densidad e intensidad. Dos variables en las que estos cinco músicos ingleses, son auténticos expertos. Oceansize deambulan entre el indie-rock más arty y el sinfonismo más recalcitrante, lo que da como resultado un jugoso experimento sonoro en el que nada es previsible. "Frames" está compuesto por ocho temas largos que abundan en la autocomplacencia instrumental, con ligeras aportaciones vocales. Una amalgama de sonidos en los que demuestran estar muy en forma. Desde posiciones más tranquilas y cadentes hasta en pasajes más potentes donde incluso llegan a recordar a Rush, pasando por teatrales transiciones que te traen a la cabeza a los Genesis de Gabriel. Todo ello muy puesto al día y a la vez encauzado hacia el mercado independiente. Posiblemente no revitalicen la escena progresiva, pero al menos seguro que levantan la curiosidad de alguien que todavía no conozca las fuentes de las que beben. Mención especial a la producción, que hace aun más por un trabajo bastante digno que no dejará a nadie indiferente, y a la aportación gráfica de Robin Finck (Nine Inch Nails, Guns N´Roses), con bonitos dibujos a tinta que encajan como perfecto envoltorio para la música, especial y apasionada de una banda cada vez más a tener en cuenta. Heaven & Hell. Live. 2007 por Jesús S. -IndyRock ¡Demonios!  Dio de vuelta con Iommy y compañía. Nueva jugada de marketing cojonudísima. Existen hoy en día cada vez más bandas tributo, y no seré yo el que se queje de ello. Pero que mejor tributo para una época y unos discos que repetir la historia, volver a confiar en ese pequeño genio que es Ronnie James Dio para da vida de nuevo a himnos de Sabbath que no tiene ningún sentido oir en voz de Ozzy.  Y este es el testimonio sonoro de una de las giras más deseadas de los últimos tiempos. Una banda veterana y sabia, completada con Vinny Appice de nuevo a la batería (Bill Ward parecía que iba a estar, pero al final se cayó del proyecto). Como siempre, reinan las guitarras de Iommy, genio zurdo donde los haya, y la voz de Dio, perfecta como está demostrando en los últimos años. Pero por encima de todo, unas canciones históricas que forman un set-list no apto para aquellos que perdieron el hilo a Sabbath con la salida de Ozzy. Centrado, por tanto en los dos grandes discos de la era Dio, "Heaven & Hell" y"The Mob Rules". Dos piezas imprescindibles que vuelven a cobrar vida de manera gloriosa, y que podemos disfrutar en todo su esplendor en este directo, especial no sólo por su contenido, sino por haber sido registrado en un sitio lleno de magia como es el neoyorquino Radio City Music Hall.  The Brian Setzer Orchestra. Wolfgang´s Big Night Out (Surfdog) 2007 por Jesús S. -IndyRock Pocas cosas le quedaban ya por probar al amigo Setzer. Después de varios discos reinterpretando grandes clásicos del estandar americano, más algun que otro flirteo con la música navideña, se nos descuelga ahora con un interesante experimento: pasar por el tamiz de su implacable orquesta a genios clásicos como Mozart (al que hace referencia el título), Beethoven o Rimsky-Korsakov. Y la verdad es que el resultado es sorprendente, ya que Setzer consigue que por momentos ni siquiera caigas en la cuenta de qué artistas están detrás de las  composiciones, y las oigas como cualquier otro disco de tan reconocida orquesta: con el swing golpeando tus pies, de manera frenética por momentos, dejándote llevar por ese estilo inimitable de punteo o esos vientos que evocan directamente la mejor época de las grandes bandas de jazz. Setzer y los suyos son tan jodidamente buenos en lo que hacen que creo que jamás podrán decepcionar a nadie. Anecdótico pero muy recomendable a la vez, si te haces con este disco tus guateques ya no volverán a ser lo mismo. Sorprendente. Souler ­ Más allá de los setenta "The Record Player" CD-Batiendo Records  2007-08-24 Por J. E. Gómez / IndyRock Suena en decenas de discotecas y garitos. Lo remezclan los Djs como base fundamental para hacer bailar y disfrutar a sus clientes-espectadores, pero casi nadie es consciente de que esos remix tienen una base tremendamente sólida en canciones creadas en los sesenta y setenta, enraizadas en el soul más clásico, en el pop sencillo y entrañable de los inicios de la modernidad. Por eso, cuando aparece un disco que no se dedica a mezclar esta música, sino a crearla y lanzarla a los cuatro vientos, sin ataduras y sin complejos, debemos darle la bienvenida. Eso es lo que ha hecho Souler, con un primer trabajo 'larga duración', que bajo el título "The Record Player", ha lanzado al mercado con el sello Batiendo Records. Son diez temas con sen timiento, enraizados en el soul y el pop, con matices de la más pura psicodelia. Listos para dejarte llevar a pistas de baile, e incluso a atmósferas intimistas en rincones plagados de oscuridad. Souler ha contado con un magnífico elenco de músicos, como Jordi Gas, Valen Nieto, Carles Oliver, Xavi Rejia y Javi Redondo. Un disco para disfrutar también en largas horas de carretera. Puedes encontrarte con Souler en www.souler.es Area 62 "Quien soy" Maldito Records 07 por Miguel Angel Alejo - IndyRock  Entradas épicas con toques electrónicos para recibir 11 tema este Quien soy (Maldito Records, 07), CD debut de los canarios, ahora afincados en tierras catalanas, Area 62. Contundencia musical, entrando en el mu metal electrónico donde Área 62 se mueve con soltura. Se denota que este quinteto tenía que vomitar todos estos temas para dar carpetazo para iniciar a dar pasos por nuevos campos compositivos.   Los  temas quedan redondos -claro como el CD- aunque en una escucha continuada queda un poco monótono. Las letras, cantadas en castellano, nos trasladan a lados reflexivos negros de la mente y, como indica la misma portada, "marioneta de un ser superior".  Incapaz, rompe algo ese ritmo monótono comentado, para que las guitarras rujan a todo en Genocidio en Sao Paolo, en el que colabora Mart (Estirpe). Cierra el CD A por ti, tema instrumental, tema perfecto para hacer válido el refrán: Los últimos siempre serán los primeros. Es toda una declaración de intenciones a menos fuerza, lo que hace de A por ti, ideal para abrir bolos, para calentar motores. Esperanzador CD de debut de esta banda que no habrá que perder de vista.  El CD se completa con un video del tema Dolor. Matt Jennings " Two Become One" 2007 Por Joe McGaha - IndyRock Matt Jennings es un cantautor del estado de Minnesota, EEUU.  Su nuevo c.d., Two Become One (Dos se hacen uno) es bastante interesante.  Toca la guitarra con influencias de guitarra española, y su manera de cantar se parece algo a algunos cantantes reggae, así que se nota que tiene influencias de muchas partes.  La primera canción del c.d. se titula The tortoise and the hair (o sea, La Tortuga y El Conejo), como la vieja fábula.  Dice "yo soy la tortuga, y tu eres el conejo.  Corra cuanto quieras, que yo voy a ganar".  Total, me ha gustado bastante este c.d.  Una cosa que me interesó es que también escribe y canta canciones en español.  Se nota que todavía está aprendiendo, pero me encanta saber que un artista estadounidense tenga interés por cantar en otros idiomas (que somos bastante conocidos como gente xenófoba, que solamente se enfoca en nuestra propia cultura).  Si te gusta Jack Johnson, o Ben Harper, creo que te va a gustar Matt Jennings.  Enlaces: http://www.myspace.com/mattjenningsmusica / http://mattjenningsmusic.com / http://cdbaby.com/mattjennings Silvania Campo de espirales / árboles / secuencias posibles 2007 Por Joe McGaha - IndyRock Silvania es un grupo de música electrónica, compuesto de peruanos afincados en España que se especializan en manipular sonido para hacer un tipo de música que a veces es más sonido que música.  A mí me fascina este c.d., porque es más como una obra de teatro que un c.d. de música.  Yo tenía un profesor hace años que me dijo que música no es más que sonido manipulado en tiempo.  Yo no estoy exactamente de acuerdo con eso, porque creo que es necesario que el compositor comunique algo con su música, sea un sentimiento, o una creencia, algo.  Pues yo creo que Silvania sí comunica algo.al escuchar su c.d., yo sentí que era más que  un experimento de sonido. Hay varios artistas que han jugado con la música electrónica de esa forma.me recuerdan un poco al grupo francés Air (¿es que ellos siguen grabando?), que también me gustó bastante.  Yo no tengo la menor idea de cómo serían sus actuaciones en vivo (parece que tienen varias por España), pero al escuchar su c.d., creo que me gustaría ir a algún concierto de Silvania a ver como es.Para más información sobre Silvania en la red: http://www.silvaniaweb.com 33cl, Esperanza para el rock "La siembra" - CD - Music Bus - Warner - 2007 El trabajo continuado, el empeño en mantener tus ideas suele dar buenos frutos, incluso en el mundo del rock and roll. Es lo que ha ocurrido con una de las mejores bandas de R&R made in Catalunya. Se llaman 33cl, que después de tres años desde su primer disco, lanzan un segundo trabajo donde han consolidado su sonido. Con el título "La siembra", presentan una colección de once temas que tienen un denominador común, ser once buenas canciones, algo no demasiado habitual en el panorama roquero hispano. Desde ritmos contundentes, cargados de durerza extrema hasta melodías intimistas y seductoras, siempre con la voz de Felipe Recio, que ha madurado y se desgarra, mucho más que en sus primeros tiempos, allá en 1999, cuando se forma la banda tras unirse sus miembros para dar un concierto. 33cl pueden estar ante su lanzamiento definitico. Music Bus y Warner han decidido apostar por ellos. Estamos ante una nueva esperanza del rock, más aún si sus canciones se influencian en grandes del rock como Barricada. Si las grandes compañías apuestan, es que quizá no todo esté perdido en esto de la música. 33cl pueden ser un eslabón clave en la recuperación. El disco estará en la calle desde el 26 de julio. www.los33cl.com www.musicbus.es Los Straitjackets Twist Party 2007 Por Jesús S. - IndyRock Vuelven los Straitjackets con un nuevo y  poderoso ejercicio de nostalgia rockanrollera. Directamente desde la memoria de los tiempos en que podías llevar a una chica guapa en la grupa de tu moto, desde el insti al baile de graduación o guateque made in spain, la música que suena en este nuevo lanzamiento de los enmascarados adoradores del tiki y los jambalees, transporta la mente del oyente a una fiesta twistera de primera categoría. Bailar, bailar, malditos. Eso es lo que parecen querer transmitir con este artilugio, guia esencial del baile macanudo para dejarte media cadera en el intento. Temas directos y rápidos, donde surf, twist, serie B y aires lounge se entremezclan en una bacanal en la que participa también George Kaiser. Guitarras afiladas, percusiones de primera categoría, y un buen saxo al servicio de canciones que vienen a revitalizar un género del que los jackets son hoy por hoy máximos exponentes.  Si además quieres completar la experiencia de forma visual, puedes tirar del DVD extra que incluye clips bailongos de algunos temas, con las Pontani Sister ejerciendo de instigadoras de la locura twistera. Un disco desbocado y loco sólo podría hacerlo una banda como ellos. Próximamente de gira por nuestro país, presentando también otro potente disco de versiones. Let´s go to the party! The Horrors "Strange House" (Universal / Sinnamon) 2007 por David López - IndyRock A pesar de todas las polémicas, el primer punto a favor es que The Horrors, en ningún momento, intentan ocultar unas influencias que no sólo son evidentes sino que merecen todos los honores. Desde la actitud más salvaje del Nick Cave de The Birthday Party hasta el garage rock sexy tipo serie B de clásicos como The Cramps. A esto se le añade unas abundantes gotitas de punk oscuro y fantasmagórico (benditos sean esos hammonds de ultratumba), con toda su parafernalia y estética, y ya tenemos el debut más comentado de la temporada. Y esto sin olvidar el trío fantástico que produce: ni más ni menos que Alan Moulder (My Bloody Valentine), Ben Hillier (Depeche Mode) y Jim Sclavunos (batería de los Bad Seeds). ¿Y las canciones? Pues realmente mentiría si dijera que el disco no me ha gustado. Abren con una potentísima versión del "Jack the Ripper" de toda una leyenda de la talla de Screaming Lord Sutch para deambular entre hits sin concesiones como el famoso "Sheena is a parasite". Sí, sí, el mismo que vienen vendiendo como "la razón por la cual Chris Cunningham regresó a la dirección de clips". Un clip que sin constituir una pieza mayor (no, aquí no hay otro "Come to daddy") resulta sugerente aunque sólo sea por disfrutar de los bailes psicóticos de Samantha Morton. Destacable también en el conjunto del álbum son "Gloves" o como hubiese sido el encuentro de Jim Morrison con las luminarias del horror rock británico, la sinuosa y pegadiza melodía de "She is the new thing", o la instrumental "Gil Sleeping quote , banda sonora ideal de tu película favorita de terror de hace unas décadas. Peor o mejor, con sus logros y sus errores, "Strange House" es un divertimento sin más pretensión que el puro disfrute, que diría Lars von Trier. Así que al menos merece una oportunidad desprejuiciada. Bonde Do Role "With Lasers" (Domino / Pias) 2007  por David López - IndyRock Los brasileños Bonde Do Role se presentan como otros oportunistas de turno a raíz del éxito de sus compatriotas Cansei de Ser Sexy, que al menos podían argumentar con canciones vigorosas y directas destinadas a electrificar las pistas de baile con todo su potencial erótico-festivo. "With Lasers" retoma todos los puntos cardinales del sonido de la banda de Sub Pop pero situándolo en la delgada línea que separa un trabajo bien hecho del espíritu más cutre y vergonzosamente aprovechado. Aunque vengan con la presentación que supone estar producidos por Diplo (pareja y productor de M.I.A.), este disco combina con total desfachatez electrónica de saldo, riffs que rozan lo paródico, aires bossanova carentes de brillantez y una absoluta falta de personalidad, propia de los plagios tan poco respetuosos como escasos en su visión de futuro. Un hype que debería hundirse en el peor de los olvidos sin merecer más comentarios al respecto.  Nelson Bragg - Day Into Night 2007 Por Joe McGaha - IndyRock Nelson Bragg tocaba batería para Brian Wilson, y se nota la influencia del famoso líder de los Beach Boys.  Su música está llena de armonías bonitas, con una buena mezcla de guitarra y otros instrumentos tradicionales.  El cd consiste de dos secciones - Día (las primeras seis canciónes) y Noche (las últimas seis canciones).  Creo que prefiero Noche a Día, especialmente la primera canción, Death of Caroline (Muerte de Carolina), que tiene buenas letras, y buena melodía.  Yo recomendaría este cd especialmente a cualquier fan de rock suave.  Muy bien compuesto.  Nico : Reina de los alquimistas « The Frozen Borderline, 1968-1970 » por Muriel (Mo) Al final alguien abrió los ojos y decidió poner de relieve el trabajo de una artista demasiado olvidada, víctima inconsciente de sus propios fantasmas. El artista en cuestión es Nico, icono de la Factory de Andy Warhol, voz angustiada de la Velvet Underground y sobre todo músico polivalente que contribuyó, con su personalidad lunar, al nacimiento de una nueva manera de hacer música, punto de partida y inspiración del movimiento New wave de los '80. Su trabajo influyó de manera significativa muchos músicos, pero también cineastas; en efecto, Nico vivió una intensa relación sentimental y artística de 10 años con el cineasta francés Philippe Garrel. La dama alemana creó la banda sonora para muchas de las películas del artista, como por ejemplo « Elle a passé tant d'heures sous les Sunlights » o la más conocida « la cicatrice intérieure », es precisamente este último fantástico trabajo que Nico utilizó como inspiración para su álbum « Desertshore ». La reedición, por parte de Elektra, nos permite descubrir esta joya de rock místico que quedó bastante desconocida. El « coffret » reúne también otra obra mayor del artista intitulada « The Marble Index », álbum fundamental pues le permitió emanciparse verdaderamente de sus « mentores » (Reed, Browne, Dylan,.) y volverse en una verdadera artista, libre y orgullosa de su trabajo. Con este album Nico se libera del pesado apellido de Musa y empieza un trabajo de introspección que le llevará muy lejos, hasta un universo onírico, de casi locura, que nunca le dejará escapar. Nuestra valquiria siempre intentó exprimir su verdadera naturaleza, humana y artística y es precisamente « The Marble Index » el espejo de sus ambiciones, de sus deseos escondidos. El milagro fue posible gracias también a la colaboración de un compañero de siempre, John Cale, que añadió al álbum este toque inquietante y ancestral que siempre vivió en el alma de la Diva pero que nunca antes había podido exprimirse. Otro empuje fundamental es debido al nacimiento de un nuevo amor, el de Nico con su harmonium y es precisamente gracias a este instrumento que Nico empezó a crear sus propias canciones y a encontrar su libertad. En efecto esta primera parte de su vida durante la cual el artista dio a la luz su primer álbum « Chelsea girl » ya se ha terminado y « The Marble Index » pone las bases de una nueva época llena de dificultades, de noches frías y de largas tournées. Raramente en el panorama musical alguien se aventuró tan lejos, sin hacer concesiones a la industria musical e intentando existir aislado del maintream, también enfrentando algunos momentos verdaderamente difíciles donde su vida misma estaba en peligro. Nico siempre vivió libre y es gracias a esta libertad que podemos escuchar joyas como « The Marble Index » y « Desertshore ». Esta reedición es importante bajo diferentes puntos de vista, primero el de mantener viva la memoria de este artista singular, ancestral que se volverá el modelo de toda aquella parte del mercado musical que sobrevive con dificultad y muchos esfuerzos. « Desertshore » pone también de relieve la facilidad con la cual Nico se movía al interior del panorama artístico. La Diva fue una artista polivalente quien sabía crear una relación entre imágenes y música que iba más allá de las convenciones. En efecto, su relación con Garrel le permitió exprimir este talento y crear algunas de las bandas sonoras más impactantes de la historia del cine. En las películas de Garrel la música no se limita a subrayar las imágenes sino que baila con ellas y hace nacer un universo paralelo sin reglas aparentes. La canción « Le petit chevalier », nenia cantada por su hijo Ari con una voz tan ingenua pero al mismo tiempo inquietante nos enseña la fragilidad misma de la vida y pone las bases para una reflexión más amplia sobre el sentido de la palabra « existir » en un mundo donde es la ley del más fuerte que domina. Otra canción « Jenitor of lunacy », dedica póstuma a Brian Jones, subraya con fuerza esta idea de « ausencia », de « precariedad » y de búsqueda de respuestas. La voz de Nico nunca ha estado tan poderosa y frágil al mismo tiempo y nunca su arte ha estado tan influyente. Entonces, descubrimos o redescubrimos este artista que tanto ha dado y que tanto merece recibir, dejémosle vivir a través de nuestra memoria y dejemos que su música viaje todavía a través de nosotros. The Sewergrooves Rock N´Roll Receiver. (Wild Kingdom Records) 2007 Por Jesús S.- IndyRock Vuelven los Sewergrooves después de un periodo de convulsiones internas (saldado con la salida de Robert, batería fundador) tras el cual la formación ha mutado a cuarteto, y lo hacen con un disco fresco y directo. Alta energía sin pausa por parte de una banda que surgió al cobijo de Hellacopters y que beben de fuentes más o menos similares, a saber, desde MC5 a Nomads pasando por todo lo bueno del rock más puro de los 70. Los suecos apuestan por una producción cruda y despojada de toda truculencia, de hecho ello se definen como "una banda sucia de rock and roll". Temas rápidos y vigorosos, donde las guitarras arrasan al resto de instrumentos dejándolos en un segundo plano. La inicial "She´s a punk"  ya pone sobre aviso de lo que se traen entre manos: guitarras a todo trapo para canciones inmediatas que se nutren de watios para dar como resultado una colección de trallazos a medida de todo amante del punk, el garaje y en definitiva del rock sin concesiones. The DT¨S. Filthy Habits. (Get Hip- Dock) 2007 Por Jesús S.- IndyRock En España nos estamos acostumbrando a acoger con los brazos abiertos a formaciones de fuera que hacen un rock and roll inmediato muy querido por esa minúscula parte de la población que somos los rockeros, contados por decenas (y no por miles) en pequeños y conmovedores conciertos que el gran consumidor no conoce.  En ese circuito se mueve esta banda. "Filthy habits" es el regreso de los DT´s, muy conocidos, comno digo,  por haberse pateado la piel de toro unas cuantas veces y por contar con buenos amigos en nuestro país. Ahora vuelven con un disco que sin aportar nada especial suena fresco y contundente con su perfecta mezcla de soul y rock en la onda de los BellRays, comparación odiosa pero evidente. También, como estos, cuentan con voz femenina. Diana Young-Blanchard aporta un toque especial a canciones que suenan a clásicos de la Motown o Stax pasados de vueltas en su justa medida.. En algunos cortes suenan a puro AC/DC etapa Bon Scott pasados por la turmix con dejes a lo Joplin. Una apuesta interesante que viene a reflejar el buen momento que atraviesa una banda que además ha contado con la producción nada menos que de Jack Endino, que pone coherencia en la grabación y consigue equilibar la balanza entre las históricas influencias y un sonido actual.  Type O Negative Dead Again/ 2007 por Jesús S. - IndyRock Las huestes de Peter Steele están de vuelta con un nuevo y profundo compendio de metal oscuro y paralizante, tanto o más como la fria y malévola mirada de Rasputín en una de las mejores portadas de los últimos años. Siguiendo con su personal concepción de la vida y la música, el oscuro talento de Steele pare en este nuevo álbum otro buen puñado de grises y perversas canciones que arrancan con la que da título al disco y que deja claro lo que espera el oyente en la próxima hora. Hazte una idea de lo que te espera, con títulos como "Muerto otra vez", "Helloween en el cielo" o "Ella me quemó"...Tan contundentes como góticos y, hasta cierto punto, carnavalescos, Type O revitalizan un estilo y ponen al día puntos de vista tan atractivos como escorados al lado menos accesible del rock del nuevo siglo. La pesadez de las guitarras a lo largo de temas como "The profits of doom" y "She burned me down" espesan aun más las retorcidas letras de un Steele que deja a iconos del burlesque-rock moderno como Marilyn Manson a la altura del betún. En conclusión, un excelente trabajo apto para cualquier osado que por un motivo u otro quiera sumergirse de lleno en el mejor metal moderno que quepa imaginar.  Portastatic "Be still please" (Merge/Acuarela) 2007 por David López - IndyRock Podemos estar más que contentos. Mac McCaughan, el que fuera líder de los maravillosos Superchunk y dueño del imprescindible sello Merge (ni más ni menos que la casa de Arcade Fire), nos regala por fin un disco bajo Portastatic que merece todas nuestras reverencias. Tras "Bright Ideas", nestro héroe lo fi vuelve a deleitar en "Be still please" con un combinado irresistible de voces evocadoras y sutiles; preciosos arreglos de cuerda y piano; melodías atemporales que a veces se presentan vitales, otras resultan melancólicas; y sobre todo ese sorprendente torrencial compositivo entre el indie rock y el pop más personal que ya nos hizo vibrar en la época de Superchunk. Sabia es la decisión de abrir con "Sour Shores", poderoso matrimonio de estribillo enérgico y memorables cuerdas que con "Black Buttons" se toma un deliciosa pausa con dos invitadas de excepción, Laura Cantrell y Annie Hayden, que conceden sus privilegiadas voces a una pieza de inigualable belleza. McCaughan lo mismo retrotrae el legado de su banda previa en cortes guitarreros como "Your Blanks" o ese absoluto hit potencial que es la pegadiza "I'm in love (with Arthur Dove)", que se atreve con un pequeño experimento con aires de bossa nova como "Sweetness and Light" o pequeñas subidas que actuan como sinceros recordatorios del indie-emo característico de los últimos Death Cab for Cutie en "Like a Pearl". Para completar la jugada, la edición europea viene acompañada de tres bonus tracks, dos demos y una emocionante versión de "And I was a boy from school", el conocido single de Hot Chip que en manos de McCaughan suena a clásico instantáneo. Lo dicho, el disco que estás deseando colocar junto a tus CDs de Pernice Brothers, Yo La Tengo, Built to Spill y, por supuesto, Superchunk.  Alioth - 12 Historias Autoeditados - CD - 2007 Por Jesús Rojas Disco de presentación de este grupo madrileño de heavy metal que ha contado con la producción del respetado Manolo Arias (Ñu, Niágara, Bella Bestia,.) y que ha tenido que recorrer muchos kilómetros hasta conseguir esa impecable masterización en los estudios Finnvox (Helsinki). Para conocer su historia, sólo hay que dejar sonar el corte "Alioth", donde la filosofía de la banda queda resumida a la perfección. En conjunto, una docena de composiciones redondas donde los sueños se convierten en los protagonistas. No podía ser de otra manera, ya que este trabajo es el sueño que llevaban tanto tiempo persiguiendo, ahora sólo falta que se les reconozca como se merecen, como una banda de heavy metal española que, sin abandonar lo genuino del género, aportan una lírica sobresaliente y una contundencia sonora aplastante. Sin duda, ha merecido la pena este largo viaje, ya que estas doce historias consiguen convencer por sí solas, gracias a una contundente base rítmica y unas muy trabajadas letras, que ponen de sobresalto el buen estado del heavy metal en España. Pero no todo es doble bombo y riffs cortantes como los de "Perros de Pavlov", "Volver a nacer" o "Caminos imposibles", con unos destellos que recuerdan a los mejores Iron Maiden esta última.  Algunas de las historias, como "Sueña" se convierten en esenciales dentro de la amalgama de cortes metálicos. Las guitarras eléctricas comparten protagonismo con las acústicas y la voz de Álvaro Sánchez se hace la dueña del momento. Y especial atención merece esa despedida titulada "Madera de encina", con unas letras profundas, de las que consiguen llegar dentro. Melancolía acústica cuya finalidad es enmarcar un trabajo realmente bueno.  Neomenia, rock estilístico  "Luna Nueva" - CD- Locomotive Records - 2007  Por J. E. Gómez / IndyRock  Rifs incansables, percusiones atronadoras, melodías del mejor metal clásico. Neomenia es una nueva banda que ha recuperado las esencias de lo que se llamó el rock de Vallecas, rock de barrio, incansable, sugerente, aglutinador de estilos, y enraizados en bandas como Topo,. Obús, Boikot. A pesar de que en su zona de influencia se mezclan los sondios multiétnicos, Neomenia se ha decantado por el hard más contundente. Trallas incansables para arropar una voz suave y potente a la vez, cargada de aires de baladas metaleras. Con la escudería Locomotive Records, Neomenia han creado "Luna Nueva", once ntemas sin desperdicio, de rock sin concesiones y cargado de estilismo, guitarras progresivas y bases de impacto. Rock sin más, potente, cargado de energía y letras que te acercan a la realidad de las calles.  The Jai Alai Savant "Flight of the Bass Delegate" (City Slang/Sinnamon Records) 2007  por David López - IndyRock El debut largo de The Jai Alai Savant, el nuevo proyecto del hiperactivo Ralph Darden, recuerda, en su primera escucha, a los mejores momentos de la escudería Hellcat y la época dorada del punk/ska californiano. Afortunadamente recuperan la frescura de aquellos trabajos con una nueva entrega de competente fusión punk, hardcore y reggae rock. La potente "Arcane Theories" es una especie de bomba punk ska pasada por el filtro Dischord que no desmerece al sonido Washington; "Scarlett Johansson why don't you love me" demuestra sus facilidades para adoptar cierto carisma pop; "Sugar Free" es pura perversión de The Police; "The Low Frequent Sea" actúa como recordario de la escena británica; "White on White Crime" se alza a ritmo de los vientos levantando una explosiva descarga festiva a lo MU330; "When I Grow Up" revela un auténtico hit punk rock que recuerda a Wheatus; mientras que "30's in the Thousands" y "Datamassagana" defienden toda una declaración de versatilidad aprovechando los medios tiempos y el marasmo instrumental. No deberían sorprendernos pues las palabras de Cedrid Bistec-Zavala, cabeza visible de The Mars Volta (su compañero Omar Rodriguez fue el primero en publicar material de The Jai Alai Savant) al referirse a los directos de la banda: "La mezcla de Ralph de dub y punk al estilo D.F. me hizo pensar en Elvis Costello haciendo reggae o en el bisnieto de Bad Brains". Casi nada. Yes Boss "Look Busy" (Dance to the Radio/Sinnamon Records) 2007  por David López - IndyRock La generación que idolatra la aportación de Chuck Taylor al mundo del calzado puede temblar desde hoy mismo. La hiriente "Indie Kids", uno de los más irreverentes y brutales hits de la temporada a ritmo de garage surcado por bajos y guitarras, tiene la culpa de todo. Y sus autores, Yes Boss, parece que están aquí para quedarse un buen rato. Noah Brown y Gavin Lawson son los dos nombres que se ocultan bajo Yess Boss, sorprendente dúo de Leeds que supone la primera aportación grime al sello Dance to the Radio. Independientemente de la conveniencia de la etiqueta, "Look Busy" promete muy buenos momentos para los fans de la inconformista escena británica. Sumergidos de lleno en los retratos del "Trainspotting" de Irvine Welsh, Yes Boss combinan el arsenal sónico y las atmósferas densas con la chulería y la punzante crítica social que actúa como duro puñetazo en el estómago. A veces suenan crepusculares ("Troublin'"), otras ambientales y oscuros ("Hospital Time"). Lo mismo demuestran que pueden ser agresivos y bailables a lo Audio Bullys ("NYB") o hacen temblar al mismísimo Mike Skinner experimentando con épicos episodios clásicos ("Meet the Boss", "Blow Dart"). La electro "Tongues in Knots" los une a Tom Russia (alias Whiskas, líder de los afamados ¡Forward Russia! y capo del sello que militan) y "They think it's all over" y la oculta "War Boss" podrían ser la banda sonora de los jóvenes alienados de los suburbios británicos. Garage y electro urbano y desgarrado para los decepcionados con el último trabajo de The Streets, que encontrarán en "Look Busy" una obra sincera y áspera que bien merece la escucha.  The Tellers "The Tellers" (62TV Records/ Sinnamon Records) 2007  por David López - IndyRock The Tellers, o lo que es lo mismo, Ben Baillieux-Beynon y Charles Blistin, podrían ser próximamente los nuevos héroes de MySpace (y es que el descubrimiento de Cansei de Ser Sexy no es una casualidad entre un millón). Nuestros protagonistas, dos jovencitos belgas, han conseguido saltar de Internet a una discográfica como tantos otros, pero desde luego bien armados con un puñado de maravillosas canciones pop-folk y una propuesta en principio humilde que demuestra que Conor Orberst no es el único que tiene valor para subirse a un escenario empuñando únicamente una guitarra. Melodías alegres, tiernas y desenfadadas que recurren por igual a los primeros Violent Femmes ("More", "Second Category") o a un Pete Doherty abandonando los Babyshambles para dedicarse en exclusiva a la guitarra acústica ("Girls of Russia"). Incluso "Jacknife" parece una versión relajada de algún tema rock a la francesa de Carayos. Siete relatos narrados por una voz difícilmente olvidable, siete canciones breves pero ensoñadoras, atemporales y siempre muy agradables que parecen un homenaje sincero a las cosas bellas (pero sencillas) de la vida, y que reclaman una pronta continuación. Un dulce para paladares exquisitos. Dartz! "This is my ship" (Xtramile/Aloud Music) 2007 por David López - IndyRock En un año donde se producirá el relanzamiento o el definitivo descalabro del revival post punk (de momento la primera cosecha marcha bastante bien a la espera del nuevo álbum de Franz Ferdinand), los británicos Dartz! se presentan con ganas de comerse su trozo del pastel. Menos bailable de lo que podría esperarse, afortunadamente evitan caer en los peores clichés (sólo hay que escuchar la aburrida reválida de The Rakes) y amplian sus miras enriqueciendo sus argumentos. Como si de una superbanda se tratase, el sonido Dartz! se alimenta de la rabia contenida de los ya desaparecidos Q and not U, los juegos vocales de Blink 182 y el talante del nuevo punk pop inglés de The Futureheads en una especie de remedo de los Radio 4 menos esquivos y los clásicos del punk norteamericano/europeo. "Network!, Network! Network!" o "Once, Twice, Again!" suenan a lo más llamativo del catálogo de Burning Heart, "Teaching me to dance" es su particular invitación al baile donde los vientos, las percusiones y los ritmos post punk hallan su mejor fusión y "Prego Triangolos" es ese radiante single que nos recuerda lo salvajes que fueron Q and not U. Ojalá y el éxito de sus primeros singles les acompañe y crezcan musicalmente superando la delicada frontera de la embestida temporal. Por el momento, disfrutemos desprejuiciados de este "This is my ship" y procuremos no perdernos sus directos, de los que sólo se hablan maravillas.  LCD Soundsystem "Sound of Silver" (DFA/Emi) 2007 por David López - IndyRock Hay quien podría pensar que el esperado retorno de LCD Soundsystem resulta decepcionante por cómodo y fácil, por esquivar el riesgo y ser básicamente una obra continuista. Es cierto que James Murphy apuesta por mantener la dirección y el sonido de su debut y sus singles previos, pero el genio  neoyorkino se guardaba unos cuantos ases en la manga. La potente maquinaria de baile y desenfreno de Murphy bebe, una vez más, del conglomerado de percusiones, cencerros, beats y groove, pero decantándose  por su vena más electrónica, explotando al máximo las posibilidades abiertas por "Disco Infiltrator". No es que se haya olvidado del rock (ahí está  "Watch the Tapes" para corroborarlo), simplemente éste muta hacia una electrónica cósmica de influjo kraftwerkiano y sensibilidad a lo Brian Eno  en temas como "Get Innocuous". Nueve temas (de los cuales cinco están compuestos junto a Tyler Pope y Patrick Mahoney) en los que el todopoderoso capo de DFA se hace cargo de casi todo y donde hay espacio para alguna que otra sorpresa. "Us versus Them" prostituye la orgía rítmica de "Beat  Connection" mientras que "Someone Great" es una grandiosa pieza que combina vibrante electro y ensoñación pop, tan evocadora como aquél "You can't go  home again" de DJ Shadow; "North American Scum" es el single perfecto para descubrir la excitación del Nueva York subterráneo mientras que "All My  Friends" parece efectivamente una declaración de unos LCD para todos los públicos. Y como broche de oro ese emocionante "New York I Love You" donde  James Murphy canta a su adorada ciudad como lo haría Lou Reed. En definitiva, otro tratado inteligente que sintetiza como pocos la herencia musical contemporánea y que desde ya lidera, junto a Klaxons y !!!, las listas de lo mejor del año. Imprescindible. !!! "Myth Takes", Warp (2007) por David López - IndyRock "Myth Takes", la nueva vuelta de tuerca de !!!, retoma y amplia hasta límites insospechados el legado rítmico y directo de su antecesor "Louden Up Now", demostrando que este monstruo de múltiples cabezas capitaneado por Nic Offer tiene mucho que decir aún. Que nadie se engañe. Aquí encontrarán el  arrebatador punk funk que los definió durante un tiempo o las percusiones latinoamericanas y los ritmos machacones que marcan la locura de sus directos. Pero !!! renuncian a su planteamiento más caótico (y fresco) y se toman más en serio que nunca el trabajo con las guitarras mientras enriquecen el menú de la casa con todo tipo de sorpresas: el sonido Madchester y el vibrante ambiente de La Hacienda, fiebre del sábado noche a rebosar de falsetes, disco, excitantes voces femeninas y puro sexo, la primitiva catarsis instrumental y electrónica del underground neoyorkino, sugerentes experimentos vocales y nuevos registros en el formato, ya sea  partiendo de los vientos o el piano. Si "Heart of Hearts" es el perfecto single que nos invita a ser juguetones en el rincón más oscuro del local de Tony Wilson, "All My Heroes Are Weirdos" y "Must Be The Moon" son la frenética y absorbente traslación discográfica de la muralla sonora y salvaje que representa verlos en concierto, prolongando su minutaje y su sacudida hasta el éxtasis, mientras que "Yadnus", "A New Name" y "Sweet Life" sonrojarán por su versatilidad atemporal bebiendo de la relectura soul, pop o discoglam. Y para rematar una gozada de ritmo y riqueza multiinstrumental como "Break in Case of Anything" o la bajada y posterior crescendo de "Infinifold". Una bomba de diez pildorazos a punto de estallar, imprescindible banda sonora para sudar y desgastar la suela de las zapatillas en el centro de la pista. Middian Age Eternal. (Mastertrax) 2007 por David López - IndyRock En un panorama donde la nueva guardia del postmetal porta la única esperanza de innovación y amplitud de horizontes (sólo hay que dejarse tentar por la obra de Isis, Neurosis o Pelican), Middian se presentan como esos viejos conocidos que intentan aportar novedad a una escena algo estancada. Si Middian es un nombre nuevo no lo es el de sus componentes, de los que sobresale Mike Scheidt, líder de los ya desaparecidos y añorados YOB. Precisamente Middian recuperan la línea doom de YOB pero enriquecida y más abierta a nuevas influencias. El tratamiento de la voz llevado a la catástasis, el trabajo en la prolongación de ritmos pesados, la brusquedad de sus quiebros, así como la densidad oscura y atmosférica de sus texturas melódicas (tan cercana por momentos a la vía compositiva del stoner) conforman un debut áspero e intenso no apto para todos los públicos. Muy interesante y recomendable Jorge Salán Chronicles of an Evolution. (Dro Atlantic) 2007 por David López - IndyRock El tercer álbum de Jorge Salán es cuanto menos soprendente. De indudable factura internacional (remarcada por la agraciada compañía de músicos reputados), el nuevo capítulo en el ya prolongado currículum de Salán va mucho más allá del sonido heavy y hard rock que se le podía presuponer. Además de rock en su vertiente más guitarrera, "Chronicles of an Evolution" es la declaración de principios de alguien que está dispuesto a abrirse caminos. Por ello bajo su inequívoco talento para la presentación de melodías que podrían colgar el epígrafe "music for the masses" (y es que el futurible potencial de sus canciones así lo demanda), todo es posible, ya sean insospechados ecos del punk pop norteamericano o el sonido de Red Hot Chili Peppers (ahí queda "Chase the Fire"). Un álbum algo irregular por sus altibajos pero con suficientes atractivos para atraer a un público variado y numeroso.  Klaxons, "Myth of the Near Future" 2007 por David López - IndyRock Los hijos de la generación NME llevan una buena temporada comprobando como la luminaria de la prensa musical inglesa no deja de bombardear y modificar gustos y estilos de vida a ritmo de los hypes de la temporada. Si parecía que con Franz Ferdinand y Artic Monkeys se acababa el mundo, la veterana revista se ha sacado un nuevo as de la manga. Acostumbrados previamente a todos los posts posibles (del post-rock al post-metal), "new rave" ha sido la afortunada etiqueta que aparente y satisfactoriamente ha acogido en su seno a la nueva ola de bandas británicas dispuestas a romper el esquema en el que sin lugar a dudas habrían quedado estereotipadas por su simple pertenencia nacional. Aunque los posibles integrantes del nuevo pelotón de listillos de la pandilla se haya burlado tajantemente de la denominación, parece que hasta cierto punto encajó en un nuevo estado de cosas para los cachorros del post-punk y el dance rock. Al menos, en esta ocasión, nuestros protagonistas tienen una buena defensa que ofrecer.  Y es que lo de Klaxons suena extraño por la singularidad de la propuesta. Jamie Reynolds (voces, bajo), Simon Taylor (voces, guitarra) y James Righton (voces, teclados) robaron su nombre del Manifiesto Futurista de Marinetti, admiran la valentía de Liars, reivindican la electrónica más descacharrante de principios de los noventa, se apropian del legado literario de J.G. Ballard o William Burroughs, pueblan sus textos de referencias a Aleister Crowley y Alfred Jarry, y sus clips rebosan humor marciano y vestuario importado directamente del armario de Cassette Playa. ¡Qué se puede decir de unos tipos que se atreven con relecturas de Paul Oakenfold o Kicks Like A Mule (de los que han retomado "The Bouncer", uno de los clásicos del acid house británico)! Pero nada de esto sería importante si no se hubiesen presentado en sociedad con un disco bárbaro bajo el brazo. "Myth of the Near Future" es la carta de presentación de una de las grandes bazas musicales de este temprano 2007 tras una serie de singles de los que marcan época. Desde la aparición de "Gravity's Rainbow" en una edición casera de 500 vinilos hasta su fichaje por la multinacional Polydor todo ha sido un crescendo imparable. De los festivales de Leeds y Reading a agotar todo el papel disponible para su gira actual. Pero, ¿qué hace diferentes a Klaxons dentro del maremágnum de bandas que registra la escena actual?  Producido por James Ford (uno de los artífices de los desenfrenados Simian Mobile Disco, próximo highlight de la temporada), "Myth of the Near Future" sabe conjugar perfectamente el pop más personal, la electrónica desquiciada, el rock bailable revientapistas y el descaro de unos Test Icicles ya desaparecidos. El reciclaje inteligente es la única opción para explicar la adicción provocada por "Atlantis to Interzone" o "Magick", tan solo dos pequeñas porciones de su particular universo fluorescente del que esperamos no escapar en mucho tiempo. Ojalá y pronto podamos disfrutar en España una vez más de su atronador directo. Aunque por el momento mejor dejarles avisados y recomendarles no visitar su web si sufren de epilepsia. Es lo que tiene la nostalgia retro Cápsula, Intensidad post-punk "Songs & Circuits" - Discos Liliput - CD 2007  Por J. E. Gómez / IndyRock Con una base de punk clásico, trío de bajo guitarra y batería, voz masculina y femenina, sensual esy agresivas estamos ante una de las mejores bandas de post-rock, punk, noise, que ha dado este país y que, como suele ocurrir, tienen mucho más reconocimiento en Inglaterra, Francia, Holanda o Alemania que en España. Capsula es una banda de la escudería-embajada de Liliput, afincada en Bilbao. Han elaborado un álbum "Songs & Circuits" que es el resultado de decenas de directos en salas de gran parte de Europa, donde se han hecho con un sonido compacto, electrizante, sugerente y sorprendentes, ya que desde ritmos del punk más clásico se lanzan al pop y a la psicodelia cruzada de trallazos guitarreros. Han hecho un disco de once temas en los que nos trasladan a su particular mundo de atmosferas cargadas de intensidad, a melodias directas, oscuras. Un trabajo en el que nos hacen viajar por un mundo paralelo, alejado de los convencionalismos al uso della industria. Merce la pena tenerles en cuenta. Puedes orilos en www.myspace.com/capsulaorg  Prin'La Lá, en estado puro  "Esto es Prin'La Laá" - CD 2007 / Eureka  Por J. E. Gómez / IndyRock Pop en estado puro, canciones sencillas, extraídas directamente de territorios de cuentos y leyendas, de corazones infantiles. Un viaje por la nostalgia de días de aulas, libros de aventuras, novelas de amor y deseos de experiencias aún por llegar, es lo que muestra Prin'La Lá, un grupo formado por tres chicas cordobesas, Macarena, Isabel y Blanca (8, 14 y 18 años), que ha sorprendido gratamente en los ambientes más indies e incluso a los puristas del pop. Son voces sencillas con instrumentación acústica, guitarras, organos, metales, percusiones... y todo ello en una especial sinfonía minimalista y letras de vivencias cercanas. Aunque ahora muestran su primer larga duración, ya habían sorprendido hace dos años con singles realmente encantadores. Curiosamente este trío, que podría considerarse fruto de una operación de márketing, en realidad fue un descubrimiento del cantante de Flow, Fernando Vacas. Con un mínimo de interés en su lanzamiento, las chicas podrían convertirse en uno de los grandes fenómenos de lo indie en este país.  Psyopus. Our puzzling encounters considered. (Mastertrax) 2007 Por Jesús S.-IndyRock  La ¿música? contenida en este trabajo de los neoyorkinos Psyopus se acerca peligrosamente a la paranoia y la irrealidad. Capaces de generar dolor de cabeza instantáneo, lo suyo es el grind metal, un género extremo como pocos, que tuvo su momento a mediados de los noventa y que se encuentra inmerso, en mi opinión, en una crisis de talentos que lo saquen de la mediocridad en la que está ahogándose. Este disco es claro ejemplo del momento actual del metal más acelerado: mucho ruido (demasiado!) y pocas nueces. Aun así, como es normal en este tipo de subgébneros, la escucha puede complacer al oyente habituado a este tipo de salvajadas. Siendo generosos, podemos destacar sin embargo cierto aire progresivo, que se ve aun así enmarañado entre tanto caos y velocidad.Para los más curiosos, decir que en la banda milita el guitarrista Arpmandude, compañero de Hank Williams III en Superjoint Ritual.  The End. Elementary (Mastertrax) 2007 por Jesús S.- IndyRock Si hay una palabra tópica y mil veces utilizada en la historia de las reseñas de música heavy,  esa es "apisonadora". Pero por más sobado que esté el término, sigue siendo el más descriptivo a la hora de definir el sonido de ciertas bandas. The End entran en esa categoría, y por poner algo de originalidad, podemos decir que suenan como una fabrica de apisonadoras.  Fuertes, profundos y agresivos, sus riffs y sus desarrollos progresivos pueden machacarte las neuronas a base de bien. La voz de Aaron  Wolf puede remitir  en los arrebatos más poderosos a la de un Max Cavalera de los buenos tiempos, pero la música de la banda, al menos en este "Elementary" va por derroteros más apegados al metal moderno. En sus surcos la agresividad cohabita con cierto sentido de la melodía  (ojo a  ese "The never ever aftermath") que hace que no pierdas de vista las profundas letras , agobiadas e introspectivas, lamentos acompañados de una producción de lujo que sorprenderá a todo aquél que se acerque a un disco que puede marcar un antes y un después en la progresión de una banda venida de la nada y dispuesta a instalarse en los corazones más metaleros  del viejo continente.  Dee Rangers. Five spanish minutes.  (Screaming Apple - I Wanna) 2007 por Jesús S.- IndyRock Grabando.con esta palabra comienza  "You gotta understand", tema que abre el disco de Dee Rangers, unos veteranos que desde Suecia nos presentan una colección de canciones sencillas, grabadas en Gijón de la mano del mismísimo Jorge "Explosion", construidas sobre la base sólida del rock británico de los 60, con pinceladas de psicodelia y mucho sonido garaje, acentuado por un farfisa que no da tregua.  No son tan descaradamente buenos como unos Cynics pero están en camino de convertirse en referencia obligada del nuevo garaje.  Lo bueno de este disco es que si te dicen que es de una banda sixties que no controlas, te lo crees igualmente. La producción es intencionadamente sucia, sólo falta que se escuche la aguja recorriendo los surcos de un imaginario vinilo. Doce preciosas tomas que conforman un álbum que estos suecos presentarán por nuestro país el próximo mes de Marzo.   Para amantes de Sonics,  Lyres, Electric Prunes y demás capitostes del género. A Pacific model Divisions DEMO 2006 por Juan Gallardo - IndyRock Desde el norte de Texas llega una de las propuestas más interesantes que he tenido la suerte de escuchar en los últimos años. Con reconocidas influencias de este lado del Atlántico (Radiohead of course) no dejan de tener un fuerte acento americano, con pequeños detalles jazzisticos en ocasiones, y eso es lo que más sorprende de sus canciones, estructuras en ocasiones bastante ortodoxas y convencionales arropadas por efectos y cajas de ritmos, si algo echo en falta es que lleven la experimentación hasta el final. En su demo Divisions, nos ofrecen 12 canciones que indican los distintos caminos que podrían tomar cuando sigan creciendo, música ambiental, rock, experimentación, la batalla más dura será precisamente entre el rock americano de la resaca post Nirvana frente a los ojos puestos en un futuro por escribir. Si bien todas las canciones crecen tras varias escuchas, para un servidor la joya absoluta es Show Silent, curiosamente la última canción del CD, dónde explotan en una anarquía digna de los mejores CDs de tu repisa, perdón, de tu Ipod.  Puedes escucharlos aquí: http://www.myspace.com/apacificmodel  Top Models "To the Maximum"Bip bip records 2006 por Miguel Angel Alejo - IndyRock  To the maximum es la tercera entrega de este trio de Barcelona. El primer CD de una banda, se machaca durante años, el segundo se hace de las canciones sobrantes "ya machadas" pero no cabían en el primero. En el tercero, la banda demuestra lo que vale, si realmente echa "pa´lante". Ricky G., Tony Nervio Roto y Pol Fontini demuestran que esta banda de mod-punk y rocker avanza... que tiene futuro. To the maximum comienza con toda una declaración de intenciones (Kangaroo) para ir abriéndose paso con Bollywood star, Sugarbaby evil city o be the light. Cocktais sonoro que va subiendo a ritmo de los riffs de guitarra, más acelerados vamos a lomos de Shake it or break it o Death of the blues. No fue un sueño es la única cantada en castellano, el resto, interpretada en el lenguaje de Shakespeare. Top Models en este To the maximum se presentan más fuertes, más enérgicos, muy dispuestos para el baile, pero, eso sí, sin perder sus orígenes en el que la voz tiene su importancia, que por algo provienen de bandas míticas como Rebeldes, Matamala o Brighton 64. En el disco, quizás por error de imprenta, se saltan el tema instrumental 11. No existe, sin nombre. La importancia de las bandas o el nivel de amigos que tienen se mide también por las colaboraciones. Insustituible ya Paco Loco oímos a Gary Louris (The Jayhawks), Maika Makoski o Cristian Vogel que cierra el disco con un remix de Kangaroo. El CD se acompaña de tres videos sobre temas de su anterior disco, Beautiful Señoritas, dirigidos éstos por Albert Gil, David Trueba y Sandra Uve. Escúchalo en http://www.myspace.com/topmodelsbarcelona This et Al "Baby Machine" - CD www.thisetal.com 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock El post-rock internacional se mueve en territorios de experimentación de nuevos sonidos y la recuperación de la mejor tradición del brit pop, el glam y el rock sin concesiones. This et Al es una banda surgida en Bradford (UK) en 2002 y que ha conseguido un espacio propio en el pranorama internacional. Lanzan al mercado su primer larga duración bajo el título "Baby Machine" en el que muestran sus raíces en bandas como Radiohead, Muse y Placebo, aunque marcados por el preciosismo de Sonic Youth. This et Al, dan un paso más allá de los convencionalismos y crean atmósferas densas y gritos de reveldía y contestación social en temas tan actuales como la violencia doméstica o el abuso de las drogas. "Baby Machine" es una joya de sonidos super cuidados, un disco que crece con las escuchas, que se instala directamente en tus espacios musicales preferidos. La banda está formada por Steve Wilson, batería; Ben Holden, guitarras y teclados; Simon 'Stardust' Stevens, bajo y voces; Wu, voces y guitarras. Los Tiki Phantons "Los Tiki Phantoms regrasan de la tumba" CD- BCore 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock Está claro que lo instrumental lejos de caer en el olvido, renace con más fuerza cada día, y sobre todo con revisiones de sonidos dignas de tener en cuenta. Los Tiki Phantons ofrecen una lección de profundidad instrumental y obscuridad en los conceptos partiendo de una base de surf R&R. Lanzan su primer álbum al mercado bajo el título "Los Tiki Phantoms regresan de la tumba", en la escudería BCore. Un viaje a viejas películas, a paseos de playa con guitarras aceleradas, ritmos pegadizos del mejor rock and roll. Reverb a tope tras pasar por multitud de salas catalanas y participar en festivales como el Reverb in the Olivas. Muestran una sobredosis de pasión por la música que contagian con facilidad en disco y, sobre todo, en arrolladores directos cargados de look y actitud positiva, a pesar de su imagen cargada de esencias de camposanto y rostros cadavéricos. De hecho la coer del disco no es más que cuatro tipos duros con calaveras por rostro. Sin duda un magnífico trabajo para amantes de cñlásicos como The Shadows. Red Soul Community "Red Soul Community" Wild Punk Records 2006 por Miguel Angel Alejo - IndyRock  La banda Red Soul Community nace de las cenizas de Los Dingos, pero más enraizados en los sonidos jamaicanos, en concreto en el pump Reggae. Se presentan en sociedad con un disco del mismo nombre editado por Wild Punk Records. Contiene seis temas que, como carta de presentación, abarcan todos los límites de esos ritmos jamaicanos. Jose María Labase, Carlos Dingo y la excelente voz de Isabel García forman esta banda granadina preparada para el baile, para el movimiento de cadera. Para la grabación han echado mano de Pablo García (baterías) y Patri y Zeke de Son de nadie.  Comienza el CD con Lost in the ocean, el mejor de los seis temas, con la potente voz de Isabel para cadenciosamente apareciendo temas como Pump Reggae!!!, That groove y la instrumental Mexico 68. En Looking from the other side incluyen sugerentes coros "africanos", mientras cierra una versión "dub" de Pump Reggae!!!. Hay que ver como el dub de un recurso técnico a la hora de grabar, se ha convertido en todo un estilo musical.  Red Soul Community, en cuanto a sonido, ha bebido desde el clásico Jimmy Cliff, Derrick Morgan y The Aggrolittes, influencias que, por cierto, no esconden en absoluto. Granada nunca deja de sorprendernos con bandas que abarcan todos los estilos y las fronteras del buen pop y rock.  The Mutaytor Double Toil & Trouble Best of Live 2004-2005 Por Joe McGaha (USA)- IndyRock The Mutaytor no es una banda, sino un grupo de músicos, bailarínes, actores, y especialistas de sonido y video que montan espectáculos (un poco parecidos al Cirque de Soleil, pero más joven y espontáneo) por el Oeste de los Estados Unidos.  El show consiste de mucha música, mujeres quitándose la mayoría de la ropa (¿a quién no le gusta eso?), fuegos artificiales, dragónes chinos, y muchas otras cosas, todo bajo un ritmo fuerte. Su c.d., Double Toil & Trouble, Best of Live 2004-2005 contiene la música de las actuaciónes.la mayoría en vivo.  Es música divertida, mucho ritmo, electrónica, etc., y como lo grabaron en vivo, también se oye los aplausos del público.  La mejor canción para mí es la última (número 8 en el c.d.), que se titulo "On Fire Like This", o sea, "En Fuego Así".  Es la única canción del elepé que grabaron en un estudio, y se nota por la calidad. Me ha gustado el c.d., y ahora tengo ganas de asistir a un show.  Creo que The Mutaytor seguirá creciendo, y llegará a ser algo conocido en todo el mundo. Para más información sobre The Mutaytor en la red: http://www.themutaytor.com/ - Myspace http://www.myspace.com/themutaytor - YouTube http://www.youtube.com/watch?v=htYGErJP3bc Billy Idol. Happy Holidays 2006 por Jesús S. - IndyRock La historia de la música moderna tiene páginas llenas de discos navideños. Sobre todo los grandes crooners de los años 50 pusieron de moda los "christmas albums". Desde Bing Crosby (el mejor ejemplo) hasta gente como Sinatra, Dean Martin y cia., muchos han sido los que se han acercado al espíritu de Santa Claus y sus secuaces aprovechando el enternecimiento que estas fechas provocan en el público. Ideales para disfrutar de un bonito cocktail rodeado de trineos y nieve, los discos navideños tienen un encanto especial. Y como muchos sabréis, un mundo tan alejado de este concepto como es el rock n´roll tampoco ha podido resistirse a esta temática. Ejemplos los hay innumerables. Yo me quedo especialmente con Elvis, que cantó a la Navidad con tanta clase como le cantaba a las chicas o a las cárceles. Ni siquiera el mismísimo Joey Ramone le hizo ascos al tema, y recientemente incluso bandas como Marah han tenido las narices de lanzar discos navideños plagados de alegres tonadillas y cascabeles. Pues bien, ahora nada menos que el gran Billy Idol viene a completar esta tradición. El tipo ha echado valor al asunto y sale ileso del trance. Siempre he visto en Idol a un crooner postmoderno, personalidad para ello le sobra. Y aunque muchos preferimos su faceta rockera, no está de más darle una oportunidad a este lanzamiento. Grabado este mismo año, justo antes de que comenzara su tour europeo, "Happy Holidays" es un efectivo muestrario de música navideña grabada con personalidad y estilo. Tal vez merezca la pena tenerlo aunque sólo sea  para desempolvarlo cada doce meses, junto a los referidos discos de Crosby o Presley. Inmejorable banda sonora para descorchar el champagne y pegarse un baile de fin de año. The Orchard Thieves. The Orchard Thieves 2006 por Jesús S. - IndyRock Debut de una banda aun desconocida por estos lares, la propuesta sonora de este cuarteto neoyorquino arranca desde un punto de partida claramente arraigado a ese pop trascendental y elegante que se vale de una producción milimétricamente estudiada, en la cual convergen los más conocidos elementos del género, partiendo de unas bases sencillas sobre las que se genera una amalgama de sonidos que van desde acústicas desnudas, sintetizadores, pianos o la incursión de instrumentos de viento. Banda curtida en los locales de ensayo del Lower East Side de la Gran Manzana, este primer trabajo les situa directamente en la orbita de los amantes de las canciones inmediatas en la habitual linea del  pop americano de tintes arty y visceralidad lírica.  Lek Mun, sorpresas pop Lek Mun EP- Sound in a coma 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock El pop de este país se caracteriza por composiciones demasiado simplistas y, en muchas veces se le ha nota aquejado de falta de profundidad temática y musical. Por ese motivo sorprende agradablemente encontrar proyectos que se alejan de la tónica general para entrar en terrenos más comprometidos, donde ha de primar la calidad y la fuerza a la hora de expresar sentimientos y creaciones artísticas. Lek Mun han logrado dar el salto hacia esas cotas de calidad. Es una nueva banda, pero con componentes curtidos en escenarios y estudios. En la nueva formación de la cantante de Maple, Laura, con su voz sugerente, cadenciosa, tendente a los sonidos jazzisticos y los caminos del soul. Laura, junto a Dani, batería de Maple, y Edu, teclista de La Habitación Roja, Francesc (Guitarra) y Ander, bajista en Five Mix Colours, publican un primer trabajo en formato EP con el sello Sound in a Coma. Tres temas luminosos, intimistas, en los que se crea una atmósfera muy especial de sonidos entrelazados, sin pausas, cadenciosos y dulces. Sus primeras actuaciones fueron en fiestas y salas pequeñas para conciertos muy bien seleccionados. Es realmente un lujo para quienes gustan de las segundas escuchas y el intimismo. The Bongolian, bongos para un techno garajero "Blueprint"- Blow up Records -  2006 Por J. E. Gómez / IndyRock A medio camino entre el funk, el latin soul, el techno y el más sucio rock garajero, se encuentra el espacio sonoro de The Bongolian, donde Nasser Bouzida (líder de Big Boss Man), expresa su impresionante capacidad de crear bases rítmicas, percusiones in crescendo, fundidos de sonidos acústicos de bongos con sintetizadores y guitarras electrificadas. Electróinica con ritmos calientes, reiterativos, propios para sesiones de club, con recuerdos a músicas rituales, pero con atmósferas sucias, garajeras. En 2007 presentará en una gira por España su último álbum "Blueprint", escrito, arreglado, producido e interpretado por propio Nasser en los Ramshacle Studios. En la gira que hizo en España en 2004 con Big Boss Man dejaron un reguero de seguidores por todo el país. Ahora preparan las 10 citas que le llevarán por salas de todo el país. Fechas en IndyRock La vuelta de Allen Epley, The Life and Times, "Suburban Hymns"CD- Cydonia 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock Rock experimental, tendente al post rock. Una nueva forma de ver la música y la composición del guitarrista de los norteamericanos Shiner, Allen Epley, que con una nueva banda, The Life and Times, ha creado un álbum cargado de calidad instrumental, voces y magníficas composiciones llenas de emotividad. Allen muestra un muy especial universo de sonidos. Recuerdos a la música de Radiohead y cadencias vocales más cercanas al rock de Seatle. En este álbum de The Life and Times, destaca profundamente la percusión y la conjunción entre guitarras obscuras y la voz envolvente de Allen, que se ha rodeado de Eric Abert y Chris Metcalf. Tres músicos que aportan una impresionante intensidad creativa y sonora, en un disco "Suburban Hymns" que en España es publicado por Cydonia. The Penelopes, desde Japón "Summerdew Avenue" CD 2006 Vaudeville Park Records Por J. E. Gómez / IndyRock Por rock sencillo, alegre, vibrarnte, intimista a veces, enraizado en aires de los setenta y con fuertes reminiscencias beatelianas. The Penelopes son japoneses. Desde el Imperio del Sol lanzan "Summerdew" Avenue, un disco con once temas cargados de pasión por el rock and roll, voces duduantes y guitarras alegres. Cantado en inglés por TatsuhikoWatanabe, que se encarga además de las guitarras, teclados y programaciones. Junto con Chigusa Miyata, bajista, forman la esencia de The Penelopes, que para este disco se han rodeado un magnífico elenco de colaboradores. Aires de pop vibrante, un verdadero aliciente para bailar en tardes de sol. www.jttk.zaq.ne.jp/penelopes Electrónica de autor Billy Moho y Los Cosquillas - "Poema muerto" CD- Autoproducción 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock ¿Quieres viajar a un planeta muy especial? Ahora puedes hacerlo, Billy Moho y Los Cosquillas es el conductor de la nave interplanetaria. Con "Poema muerto", Billy Moho, un verdadero antihéroe, cantautor, creador de efectos musicales, lanza su ópera prima, un disco cargado de descaro compositivo en el que priman los sintetizadores, las programaciones, guitarras, percusiones y la permanente voz de Billy Moho, un multicreador que se oculta bajo la identidad del extraterrestre llegado de otros mundos, y que es el responsable de la totalidad de la instrumentación, letras y música. Viaja entre la electrónica de los ochenta y el pop de los últimos años, con bases rítmicas dignas de tener en cuenta. Del cosmos de Aviador Dro, al descaro comedido y matizado de Alaska. Billy Moho y Los Consquillas comercializan su disco en la red, en www.billymoho.com ORSON, "Bright Idea"Mercury, CD- 2006 Por Luis Rodrigo Álvarez / IndyRock Me aproximo al primer disco de Orson con la cautela que genera haber visto el videoclip de su single"No tomorrow" hasta en los 40 principales. Me llamó la atención la fuerza adherente de esa canción, pero no pensé en ese momento que se tratase más que de un hallazgo afortunado, una casualidad para un grupo que por algún motivo clasifiqué automáticamente como otro "one hit wonder".  Error. Tras haber caído en mis manos este "Bright Idea" de portada francamente fea, me sorprendo de encontrarme ante un trabajo que contrasta con la mayor parte de la música pop provinente de U.K. por su optimismo hedonista y, sobretodo, por su ausencia de ironía.¡Imposible, son ingleses!. Sí pero de origen californiano. Eso ayuda a explicar las cosas. Practican un pop rock guitarrero con dosis de funk e interpretado con vigor y gran concisión que logra con creces lo que se propone: poner las pilas. Se nota un trabajo muy fuerte de producción y una visión musical muy clara para cada canción que, no por ser directas y tremendamente pegadizas, dejan de estar cuidadas y cargadas de detalle. El inicio se me antoja estudiadamente impactante: se trata de los tres primeros singles, todos del tirón. Tres de las canciones más brillantes, enérgicas y bailables del disco que te dejan con la boca abierta. Pero la sorpresa viene cuando los cortes que siguen no flojean en ningún momento y nos encontramos temas como "Already Over" o "Tryin' to help", que podrían haber sido perfectamente singles. Así , hasta completar los 10 trallazos de un disco que se hace corto porque quizás estabas esperando la típica canción un poco más larga, un poco más pesadita, un poco más pretenciosa. ¡pero es que no hay nada de eso aquí! Podemos recurrir al tópico: es un "disco ideal para despertarse o para iniciar una noche de juerga". O bien: "intenta escuchar temas como "No tomorrow" o "Happinness" y mantener tus pies quietos". De eso se trata más o menos. Algunos lo tacharán de disco fácil. Lo que queda claro es que Orson ha dado una lección de cómo conjugar "mainstream" y calidad. En su segundo disco nos demostrarán por donde quieren ir y si tienen realmente personalidad. Hasta entonces, a disfrutar con lo presente. Mastodon, el resurgir del dragón "Blood Mountain" - Reprise Records - Warner CD 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock No es posible entender las diferentes líneas evolutivas del metal sin esuchar con atención a los pioneros, a los luchadores del Hard Rock, a grupos como Iron Maiden, Deep Purple, Sepultura, y algunos otros más oscuros, maléficos y diabólicos. Entre estos últimos se encuadra Mastodon, uno de los grandes mitos del rock más poderoso. La banda formada por Brann Dailor, Brent Hinds. Bill Kelliher y Troy Sanders, no abandona. Continúa en la carretera, haciendo incursiones en los caminos del infierno. Lo hace de nuevo con un álbum cargado de explosiones de sonidos, caminos por senderos tenebrosos, épicos, sangrientos. Se titula "Blood Mountain". Una docena de temas en los que priman las guitarras progresivas, las melodías in crescendo, con una base rítmica implecable, fuera de lo habitual. Fuerza y contundencia, en las que no faltan los aires de baladas, a su estilo claro... Mastodon significa recuperar el amor, la pasión por las esencias del hard, dejarse llevar a un universo de danzas tribales a la espera de la llegada de legiones infernales. Fiel Garvie, intensidad lumínica desde UK "Caught Laughing" - Words on Music CD 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock Queramos o no, Uk sigue siendo el olimpo del underground. Cuando encerrados en nuestra concha territorial nos olvidamos de que hay otros mundos, llegan creadores que nos sorprenden y lanzan a la cara las evidencias. La música hecha en el Reino Unido, se escribe con mayúsculas. En esta ocasión es una banda de pop, tendente al postrock, Fiel Garvie, que presentará en España, en noviembre, su último trabajo discográfico, "Caught Laughing", editado por Word On Music. Un CD de nueve temas cargados de intimismo y de luminosidad preciosista. Está repleto de atmósferas y pinceladas de paseos vespertinos en días de nubes en los que aparece un rayo de sol. La voz de Anne Reekie es omnipresente en este álbum, con segundas voces a cargo de Greg McDermott y Enma Corlett. Llama poderosamente la atención la intensidad de instrumentaciones. Un violonchelo marca cadencias a guitarras de medios tiempos. La percusión suave e incansable. Violines lejanos, Maravillosamente disonantes a veces, crescendos... Fiel Garvie, han elaborado un trabajo en el que destacan minuciosos arreglos y una perfecta unidad temática. Todo ello con la ayuda en las mezclas de Geoff Allan (Mogwai, Camera Obscura, Malcolm Middleton, Arab Strap). En España estarán de la mano de Mercury Whells en Vigo, Madrid y Barcelona (días 9, 10 y 11 noviembre 2006). Puedes conocerlos en www.fielgarvie.co.uk Rosvita, canciones porque sí "Podría ser" Famelia CD 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock Hacer canciones porque a uno le apetece, juntarse con los amigos y elucubrar, probar sonidos, experimentar con teclados y cualquier cosa que pueda conseguir una armonía sonora, es un ejercicio liberador de la mente. Rosvita es un trío de Madrid que parece ser que sueña con jugar, que juega con la música a su antojo, profundizan en el pop sencillo, minimalista, electrónica y guitarras. Reiterativo, cadencioso hasta el infinito. Acaban de lanzar, autoproducido dentro del colectivo Famelia, un LP con 8 temas que han titulado "Podría ser". Un trabajo perfecto para reencontrarse con la creación como divertimento. Rosvita llevan seis años en el candelero con trabajos de lo más ecléctico. Autocalifican su música como divorciada, atractiva, sensible, apasionada y muy cariñosa. De hecho, una realidad es palpable con la primera escucha. Se hacen querer. Este álbum es la primera referencia discográfica del colectivo Familia en el que se encuentran DEcapante, Ainara Legardón, doss, Rosvita y Nauta. Ghouls 'n' Gosths, ópera prima Aloud Music 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock Haber formado parte fundamental de bandas como Madee o No More Lies, es una magnífica carta de presentación. La esencia del indie, del hardcore, del pop con garra, de la música de alta calidad en melodías e instrumentación, está presente en el primer trabajo de Ghouls 'n' Gosths, un nuevo grupo y disco de la escudería Aloud Music que cuenta con la indiscutible voz, presencia y composición de Ramón Rodríguez, el alma mater de Madee, un compositor que desde Cataluña, supo crear un sonido propio en la escena independiente europea. Junto a Santi García (cerebro de More Lies), Carles Mayor, Víctor García y Sara Pi, firman la mayoría de los once temas de su ópera prima. Un trabajo cargado de sentimientos, de emociones in crescendo y cuidadísimos juegos instrumentales, con una voz cadenciosa, impactante, que predomina sobre la composición. Guitarras siempre presentes, conductoras de impresiones paisajistas. No reniegan del inglés para expresarse. Han creado un álbum que podría estar entre los más granados de la creación europea alternativa. VVAA Illegitimate Spawn. The Fuzztones Tribute Album. Por Jesús S. - IndyRock ¡Atención, amantes de los Fuzztones! Nada menos que cuarenta y dos bandas se han involucrado en este proyecto junto a Sin Records, para rendir obligada pleitesía a la banda que hizo del farfisa y la serie b un estilo de vida. Ahora que hace un tiempo que no sabemos mucho de Rudi Protudi, es bueno volver a recordar lo mejor de su cancionero en manos de fans de la banda. Bandas jóvenes, procedentes de todos los rincones del mundo, algunas de ellas declaradamente bandas tributo (Weirdtones, Lysergic Love, Fuzz Faces). La mayoría no son formaciones  muy conocidas, pero su buen gusto queda fuera de toda duda a la hora de hacer suyos los temas de los Fuzz. Destacan, eso sí, los nombres de Mad Juana, Jayne County o Nikki Suden. Por lo demás, bandas argentinas, italianas, francesas, americanas, dejando claro que sin haber sido Fuzztones un grupo de éxito masivo si que fueron capaces de ofrecer algo original a lo largo de las décadas, y supieron llevarlo a todos los rincones del planeta. Y la selección de temas, impecable, con cada banda aportando su punto de vista personal e intransferible en temas como "She's wicked", "Highway 69" y "Charlotte's Remains". En definitiva, un doble cd muy apetitoso, que además nos da la oportunidad de descubrir a nuevas bandas a las que hincarle el diente.  Caldo Sexo y otros fantasmas Autoeditado 2006 por Miguel Angel Alejo - IndyRock  Caldo se lo guisa, él se lo come en Sexo y otros fantasmas. Una docena de temas de pop sencillo que recuerdan, con menos sones electrónicos, a Un pingüino en mi ascensor, con esos estribillos y ese regusto por la movida madrileña.  Sexo y otros fantasmas se convierte en la "ópera prima" de Caldo y que ha compuesto y grabado de golpe, pocas horas para componer y arreglar esos 12 temas. El resultado claro está, un CD poco reflexionado y escasamente arreglado, pero al mismo tiempo, algo mejor, fresco y sin texturas extrañas. Las letras en conjunto te dejan un mal aliento, pesimista, en el que la incomunicación está presente hablando sobre todo en primera persona. Una incomunicación que también se refleja en la portada del CD, repleta de casas, de gente que vive en sus nichos pero en los que no se aprecia ni una persona, así cada uno a lo suyo. A destacar, la instrumental "Guerra" y las dos partes de canción de amor a una azafata.  Caldo en "Sexo y otros fantasmas" se incluye en el movimiento, cada más importante, del COPYLEFT, o sea, que el comprador tiene vía libre para copiar o reproducir su obra musical. My Chemical Romance "Life on the murder Scene" Repriserecords 2006 por Miguel Angel Alejo - IndyRock Tras su apabullante CD "Three Cheers foro sweet revenge" My Chemical Romance vuelven a la carga con "Life on the morder Scene" (Repriserecords, 06). Esta banda norteamericana de punk rock gótico hacen gala, desde la portada, de esa faceta gótica. Parece que te vas a manchar de sangre las manos de sólo tocarla. Y realmente sólo te manchas e impregnas de esos sonidos rápidos y alocados que te lanzan sin descanso. Aquí no descansan, no dan respiro. One, two, three.. a vomitar esos estribillos infernales, en los que demuestran que tras esa actitud rebelde y oscura, existen unos buenos músicos. En Life on the morder Scene (que tiene nombre de serie de TV) nos encontramos con una colección de temas, quizás algo desordenados, en el que van incluyendo temas de demos, temas en directo y diversas rarezas de sus inicios que, quizás, estuvieran guardadas en  un cajón. Las han desempolvado y al disco. Destacan temas como You Know what they do to guys like us in prison que se puede convertir en uno de sus himnos y la más rápida Bury me in the black que se nota de debe ser de sus primeras composiciones.  Además del disco, encontramos dos 2 DVD que contienen video-clips, actuaciones en TV y películas cortas en las que los miembros de la banda hacen sus pinitos interpretativos. 4 horas, sí 4 horas, del llamado material extra que contiene entre los dos DVD. Por otro lado, su vocalista Gerard Way se ha metido a guionista de cómic para la editorial Dark Horse, pero esa ya es otra historia. O Fillo pausado "Unidades"Autoproducido 06. por Miguel Angel Alejo - IndyRock Hay un límite entre la música y lo que podríamos llamar música. Un hilo fino que la banda gallega "O fillo pausado" -seudónimo que utiliza Magú Castromil- anda por esos límites en este CD, Unidades. Encontramos 14 temas de minimalismo e nihilismo realizados totalmente para tiempos de descanso y que encaja a la perfección como banda sonora de una película de serie B. Magú se hace acompañar solamente - en algunos momentos- de las notas del violín de Eva. Y ojo, O fillo pausado no es un cantautor, es lo más lejano a ese nombre que podemos encontrar en el panorama musical. Da igual si O fillo pausado se expresa en castellano o inglés, la letra no es significativa, es sólo un elemento más en esa búsqueda de los límites de melodía. A destacar Los números romanos y A veces, está última cuya letra son diferentes consonantes y vocales sueltas. En definitiva, un disco hecho más para la escucha atenta y pequeños espacios que para grandes escenarios. Unidades hace honor al "pausado" del nombre de la banda. Vuelta hacia adelante Uzzhuaia "No intentes volver atrás" EP-2006 Por J. E. Gómez / IndyRock Volver a la escena no significa repetir tus pasos, cantar a la nostalgia o encerrarte en los esquemas de tu particular olimpo. Volver puede significar caminar hacia adelante, patear caminos inexplorados de creación. Uzzhuaia es una banda leal a los sonidos compactos, rabiosos, duros y cargados de sentimientos, arropados de unas magníficas melodías a caballo entre el mejor hard y un cierto toque de punk desenfrenado, con impresionantes bases rítmicas. Para demostrarnos que después de más de un año "desaparecidos" no sólo siguen siendo Uzzhuaia, sino que dan un paso más allá de sí mismos, presentan un EP con cuatro temas que son (dos de ellos, "No intenetes volver atrás" y "La cuenta atrás") un adelanto de lo que será su nuevo larga duración que aparecerá en el mes de septiembre. Este disco tiene un tercer tema "Corriendo tras de mí" que no estará en el disco y una versión de Motorhead. Uzzhuaia han creado himnos que marcarán una esperanza en el futuro del rock en este país, donde la música se carga cada vez más de sonidos descafeinados y donde del "Prohibido fumar" ya mismo se pasa al "Prohibido el Rock and Roll". Holywild "Electric Garden" Mulberry Records, 06 por Miguel Angel Alejo - IndyRock  Tras una cuidada portada -de escritorio de tu PC- Holywild nos presenta Electric Garden (Mulberry Records, 06), su Segundo CD. Antes como cuarteto, se hacían llamar Karma Police. Como reacción a convertirse en trio-y cambiarse de nombre- sacaron el Trae Stories/invented lives. CD debut que les salió demasiado oscuro y atropellado: había que soltar rabia contenida. Con este Electric Garden están consiguiendo ese equilibrio para esas fuertes guitarras que, en algunas ocasiones, no parece haberlo conseguido. Se desbocan.  A Holywild le da igual Shakespeare que Cervantes, cantan en los dos idiomas. Tu día de suerte, es ideal para tumbarte a ver crecer la hierva, One by one para recoger frutas de los árboles, Livin dead´s love te acompañaría en un largo paseo mientras, la mejor, Burn this town sería para charlar (o algo más) con tu pareja en la hierba. Holywild es un grupo de pop con toques punk que va creciendo como la hierba en tu jardín (que bonito simil) y este Electric Garden es un buena semilla sonora. Johnny Cash "American Recordings V: A hundred highways" LOST HIGHWAY, Julio 2006 por Luis Rodrigo Alvarez - IndyRock Me ha sorprendido y me ha llenado de emoción la publicación de "American Recordings V: A hundred higways", la nueva entrega de la maravillosa serie de discos que Johnny Cash grabó con Ricky Rubin en la ultima etapa de su carrera. El avispado productor exprimió hasta el final la energía y talento que le quedaba al bueno de Cash, haciéndole grabar desde canciones de cuna de su infancia hasta versiones de Soundgarden o Depeche Mode, pasando por nuevas composiciones. Pero, al contrario de lo que pueda parecer por lo extenuante que debió ser ese proceso, la calidad de cada nueva entrega no se ha resentido en absoluto. Ya en su anterior entrega, "The man comes around", pudimos escuchar lo que parecían ser los últimos suspiros de JC: una voz profunda y resonante como siempre pero lamentosa y rasgada por la vejez, dolorosamente cercana. En éstas canciones encontramos ese mismo aliento, pero esta vez el conjunto del disco tiene un carácter más crepuscular aún. Más de la mitad de las canciones nos hablan de muerte, de religión, de cómo enfrentarse al fin a través de la fe, etc. Incluso los temas ajenos, sorprendentes algunos y acertados todos, acaban por empaparse de un significado nuevo y estremecedor en la voz de Cash ¿Se puede pedir más a una versión? Pero no son solo las versiones las que hacen de este disco una delicia. Las dos canciones escritas  por Cash, sin llegar a la altura de los de su anterior entrega, mantienen el listón muy alto, especialmente si tenemos en cuenta que los escribió un viejito de más de setenta años muy mal llevados.  Recomendaría todos los discos de ésta serie a cualquiera que se quiera dejar emocionar por una de las voces más cercanas y sinceras que se han grabado nunca y,  aunque me duele en algún lugar cada vez que oigo el lamento del abuelo, espero egoístamente que ésta no sea su última entrega. Bases de punk y rock para un lanzamiento techno Neoman / The Scandals - Serial Killer Track - Pale Music International CD 2006  Por J. E. Gómez / indyRock La escena electrónica londinense y berlinesa se mueve por caminos difílmente imaginables fuera de la cultura anglosajona y centroeuropea. Crean nuevos espacios para la experimentación y la fusión de estilos. Desde el punk más rabioso al dance tradicional. Pale Music International ha editado un disco en el que recopilan singles de dos formaciones basadas en el concepto DJ, Neoman y The Scandals. Los primeros son un dúo formado por Bastian Asdonk , guitarrista en numerosas bandas e incluso miembro de la emergente escena hip hop británica. Muestran en este disco ""Gift of the Gab Remixes". Les gusta jugar con ritmos cercanos al post punk electrónico, con remix de composiones propias, con ciertos aires intimistas, cadencias bailables, e incluso cercanas al hardcore. Por su parte, The Scandals, llegan desde Berlín con "My life Nightlife", gustan de elementos de new wave, rock anda roll y la más clásica electrónica. Son descarados, eclépticos, cercanos a la escena nu metal, todo ello rodeado de un interesante aire de cultura de club, perfectos para escuchar en momentos de melancolía, e incluso para mover las pistas de baile de más alta calidad. Este disco recopilatorio de Pale Music, bajo la denominación "Serial Killer Tracks 001&002" está distribuido por Neuton. www.pale-music.com Homenaje a la aventura Grupo Salvaje - "Aquí hay dragones" - Acuarela CD- 2006  Por J. E. Gómez / IndyRock Una de las grandes pérdidas de la humanidad en el siglo XX fue la aventura, el espíritu de los viejos viajeros decimonónicos, el sabor de lo desconocido. Lo abandonamos en favor de una sociedad tecnificada, más preocupada por el día a día que por romper fronteras y mirar al futuro, dejamos de agudizar la vista para contemplar grandes horizontes y nos hicimos cortos de vista y miopes sin remedio. Es triste, pero aún queda un resquicio de esperanza. Algunos creadores no se resisten a enconrsetarse en los estereotipos marcados por la industria o los imperativos mediáticos y recuperan, no sin esfuerzo, el viejo espíritu de los aventureros, los geógrafos, los viajeros. Grupo Salvaje es una formación auspiciada por Ernesto González, líder de Pribata Idaho. Este músico versatil s e unía a Carlos Perino, Javier Rincón, Oscar Feito y Pepe Hernanández, para crear una nueva banda, Grupo Salvaje, en un directo homenaje al director San Peckinpah y a su gran lección cinematográfica sobre el canto del cisne del espiritu del Western, de los pioneros. Hicieron un disco intenso y compacto "In Black We Trust". Ahora, en 2006, lanzan su segundo trabajo que han titulado en honor de la frase estampada en las cartas geográficas para señalar los territorios desconocidos "Aquí hay dragones". Hacen un maravilloso recorrido por sonidos enraizados en el country, en el folk, en la más pura tradición marcada por gentes como Johny Cash, San Phillips, e incluso el genial Joe Strummer. Llama poderosamente la atención los temas "The Wost Journey in the World" y Scott's Arm", dedicados a los intentos del capitán Scott para conquistar el Polo Sur. Viajan en busca de territorios inexplorados con e l rock, una cálida voz y una especial tensión intrumental, como únicas armas. Tomates fritos "Molly" FNB Grabaciones 2006 por Marys Renné Hertiman Formados en 1996, con un EP de tres canciones como primera producción, luego de siete años y de haber sacado al mercado su segunda producción musical (Odissey), Tomates Fritos regresa con Molly, su tercera placa discográfica, en donde parecen haber encontrado y redefinido su estilo a través de un sonido mucho más madura. Traen un concepto digerible, de  pulso y ritmo sincopado con tendencia al rock-folk, country-folk e inclusive el dixieland, propios del sur de Estados Unidos, presentan una impecable ejecución junto con un sonido muy desarrollado, excelentes arreglos, y con letras simples pero a la vez sugestivas. Molly transcurre por un sonido muy genuino, diferente a lo que actualmente se esta haciendo en Venezuela, de atmósferas calidas y sutiles, con una instrumentación muy precisa en donde las guitarras suenan a guitarras y los bajos suenan a bajos. Temas como Cantaura Brothers, demuestran la buena utilización vocal; en Hoy no, el protagonismo de la armónica se precipita por los tiempos, arrastrándonos al folk más puro cubriéndonos con vehemencia; mientras que Ganas -mi favorita- que por medio del uso del clarinete y una buena técnica en la instrumentación le confieren un aire sofisticado y muy evocador, llegando a ser un tema seductor. Con este disco los Tomates han explotan con gracia el sonido grave del bajo, la batería y la guitarra conjugándolos a su ves con el piano, demostrando que han estudiado nuevas formas, nuevos estilos, en donde las influencias los hacen desembocar en un sonido más propio. http://www.tomatesfritos.moonfruit.com/ Stafas "Doble o nada" Pies 2006 por Miguel Angel Alejo - IndyRock  El ex-Canalla Michel Molinera lidera a estos Stafas que han editado su segundo CD, Doble o Nada (Pies, 06). Le acompañan en esta aventura Anono (Despistaos), Manolo Maestre (Santa) y Javier del Palacio. Doble o nada, es un simple disco de rock, más contundente que su debut Por arte de birli Birloque. Stafas suena a muchas otras bandas, a ritmos más que machacados, donde eso sí la voz y las guitarras toman el protagonismo máximo. Por diferentes ritmos "Yahaaaa..."(instrumental) y Aprende a quererte llaman más la atención. Esta última dedicada a la "ana y mia" (anorexia y bulimia). Incluyen una versión de Resistiré del Dúo Dinámico. Nunca creí que llegaría a decir esto, pero me gusta más la versión original. A poco que Stafas, busquen más y se dejen de claras influencias, llegarán a abrirse más el corazón de los seguidores del rock. La Kinky Beat "One More Time" (Kasba Records, 06) por Miguel Angel Alejo - IndyRock  Me imagino a esta banda La Kinky Beat metidos en la furgoneta escuchando este su segundo CD, "One More Time" (Kasba Records, 06). Irían moviéndose en ese vehículo a ritmo desenfrenado de cabaret de los años 50. Esa es la basa, a la que le añaden diferentes ritmos como el reggae, ska, rockesteady, dub, funky y quizás unas dosis de "manucheonismo". Ahora con la inclusión del Dj. Rude, han conseguido una electrificación de sus sonidos.  La Kinky Beat, como la mayoría de bandas de mestizaje, están hechas y planteadas para el directo donde se desatan totalmente. Sus CD son sólo una guía de lo que te espera si asomas por donde están. Llama la atención, que este sonido lo saquen sólo cinco músicos cuando habitualmente este tipo de bandas no suele bajar de siete. Eternity (pop ambient), Dejar de pensar (escuchar atentamente sus samplers), Black Panther, Big drummer (punk rock) y Rebel smile sobresalen en este compacto CD de 13 temas. You will Always walk Aloud Varios 2006 por Miguel Angel Alejo - IndyRock  Tres velas en el pastel de cumpleaños de la discográfica Aloud Music y que mejor forma que celebrarlo con un disco recopilatorio de lo que es y será a corto y medio plazo esta discográfica. El boca a boca ha hecho que esta discográfica pueda colocar como columnas sólidas estas tres velas. La primera por apostar por bandas indie. La segunda por mirar por la calidad (más que lo comercial) y la tercera, y no menos importante, por aguantar todo lo anterior sin perder la esperanza.  You will Always walk Aloud resume lo mejor - y más granado- de los primeros ocho lanzamientos de Aloud. Abre Bloomington, la banda más conocida junto con los alemanes Jettison. Junto a ellos Raydibaum, Peluze, Nothink, The Appleseed Cast y (lo:nuêso).   La selección de temas, que no llevan a la desidia mono-gámica al ser todos indie, sino que llevan a conocer más a bandas a las que el boca  a boca ayudan más que aparecer en las espantosas listas de los más.... de las cadenas de radio fórmula.  Felicidades a Aloud y esperamos poner, entre todos, la cuarta vela. ¡Me pido encenderla y soplarle!. Lo dicho, felicidades.  Blues Straight Up What's Up With The Blues? 2006 Por Joe McGaha Blues Straight Up es una banda blues Chicana desde el éste de Los Ángeles.  Tocan una mezcla de blues y "r & b" tradicional, y canciónes originales que reflejan más de sus raíces.  Su c.d., What's Up With The Blues demuestra esa mezcla.  Harpdog canta la mayoría de las canciones tradicionales, mientras Lava Gonzales canta las canciones originales (en inglés y español).  Me gustan las canciones tradicionales, pero creo que la banda brilla más que nada en las originales.  Lava Gonzales canta con alma, o como dicen en Méjico, con ganas.  En sus propias palabras, Gonzales canta blues "al estilo Chicano", y me encanta.  Os recomiendo este c.d..algo nuevo y distinto desde una banda llena de talento y espíritu.  Para comprar What's Up With The Blues en la red: http://www.bluesstraightup.com/bluesnews.html Para más información sobre Blues Straight Up en la red: http://www.bluesstraightup.com The Make up - Untouchable sound Sea Note - 2006 por Jesús Rojas - IndyRock Segundo disco en directo del cuarteto norteamericano más transgresor de la década de los 90. El primero salió en 1997, justo antes de la publicación de "Sound Verite". Ahora, tras recibir halagos por todas partes debido al exitoso "In mass mind", The Make Up han optado por dar a conocer a todo el mundo su salvajismo rock en carne viva, en vivo.  Para los que no hayan tenido el placer aún de toparse con su garage-punk plagado de teclados y voces transgresoras, decirles que son uno de los grupos más influyentes de la década de los 90 y que siguen la estela de bandas como The International Noise Conspiracy o Tokyo Sex Destruction (tanto en la música como en la estética). Destellos sesenteros como los de "Call me Mommy" o "They live by night", son más que interesantes. A destacar también la explosiva versión de "Wade in the water", un clásico del rythym and blues que pondría en lo más alto en su día The Graham Bond Organisation. Riffs de rock and roll The Hot Dogs - III - RockOn Music CD- 2006 Por J. E. Gómez / IndyRock Es sólo rock and roll ¡para qué quieres más! es lo que siempre nos ha hecho vibrar, disfrutar de la creación musical. Así lo creen los miembros de The Hot Dogs, una banda del país vasco, que lanza su tercera colección de canciones, un disco que titulan simplemente "III". Jon Iturbe, Iñaki Urizabal, Carlos Alonso, Iker Alvarez e Iñigo Agirrebalzategui, demuestran frescura en la interpretación, buen gusto por las guitarras y los riffs contun dentes, reiterativos, deliciosos para dejarte llevar a un universo de rebledía. sonidos ochentones, sin miedo al qué dirán, y en inglés la lengua madre del rock. Ritmos trepidantes, distorsiones brillantes, virtuosas y una voz extraída directamente de ls más obscuros antros del soho londinense. Actitud roquera, cercana al punk-rock de himnos siempre vivos. El disco, publicado por RockOn, ha sido grabado y producido por Kaki Arkarazo, en los Garate Estudios. Está dedicado al añorado Kike Turmix.  Secretos invernales Santi Campos y los amigos imaginarios - Lucinda Records - CD-2006  Por J. E. Gómez / IndyRock Quién dijo que el rock y la poesía están reñidos, que los cantautores sólo pueden hablar de sentimientos melancólicos y divergencias políticas y que no forman parte del universo del rock. Santi Campos ha roto con esos trasnochados conceptos y hacer suya la mejor tradición de los cantautores eléctricos, a caballo entre el pop, el rock y aires del mejor folk americano. Santi Campos y los amigos imaginarios, publican "El invierno secreto", un disco en el que muestran un sentimiento especial por composiciones vibrantes, historias sencillas de amor y desamor, guitarras finísimas, aires de carretera y desiertos interminables. Estamos ante el primer trabajo de esta banda formada por el que fuese líder de Malconsejo, Santi Campos, que puso nombre y forma a sus "Amigos imaginarios" al juntarse con SEbastián Giudice, Jesús Montes y Ester Rodríguez, todos ellos miembros de Nominees, además de Manuel Cabezali y Charli Bautista, en la banda de Cristina Rosegvinge, entre otras. Todos ellos forman una magnífica banda que disfruta con lo que hacen y se les nota. "invierno secreto" es una colección de canciones que no se dejan olvidar, te arropan, te enganchan y se t e meten en la mente, las repites, las recuerdas. Quieres volver a oirlas. ¿Qué más puedes pedir?  Rojo Omega  COMO UN DIABLO! Imposible Records / 2006 por Jesús Rojas La historia de Rojo Omega se remonta a mediados de los 90. Tras haberse dado a conocer en un disco compartido junto a Vice & Vanity el año pasado, el cuarteto madrileño liderado por Bruno promete convertirse en los salvadores del rock and roll cantado en castellano con "Como un diablo!". Rojo Omega han facturado once cortes de rock en estado puro, once cañonazos que rebosan calidad y contundencia a partes iguales. Sus influencias más evidentes son Motörhead y Supersuckers. Canciones como "Gracias a mi" o "Todo me da igual" son directas y provocadoras sin llegar a la verborrea punk fucker de unos Torazinas, aunque la voz de ambos es bastante similar. Auténtico punk and roll desde la capital que sirve para dar una esperanza al ya casi desaparecido Malasaña Sound, aquel movimiento que tuvo como anfitriones a los ahora reunidos Sex Museum. También destacan los himnos punk rocker al estilo de Ramones o Buzzcocks. Me refiero a canciones como "Nada que perder" y frases como ". Ya vas otra vez así / metiéndotelo todo por la nariz / preguntas si me gusta / sabes que sí .". Aunque pueda parecer otra banda más de rock and roll descerebrado, el caso de Rojo Omega es diferente. Suenan muy bien y la calidad de sus composiciones es comparable a la de bandas de proyección internacional como Gluecifer o Flamin´ Sideburns. Thom Yorke "The Eraser" XL 2006 El Alma de Radiohead. por Juan Gallardo - IndyRock Thom Yorke nos ha dado una buena sorpresa con su primer disco en solitario "The Eraser" un proyecto que ha llevado a cabo de la mano de su eterno productor Nigel Godrich y del que casi nadie sabía nada hasta hace un mes cuando el mismo Yorke lo anunció en la web oficial de Radiohead. En aquel anuncio Thom dejaba claro que había contado con el beneplácito de sus compañeros y que no quería oír hablar de rumores de separación, egos encontrados etc. Especialmente sorprendente porque Radiohead se encuentra en plena grabación de su nuevo disco. El anunció no levantaba grandes expectativas, sobre todo porque decía que había sido una grabación "divertida y rápida", parecía que Thom simplemente se había sacado la espina de editar unas cuantas canciones que no consideraba lo suficientemente buenas para trabajarlas con el resto del grupo. De ahí el increíble impacto del disco, que supera las previsiones más optimistas. Sí, suena a Radiohead, a veces, más o menos, algún eco de Hail to the Thief y de Amnesiac, pero es un disco de Thom Yorke, el alma de Radiohead. Lo primero que choca es que, a pesar de ser un disco básicamente electrónico, toda la música suena con mucha claridad, la voz de Thom sin una pizca de reverberación, creación en estado puro. Desde la canción que le da título al disco "The Eraser" reconocemos los ritmos que martirizan a Thom desde Kid A, los coros casi gregorianos, y las letras increíbles de siempre (Las barreras que no puedes escalar, las frases que no riman ... no hay tiempo para analizar, para pensar bien las cosas, para darles un sentido... solo estás interpretando un papel ... Llovió toda la noche y después todo el día, las gotas eran del tamaño de tus manos y tu cara, los gusanos salían a ver qué pasaba y sacamos nuestros coches del río) Un disco que gana a cada escucha, con algunas canciones que te van a poner un poco a prueba, y otras como "Analyse" que se instalarán en tu corazón para siempre a los 10 segundos de empezar.

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