DISCOS AL OÍDO *
]>Comentarios de discos...
HISTÓRICO, ARCHIVO DE INDYROCK
#
Comentarios * Ir a comentarios ACTUALIDAD
BASE HISTÓRICA:
# 2015 # 2014
# 2013 # 2012
# 2011 # 2010
# 2009 # 2008
# 2007 # 2006
# 2005 # Índice
general + 2004 # 2003 # 2002 # 2001
# Anteriores
BUSCADOR en Base histórica 'Discos al Oído' de IndyRock
(
Click en los resultados para ir a información completa)
Busca en la página actual; el la sección histórica de Discos al
Oído; en IndyRock web
COMENTARIOS
Destroyer `YOUR BLUES´ ACUARELA DISCOS 2004
por
Fernando Navarro- IndyRock
Proyecto personal e intransferible de Daniel Bejar (cabeza
visible de los estupendos New Pornographers), Destroyer llega a su
quinto disco, el primero que licencia Acuarela en nuestro país.
Diario íntimo de un borracho o un loco, con los ojos puestos en lo
que él llama blues europeo (tradición que podría comenzar con Edith
Piaf, pasar por Jacques Brel y llegar a su apogeo con el `Paris
1919´ de John Cale o los discos más ásperos de Scott Walker o David
Sylvian), `Your Blues´ es una obra desgarrada, cínica e
inteligentísima sobre la soledad de un hombre en un entorno hostil,
digamos que un canadiense en la fría Europa de cafeterías cálidas y
camareras hermosas, la Europa vieja e insolidaria, la Europa extraña
y ajena de Varsovia o Lyon, una Europa idealizada y a la vez
maldita. Disco de texturas ambiguas, de cajas de ritmos que parecen
baterías tocadas en algún antro, de guitarras acústicas, metales y
cuerdas surgidos de un cochambroso Roland, de percusiones orgánicas
que aparecen por sorpresa, compuesto por doce apuntes borrosos, de
caligrafía tan lúcida como confusa, en `Your Blues´, nos encontramos
a un compositor maravilloso, a un letrista genial, a un músico
huraño y difícil. `Your Blues´ son las páginas arrancadas de su
diario europeo (la maravillosa apertura de `Notorious Lightning´, la
divertidísima `An Actor´s Revenge´, la empática `The Music Lovers´,
la esperanza escondida en un viaje de `From Oakland to Warsaw´, la
convincente austeridad de `Your Blues´ o la certera, hiriente `Don´t
Become The Thing You Hated´) páginas llenas de garabatos y letras,
de dibujos de mujeres (como el propio dibujo que preside la portada)
que la lluvia cualquier pueblucho polaco o portugués no consigue
borrar.
Argentine "IN
OTHER FICTIONS"2004
por
Fernando Navarro- IndyRock
Trío de atmósferas y guitarras expresivas, más cerca del
post-rock que del nervioso emo, Argentine debutan con un disco de
debut, este "In Other Fictions" en el que juegan a la descripción de
ambientes, a la enumeración de sentimientos tardíos, depresivos,
tristones, a la arbitraria acumulación de efectismos austeros (otra
paradoja en esto del rock, que los grupos más ambiciosos sean los
que más tensan el discurso, con toda la tropa del post-rock al
frente) y malos rollos vespertinos. Disco por el que soplan aires
helados y emociones contenidas, la ópera prima de esos neoyorquinos
tiene una clara virtud y un claro defecto y ambos son, al fin y al
cabo, la misma cosa: el discurso. Cuando su deliberado cansancio
(les pierde la excesiva duración de los cortes y un cierto
tremendismo sin motivo) deja paso al pop menos afectado (la segunda
mitad de "Fresh Inventions", la casi optimista "Westerly", quizá la
mejor canción del disco) o a la inquietud casi new wave (la
estupenda "Ender/Beginner") el disco gana puntos y se crece. Es en
los momentos en los que sonríe esta banda triste cuando alcanzan más
empatía, cuando son más interesantes. Curioso, ¿no?
Montoya
"MONTOYA" ERRATIC MUSIC 2004
por
Fernando Navarro- IndyRock
Año de celebración del quinto centenario de "El Quijote".
Congreso internacional sobre la lengua española en Rosario,
Argentina. El Instituto Cervantes abre lujosa sede en Berlín,
Alemania. Como si fuera una pequeña contribución al año oficial del
español (que comenzó como una ligera glosa, una anotación en el
borde de un códice latino), llega Montoya, un dúo de Washington (del
estado de Washington) que canta en español aunque ellos sean
americanos. Su disco homónimo y sus apellidos homónimos (la banda
está compuesta por los dos hermanos Montoya, Gino y Sergio) es un
debut curioso, indeciso, que igual suena a soft rock, o a AOR
("Solo", la casi soul "Todd") que a rock robusto y anticuado
("Jezebel" o "El Gato" me recuerda a ¡Los Ilegales!, "Las Joyas"
comienza con un riff apisonadora a lo Deep Purple, "La Voz") sin
decantarse nunca por ninguna de las dos vertientes (en "Rumba"
conjugan ambas, parece una balada sentida a lo Bowie pero el sonido
es de rock hortera de los ochenta) demostrando la aún tempranez de
la propuesta hispanohablante de estos dos hermanos norteamericanos
en los fastos de las celebraciones del español como lengua y como
idioma.
Ahleuchatistas "THE SAME AND THE OTHER" NFI 2004
por
Fernando Navarro- IndyRock
Atención a lo que sigue porque es algo muy, muy divertido.
Muchas veces se ha hablado de la cuadratura del círculo en esto del
rock, esa tendencia a que las tendencias (si me permiten, lectores,
la redundancia) y las modas y los sonidos, regresen cíclicamente y
se repitan como en una paradoja borgiana o en cierta fantasía
oriental. Así al rock progresivo siguió el punk y la nueva ola y
luego el heavy y el stoner rock para luego regresar el punk y luego
el pop blandito y luego la electrónica -que también era punk- y
luego el hip hop, de nuevo el pop y, últimamente, el rock de toda la
vida y la nueva ola. En fin, ahora llega un trío norteamericano y en
plena guerra de Irak se marca un disco más o menos sobre la guerra
de Irak con sonidos de rock progresivo y fusión que remiten, ni más
ni menos, a King Crimson o a John Zorn o puede que incluso a
Emerson, Like & Palmer (no, a estos últimos no tanto, era una
maldad). Y uno ya no sabe que pensar: todos es cíclico, bien.
Entonces lo de estos chicos es, ¿una boutade? ¿les sale del alma?
¿Ni eso?. "The Same and The Other" es una obra breve de rock
instrumental y cambiante, con extraños virajes rítmicos, guitarras
afiladas, mala leche, que deja en el oyente (en este caso en este
oyente que os transmite su rara experiencia con el disco) un poso
amargo (quizá hayan conseguido su propósito y la dureza del álbum
transmita el horror de esa guerra injusta de la que hablan), duro,
del que cuesta recuperarse. Aviso: yo he tenido que ponerme a Brian
Wilson justo al acabar esta crítica para poder volver al mundo
(i)rreal.
People chasing
people "THE DAYGLOW LIGHT OF SPEED" MILQUEROAST RECORDS
2004
por
Fernando Navarro- IndyRock
Arranca bien. Muy bien. "You Are Loved", el primer corte de
este interesante disco es una contundente canción en la que se
encuentran, bien engarzadas, la fiereza del punk, la capacidad del
estribillo del pop y la habitual deformidad melódica y rítmica del
emo. Lo que sigue, "The Dayglow Light Of Speed", el disco de debut
de los norteamericanos (chicos de Florida instalados en el DC, la
capital del hardcore) People Chasing People es un buen disco de punk
de estribillos, de rabia pop; una obra que explica, sin problemas,
el porque del cambio de domicilio de los músicos que lo han grabado
(suena a Washington por los cuatro costados). En este disco sobre
autopistas y alta velocidad, sobre gente enganchada a internet o al
móvil, o gente enganchada a personas enganchadas a personas, no hay
momento para mediocridades ni desperdicios. Han grabado las mejores
canciones que tenían (ahí están "Yelling At Cops", "Come Up and See
Me", la estupenda "Willow" o los seis minutos cincuenta y nueve de
"Hard Drive A:", donde incluso se atreven con los juegos vocales) y
la jugada les ha salido. Bien por esta banda.
Star Market "ABANDON
TIME" STRANGE FRUIT 2004
por
Fernando Navarro- IndyRock
Sexto disco de los suecos Star Market tras más de tres años de
silencio, "Abandon Time" insiste en la ya habitual entereza,
consistencia del repertorio del cuarteto sueco. Disco rudo y
sofisticado a la par, emocionante, trepidante y vitalista "Abandon
Time" es una obra sobre la eterna juventud, sobre la libertad que
supone encontrar una carretera vacía (quizá, desde los cincuenta la
más clara metáfora sobre la juventud y la libertad) frente a
nosotros, sobre los días de bajón en que todo parece hundido y lo
más miserable, lo más inesperado y banal consigue hacer que todo
remonte de nuevo. Rabioso, brillante, el sexto disco de Star Market
no anda falto de himnos rock (me atrevería a decir que este es un
disco compuesto de ellos), de canciones triunfalistas, necesarias,
felices y apabullantes. Desde el prodigioso arranque, que no deja
tiempo para respirar (esas tres joyas rock que son la estupenda
"Antichrist", el single "Cologne" y la casi emo "Redundance") hasta
los momentos más amables, pop (la conmovedora "Headfirst" o la
hermosa "Don´t Fear the Dark Ends") pasando por la violencia sin
tregua de "Tension", donde literalmente destrozan su propio discurso
a base de guitarrazos, o la maravillosa "The Vanishing Gates", quizá
la más clara canción del disco, todo brilla en este disco oscuro
lleno de luz, "Abandon Time", una obra que reconcilia a la juventud
con el mundo, al mundo con la vida. Como la portada, una obra en
blanco y negro sobre el prodigio de ver amanecer estando aún con
vida, despierto.
The Monorail "A
WHOLE NEW CITY" MILQUETOAST 2004
por
Fernando Navarro- IndyRock
Influidos tanto por la new wave ochentena como por las
explosiones guitarreras del primer indie o la rabiosa urgencia del
punk británico, The Monorail son un cuarteto norteamericano que
acaba de ver reeditado su primer álbum (en realidad un mini lp) a la
espera de que aparezca su primer larga duración, que tienen previsto
estrenar el próximo 2005. Disco por tanto breve, joven, lleno de
fuerza, adelanto de lo que esta banda puede dar de sí, "A Whole New
City" es una obra falta de prejuicios que crea un discurso original
a partir de los más evidentes referentes (The Clash, Pixies,
Blondie, The Cars, Superchunk o Pavement) y que, por sorpresa, acaba
casi sonando a las más delirantes bandas de emo (hay numerosos
puntos en común con bandas tan divertidas como Minus The Bear, por
ejemplo) o a aquellas curiosidades post grunge que fueron Weezer o
Presidents Of The United States Of America. De este modo este primer
disco breve de The Monorail consigue llamar la atención con
trallazos de hardcore con estribillos ("The Shizampah"), con
píldoras de power pop con teclados (la estupenda "Busy Mess Stress
Test" que abre el disco, entre los Undertones y The Cars) o con los
atrevimientos retro (las guitarras casi aor y el ritmo funky
discotequero de la inesperada "The Club") que acaban por crear un
repertorio extraño, divertido, fresco.
Los Marañones "El
mundo al reves" CD. 2004
Perdición 2004
Por
J. E. Gómez - IndyRock
Aires de rock a la vieja usanza, canciones cargadas de ritmo y
buenas vibraciones. Es lo que siempre han hecho Los Marañones y, en
contra de las tendencias, no reniegan de ello. Guitarras frescas e
hirientes con la candencia y armonía de la voz de Miguel. Los
Marañones publican su séptimo disco. El trío formado por Miguel,
Román y Pedrín, han utilizado en esta ocasión sonidos pregrabados
para concebir un viaje desde el pop setentero al rock con raices
cercanas al R&B y al soul. Huyen de clasificaciones. Su música
es fruto de muchos años de escenarios y composiciones. Gustan de la
libertad creativa frente a las etiquetas. Plantean una inmersión en
los sonidos garajeros y del grunge con un título cargado de
significado "Soy minero". Crescendos y una magnífica base rítmica.
Los Marañones tienen mucho de decir en un panorama musical en el que
abunda la crisis de identidad.
Los Marañones
en IndyRock
AT THE CLOSE OF
EVERYDAY "THE SILJA SYMPHONY"ASTRO DISCOS 2004
por
Fernando Navarro- IndyRock
Disco temático sobre el dramático naufragio del buque Estonia
en aguas del mar Báltico, "The Silja Symphony" supone la primera
referencia de la banda holandesa At The Close Of Everyday en el cada
vez más aperturista sello Astro (que ya editaron a los también
holandeses Mist y a los chilenos Congelador y que, recientemente, ha
abierto sucursal en México). Segundo disco del dúo formado por Axel
Kabboord y Micno Eggersman, "The Silja Symphony" aprovecha las
muchas imágenes y metáforas que produce el hecho narrado, para sacar
de él belleza, desolación, emoción. Desde el hermoso instrumental
que lo abre, hasta la demoledora canción final, la amarga "All
Things Ends In Waters", la capacidad emotiva de esta obra se basa en
gélidos desarrollos instrumentales que culminan con alguna reflexión
sobre el tiempo o la muerte. Hay está esa historia de amor oculta
que sale a la luz en "The Maria Tales", la épica minimalista de
"When Their Spirits Surround Me", la desolación y la soledad de
"Tommy" o "Higher, Brigher" -con esa frase final, "the trouble is
that all these songs will end up, end like this", la inusual fiereza
de "Blackout" o el segundo instrumental del disco, el bellísimo "The
Stonia Situation", donde escuchamos una voz que informa sobre el
naufragio. Una canción que nos sumerge junto al enorme buque varado,
en la negrura del mar frío, apenas entreviendo el casco gastado y el
nombre de la nave, imaginando y viviendo las vidas de sus pasajeros,
soñando que ellos nos viven a nosotros.
AMARILLO
"PIRUETAS EN EL AIRE" RHONDA RECORDS 2004
por
Fernando Navarro- IndyRock
Hubo quien bendijo el indie y quien bendijo más aún la muerte
del indie. Pero como nada es definitivo, ni la muerte siquiera, y
nunca llueve a gusto de todos, el indie siempre está ahí, amenazando
con volver para solaz de los más jóvenes y nostálgicos y horror de
los que se han cambiado de bando o nunca estuvieron en ninguno. Toda
esta cháchara inicial sirve (debe servir) de introducción a la
publicación del primer disco de Amarillo, llamado "Piruetas en el
Aire", y que viene a ser algo así como el primer disco de la
generación post-indie; a saber, los chavales que, una vez asimilados
los referentes más importantes de la generación anterior (los que
empiezan en el ruido de Sonic Youth y Pixies y acaban en Los
Planetas) se lanzan ahora a formar grupo, diez años después de todo
aquello. Disco irregular, de marcado carácter generacional,
"Piruetas en el Aire" tiene todos los defectos y todas las virtudes
que pueden imaginarse de este tipo de disco. Es sencillo: buenos
estribillos, guitarras ruidosas, voces más o menos en segundo plano
(aunque estos jovencitos mallorquines se atreven con unos
interesantes juegos vocales), letras sobre desordenes emocionales,
carencias afectivas, algunas miradas al imaginario psicotrópico y,
todo eso. "Piruetas en el Aire" es un disco que tiene un lugar muy
concreto en la reciente historia del pop español: habla, quizá sin
quererlo, del tiempo transcurrido entre la primera revolución indie
y una segunda revolución que, puede, nunca se produzca. Discos como
este contribuyen, alimentan y avivan la posibilidad de que ocurra.
Eso es bueno, imagino.
REMATE
"BALLADS DON´T CHANGE THINGS" LIMBO STARR 2004
por
Fernando Navarro- IndyRock
Disco de debut del misterioso músico madrileño escondido bajo
el nombre de Remate, "Ballads Don´t Change Things" es una obra
austera, amarga y dura sobre la soledad, ejecutada en la total
soledad de su propia casa por ese multiinstrumentista huraño y
huidizo (Remate toca todos los instrumentos del disco, incluidos los
sintetizadores y el dobro) del que apenas conocemos algunos datos
(entre otros que se ha formado en la prestigiosa Welsh Collage de
Cardiff), los cuales no sabemos sin son reales o inventados y que
apenas sirven para hacernos una idea de lo que hay en "Ballads Don´t
Change Things", un disco de debut que tiene forma de último disco,
de disco maldito, de disco perdido. Plagado de atmósferas oscuras,
secas, casi sórdidas por la ausencia total de adornos, la ópera
prima de Remate es una obra desoladora (que trae ecos de bandas
nacionales como Migala o Polar) que busca la complicidad total del
oyente (no se engañen, esto no puede escucharse sin empatía, sin
querer entrar en el mundo del autor) con canciones demoledoramente
tristes, cuando no desesperadas (la petición a modo de mantra de
"Introducing", "My Symphony", el piano inicial de "My Heart Is
Broken", el desierto imaginado en "Miss Fit" y real en "No Land" o
la inquietante pesadumbre de "Kill A Man Is Kill A Star", remarcada
por esa armónica a là Neil Young) que acaban por convertir este
extraño disco en una especie de súplica abierta en canal, que
penetra en el sentido y aturde, afecta, duele.
SANGRIENTOS
"EMERGENCY PONCHO" ASTRO DISCOS 2004
por
Fernando Navarro- IndyRock
Aquí están Sangrientos. La banda de rock duro de Paco Loco,
sus Shellac; sin duda su faceta más ruidosa y oscura, la más
transgresora y divertida, la más desconocida para el gran público.
"Emergency Poncho", el cuarto disco de este trío misterioso que no
se hace fotos ni entrevistas ni nada por el estilo, es un disco de
punk rock y psychobilly que debe mucho a la Velvet y al Lou Reed de
"New York, New York" (ahí está "Envirude" para dar fe) a Dream
Syndicate (de su también amigo Steve Wynn, con quien colabora en
otro de sus proyectos paralelos), a Screamin´ Jay Hawkins y a Minor
Threat (el poderío esotérico de uno, la fiereza vocal de otros). Sus
canciones, basadas en riffs machacones y en punteos; breves, más
bien brevísimas (ninguna llega a los tres minutos, la mayoría no
pasa de los dos) son sexuales e irónicas, violentas y algo cínicas,
agresivas y envalentonadas. Sus textos son cachondones y
estimulantes, y buscan reírse de todo ("Bin Laden Kids", "Boris
Becker", "Llanos Sisters", "Mary Con Son", "Arturito Lizarazu",
"Atahualpa Yupanki"). El conjunto es un disco pequeño, urgente y con
una rara atracción, necesario para las noches oscuras, largas,
violentas de las ciudades grandes. Sangrientos hacen música para
noctámbulos y chulos, para putas y macarras, para bailongos y
chorizos. Para todos nosotros.
213 "THE
HARD WAY" TVT RECORDS 2004
por
Fernando Navarro- IndyRock
Regresa el perrito, vuelve Snoop. Sin duda el más malhablado
-que ya es decir-, sucio, guarrete y peligroso Mc de toda la costa
Oeste, Snoop Dog regresa a la escena mundial estrenando super banda,
213 en la que lo acompañan Warren G y Nate Dogg, sus viejos colegas
de Death Row y esta vez sin el genial Dr. Dre, que ha sido
sustituido por una gran plana de productores, desde Battlecat a
Kanye West o Dj Pooh. "The Hard Way" es, por tanto, casi tan
indispensable como cualquier disco de Snoop (exceptuando, quizá, el
irregular "The Dogfather") pero mucho más rico; a las habituales
rarezas de Snoop se une el flow más o menos amable, lleno de groove
de Warren G y la habitual mala uva de Nate Dogg, a quien ya se
echaba mucho de menos. Obra post-gansta en la que se mantienen las
constantes argumentales (chicas, tiroteos, malos rollos, piscinas y
sangre, drogas y mucho lujo) y sonoras (bases muy descriptivas,
oscuras, casi góticas; arrebatos funk e interesantes voces de Rn´B)
"The Hard Way" se une a D-12 (la banda de Eminem) como el segundo
supergrupo oficial del Hip Hop actual, ofreciendo un gran
repertorio. Desde el soul de "Absolutely" o "Lil Girl", la muy noir
"Keep it Gansta" o el sintetizador old school de "Groupie Luv", al
peligro que sobrevuela de "231 The Gansta Clicc" o en "My Dirty H*",
quizá la canción más Dre del disco, esa extraña love song que es
"Mary Jane" o el divertidísimo cierre de "So Fly", cuyo título le
devuelve el guiño al genial Curtis Mayfield, en realidad padre de
toda esta movida.
Nadadora. EP
"Aventuras dentro de cajas".2004
Por
Fátima Carmena - IndyRock
Los gallegos Nadadora prepararan para este nuevo año 2005 su primer
largo. Para hacernos una idea de lo que nos podemos encontrar,
recurrimos a su EP "Aventuras dentro de cajas" (Jabalina, Agosto
2004). Letras en castellano y en gallego, dulces, profundas y
meláncolicas. Ensambladas en unos ritmos perfectos y pausados que
llevan a la evasión a quien los escucha. Ya sólo los títulos de las
canciones nos indican el carácter de este grupo. En "Invierno
contigo", la primera canción, encontramos una base electrónica en la
que la voz de Gonzalo sumado a los coros de Sara, nos hace recordar
las relaciones separadas por la distancia- no sólo geográfica- y la
tristeza que envuelve "al que se queda".
Nadadora puede recordar a La Buena Vida, pero su carácter es
diferente; quizá sea más difícil ver el parecido de los que parecen
son sus referentes: The Delgados o The Velvet Underground. Pero
desde luego se coronan como grupo con personalidad con la última
canción "Outubro", un tema en gallego, algo que es difícil de
encontrar en estos momentos si no hablamos de folk o boleros. Lo
mejor es que el cambio de idioma no hace que pierda ni un ápice de
sustancia en relación a las demás canciones de "Aventuras dentro de
cajas".
Las canciones "La tarde gira" o "Mantas de ruido" siguen en la misma
línea nostálgica con unas bellísimas letras cantadas a medias por
Sara y Gonzalo. Efectos y buenas melodías se suman a letras llenas
de significado como ocurre en "12:01 a.m." o "Pregúntame mañana", y
todo en conjunto nos lleva a esperar ansiosamente el largo de
Nadadora. No apto para amantes de rock duro o con tendencia a la
depresión.
Bossacucanova:
Uma batida diferente. 2004
por
Antutxo Martinez - IndyRock
Cuando eran un joven gafotillas cogí la manía de leer los créditos
de los discos. Aunque era una costumbre un tanto extravagante para
un chaval de trece años (fui un gafotas precoz), la verdad es que le
saqué partido enseguida. En primer lugar consigue uno darse fuste
con fundamento y por otro, pues se entera uno de determinadas
cosillas, como de que lo mejor de U2 tiene siempre que ver con Brian
Eno, que pone a la gente en su lugar. De ahí a valorar lo que puede
aportar un buen productor sólo hay medio paso. El caso es que la
costumbre permanece, y coger un disco y lanzarme sobre el nombre de
los músicos, el productor, el ingeniero de sonido el técnico de la
máquina de café es todo uno. Siempre da una idea de lo que te vas a
encontrar.
Por eso, cuando me agencié esta Batida Diferente, lo primero que me
llamó a atención es que en el diseño le dan mucha importancia a las
colaboraciones, cosa que no suele ser habitual si no lo pones en
portada. Aunque la verdad es que es para sentirse orgulloso, y cito:
Jacques Morelenbaum (al que recordarán por su disco con su mujer y
Riuychi Sakamoto), Roberto Menescal, Marcos Valle, Zuco 103, Celso
Fonseca, Trio Morocotó, Simoninha o Adriana Calanhoto, por citar
algunos. Nombres que quizá le dejan un tanto frío al consumidor
medio, pero que todo aquel que haya mostrado cierto interés por la
música brasileña en los últimos digamos 20 años, sabrá valorar
convenientemente. Así que es normal que los tres Djs que forman
Bossacucanova lo griten bien alto. Y se sientan orgullosos, tanto de
los temas que toman prestados ('Esa moça tan diferente' de Chico
Buarque, cantada por Simoninha, o el 'Vai Levando' de Caetano Veloso
en la voz nada menos que del trío Morocotó), como de los propios
('Just a Samba', con Celso Fonseca, o'Queria' con Marcos Valle). Más
aún cuanto tienen la deferencia, y la inteligencia, de adaptarse al
sonido de los artistas que colaboran y que hacen que el disco vaya
desde el peculiar sonido de los Zuco 103 más electrónicos ('Samba da
Minha Terra') a la bossa más linda en Bom Día Rio (Posto 6),
compuesta a medias con Nelson Motta,pasandopor la música de baile de
la estupenda versión de ¿onde Anda Meu Amor' de Orlan Divo.
Aunque no nos engañemos tampoco. La cosa de las colaboraciones no es
casual. Bien mirado es casi un listado del catálogo de Ziriguiboom,
el brazo brasileiro de Crammed Discs. Celso Fonseca, Marcos Valle,
Orlan Divo, Zuco 103 y Trío Morocotó (como poco) han grabado de una
manera u otra con este sello. Por que no conviene olvidar que, si la
música es cultura hay que vender el producto para pagar las
facturas. Y algo de eso hay en la batida diferente. Otra cosa es que
el sello sean muy bueno y los Djs muy listos. Y lo son. Pero mucho.
Gerardo Frisina:
'Hi Note' En la pista del Jazz 2004
por
Antutxo Martinez - IndyRock
Desde de que a la generación de Miles Davis se le ocurrió la feliz
idea de coger el Jazz y acercarlo a la gente con el mítico 'Kind of
Blue', todo jazzman que se precie, y que no sea un gafotas
insoportable, ha sabido interpretar el mundo en el que ha vivido e
interpretarlo a través de su música. Con la llegada de la
tecnología, el Jazz ha salido de sus cavernas en forma de clubs
llenos de humo de cigarrillos y gafas cuadradas para echarse unos
bailecitos en la pista haciéndose, de pronto, inteligible para toda
una generación que ni tiene muy claro quien es Cannonball Adderley
ni le importa demasiado.
Artífices de este desperezamiento hay a patadas y para todos los
gustos, cada uno con su propuesta y su propia manera de entender lo
anterior que es, precisamente, lo que ha hecho de este tipo de
música una de las vanguardias musicales desde finales de los 50.
En esta ocasión se trata del Dj y productor italiano Gerardo
Frisina que, con su segundo trabajo, 'Hi note', se acerca sin ningún
miedo al jazz latino que va desde cuba a Brasil, recorriendo un
espacio musical que, no por estar sobradamente poblado de magníficas
propuestas deja de ser interesante. El principal atractivo del
italiano es que sabe conjugar el sonido clásico a lo Stan Getz, con
sonidos limpios de saxo y voces al más puro estilo crooner, ('Beyond
the moon', con Alan Farrington)) con estéticas de drum and bass, por
ejemplo, ('Intenso'), y bases rítmicas que podrían caber en un tema
house ('Zambele', muy africano por momentos).
Editado por su propio sello, Schema Records, una referencia fácil a
su sonido podría ser la del francés St. Germain, aunque el italiano
desarrolla mejor los temas y utiliza de una manera más sabia los
samplers, prácticamente sólo reconocibles en Saeta 03, que sirvió de
anticipo al disco. De esta forma, el trabajo se presenta desde un
punto de vista acústico, donde los protagonistas son los
instrumentos, dejando a la electrónica como maestra de ceremonias en
un segundo plano donde se mueve con sutil libertad, dirigiendo el
sonido para que no pierda el gusto a Jazz de los sesenta cuando se
acerca a las propuestas de baile más actuales, sobre todo al
principio del disco ('Joyas', por citar un tema), demostrando algo
por lo demás bastante asumido: que la electrónica no tiene ni mucho
menos por qué ser fría. Muy cuidadas las líneas de bajo
(impresionante el comienzo de 'Inviolatin', tema que abre el disco,
imposible estarse quieto), que arropan el protagonismo del piano en
los primeros temas, y que va pasando hacia los vientos mientras se
desarrollan los doce temas que forman el álbum.
Destacar las colaboraciones, habituales en este tipo de trabajos,
donde unos se alimentan a otros para disfrute del que escucha, en
particular las de Luigi Bonafede (piano), Andrea Dulbeco
(vibráfono), y Emmanuel Cisi (saxo), en la mejor línea de los
jazzmen que no hacen ascos a los avances tecnológicos que supongan
dar un paso adelante en un estilo de música que, pese a quien pese,
tiene que estar siempre por delante de todos buscando nuevos caminos
por los que crecer (esta es la palabra clave). El movimiento es
vida, seguro que lo dijo antes alguien, y el jazz no sabe estarse
quieto.
Cibelle: (2004)
por
Antutxo Martinez Ariza - IndyRock
Lo que hace de Brasil un país musical es que es capaz de dar cabida
a gran cantidad de artistas que poco tienen que ver entre sí pero
que conforman una identidad cultural propia en la que, de uno u otro
modo, unos se influyen a otros. Quizás sea por eso que de vez en
cuando, y sobre todo últimamente, nos llegan artistas brasileños que
no dejan de sorprender con sus propuestas. Con sólo 25 añitos,
Cibelle se perfila como una de las apuestas brasileñas más
importantes en la escena musical. De la mano de Ziriguiboom (un
sello con un catálogo de lo más interesante) y apadrinada por el
malogrado Suba, para el que ponía voces en su Sao Paulo Confessions,
Cibelle se acerca a sonidos acústicos dentro de un contexto
electrónico, y me explico, utiliza efectos y samplers sin prescindir
de los músicos, dando forma a un trabajo que deambula entre los
medios tiempos y las baladas, cercano a Zuco103, por ejemplo, pero
más intimista, o al 'Tanto Tempo' de Bebel Gilberto (también
producido por Suba), pero más atrevido. Como suele ocurrir en este
tipo de artistas las etiquetas se le quedan pequeñas, y aunque
'Hate', pueda incluirse dentro de lo que se ha denominado Nova Bossa
Nova, 'Waiting', por ejemplo, huye de esa categoría y se acerca más
a un jazz actual, mientras que 'Luisas' (qué alguien me explique que
pinta esta canción en un disco, por lo demás, estupendo) recuerda a
Britney Spears.
El resultado general es un disco muy completo, para escuchar
muchas veces en distintas situaciones, siempre con la idea de ir a
disfrutarlo. Muy brasileño cuando conviene (So sei viver no samba),
con medios tiempos a tres por cuatro (Waiting, una canción para
escuchar una y otra vez), arreglos electrónicos por todas partes
(Train), baladas tristes en las que la voz de Cibelle reina de modo
absoluto (I'll be), temas de base inconfundiblemente jazz (Inútil
paisagem), y para compensar este intimismo y bailar un poco,
una samba como No prego. También guarda un sorpresa, uno de estos
extra tracks que suenan media hora después de haber acabado el
último tema y que el lector no marca, un tema de jazz años cuarenta,
grabado con sonido de maqueta y francamente divertido.
En definitiva, se trata de la presentación de una artista que tendrá
mucho que decir en los próximos años y a la que habrá que estar
especialmente atentos. La penúltima prueba de que la música
brasileña es mucho más que bossa nova y que goza de una salud que ya
quisiéramos a este lado del Atlántico.
Marc Parrot: Dos
Maletas llenas de canciones.
por
Antutxo Martinez - IndyRock
Aburridos de esperar nos tenía Parrot, que ha dejado pasar tres años
desde su Rompecabezas antes de decidirse a entrar de nuevo en
estudio. Y es que este Rompecabezas resultó ser uno de los discos
más interesantes del año, en el que el catalán demostraba que, más
allá de anuncios de móviles y personajes, sigue siendo una de las
mentes más retorcidas y oníricas de una escena, la patria, muy
cargada de propuestas insustanciales. La pregunta en estos casos
siempre es por dónde iba a tirar después. Y de ahí la impaciencia
claro.
Se lo ha tomado con calma, eso es cierto, se ha rodeado de amigos y
antiguos colaboradores, (destacar a Marc Ribot) sin caer en
lamentación de revisitar caminos que ya había recorrido antes.
Porque Parrot es un tipo muy listo, y lo mismo que le sacó partido a
una broma para sanear la cuenta corriente, sabe lo que quiere hacer
y lo hace. Cuida los detalles para que todo sea como debe ser. Por
ejemplo el sonido, que es lo que primero llama la atención de este
cuarto trabajo. Suena muy seco, muy directo, muy cercano, y luego se
entera uno de que lo han grabado al aire libre en una masía. ¿El
motivo? Evitar las reverberaciones. Y uno se da cuenta de eso desde
los primeros acordes de 'Dos Maletas',tema que abre el disco, y en
el que se hace un inventario de lo que puedes encontrar en el disco,
una declaración de intenciones en la que caben recuerdos de niño,
bigotes postizos, fuegos de artificio, piedra papel y tijera. Cosas
que no valen nada, pero que tienen mucho valor.
Opta para todo esto por un sonido mucho más acústico, arropándose en
una banda excelente, y dejando las programaciones para 'Mientras
duermo' sobre todo. Sigue con las guitarras distorsionadas, que le
gustan mucho, pero incorpora la guitarra acústica y la eléctrica
limpia, con reminiscencias incluso jazz en los arreglos. Incluye
también teclados, arreglos de cuerda y hasta un acordeón (Invierno,
una letra tremenda), que aumentan los horizontes musicales sin
perder por ello la presencia de la peculiar mente de Parrot.
Porque con el tiempo, las letras han ido ganando en fuerza, y si
siempre fueron una de sus señas de identidad (entre lo onírico y lo
surreal, entre la magia y la ternura), en 'Dos Maletas' están más
trabajadas que nunca, dando forma a un lugar honesto y sincero
(Berta), sin perder de vista su mundo particular (Tesoro de
Chatarra) y la peculiar manera de decir las cosas más sencillas
(Contaré hasta mil). Todo en un aire de pop-rock desquiciado, que se
disfraza de cabaret (Mañana), o se pone tierno (Berta, qué bonita
canción), cuando viene a cuento.
Un disco más maduro, que no adulto, en el que el Loco que se
convirtió en niño, resuelto el rompecabezas, coge sus dos maletas (o
las suelta) para guardar la lluvia.
Bishop:
Electrónica Eléctrica.2004
por
Antutxo Martinez
Sólo el título de la maqueta de Bishop (It's full of Stars) y el
diseño de la portada (un atardecer eléctrico en el campo) da una
buena idea de lo que te vas a encontrar a lo largo de los siete
temas que contiene: un pop-rock un tanto oscuro con sus luces y
sombras. Afortunadamente, las luces son más, porque lo cierto es que
suenan muy bien pero, ¿a qué? Desde un techno rock como el de
Shevil, en el que las programaciones lo son todo, hasta el 'intento
post pop rock' de Swap File (un muy buen tema, cargado de fuerza),
el principal pero que se le puede poner a su trabajo es que no optan
por una camino definido, si no que da la sensación de querer tocar
muchos palos. La parte buena, es que todos los que tocan lo hacen
con bastante solvencia.
En general suenan muy británicos, gracias a la personal y sugerente
voz del cantante. Pale Blue Dream (que ellos definen como una
electrobalada), por ejemplo, pasa de ser una balada grandilocuente a
convertirse en un tema pop en cuanto hacen aparición la guitarra y
la batería, ganando enteros, por cierto. Por que eso sí lo hacen muy
bien, y ahí suenan mucho más compactos. Durante la comunión de la
electrónica y electricidad, Bishop da lo mejor de sí mismo. No es
sencillo conjugar la electrónica con las guitarras eléctricas, y más
si uno está haciendo pop, sin caer propuestas que están demasiado
asumidas para sorprender. Hay ocasiones en que Bishop lo consigue,
como en James Bond Song, donde la voz suena grandiosa con su pose
glam y las programaciones se ponen al servicio de una música con
identidad propia, completando su sonido y generando un contexto en
el que las guitarras pueden desarrollarse de un modo controlado. Sin
que, además, por eso deje de sonar a pop inteligente.
Con un sonido bastante cuidado (bendita tecnología), los
franceses no saben muy bien qué camino tomar y, en cuanto se
decidan, no cabe la menor duda de que tendrán muchas cosas que
decir. Porque habilidad no les falta, es sólo tiempo. Que se
concentren las estrellas.
http://bishop.band.free.fr y
para telecargar nuestra maqueta,
http://bishop.band.free.fr/demo.htm
Los Amigos
Invisibles. 'Venezuelan Zingason' 2004
por
Antutxo Martinez
Desde que en 1995 los Amigos invisibles publicaran A typical and
autoctonal Venezuelan dance band, han venido desarrollando una muy
particular manera de entender la música. El secreto consiste en que
la única intención del grupo venezolano a la hora de meterse en un
estudio o subirse a un escenario es pasarlo bien y hacerlo pasar
bien. Vamos, lo que se dice música hedonista, y para ello dan rienda
suelta a un sentido del humor descarado y bacilón, enfocado casi
exclusivamente al noble arte del ligoteo.
Pero esto no debe entenderse como una falta de calidad musical, más
bien al contrario. Los Amigos Invisibles han ido creciendo disco a
disco, para plantarse en este su cuarto trabajo en San Francisco,
acompañados del mismísimo David Byrne, y ponerse en las manos nada
menos que de Little Louie Vega, la mitad de Masters at Work, que
revolucionaron el panorama de la música latina en 1997 bajo el
nombre de Nuyorican Soul. El buen hacer de Vega se nota a lo largo
de todo el disco, en ocasiones hasta demasiado (Gerundio y Ease your
mind que se mueven por el ambiente del house latino), dando lugar a
un Venezuelan Zingason que se acerca al funk en Superfucker, al
disco en Una Disco Llena, al ultralounge (Comodon Johnson), al
son cubano en Esto es lo que hay, a la bossa en Playa Azul y adopta
apariencia de combo latino en Calne, para cantar 'Todo lo que se
mueve es calne/ y la calne es placer', lo que da una buena idea de
por dónde van los tiros. Teniendo esto en cuenta no es de extrañar
que los puedas encontrar en las secciones de techno, house,
Pop-Rock, latin jazz o funk de las tiendas. Las etiquetas se les
quedan pequeñas aunque eso sí, todo el álbum suena muy latino y muy
bailable, para gastar suela en las mejores discotecas mientras no
dejas de sonreír escuchando las letras.
Son irreverentes, socarrones, simpaticotes y excelentes músicos.
Consiguen una frescura muy de agradecer no haciéndose mucho caso y
prefiriendo mirar el ombligo de las prójimas que el propio. Los
perfectos invitados de cualquier guateque sideral y comedidamente
hortera (confiesan que les encantaría tocar en la gala de Miss
Universo), que animarán con sus ritmos bailables y calientes
mientras aprovechan los descansos para tirarle los tejos a todas las
invitadas. www.losamigosinvisibles.com
B.S.O. Lost in
Translation
por
Violeta Kovacsics
Noche de borrachera en un karaoke japonés, Bob Harris (Bill Murray)
entona "more than this, you know that there is nothing" de Bryan
Ferry. Al otro lado de su mirada una joven Scarlett Johansson, que
viene de cantar Brass in my pocket de Pretenders. Las miradas se
cruzan y la música deviene un tercer personaje, las palabras que
nunca serán puestas en las bocas de los protagonistas. Tras su
aventura con los franceses Air en las Vírgenes Suicidas, Sofia
Coppola cambia de partenaire. Para Lost in Translation la hijísima
ha contado con la colaboración de Kevin Shields, que compone una
banda sonora romántica y soñolienta, marcada por la deslizante
guitarra del exlíder de My Bloody Valentine, que deambula por Tokio
al ritmo insomne de los protagonistas. La directora no olvida por
eso al dúo francés y a ellos y su Alone in Kyoto (incluido en su
último álbum Walkie Talkie) les cede el pasaje en el que el
personaje interpretado por Scarlett Johansson se pierde entre la
tradicional, bella y menos urbanita Kyoto, donde Air suenan como
ligeras y estilizadas gotas de agua. Como ya ocurriera en la banda
sonora de su opera prima, Sofia Coppola combina las creaciones
originales para el filme con la incursión de canciones que describen
la atmósfera y personajes que habitan en él. Así se incluyen piezas
como Just Like Honey de The Jesus And Mary Chain, Sometimes uno de
los pilares del Loveless de My Bloody Valentine o la reciente Girls
de Death in Vegas, cuyas guitarras y voces etéreas se erigen como el
acompañamiento ideal de dos extraños en la ciudad nipona de las
luces de neón.
Southkill
`SOUTHKILL´ NFI
por
Fernando Navarro- IndyRock
Pocas veces se ha escuchado un comienzo tan violento, tan
inquietante, tan radical, en el reciente panorama del ya cansino,
repetitivo post-rock (fenómeno que se está aniquilando asimismo y
que comenzó como una manera intelectual y apasionante de subvertir
las normas del rock) como el de `In the Balance´, la pieza que abre
`Southkill´ el disco homónimo del dúo formado por el neocelandés
Jason Kerr y el neoyorquino John Dudley. Disco de ambientes, de
metáforas, que busca más que conmover, emocionar o divertir,
impactar, inquietar, horrorizar. Se propone Kerr y Dudley, para los
más de treinta y seis minutos de música de `Southkill´ un viaje
hipnótico y peligroso, una bajada a los infiernos siguiendo una
carretera sinuosa, llena de curvas, mal asfaltada que conduce a un
mar nervioso, lleno de olas, que quiere tragarnos. Después de los
seis minutos de horror de `In the Balance´, aparece una voz
susurrada, apenas perceptible que nos lleva a momentos inabarcables
(las guitarras suicidas de `Do you always act that way?´, la tensión
insoportable, plagada de increscendos de `Horizon at Aramoana´, la
tramposa fragilidad de `Bridges designed to collapse´) que culminan
en `Crystalline structure (come on John, take me higher)´ cuyo
título conduce a engaño: la cristalina estructura de la que habla
es, me temo, no la de la canción, sino la de nuestro cuerpo, que ya
hundido en el fondo del mar, va deshaciéndose con la facilidad con
la que se rompe el cristal. Allí, bajo el mar, muertos, acaba
nuestro viaje.
The Frequency
`THE FREQUENCY NFI
por
Fernando Navarro- IndyRock
Proyecto en solitario del Trans Am, Sebastian Thomson (que se
sirve de la ayuda de otros músicos como Aaron Claxton, Jon Warnock o
Rob C) The Frenquency vienen a unirse al reciente fenómeno del dance
rock, movimiento supermoderno entre petardo y comprometido (con
especial querencia por la militancia anarquista) que reivindica los
desfases sonoros, los excesos formales de gente tan dispar como Gang
of Four, Public Image Limited o Duran Duran y en el que se
encuentran inmersas bandas como Liars, Radio 4, los incorrectísimos
Electric Six o, en su vertiente más pop, los británicos Franz
Ferdinand, sin que, en realidad ninguno tenga mucho que ver con los
demás. Disco, por tanto, de guitarras con el centro de gravedad en
la pista de baile, de electrónica perversa y hedonista, guitarras
desquiciadas y ruidistas, `The Frequency´ es una obra creada por y
para weekenders (anglicismo que remite al eterno vividor de fin de
semana), un disco que entre los arrebatos de rock bailongo y
guitarrero, sucísimos (abre la función `You´re The Perfect Size´, le
siguen la estupenda `Erasing Myself´, el trallazo hard rock de
`Moonburn´, la estupenda `Tell Me´, quizá de las mejores del disco,
o el engañoso funky de `Music As Entertainment´) encuentra momentos
de calma inesperada, tonteando con el electro pop más inofensivo,
sedoso, pensado para los espacios muertos en las discotecas, para
los besos y los bajones (`Stop It´ o `Zapatos Blancos´ escrita en
español) que, finalmente, acaba sumiéndose en la oscuridad
preindustrial de Front 242 (`Allnite´, con el estupendo saxo
desquiciado de Julian Thompson, ese bajo a lo Peter Hook de `Own Me´
o la abstracción techno de `Chicas´, segunda del disco escrita en
español) para culminar con el himno `No Control´ en el que, The
Frequency, invitan, sin rodeos, a perder los papeles, la cartera y
la cabeza mientras, como un derviche, no se deja de girar, llevado
por esta música que une a las más perversas de las músicas. El rock
y el baile juntos para siempre.
Top Models
`TOP MODELS´ BIP BIP RECORDINGS
por
Fernando Navarro- IndyRock
Parece grabado de un tirón, en un local oscuro, lleno de humo,
en las afueras de cualquier ciudad industrial (de este o de otro
país). En él, hay una banda en estado de gracia (un trío en
realidad, ayudado por algunos amiguetes) haciendo lo que
probablemente sólo saben hacer, Rock. Es, también lo más probable,
que no haga falta hacer más. Disco de rock pensado para que
anochezca en él, `Top Models´ es una obra que produce una empatía
inmediata y que no vacila a la hora de reconocer sus referentes, que
son los que tenemos todos, imagino, cuando cogemos una guitarra, Bob
Dylan, Neil Young, Keith Richards, Joe Strummer o Los Ramones, y los
admite, los tolera como su fueran parte de su propia sangre, como el
alcohol o la nicotina. El rock, amigos, es así, forma parte de uno
hasta que consigue lo que quiere, hasta que lo exprime, hasta que
deforma la mirada de tal manera que ya no se pueden ver las cosas de
otra forma. Así, en este disco de rock para amantes del rock, un
disco de debut que no lo parece (algunas canciones parecen
revisiones de clásicos) nos encontramos con blues pantanosos,
terribles (el arranque con `Girl from out of town, o la genial
confesión de `Born In The Sixties´, sincerísima) con power pop y
punk anfetamínico (`A-D-A (Come My Way)´ con himnos casi new wave
que remiten a los recientes Strokes (`Borrowed Time´) y, finalmente
las, para mí, mejores canciones del disco, curiosamente las dos
únicas en español, la reflexiva `Otra Carretera´, y la rabiosa `Tú
me lo puedes dar´ que junto con la excelente versión de Dylan (donde
brilla el pedal steel de Paco Loco, también productor del disco)
redondean un disco de rock sin pretensiones, ajeno a las modas que
tanto daño han hecho a la música popular en estos primeros años de
siglo.
Courtney Love, America´s
Sweetheart Virgin 2004
PARA SOÑAR
por
Juan Gallardo - IndyRock
Los trayectoria de Hole merecería, para un servidor, figurar entre
la de los grandes grupos americanos de los 90 junto a Nirvana, Pearl
Jam o Smashing Pumpkins, pero no encontraremos a Hole en una
supuesta enciclopedia del siglo que viene, como tampoco
encontraremos a Porno for Pyros, pero nunca nos ha importado
demasiado que nuestros grupos favoritos tengan un éxito masivo, la
verdad. Bastante desapercibido está pasando, como cabía esperar,
"America's Sweetheart", el primer disco en solitario de Courtney
Love, últimamente más noticia por estos lares por razones
extramusicales. Courtney, a pesar de sus conocidos excesos, no
pierde la seriedad a la hora de componer y grabar, prueba de ello
son las 12 joyas que contiene "America's Sweetheart" un disco que es
puro rock desde las entrañas, canciones directas al corazón de una
intensidad arrebatadora, híbrido perfecto de los dos grandes
discos de Hole: "Live Through This" y "Celebrity Skin". No lo voy a
negar, no me esperaba tanto y eso que me esperaba mucho: cada
canción te captura tras la primera escucha, y es que Courtney usa
sus mejores armas: distorsiones, letras y sobre todo: voz, tan
destrozada, sucia y sincera que te pone los pelos de punta. Siempre
me pasa igual, cuando estoy a punto de perder la fe llega a mis
oídos un disco de esta categoría, mientras siga habiendo corazones
rotos como el de Courtney dejándose la piel frente a un micrófono la
seguiré manteniendo.
CUBE `THE SKIN I
LIVED´ CYDONIA RECORDS
por
Fernando Navarro- IndyRock
Cercanos al concepto de metal hipnótico, que alterna las
violentas sacudidas con la insoportable tensión rítmica, de Tool o A
Perfect Circle, Cube, quinteto catalán formado por ilustres ex de
ilustres bandas de metal inquieto como All-III, Abraxas o Uziel (y
que toman su nombre, imagino, de aquella película asfixiante y
opresiva en la que un grupo de hombres deambulaban, perdidos, entre
los peligros de habitaciones exactas, dentro de un gran cubo)
debutan con `The Skin I Lived´ un disco que arranca con el
nerviosismo de `1´ (no se engañen, en `The Skin I Lived´ es tal la
propuesta de la banda, que las canciones no tienen ni siquiera
nombre, acaso unos números les bastan para nominarlas) y que, a
partir de ahí, sigue hacia delante en una carrera que los lleva
hasta desafiar la razón, la cordura del oyente desprevenido.
Narración a medio camino entre el horror, la ciencia ficción (la
recurrente imagen de un astronauta perdido, "the godless pilot" lo
llaman ellos, es lo primero que vemos en cuanto abrimos el libreto)
y el drama metafísico (pues mucho hay de conflictos divinos en los
acordes de `The Skin I Lived´) el debut de Cube es un disco que
apasionará a quienes disfrutan con el dolor, a aquellos que saben,
porque lo han vivido, que la vida, la tierra, es mucho más de lo que
vemos. Y que se esconden, en cubos exactamente iguales, los unos a
los otros, formas, imágenes, seres que no queremos ni imaginar que
existan.
KIDSGOFREE
`KIDSGOFREE´ UNDERHILL RECORDS
por
Fernando Navarro- IndyRock
Debut homónimo de este jovencísimo y misterioso cuarteto,
`Kidsgofree´ es una obra en ocho capítulos sobre el desconcierto
emocional de una generación (aquella que vivió el (re)nacer de la
cultura independiente, estudiantes y parados en su mayoría y que
ahora bordea la treintena) narrado con tal convicción que consigue
trascender su público y tocar incluso al que aún es ajeno a esa
generación, incluso al que la ha superado; siendo así una obra sobre
cualquier generación perdida (y ha habido unas cuantas en el ya
pasado siglo veinte). Hay, en `Kidsgofree´, argumentos suficientes
para condicionar, justificar su escucha (unas guitarras afiladas, el
nivel justo entre rabia, desconcierto y entusiasmo, unos textos
impecables, escritos en inglés con bastante solvencia), donde se
esconden canciones tan estupendas como la genial `Pennsylvania´ que
abre el disco, la entrecortada y cortante `Without Light, Night´, la
reflexiva `Time Decides´, casi seis minutos en que la tristeza se
apodera de las guitarras, o `A Room Without A View´, mi favorita del
disco, con esos imperceptibles y melodramáticos arreglos de cuerda y
con cuyo título, Kidsgofree parecen mandar un saludo a los
madrileños A Room With A View, quizá la más sorprendente banda de
emo que hay actualmente en el país y con la que este cuarteto,
quiere competir en su propio terreno. A saber, ese en el que las
guitarras, los alaridos, la rabia y el dolor se encuentran con la
melancolía, la nostalgia, la tristeza y, en último lugar, la
belleza.
LE PETIT RAMÓN &
TERRORISTA `AMB LES FILLES DEL DOLOR´ CYDONIA RECORDS
por
Fernando Navarro- IndyRock
Le Petit Ramón es un inclasificable personaje de la escena
barcelonesa que debuta con este divertido, irónico y malintencionado
álbum homónimo en el que se hace acompañar de Les Filles del Dolor.
Cantautor rockista, polémico y mordaz en sus textos y bastante
atrevido, Le Petit Ramón ha grabado un disco en el que se dan la
mano la vieja tradición de cançó catalana (con Pau Riba o Sisa a la
cabeza, y también reivindicada últimamente por Refree en su
excelente `Nones´) y el punk tragicómico de los Sex Pistols con
músicas más abstractas (la música de mobiliario de los franceses o
la exuberancia melancólica de los ritmos latinizantes como la bossa
nova o la salsa). Así en `Le Petit Ramon & Terrorista amb l´a
acompanyament estel.ar de Les Filles del Dolor´, que es como se
llama el disco, se encuentran, musical y textualmente mil
temas distintos. Desde el cochino dinero en la inicial `Supérbia´ a
la divertida revisión en clave latinizante del angst de `Angoixa´,
del homenaje no disimulado a Parálisis Permanente y sus miedos a lo
Poe en `Catalepsia´, al ingenuo techno pop de `Plasta´ donde echa en
cara a alguien lo pesadísimo que es, llegando así a la estupenda,
violentísima `Tallar-se el coll´ o ese cierre maravilloso con la
sentida `Ens fem grans a BCN´ donde se atreve Le Petit Ramon con una
reflexión final, no por madura y seria, menos sorprendente: "ya no
somos niños", dice. Hay, además, en este sorprendente disco, hueco
para las excentricidades más delirantes escuchadas en años (`J´aime
la Tour Effiel´, esa carta de amor, en francés y español, al símbolo
del libertinaje, la torre Eiffel, de la que llega a decir que le
gusta "para lanzar a tus hijitos al cielo, cuando lloran toda la
noche y estoy contigo" o la imposible `Vieni´ donde conviven Satie,
la batería que abría `Modern Love´ de Bowie y un niño desquiciado
hablando de raciones de gambas y cosas así). Lo que hay en este
disco, sin duda, no lo van a encontrar en otros. Lo prometo.
THE LINN YOUKI
PROJECT `THE LINN YOUKI PROJECT´ CYDONIA RECORDS
por
Fernando Navarro- IndyRock
No es un disco al uso este que edita ahora, sorprendentemente
para el que esto firma, el interesantísimo sello catalán Cydonia
Records, responsable, de entre otras alegrías, de que `Long Knives
Drawn´ de Rainer Maria y `Highly Refined Pirates´ de Minus the Bear
hayan llegado a España y de que los discos de Madee vean la luz. No
es al uso porque, para empezar, son dos discos. Por un lado uno que
se oye, del que ahora hablaré, y por otro un DVD de acompañamiento,
que sirve para ilustrar, de algún modo, la propuesta
multidisciplinar, modernísima y sofisticada del proyecto capitaneado
por Marco Morgione, personaje inquieto, ex miembro de Fluzo y
también bajista de Glissando. No me corresponde, por ahora, valorar
las imágenes contenidas en el DVD (no ejerzo, ahora, de crítico de
cine, sino musical) y sólo diré que son un divertido, a veces
estupendo complemento para lo que de verdad nos ocupa aquí: las
canciones de `The Linn Youki Project`, el disco. Tratado de post
rock que no descarta los teclados y que practica, sobre todo, el
arte del collage mediante el uso del sampler (pregunta malévola sin
malicia: ¿por qué todas las bandas de post-rock usan normalmente
samplers en francés? ¿Qué demonios pasa con el español?) `The Linn
Youki Project´ es un disco extraño que oscila entre la
experimentación formal y las guitarras hermosas y melancólicas (que
tanto gustan en Cydonia), una obra madura y reflexiva sobre los
hábitos de la soledad (a esta idea contribuyen las peliculitas de
dibujos animados autistas del DVD) que entre canciones redondas (la
que abre el disco, `Dove?´, la estupenda `¿Dónde has estado durante
las últimas semanas?´, la muy emo `Partenope´, el momento rockista
de `Cosmo Cronopio´, el vocoder de `Zweig´ o la esquizoide, con ese
jugueteo free jazz `Enki Bilal´) crea en el oyente el estado de
ánimo que se busca (la soledad de la ciudad moderna) y que, virtud
para el disco, requiere de varias escuchas para percibir con nitidez
la intención que subyace, demoledoramente divertida, frívola me
atrevería a decir, e intensamente cool de sus creadores.
Arkanoid
"Polyester" Cydonia Records
por
Fernando Navarro- IndyRock
De ser un subgénero minoritario (al menos en nuestro país) del
también minoritario hardcore, el emo (vertiente pop afiliada e
hiperdramática del mencionado hardcore, cercana al rock
independientede guitarras) se está convirtiendo en todo un género
mayúsculo en España y probablemente el que más bandas interesantes
está aportando al panorama independiente que van deslumbrando disco
a disco y madurando como pocas bandas indies lo haacen, siempre
avanzando en la creación de un lenguaje musical propio, creíble y
atrevido( así ocurrió con A Room With A View, una de las más
valientes bandas de rock nacionales o con los siempre misteriosos
Maine, maduros y difíciles en su segundo largo). Uniéndose ahora a
la primera división del emo, Arkanoid (cuarteto de Castellón)
debutan en el sello Cydonia Records con "Polyester", disco clarísimo
de emo con connotaciones pop y melodías rabiosamente dramáticas que
alcanza grandes momentos ("Polyester", "Lazarus", dos de las mejores
canciones del disco) que rozan con la belleza total (la a ratoss
conmovedora y a ratoss inquietante "Julie Andrews" quizá la canción
más desconcertante del disco, con ese título) y que, gracias a los
textos, escritos en inglés por el guitarrísta foráneo Gavin Brenes,
hacen que las canciones de Arkanoid no parezcan, ni de lejos,
canciones primerizas ni inmaduras, más bien al contrario, en la
notable construcción de los temas, y en el conjunto de disco
coherente que tiene "Polyester" se esconde una banda que ha sabido
jugar su primera partida con aspecto de veteranía.
La explosión del pop
nipón:
Rhythm Fantasy / The Penelopes Vaudeville Park
por
Fernando Navarro- IndyRock
En Japón (lejano, apasionante país de férreas tradiciones y
vida velocísima) el pop ha ido abriéndose camino para convertirse,
hoy por hoy, en la música más escuchada en la capital, Tokio, donde
ya forma parte del colorido paisaje de luces, de contrastes del
país. Nos llegan ahora dos referencias del pop japonés de la mano
del sello Vaudeville Park.
Rhythm Fantasy son un dúo formado por dos chicas
(Marilyn Lo, neoyorkina de madre japonesa y Reiko Nishida, cien por
cien nipona) que en su minielepé, World 2003, el segundo disco en su
carrera tras "melody Garde" parcticam un pop electrónico ingenuo y
divertido, a veces relamente conmovedor (conmovedoras son las siete
cancioncitas de amor y desamor que se incluyen, todas tocadas por la
magia de la melodía) que se defiende con un para de teclados, un
sonido casi en mono y una referencia muy clara ( el pop-pop de los
cincuenta) que componen un creíble, cercano a pesar de las
distancias, fresco sobre las relaciones amorosas en el Japón actual.
Un Japón, si me permiten la reflexión, postmoderno y frívolo,
occidentalizado, muy alejado ya del mítico país forjado por samuráis
o de la poderosa nación imperial asolada por completo por la guerra.
La transformacion de Japón a ritmo de pop bobo y divertido.
The Penelopes, por su parte, son un veteranísimo trío
de pop chicle liderado por geniecillo Tatsuhiko Watanabe, también
descubridor de Rhythm Fantasy y autor de casi todos los temas de
"Eternal Spring", el sexto disco de la banda. En este nuevo disco
encontramos pop mono-aural con referencias claras al beat británico,
al flowe power de los hippies o a las posteriores lecturas que sobre
el pop se hicieron en la new wave (Las ejecutadas por los nuevos
románticos o. incluso, por los siniestros) Disco sobre el paso del
tiempo, sobre la gente que nos vaamos cruzando en nuestra vida,
sobre esa primavera eterna que reza el título, en "Eternal Spring"
hay algunas estupendas canciones, lo es la que lo abre "Vehicle", la
muy reconocible "Heart and Soul", la casi siniestra "From Head to
toe", una de las mejores del disco, el reflejo de la soleada
California en "Girld With a Golden Heart", el sonido rocksteady de
"Twinkle in the Rain", o los cuatro minutos de confesión amorosa de
"Split Milk", la canción que cierra este curioso recorrido por el
pop en todas sus formas y estados, ejecutados por una de las más
importantes bandas del lejano país del sol naciente, el país del pop
naciente.
Rainer María
"Long Knives Drown" Polivinyl /Cydonia Records
por
Fernando Navarro- IndyRock
Veterano trío de Wisconsin liderado por la apasionate,
controvertida y agudisíma personalidad de Caithlin de Marais, una
riot grrrl disfrazada de poetisa del emo, Rainer María, han pasado
de la juvenil ingenuidad y rabia de sus primeros trabajos a la
sencillez, la precisión y la emoción enfermiza de este maravilloso
"Long Knives Drown", un disco brillante, dramático, conmovedor; para
quien esto firma una discreta obra mayor disfrazada de disquito
independiente. Así, usando como referente, como guía, la obra y la
vida del poeta alemán del que toman el nombre (un Rainer María Rilke
que ultimamente está adquiriendo la altura mediática de Rimbaud o
Baudelaire, los poetas oficiales del rock y la juventud) Rainer
María son una banda de rock furiosa y agresiva, con unos textos que
siempre suenan inteligentes, jamás forzados, con unas guitarras
hermosísimas, al borde del colapso (la urgencia de "Mistery and
Misery" que abre el disco, la ternura casi folk "The Awful Truth of
Loving", donde se atreven a sonar a una versión mil veces
electrificada de los célebres 10.000 Maniacs), con arrebatos
violentísimos que parecen caricias (la guitarra imposible y
repetitiva, la voz siempre en estado de gracia de Caithlin en "Long
Knives", la épica urbana de "Floors") o trallazos de punk sedoso y
desconcertantes ("Ears Ring, quizá la mejor canción del disco o la
maravillosa "CT Catholic", una canción de ira y religión que revive
en el oyente de los primeros temas de los REM) atreviéndose a cerrar
su disco de rock con una canción bellísima, una concesión a la
hermosura sin etiquetas: "Situation: Relation mi favorita del disco,
una mirada limpia y sin ira (curioso, cuando ha girado en torno a la
ira) a una relación destrozada, rota y que, creo justifica, por si
sola, la escucha de este disco.
Nacha Pop - DVD
Un día cualquiera .. Visiones del Ayer
por
Hugo Narrillos Roux
La iniciativa de RTVE de rescatar de sus archivos documentos
musicales es de agradecer. Y más si empiezan con Nacha Pop, lo que
parece ser el primero de muchos, recopilatorio de actuaciones,
entrevistas, maquetas, opiniones de críticos, .... Insisto en que se
agradece porque hasta hace escasos 10 años RTVE vendía series de
televisión o programas pero a precio de oro.
El DVD es bastante representativo de la carrera de Nacha si bien se
echa en falta un orden cronológico de la documentación . El disco
consiste en actuaciones en directo (las menos), playbacks (las más),
entrevistas (muy cortas o cortadas). Enfín, que a los entendidos les
parecerá escaso y a los que no un buen documento.
Antes de cada una de las canciones o entrevistas hay una
presentación o comentario de un crítico musical. Son válidas, porque
conocieron bien al grupo, las de Diego Manrique, Tomás Fernando
Flores o Jesús Ordovás, pero no parece correcto que RTVE tenga que
recurrir a otras personas que estuvieron totalmente ajenas al grupo
para hablar de un grupo al que conocieron más que tangencialmente.
No se entiende que la actuación en el "Homenaje a Canito" esté
cortada, como también lo está la entrevista que Miguel Ríos hace a
Antonio Vega. Tampoco tiene mucho sentido que una canción esté hecha
de retales de dos actuaciones distintas (lo que sucede en al menos
dos ocasiones ...). O que haya se repitan varias veces "Chica de
ayer" y "Antes de que salga el sol". También se echa en falta más
actuaciones en directo, y canciones que incomprensiblemente se han
dejado fuera como "Una décima de segundo".
En resumen, un buen documento (esperemos que el primero de muchos)
con algunas e importantes deficiencias, pero que traerán a la
memoria canciones maravillosas de un grupo que ha marcado una de las
épocas más brillantes de la música pop española.
Congelador
`Cuatro´ Astro Discos 2003
por
Fernando Navarro - IndyRock
Desconocidos hasta ahora en nuestro país, Congelador es una banda
chilena que edita (como su propio nombre indica) `Cuatro´, su cuarto
disco y el primero en llegar aquí gracias al sello Astro. Disco de
pop sórdido e hipnótico al mismo tiempo, con un sonido como drogado,
sonado (punch drunk que dirían los anglosajones y los amantes del
boxeo) `Cuatro´ es una obra de otro tiempo, casi retro que tiene
como sus mayores virtudes el irresistible encanto de la torpeza, la
credibilidad y la honestidad de una banda a la que imaginamos joven,
que no pretende, ni por asomo, sonar grande o monstruosa. Una banda
que, más bien al contrario, suena pequeñita y ruidosa, colocada,
emocionada, y conmocionada por la vida y las drogas; una banda y un
disco que contiene, en sus trece canciones, la genialidad de la
ingenuidad y que esconde no pocas afinidades textuales con Los
Planetas (a cuyas canciones remite casi el ochenta por ciento del
cancionero de los chilenos), a los que se acerca en su sonido tejido
sobre guitarras y guitarras, opaco, a veces impenetrable, con
marañas de guitarras y voces susurradas, en calma, que parezcan
vayan a estallar en cualquier momento; un sonido adictivo y
minimalista, creíble, veraz que, en estas estupendas trece
canciones, nos descubre a una banda a la que, a partir de ahora,
habrá que seguir la pista.
Xperimental
shop `hi fiction´ kashmir plaza / pool music 2003
por
Fernando Navarro - IndyRock
Muchos más cerca del concepto chill-out o ambient que del pop
al uso (a pesar de que hacen canciones y, bueno, las hacen bien)
Xperimental Shop son una joven banda valenciana que debuta con `Hi
Fiction´ un disco hecho para los atardeceres frente a la playa y los
bajones de marcha, un disco post-dance que parece concebido algún
domingo de resaca, cuyas cuidadísimas texturas encajan con las
referencias más cool del ambient de la isla que se unen al pop
británico de última hornada (aquel en el que entra la electrónica
como protagonista absoluta) y que entrarían, perfectamente, en el
catálogo de sellos como Melankolik. Con un hedonismo siempre
presente, desde los textos hasta las guitarras o los arreglos
sexuales, `Hi Fiction´ es una obra de acabado impecable y buenas
canciones, que sitúa a esta joven banda de Valencia al frente de un
movimiento que casi se han inventado ellos, el pop out, donde
conviven sonidos negros, música funk pasada por el filtro del pop
elegante de Roxy Music, coqueteos techno pop ochentero (los New
Order de Ibiza firmarían `Thrill´; `Invisible´ podría encajar en el
repertorio de unos post Spandau Ballet) Disco sensual y sedoso, `Hi
Fiction´ viene a unir músicas que estaban destinadas a unirse en la
lujuria.
Juliusmonk "The
greedy and the thankful" Juliusmonk records 2003
por
Fernando Navarro - IndyRock
Con un sintetizador amenazante y terrorifico se abre "The greedy and
the thankful" (que traducido significa "El Avaricioso y el
Agradecido", título con nombre de parábola o fábula), la banda
sonora de un larguísimo viaje que, como toda vida americana,
comienza en Mahattan y acaba en Hollywood y que recorre, con música
terrible y emocionante, los estados y las cosas, las ciudades y los
seres de un país que Juliusmonk usan como metáfora (así el título,
"The greedy and the thankful" otra metáfora del país, entraría en un
inteligente juego de múltiples lecturas) y que analizan desde la
reflexión (el estupendo instrumental "Martyr in South Beach", el
misterio dibujado en la melodía casi infantil de "Double Fault" o
"Moods We Had", la canción que la sigue) la tristeza (el emocionante
blues afrancesado de "Phylosophy and Canape" o "Wallpaper", una de
las mejores canciones del disco), la perplejidad ("Life´s a Swap,
"Timekeeper breaks your heart") o el gozo (el ambiente jazzy de
"Barely a Night Club", el sonido latinizante de "Ex Smoker"). Una
obra, "The greedy and the thankful" que tiene, en su multiplicidad
de texturas y lecturas, en su definitiva opción
por la emoción, su personalidad y su misterio
JEAN PAUL SPECIAL
`the recall code´ zebra records
por
Fernando Navarro - IndyRock
En ese cruce, cada vez más transitado, entre el post rock y la
música de raíces norteamericana, Jean Paul Special (nombre de
persona para un dúo formado por el inglés Peter Wix y el valenciano
Juan Aís) sitúan la atmósfera pantanosa e indeterminada de su `The
Recall Code´, un disco interesante y curioso, que no parece, ni de
lejos, una primera obra. Tan matizado está el sonido (obra del
productor David Sheppard) tan cuidadas las canciones y los textos,
tan sentida la voz de Wix que podría pasar por disco de madurez de
una banda más veterana. Disco de matices, de esquinas y dobleces,
con unos textos entre malintencionados e irónicos, profundamente
críticos, `The Recall Code´ juega con el sonido tristón del neo
country (`Exorcising the Empire Dog´) o con la psicodelia post
urbana y pinkfloydiana (la estupenda `Unfortunately God Exits´) pasa
del after punk acústico con influencias de Johnny Cash (a eso
me suena la estupenda `Strange Love´) a los experimentos formales
con regusto a vanguardia (la complejidad textual de `America is
Sleeping´) resultando al final, asimiladas las referencias, una obra
muy inteligente sobre la imposiblidad de la creación, sobre las
ruinas, los desastres y las miserias actuales, sobre el punto y
final de la música popular contemporánea (estupendo ese cierre, como
unos Velvet del oeste, cantándo eso de "Kill the thing you
love").
Lansbury
`that creepy hope on love´ astro discos
por
Fernando Navarro - IndyRock
El post rock se muere. Con ese certificado de defunción que fue
`Estratexa´ de Manta Ray, ese popular sonido basado en la atmósfera,
en la inconcreción textual, los pasajes instrumentales abiertos, las
(vagas) referencias a la música tradicional norteamericana y unos
textos susurrados, casi siempre en inglés, a los que no se les suele
dar mucha importancia, va dejando de tener calado, deja de sonar
novedoso e importante y está acabando por convertirse en un estigma
como ya lo fue el noise luego el pop y últimamente el hip hop. Al
final quedan las canciones, y esas son las que tienen que importar.
Así, en medio de ese movimiento decadente, finado, Lansbury han
grabado un disco que consigue subsistir gracias a la honestidad de
una banda que se sitúa, quizá, más cerca del blues, menos
experimental de lo que se le supone, más intensa. Así en su debut
tras el estupendo ep `The Only thing that shines´ los asturianos han
grabado un disco desigual, que puede sonar novedoso, penetrante y
emocionante (la guitarra abrasiva de `A Lucious Moment´ el piano y
la segunda voz de `Dragon´ , que acaba convertida en una pieza casi
punk y para mí la mejor canción del disco) y que a veces lastra el
peso del pasado con demasiada evidencia (el comienzo con
`Hole/World´, la algo cargada melancolía sureña de `Creepy Hope´, la
excesiva duración de algunos cortes) para acabar convirtiéndose en
algo que, con malicia o simplemente justicia, podríamos denominar
como el primer disco de post post-rock.
Les phillipes `philharmonic philanthropy´ bcore
por
Fernando Navarro - IndyRock
Sorprende, al repasar su catálogo, la curiosísima evolución del
sello catalán BCore. Nacido con la línea editorial muy definida por
un estilo entonces marginal y underground (el hardcore), con los
años y gracias a la perseverancia, no sólo han conseguido
consolidarse como sello y consolidar el movimiento al que dieron
amparo (hoy en día las bandas que editaron son ya clásicos del
panorama independiente nacional) sino que han ido abriendo su
espectro y tras la edición de `The Ionic Spell´ (disco enorme de los
catalanes Standstill) el catálogo de BCore adquiere su mayoría de
edad y empieza a editar excelentes discos (citaré sólo un par de
ellos: `Memories Collector´ también de Standstill o `Songs From
Cydonia´ de Madee) donde el pop tiene cada vez más cab ida. Ahora,
con la edición de este `Philarmonic Philanthropy´ el pop también
adquiere la mayoría de edad con el sello. Banda delicada, de sonidos
y armonías preciosistas, Les Philippes son un cuarteto que, cogiendo
las enseñanzas de las bandas de los sesenta (Beach Boys, Byrds o The
Kinks a la cabeza) y alineándolas con el pop cuidadoso de Teenage
Funclub o Belle & Sebastián, se sitúan en la primera línea del
pop nacional. Hermanados, por motivos obvios, con Carrots o Sexy
Sadie, Les Phillipes han grabado un apacible disco de debut con un
sonido que parece concebido en mono, de acústicas y voces, lleno de
momentos hermosísimos (la delicadeza acústica de `Beware!!!´, los
sofisticados juegos vocales de la breve `Bluebird´s Nest´ o `Colour
Stew´, el derroche pop de `Delivery #104´, el ambiente circense, a
lo Kinks de `Waiting Waltz´) que deja, en el oyente aficionado al
pop pluscuamperfecto, un sabor imborrable, lleno de recuerdos.
Vladimir `electrobohême´
start/cue records
por
Fernando Navarro - IndyRock
Debo ser un sentimental, porque ya en el primer corte (el minuto y
medio de psicodelia, voces angelicales y emoción burtoniana -de Tim
Burton, se entiende- de `Here Comes´) Vladimir consiguen conquistar
mi atención. Este curiosísimo dúo catalán de soviético nombre,
camuflándose en un pop frívolo y psicodélico de nueva generación,
han grabado una ópera prima que, sorprendentemente, se encuentra
entre lo mejor oído este año. Disco variadísimo, que nunca se
decanta en la disyuntiva baile/melodía, en `Electrobohême´ se
encuentran ecos de una fiesta que acaba de terminar, una que está a
punto de hacerlo, suspendido el disco entre celebraciones que han
sido gloriosas, recuerdos amargos. Recogiendo de The Beatles la
capacidad para construir canciones como si fueran ju guetes,
Vladimir han creado un disco plagado de artefactos entre näif y
terribles que esconden una gran capacidad melódica (el hallazgo del
piano en `Supernova´, la claridad de `Landscape´) y una capacidad
para el petardeo, el baile y la ligereza narrativa (el funky
juguetón que acaba como un gospel blanco y psicodélico de
`Guiseppe´, la extraña amenaza que se cierne en `The Closet One´ o
las jugadas latinizantes de `Samba Lironda´ o ´Rendez Vous´, esta
última a medio camino entre Antonio Carlos Jobim y Henry Mancini)
sin igual en el pop nacional. Como si fueran unos Boo Radleys con
menos mala leche, Vladimir son una sorpresa que contiene un espíritu
libre, divertido y sorprendente como pocas propuestas que el que
suscribe haya escuchado, en años, en el panorama pop nacional
Doss `AFTER
THE WILD RUSH...WAITING´ HUMO ITEMS
por
Fernando Navarro - IndyRock
La sombra de Radiohead es alargada. La influencia del quinteto
de Oxford en la música pop actual es tal que, a estas alturas, la
cosa casi se divide entre los que siguen a los de Thom Yorke y los
que no. Creo que Doss están entre los primeros, aunque sólo sea
estéticamente. Con un aparatoso, fascinante diseño que remite a las
obras de Stanley Donwood para `Kid A´ y, sobre todo, `Amnesiac´ y un
conjunto de canciones bien armadas, los madrileños se estrenan con
`After the Wild Rush...waiting´, un disco ambicioso sobre un ser
acosado (un monigote que se erige en protagonista absoluto del
delicioso librito, casi un libro en toda regla, que acompaña al cd)
por el miedo, la rabia, el horror que, inevitablemente, por todos
lados, nos rodea. Doss comienzan despistando (los guitarrazos de
`Transpositor Inspirator´ en `Meta´, y en esa la irresistible love
song que es `Antoinelle´. ´), jugando al slowcore, con un recital de
atmósferas crudas y precisas, más cercanas a Fugazi o a Sunny Day
Real State que a la banda británica a la que en un principio parecen
remitir. Es a partir de `Mazteca´ cuando las intenciones post de
Doss se ponen de manifiesto. La duración del corte (nada menos que
ocho minutos y treinta y seis segundos) el piano imposible, la voz
difuminada y la presencia que van adquiriendo las guitarras, acercan
el discurso de Doss al de los mencionadísimos británicos o al de
Sigur Ros. Y es a partir de ahí cuando Doss se embarcan en la
narración imposible de la vida de ese pobre hombre (ojo al último
dibujo del libreto, toda una declaración de intenciones) llegando a
alcanzar cotas magníficas (la inconcreción de `Unconnected´, quizá
la mejor canción del disco, el enérgico estallido de guitarras de
`1:37 A.M.´) que encuentran un final perfecto con el apenas minuto y
medio de `Number Two´, donde un piano despide una ambiciosísima
ópera prima, que acerca a Doss al concepto de arte total buscado por
sus ilustres precedentes.
Zonah PRODUCCIONES `TIEMPO DE PERROS´ AVOID RECORDS
por
Fernando Navarro - IndyRock
Disco amparado por Zonah producciones, `Tiempo de Perros´ es
una colección de rimas de muy distinto calado, que varían según el
MC que vaya pasando por el micro mientras que, exceptuando un par de
temas, a los controles está el propio Zonah, productor rotundo y
seguro, que ejecute sus ritmos con una contundencia y una fuerza
apasionante, apoyado en todo por momento por el scratching de
Dowjones. Así, en la lista de MC´s (provenientes de la amplísima
escena sevillana más o menos underground) se encuentran desde
Juaninacka (que aporta un gran tema, `Propaganda´) a los
inclasificables y geniales SFDK, de la crudeza del ajuste de cuentas
ejecutado por Hijo Pródigo y Legendario en `24 horas de vida´ a la
perfección de `En tu area´ de El tralla, del estupendo ritmo, casi
industrial de `La Gravedad´, con las rimas de Putolargo y Pablo a la
divertida `Papiroflexia´ de Tote King, quizá el mejor corte del
disco; pasando por el flow autóctono de Jesúli (`Sufre´), el horror
muy cinematográfico de Nico (`Dicen que estoy loco´) o la melancolía
fronteriza de Juanma (`Alma y calma´) con la que se pone punto y
final a este peligroso, inestable, apasionante coloquio de
perros.
Chris Clarke
`EMPTY THE BONES OF YOU´ WARP
por
Fernando Navarro - Indyrock
Nueva muestra del libro de estilo del más personal, enigmático
sello de música electrónica que existe (me atrevería a afirmar que
no sólo de la música electrónica) `Empty the Bones of You´, narra
los albores y luego los entresijos y el final de una última guerra
como si fuese una lucha contra las tinieblas, una batalla de
ciencia-ficción, asemejándose, de algún modo, con las virtudes
(narrativas y musicales) del francotirador John Carpenter. Como él,
Chris Clarke, otro francotirador, usa texturas de videojuegos
alternándolas con manifiestos (contra)culturales, anarcoides y
radicales, políticamente inteligentísimos, extremos; como en
Carpenter hay, además, una mirada nada maniquea, brillantísima, a la
naturaleza del mal. Disco inhóspito pero melódico, entretenido y
llenísimo de matices, que se valora en una o en mil escuchas, `Empty
the Bones of You´ ofrece a la vez electrónica inabarcable y
complicada, oscura (el tema que da título al disco, la ilusoria
calma de `Early Mess´, el pseudo tribal imposible de `Umbilical
Hut´) y melodías accesibles y directas, perfectas (la infalibilidad
de `Indigo Optimus´, la turbiedad rítmica de `Wolf´) reforzando de
esta manera la idea de narración electrónica, minimalista y
mistérica que esconde entre los samplers y los bmps, matices
sorprendentes
(el piano engañoso de `Tyre´) ideas terribles (el apenas minuto de
`The Sun Too Slow´ donde casi visualizamos un sol aletargado y torpe
por alguna mutación del universo) y que, sorprendentemente, se
cierra con una luz, con esperanza (hay en `Betty´, el tema que
cierra el disco, una idea de regreso primordial, que tiene más de
extático que de apocalíptico; sus más de cuatro minutos son el
reflejo sonoro del doloroso nacimiento de un nuevo planeta. La
tierra ha muerto. Viva la tierra).
Jacques
`ROSES FOR ASHES´ ACUARELA DISCOS
por
Fernando Navarro - Indyrock
Plenamente acomodado en el formato del ep, Jack Reynolds da
continuidad a su alter ego más clásico y desesperado, Jaques, con
este desconcertante `Roses for ashes´. Así, frente a la coherencia
interna de su anterior obra como Jaques, `Romantic´, en su nuevo
pequeño trabajo, aún más valiente, más solo (parece que las nuevas
canciones provinieran de alguna curva, alejada de la vida de los
hombres), más que nunca aunando su vertiente crooner (esa
maravillosa voz frágil, bañada en vapores etílicos) con la
experimentación y la variedad estilística, que incluye desde un
estilizado soul blanco hasta la electrónica a veces luminosa, a
veces tenebrísima, amarga. De este modo se alternan la belleza
atemporal de sus más brillantes canciones (`Tuesday´s child´) con la
electrónica adictiva, precisa (la neworderiana `Banished by the
underground, hunted by the overground´), la confesión de una pasión
devastadora y vampírica, hecha sin sobresaltos ni llantos, con la
vana resignación, casi cinismo del hombre solitario (`Silverblues´)
con el sonido divertido, donde la comedia linda con la apatía en
`Butterbaby´ (donde Reynolds canta, casi con una mueca, eso de
"everything´s gone blonde") para, inesperadamente, acabar con un
giro hacia Oriente. Acompañado de su musa Midori, el tema que cierra
el ep, el que lo titula, es una especie de plegaria, casi zen, donde
Reynolds se acerca a una espiritualidad creíble, libre de segundas
lecturas. Al cerrarse `Roses for ashes´ vemos, cara a cara, desnudo,
a un casanova, a un bebedor, a un hombre triste que se ha enfrentado
(y parece que ha vencido) con su pasado, con toda su herencia, en
una suerte de oración mística que lo redime frente a su última
amante, la que cree definitiva.
Prefuse 73
`EXTINGUISHED: OUTTAKES´ WARP
por
Fernando Navarro - Indyrock
Surgido en la apasionante factoría Warp (el más
desconcertante, personal sello de música electrónica que existe)
Scott Herren es uno de esos personajillos huidizos e irónicos que
usa (y abusa) la electrónica para analizar, descuartizar la sociedad
contemporánea sin ningún miramiento, con desprecio y humor,
buscando, rebuscando en los rincones más insospechados donde puede
aún sobrevivir la humanidad, o todo lo contrario. De este modo, tras
sorprender al mundo con el sorprendente `One World Extinguisher´,
Herren ha comprobado, no sin acierto, que el mundo está aún peor de
lo que lo dejó y ha regresado con las tomas alternativas de su
disco. Así, `Extinguished: Outtakes´ es una nueva mirada, corregida
y aumentada, a un planeta en ruinas, convertido en un escenario
bélico de comedia, en una parodia, en un teatro, en una batalla
continua, que parece ya interminable; una propuesta de diálogo entre
la electrónica imposible, los bmps arrolladores, inabarcables (en un
discurso parecido al inaugurado hace ya años por Dj Shadow) que
encuentra en el jazz, en algunos samplers imposibles, en grabaciones
de voces psicóticas, inéditas, una manera de lucha efectiva y
divertida (más efectiva creo, que la de compañeros generacionales
más ambiciosos, menos brillantes como Mathew Herbert) variada e
inestable; Este mundo en guerra y desquiciado encuentra una batalla
más en `Extinguished´, que no será, la última batalla; pare esa aún
queda tiempo.
El Disop `LUCES
Y SOMBRAS´ AVOID RECORDS
por
Fernando Navarro - IndyRock
Segundo disco de una de las más refrescantes, controvertidas
voces de la escena hip hop nacional (cuyo debut `Cajas y bombos
retumban en tu barrio´ produjo un notable revuelo) El Disop ha
grabado, con `Luces y Sombras´, y haciendo honor al título, una
crónica costumbrista, casi divertida, donde el narrador/protagonista
se encuentra siempre sumido en cruces vitales, en disyuntivas y
contradicciones, con una única idea en la cabeza: escapar del dolor,
afrontando cada día como una batalla, buscando, ante todo, la
felicidad. Disco confesional que sabe ser social (usa el Disop
experiencias personales, como en la estupenda, `Mensaka´, para
hablar de sus iguales) `Luces y Sombras´ transcurre en una ciudad
gris, llena de humo, donde se alternan momentos duros, terribles
(`Que hicimos mal´, quizá la mejor del disco, `Alerta roja´) con
escapadas hacia la felicidad (`Amigos´, `Ideas positivas´),
encontrando sus mejores momentos en esos parajes donde se conjugan
ambas cosas, donde aparecen y desaparecen las luces y las sombras;
como en esa divertida, curiosa, `De lo más sincero´, quizá el más
personal de los temas del disco, el más banal y la vez el más
cercano, donde se percibe más que ningún otro corte, la mirada
cáustica del autor, entre la autocompasión y la severidad.
I Muvrini
`UMANI´ AGFB / CAPITOL RECORDS
por
Fernando Navarro - IndyRock
Hay para quien la globalización, la idea de un mundo sin paso
fronterizos o visados, unificado más que unido, cuyas culturales se
vayan diluyendo hasta ser todas una, es una utopía maravillosa,
irrealizable y necesaria; un sueño. Existe también la opinión de que
semejante mundo globalizado (cultural y económicamente hablando) es
una idea abominable, ominosa, terrible, que conlleva la pérdida de
la identidad cultural de los pueblos (que están, de una u otra
manera, obligados a entenderse; a comunicarse a través de sus
culturas, por diversas y separadas que estén). Está bastante claro,
tras la introducción política necesaria, que para I Muvrini (curioso
colectivo de músicos corsos) la globalización es algo hermoso y
necesario. Así, `Umani´ como si fuera un manifiesto a favor de ese
derribo de fronteras, es una obra recorrida por muchas lenguas, por
muchas músicas (hay canciones en francés, corso, bretón, catalán,
occitano y vasco; la mayoría minorías hablantes, por cierto) que
pasa del desesperado canto de las mujeres afganas de `A Jalalabad´ a
la canción de amor italiana de ´Di quale si´l amore´, de las raíces
aflamencadas de `Vogliu´ al folk bienintencionado de `Da le vostre
mane´. Obra plagada de músicos y acentos, `Umani´ es un disco que
entusiasmará al viajero (que no al turista), que puede (debe)
disfrutarse, creo, viajando en coche por la provenza, por las
tierras perdidas de algún país olvidado, conectando el oyente la
vieja Europa con las muchas europas que son, las que son el mundo.
Daniel Lanois
`Shine´ ANTI / EPITAPH
por
Fernando Navarro - IndyRock
Obra sobre el amor que, como el sol, resplandece y se oculta;
sobre anocheceres y despertares, sobre la fragilidad de cuanto nos
rodea, `Shine´ de Daniel Lanois (productor de lujo que estuvo tras
los controles en algunos discos de U2 y muy responsable de que `Time
Out of Mind´ de Bob Dylan fuese la fúnebre obra maestra que es) es
un trabajo sorprendente, hermosísimo y plácido, sin exabruptos, sin
sobresaltos, sereno. Usando dos estupendas canciones como prólogo
(`I Love You´, cantada con Emmylou Harris y `Falling At Your Feet´
escrita e interpretada a medias con Bono) Daniel Lanois se
introduce, tras ellas, en un mundo oscuro y polvoriento que mucho
tiene que ver con el retratado en el ya comentado `Time Out Of
Mind´. Usando, como en aquel, las raíces de la música americana y
una brillantísima economía instrumental (todo está en su sitio en
esta preciosidad) Lanois consigue, en `Shine´, sonar creíble,
conmovedor, sincero; tan real que, como en la vida, sus
composiciones se debaten entre la tristeza y la alegría sin
decidirse nunca por una o por otra. Obra, por tanto, sin tiempo,
alejada de las ciudades y del ruido, `Shine´ está llena de
magníficas canciones (mi favorita, `Sometimes´, `San Juan´, `Slow
Giving´ o `Fire´) intercaladas entre parajes casi ambientales
(`Transmitter´, `Matador´, `Space Kay´ o el final de `JJ Leaves LA´)
que sitúan al oyente, al lector de este poema mortuorio sobre el
amor como una luz, en alguna frontera, a punto de rompérsele el
corazón, que no podrá reparar.
FUENF D - "Save
Earth" Masterdance - 2003
Por
J. E. Gómez - Indyrock
Paisajes sonoros entre el límite de la tierra y el espacio.
Cadencias electrónicas, ritmos reiterados con sútiles melodías
ambient. Fuenf D es el nuevo proyecto de Michael Kohlbecker,
considerado como uno de los más activos productores alemanes, clave
para entender la escena Trance. Un creador que no se ha conformado
con la producción de hit para otros autores y ha querido profundizar
en sus propias ideas musicales. Su carrera de colaboraciones le ha
llevado a trabajar con Eternal Basement y Zwei, New, Frontiers. Fue
con los Saafi Brothers cuando consiguió que se le reconociese como
el moldeador del trance hasta límites insospechados, sacarlo de las
pistas para convertirlo en un estilo de escucha pausada. Su
nuevo trabajo, "Save Earth", muestra una música futurista,
sensual, a veces ardiente. Sin duda una inmersión en universos por
descubrir. Apto para amantes del pop, la electrónica y para quienes
quieren experimentar nuevas sensaciones.
www.millenniumrecords.com
Sindicato del
crimen: Viaje al fondo de la mente
por
Javier Verdión Castro
Sindicato del crimen es, sin duda, una de esas bandas
maltratadas del panorama musical español en el que, debido a cierta
"mala suerte", no ha logrado ocupar aún el justo puesto que se
merece. Su mayor delito, como aclaraban hace ya tres años en una
revista especializada con motivo de la publicación de su anterior
disco Guetto paradise, tal vez sea no haber figurado en la banda
sonora de alguna película exitosa del tipo Historias del Kronen o El
día de la bestia, que en su momento sirvieron de catapulta para el
reconocimiento definitivo de grupos como Def con dos, Hamlet o los
propios Extremoduro (de ahí que decidieran, no sé si acertadamente,
aparecer en el programa musical de Miguel Bosé por entonces en boga
Séptimo de caballería) Sea esta la razón o no, lo cierto es que
Sindicato del crimen ha tenido un papel fundamental en la transición
de la música alternativa durante los últimos años, seguramente,
porque su peculiar estilo (nunca asimilado del todo), siempre en la
vanguardia, mira hacia un futuro no demasiado lejano que resulta
difícil de comprender, o, por qué no, hacia un presente muy presente
que la supuesta contracultura de este país se resiste a aceptar.
Viaje al fondo de la mente es el sugerente título de
este nuevo trabajo con el que el grupo madrileño nos invita a lo
largo de doce canciones (y una sorpresita final) a un angustioso y
duro recorrido por lo más profundo de nuestras conciencias. "Cuando
venga la muerte", "El signo de los tiempos" o "Recuerdos", son sólo
algunos de los temas de este álbum repleto de textos superrealistas
y ritmos apocalípticos que nos hablan de violencia y
deshumanización, de crisis ideológica o catástrofes suburbanas.
Humor negro y oscuras atmósferas serían las armas con las que, una
vez más, estos visionarios de la música subvierten los falsos
valores de una sociedad en descomposición.
Como casi siempre, Sindicato del crimen nos deleita con
un nuevo LP que nada o poco tiene que ver con los anteriores, y que
parece ser el comienzo o el culmen de una prometedora discografía,
algo que les hace grandes pero que, en cierto modo, también les
condena al no encasillarse. De hecho, Viaje al fondo de la mente no
es, como algunos se han empeñado en decir, una vuelta a las raíces
del grupo y al Hip-Hop maduro, sino mucho más que eso. Esto se
demuestra con la continua renovación de la banda, que encuentra en
la originalidad su proposición más fiable e interesante.
Eddine Saïd
`ONÍRICA´ AVOID RECORDS / EL DIABLO
por
Fernando Navarro - IndyRock
La música negra fabricada en España nunca ha tenido mucho
predicamento. Hay pocos casos y los que hay (los que ha habido) no
son especialmente reseñables. Quizá en respuesta a la reciente
explosión de las músicas negras en todo el mundo (desde la música de
raíces hasta el R n´B y el soul gozan de inmejorable prensa y de
estupendas ventas) y un poco atraída por el fortísimo tirón
comercial de su hermana pequeña, el hip hop, Eddine Saïd (ex de Buen
Color y Tzaboo, presente en discos de Zemo, Solo los Solo o el Payo
Malo) ha grabado un disco de músicas negras que no encuentra igual
en el reciente panorama independiente. Diario íntimo, casi en
primera persona, ambientado en la España de la ley de extranjería y
las pateras, la España recién inventada de extrarradios y grafitos,
`Onírica´ es una colección de músicas desarraigadas y fronterizas
(un músico árabe y español haciendo soul afroamericano en la escena
europea), músicas de clubes y de trastiendas. Una obra confesional
donde Saïd (el alias de Nour-Eddine El Khayati) usa el soul, el R
n´B o el ragga, los sonidos arabizantes `Jay Fönk´ o el jazz sedoso
(`Improvisa´ y `Desaprender´) el groove cuasi funk (`Obsesión´) y el
hip hop crepuscular (`Tras la vida´), todo para componer un relato
sobre las miserias y las alegrías, donde la tristeza parece que va a
acabar ganando (la reivindicación palestina en `Tras la vida´) para,
por sorpresa, con `Pasión´ la conmovedora canción que cierra el
disco) resumir acertadamente que la vida, todas las vidas giran,
quizá, en torno al amor y a algunas guerras imposibles de
detener.
(lo:muêso) `MUTÊ´
CYDONIA RECORDS
por
Fernando Navarro - IndyRock
Cuesta analizar, catalogar (a pesar de mi enemistad con las
etiquetas, he de decir que resultan útiles en apenas quince líneas
de texto) una propuesta como la de (lo:mueso) que ya desde su nombre
(así, en minúsculas, entre paréntesis, con dos puntos y el
circunflejo, todo un desafío para los grafismos de prensa y
televisión) se desmarcan de la escena a la que pertenecen (una
escena hardcore y post-hardcore que a las descargas emo de Maine; a
los desgarros inabarcables de Standstill o A Room with a View y a la
entereza de los seminales Aina, (lo:muêso) añaden tragicomedia) y en
la que son, creo, especialmente necesarios. Así, `Mutê´, su disco de
debut, es como un libro de apuntes y borrones, hecho de jirones de
papel, de retazos de guitarras y bajos; un cuaderno incompleto en el
que la banda catalana va apuntando ideas una tras otra, sin parar
(los cinco minutos de agonía de `#2´, las atrevidas guitarras
espaciales de `Caselero Drive´, me atrevería a decir que la mejor
canción del disco, la virtud de la lentitud en `(lo:muêsical)
Instinct´, el borrador emo que es `The (marsupial) Drone Player´ o
el ruidismo de la, a pesar de su crudeza, divertida `Motorcycle
Piñazo´) casi sin esfuerzo, uniendo al final la violencia sin
límites con una ternura que no sabemos de donde sale (los
inabarcables más de nueve minutos de la canción que cierra el disco,
`White Seedless Graps´) de la que dudamos aún cuando la tenemos
cerca.
Orlando
`GRAND SILENCE´ RECORDINGS FROM THE OTHER SIDE
por
Fernando Navarro - IndyRock
Hay, en la música de raíces americana, como en los vastos desiertos
del país, como también en las cunetas de las largas carreteras e,
incluso, entre las barras y las estrellas, un misterio. Un misterio
que debe residir (así lo imagino) en la naturaleza de los silencios,
en los (muchos) espacios vacíos. Un misterio que quiere envolverse
de otros misterios, que vaga por algún lado. Allí donde la
naturaleza muerta es la naturaleza única, a la busca de ese
misterio, Orlando han querido situar las once historias de este
interesante `Grand Silence´. Así, el turbador disco de la mariposa
de Orlando va descubriéndose, desnudándose muy lentamente ante
nosotros, con la inquietante capacidad de seducción de una criatura
frágil; descubriendo, canción a canción, una oscura pieza de cámara
(el disco no llega a los treinta y siete minutos) sobre misterios y
nocturnidades; una obra de atmósfera turbia (`The Moon And The Sun´)
donde la voz de Ana Béjar, dulce y agrietada, hermosa, se abre paso
entre la inestabilidad emocional de `Long Distance Call´, la
desnudez de `The Pond´, la épica fronteriza de `Grand Silence´ y la
maravillosa elegía, la despedida susurrada de `Farewell´, una
canción bellísima que parece escrita entre nopales secos, en los
pliegues siempre llenos de misterio de cualquier desierto.
The Hit `SHERMER,
ILLINOIS´ CYDONIA RECORDS
por
Fernando Navarro - IndyRock
Sucursal musical, divertimento punkarra del director de cine
underground y dibujante de comics Matt Matsuoka, The Hit responden
precisamente a eso: a la necesidad de rellenar el tiempo entre
película y película de este personajillo inclasificable de la escena
oculta de Seattle. Auténtico por tanto (no se engañen, ni él ni sus
dos compinches pretenden forrarse ni tomarle el pelo a nadie) con la
credibilidad que puede tener un autor que monta una banda para
divertirse (que, en la opinión del que esto firma, es mucha)
Matsuoka ha grabado un divertido, colorista disquito para espantar a
los (pocos) fantasmas personales que lo persigan, para ahuyentar de
una vez al buitre corvo del aburrimiento. Pieza de neo punk, de rock
garagero, de power pop guitarrero sin más distracciones que algunas
chicas perdidas en el camino, `Shermer, Illinois´ es como la crónica
apuntada, medio esbozada, de la vida en un pueblo americano más,
narrada por un tipo y sus dos amiguetes a los que imaginamos de
fiesta en fiesta, entre barriles de Bud, por bares ya casi vacíos,
pasando los domingos un poco resacosos. Así Matsuoka se reinventa
asimismo (entre la efervescencia pop de `Purple´, la evocación más o
menos sincera de `Rachel Leigh Cook´, los evocadores medios tiempos
de `Sunset´ o `Broken Lights´ y la energía de `Crazy Beautiful´,
`Hellraiser´, o `Scenekill´) como el superhéroe existencial (o algo
así) de un comic-book demencial escrito sobre un fondo de
guitarrazos.
The Moon Men
`THE MOON MEN´ CYDONIA RECORDS
por
Fernando Navarro - IndyRock
Parecen estos The Moon Men inspirados por la furibundez
guitarrística de Mick Ronson (no son casuales, creo, las conexiones
astronómicas entre estos "hombres de la luna" y los que fueron
"arañas de Marte"), por la rabiosa urgencia rockística de gente como
Stooges o Mc5; nombres todos ellos que, en un nuevo quiebro del
circo de las tendencias, se han vuelto a apoderar del panorama
independiente contemporáneo. Seguidores de las brechas
abiertas por Jon Spencer Blues Explosion en sus seminales
primeros discos, The Moon Men han grabado un ejemplar primer disco
que responde a todo lo que requiere este (re)renacimiento del rock
primitivo; a saber: brevedad (`The Moon Men´, el disco homónimo,
apenas llega a los cuarenta minutos) contundencia, canciones
espídicas, guitarrazos sin piedad y riffs, (`Shiner´; la algo pixie
`3D´, la agitada contención de `Screaming Hits´ la juerga de `From
The Moon´, la accesibilidad de `Black Star´ o la magia psychobilly
de `Gallaxy´, una de mis favoritas) arrolladores, perfectos. Como si
fueran cuatro amiguetes descontentos, enfadados, que se sienten más
cómodos en la luna, entre cráteres, que aquí en la Tierra, The Moon
Men han grabado un disco que sirve para que las (pocas pero
seguidas) amarguras de la adolescencia y las (menos y más
repartidas) alegrías post-púberes vayan siempre acompañadas de una
guitarra eléctrica. Aquí o en la luna.
Idaho `We were
young and hended the money´ Cydonia Records / Idaho Music
por
Fernando Navarro - IndyRock
"Éramos jóvenes y necesitábamos el dinero" se justifica Jeff
Martin (líder y creador de esta estupenda banda californiana) en el
título de este recopilatorio que recoge inéditos y caras b de esta
banda co-fundadora de la difusa escena del slowcore; difusa por lo
amplio de su espectro, que no por sus cualidades y propuestas.
Disco, por tanto, cuyo análisis depende de la simpatía por la banda
en sí, de la arbitrariedad de las canciones (es complicado, para el
que esto escribe, juzgar una colección de descartes de la misma
manera que un todo grabado y concebido como tal) y de comprobar si
el nivel de los descartes está a la altura del que cualquiera de sus
otros temas (ahí reside, creo, el acierto o desacierto en un
recopilatorio de temas inéditos), `We Were Young and Needed the
Money´ es, con todo, un notable ejercicio de recuperación, de puesta
en día (para el oyente nacional, gracias a Cydonia Records) de una
banda importante, decisiva en el cambio de registro del pop de
guitarras (que gracias, entre otros, al slow y su espectro, se
volvió más emocional), que incluso en su obra menor contiene grandes
canciones (lo son la accesible `Shoulder Back´, la atmósfera
enrarecida de `Flat Top´, la engañosa fragilidad de `Straw Dogs´ una
de mis favoritas, la ingenuidad, casi luminosidad, de `Much Closer
Now´, o el suspense de las guitarras en `Carefully Turning´, otra
indispensable) y que conforma un puzzle de sentimientos, de retazos
y recortes que, sin darle unidad al disco, si le otorgan el sabor de
la sinceridad, del homenaje.
No tiene Jeff Martin que excusarse. La suya es una gran carrera,
aunque fueran jóvenes y necesitaran el dinero.
Poor Rich Ones
`HAPPY, HAPPY, HAPPY´ Cydonia Records / REC 90
por
Fernando Navarro - IndyRock
El grunge tiene, nadie lo duda, muchas virtudes musicales (la
principal, creo, el regreso de las guitarras y la actitud a la
escena rock) pero ha dejado -dejó- un pesado lastre: el desprecio de
la felicidad, de la alegría como fuente de inspiración. Se tiende a
infravalorar, desde ciertos sectores de la crítica más opaca, la
capacidad de emoción desde la luminosidad, desde la falta total de
maniqueísmo emocional. De este modo, el trío noruego Poor Rich Ones
se atreve, en su debut, a mirar a la luz cara a cara, sin complejos;
sin que parezca importarles que mirar al sol con tal descaro les
puede hacer perder la visión. Disco, por lo tanto, luminosísimo,
conmovedor y absolutamente creíble, `Happy Happy Happy´ (ese título
que no engaña) es una obra exultante y hermosa (lo son las
estupendas dos canciones que abren el disco, `Twins´ y `Happy
Happy Happy´) que, de repente, se detiene y se deleita en los
momentos otoñales del viaje (cualquier viaje), en las sonrisas que
el recuerdo (de)vuelve amargas (desde esa preciosidad que es `For
Eliza´ a las melancolías de `May Queen´ o `New Lullaby´) para
retornar a la luz con la brillantísima `High Flyer´ (cuatro minutos
construidos, cimentados sobre el goce, sobre la alegría) donde hay
recogida toda una vida, jubilosa, llena, a rebosar, de otras vidas.
Producido por el otras veces cáustico Mark Trombino (encargado de
los mandos en la obra maestra de Jimmy Eat World, el muy vendido
`Bleed American´) la opera prima del trío noruego es un disco creado
para alimentar, paradójicamente, las horas más duras: aquellas
oscuridades tremendas en que urge la luz; una luz que Poor Rich Ones
reivindican casi desde la militancia.
Sunday´s Best `The
Californian´ CYDONIA RECORDS / POLIVINYL
por
Fernando Navarro - IndyRock
Largometraje sobre las bonanzas de la soleada California (la
Cálida Fornia del Amadís) en `The Californian´ el cuarteto
norteamericano Sunday´s Best, se ha atrevido, en su segundo disco, a
presentar, a describir su propia California, alejada de la
California hippie que se envuelve en tiniebla, en horror (Charles
Manson, The Doors, Los Beach Boys), la California espídica,
rapidísima, imposible de alcanzar para el resto del mundo (cuando
Gun´s & Roses eran los reyes y Hollywood empezaba su evidente
decadencia moral) o la California imposible, entre irreal y
grotesca, sexual y casi entrañable de los cronistas oficiales Red
Hot Chili Peppers. Disco, por tanto, concebido, pensado, entre las
arenas y las playas y un poco más allá, entre el asfalto y los
edificios, llegando a los arcenes, al final del estado,
(per)siguiendo a la chica de la portada, esa adolescente que (quizá
como una metáfora de la imberbe sociedad norteamericana) descubre el
mundo, representado todo él en California. Disco, conjeturo, amargo
escondido tras la apariencia de obra feliz; narración en clave de
indie pop sobre la(s) precocidad(es) americana(s), Sunday´s Best han
conseguido captar el espíritu de las otras californias (la ciudad
desolada, vacía sin la chica que se ama de `Don´t Let It Fade´, la
ciudad de oropel en la ambigua `Our Left Cost Ambitions´ la ciudad
idealizada de la infancia de `Beethoven St´, la ciudad que queda
atrás, sabiendo que no será la última de `Los Feliz Arms´, el tema
que cierra el disco, con unos interesantes juegos de voces a lo
Beach Boys) diseccionando, humanizando el lugar del mundo, me temo,
más deshumanizado (California, estado de contrastes, donde conviven
la progresía y el yippismo crepuscular de San Francisco con la
carnaza, la basura, la ponzoña moral, la mierda de Los Ángeles; una
ciudad que no me gustaría pisar en la vida) de entre los miles que
existen.
Free Serena, "All
these voices", Ernie Records, 2003
Por
Paco Camero M.- IndyRock
Tras publicar un EP titulado "Mateo's haircut", los gallegos Free
Serena lanzan ahora su primer elepé, "All these voices", grabado en
los estudios ODDS del Puerto de Santa María y con producción a cargo
de Paco Loco, que lleva ya bastante tiempo eligiendo bastante
bien con quién trabaja e imprimiendo a veces un sello distintivo en
aquello que toca. Además, los gallegos han teloneado a The Rosebuds
y a los sublimes e incomparables Posies (ante éstos no cabe la
objetividad). Lo cual les da bastantes puntos a favor e indica
bastante de sus preferencias musicales. O más claramente, que a Free
Serena le pierde el power pop. A saber: melodía, melodía, mucha
melodía, estribillos con fuerza, guitarrazos rasgados, acoples y
distorsiones. Buen estreno de largo, aunque debilitado por un
todavía balbuceante trabajo de composición que hace que la escucha
resulte a veces repetitiva.
Herri Black, "Under de ground", Avoid Records, 2003
Por
Paco Camero M.- IndyRock
Herri Black, un colectivo de afrosound que aglutina a varios DJs y
MCs, viene a ser una especie de representación de la comunidad negra
de Valencia. Así pues, no sorprende que en su hip hop se remuevan,
con un cucharón underground y marihuanero, eso siempre, ritmos
calentitos, algunos bordeando el reggae, homenajes al funk, al soul
e incluso algún guiño jazzístico. En este elepé, más redondo en
bases y ritmos que en las rimas, participan Negro Ché, Edy la
Sombra, Tomy G, Principiante, Black Bambino y un largo etcétera de
amantes de la épica urbana chunga. Protestas, todas las que quieran:
contra el racismo, contra la policía... Reivindicaciones, también:
de la libertad, de Haile Selassie (esta última, francamente, no se
entiende, porque o bien este colectivo no sabe a quién está glosando
o bien le parece bien que este infame rey de Etiopía durante décadas
pretéritas defendiera la pena de muerte, regalara billetitos por las
calles a sus súbditos que se morían de hambre mientras él se
emborrachaba de riqueza, nunca condenara a Mussolini y explicase que
quien era pobre se lo merecía porque la razón era que no quería
trabajar, entre otras lindezas...).
Moby Dick, "El pulso de los ilegales", Zero Records, 2003
Por
Paco Camero M.- IndyRock
Grabado en los estudios Cube de Madrid, con producción (algo pobre)
de Alberto Seara (técnico de sonido de Sôber) y mezclado por Roberto
Galán (técnico de sonido de Hamlet), "El pulso de los ilegales" es
un disco en el que la rabia social sale escupida a través de
guitarras enérgicas y melódicas y espasmos vocales. Ésta es la
segunda entrega de Moby Dick, de manera que es más o menos
comprensible que su sonido aún no haya alcanzado una madurez
destacable en estudio. Cuando se escucha el disco da la sensación de
que el grupo se mueve en una indefinición musical: por momentos
están cerca del rock radical, en otros instantes parecen querer
acercarse al metal moderno... En cualquier caso, habrá que darles
tiempo y un margen de confianza.
Liars - "They
Threw Us All In A Trench And Stuck A Monument On Top"
por
Lucas Garófalo - IndyRock
Segun la Rolling Stone, Liars es la nueva "gran cosa" en Nueva York,
después de The Strokes y Yeah Yeah yeah´s, o sea: una banda "de
garage", que sigue los pasos de la Velvet Underground y The Stooges,
con las melodías de guitarra eléctrica como protagonistas. Según
Lucas (o sea, yo), no tiene nada que ver.
Por empezar, ninguno de los cuatro integrantes es de Nueva York. Dos
son de Nebraska, otro es de Los Angeles, y el otro es australiano.
Cuenta la leyenda que fue en un show en la gran manzana donde se
empezaron a hacer conocidos, pero de ahí a ser considerados "la
nueva gran cosa de Nueva York" hay un largo trecho. Segundo, es
imposible que esta sea una banda de rock de garage, ya que nunca
fueron hypeados por el New Musical Express ;-). Tercero, las
melodías de guitarra eléctrica acá quedan relegadas detrás de las
impresionantes líneas de bajo, y los sonidos de batería eléctrica.
Después de escuchar "They Threw Us All In A Trench And Stuck A
Monument On Top" (¡gran título!), queda claro que ese bajo bien
agresivo, y los alaridos del cantante, que se escuchan como si
estuviera a dos metros del micrófono, hacen de Liars una banda
perfectamente desprolija. Por un lado, en temas como "We Live NE Of
Compton" (para mi, lo mejor del disco), hay una velocidad
espectacular, con un final bien abrupto. Por el otro, temas como
"Mr. You Are On Fire Mr." parecen frenar y empezar de nuevo todo el
tiempo, con silencios de dos o tres segundos que son una especie de
descanso ante tanta intensidad. En "Nothing Is Ever Lost Or Can Be
Lost My Science Friend", la batería eléctrica y otros efectos
justifican que los Sonic Youth se hayan interesado en ellos y los
hayan llevado de gira.
Los primeros ocho temas suman nada más que veinte minutos, y no solo
eso, sino que además cada canción parece estar continuando a la
anterior, por lo que la dinámica del disco es genial. El último tema
la caga un poco: media hora, donde los primeros cinco minutos
parecen un tema normal, y en los veinticinco restantes se repite
siempre lo mismo, quemándote el cerebro.
En resumen, esta mezcla de punk con groove de funk es contundente
como una trompada a la cara. Y eso me encanta.
Chop Suey
`SELF HELP SONGS´ COSMOS RECORDS
por
Fernando Navarro - IndyRock
En el prólogo de `Self Help Songs´ está, a mi entender, resumido el
espíritu, el geist del que supongo primer álbum con mayúsculas
(entendiendo esto como un todo coherente, casi unitario) de la
(reciente) escena electrónica nacional. `Humans Like You´ (la
canción que abre el disco, ya usada por Isabel Coixet en su reciente
`Mi vida sin mí) parece recorrida por un ambiente irreal y
fantástico que no deja de ser creíble, carnal, profundo. Personaje
único en la complicada, inestable escena electrónica patria, Chop
Suey ha conseguido (tras su debut, aquel `Coin Operated Feelings´),
con la inestimable ayuda de Rubén "Watch TV" García, lo que parecía
difícil: usar la electrónica como un vehículo, como una excusa para
narrar nueve historias encantadoras, cercanas, en su concepción, al
realismo mágico (la fantasmagoría de `Dweller Of Shade´; el
desconcierto emocional disfrazado de comedia, como unos seres
humanos incómodos en su propio planeta de `Orange´ o `We Can Fly´ o
el pequeño poema espacial de `Why Do you Lie´ mi favorita del
disco). Obra mimadísima, cuidada al detalle hasta la locura (recorre
`Self Help Songs´ la idea de un trabajo descomunal, meditado) Chop
Suey usa, al fin, la electrónica, sus maquinitas y sus ruidos, sus
miles de argucias sonoras, para penetrar en el alma del oyente,
usando hallazgos (el swing galáctico de `I Was a Young King´, por
ejemplo), recursos; convirtiendo así al artista electrónico en una
suerte de miniaturista. Como un antiguo cuentista persa o
iranio.
Mucho Muchacho
`CHULERÍA´ C.R.E.A.M / TEMPO MUSIC
por
Fernando Navarro - IndyRock
Tras diez años al frente de 7Notas 7Colores (diez añitos ya en los
que grabaron el seminal `Hecho, es Simple´, si no el mejor, el más
decisivo disco para el asentamiento de la escena hip hop en nuestro
país), el MC con más flow, el número uno, sin duda el más célebre,
Mucho Muchacho, disolvió su banda y, tras un breve paréntesis, ha
grabado su primer disco en solitario, este convincente, estupendo
`Chulería´. Así, con el apoyo sonoro más ecléctico, quizá el más
lujoso que puede imaginarse (que va del groove emocional, genial de
Griffi - en mi opinión el más grande de los productores patrios, el
que aporta los mejores temas del disco- a la elocuencia old-school
de Zemo; de la vibración electrónica del Profesor Angel Dust o Dj
Vadim a la brillantez, extramuros, de Tony Touch o Ray Roll) y con
las rimas más graves, las más intensas que ha grabado en años
(atentos a la muy amarga `Malo Muchacho´ o la confesional, casi
dolorosa `Tu me Importabas´) el Muchacho ha grabado un disco de
madurez que no constituye tan sólo su cima lírica, sino la cima de
una propuesta que surgió del underground y que el MC catalán (con la
creación de su sello, C.R.E.A.M.) pretende llevar a cotas
estratosféricas, a que empiece de una vez a llover la pasta.
Convencido, genial, enorme, Mucho Muchacho ha grabado la primera
obra maestra del nuevo hip hop estatal; el que ya no mira de reojo a
la escena de fuera, el que se mueve con comodidad por todos lados,
el que no tiene que pedir perdón, al que le sobra chulería.
Mudo `MUDO´
ZEBRA RECORDS
por
Fernando Navarro - IndyRock
Sorprende Mudo (banda numerosa, con siete músicos provenientes
de otros tantos lugares) con la canción que abre su debut homónimo,
`I´m Love with a Yew Tree´, un instrumental tortuosillo, magnífico,
plagado de vericuetos sonoros (el evocador riff de la Rickenbacker,
la muy negra, descriptiva, línea de bajo) que da paso a un
cuidadoso, elegantísimo tratado de sonidos hipnóticos, (se han
extraído, de una producción que se supone económica, matices
asombrosos). `Mudo´, el álbum, es una colección de poemas decadentes
plagados de inventiva (el theremín omnipresente de `Rainroads´, las
cuerdas de `Steal It´, los metales desquiciados de `Still Life´),
que propone continuos juegos formales, con las acústicas de
protagonistas, y la alternancia de la voz narradora (la voz
femenina, frágil de `Rainroads´; el crooner esforzado de `Steal It´,
la gravedad de `Anchords´) dando como resultado un tapiz de
atmósferas viciadas, turbias, que parecen sucederse sin ningún
énfasis, sin dramatismos ni afecciones. `Mudo´ narra el
descubrimiento del sonido que nos rodea, la música y el ruido que
nos circunda y en último término el silencio (no deja de sorprender,
en este sentido, los muchos minutos de silencio que hay entre `The
Fall vs. Bloom´, su último corte y el bonus, escondido, y que
resulta ser violento despertar al sonido como forma de viaje
sensible, casi psicodélico).
Rosvita `ROSVITA´
SIETE HERMANAS
por
Fernando Navarro - IndyRock
Al igual que en el imaginario romántico, como en los novelones
góticos del siglo diecinueve (habitaciones pobladas de fantasmas,
secretos, traiciones apenas susurradas) el universo sonoro que
proponen Rosvita en su primer (y homónimo) álbum deja tras de sí un
desasosiego, una inquietud de la que cuesta recuperarse. Ya en la
portada (el fuego en el que arden las muñecas, los recuerdos)
Rosvita parece que avisen del minutaje agónico, preciso (cincuenta
minutos en los que es difícil no estar aterrado) de su disco: una
obra tremenda, casi deshumanizada (los personajes de Rosvita son
crueles y fríos) que narra varias tragedias (la incomprensible,
inesperada violencia de `Malaria´, la misteriosa letanía de `Cena
Fría´, los llantos, las voces de los niños que suponemos muy lejos
de `Nana´, la angustiosa retórica de `¿Dónde?´, la mejor canción del
disco) convirtiéndose en una enorme novela sobre el desconcierto,
sobre las preguntas, sobre las estancias abandonadas de la
conciencia o del corazón (los diez minutos de tensión de `Brazos de
Plata´, donde Rosvita se pasan al terreno de lo inexistente, acaso
de lo imaginado) a las que ya no volveremos.
THE DONNAS- SPEND
THE NIGHT
por
Pipo
UAAAAHHHHHH... FIESTAAAAAAAAA!!!! Sacar cervezas y preparaos
para hacer un "deja-vu". Efectivamente, cuando oigas este pedazo de
trabajo diras aquello de "Esto me suena", "Esto lo he vivido yo".
Seguro que si!!!! en especial los que ya rozamos la treintena (y los
que los tengan) le vendrán recuerdos y harán "Headbanging" y alguno
tendrá la tentación de rescatar su antigua chupa de cremalleras.
Estas cuatro muchachas podría ser perfectamente las hijas bastardas
de los Motorhead y las Girlschool y encima sus padrinos serían los
Ramones!! (sus nombres artisticos Donna A, Donna R, Donna F y
Donna C se me antoja que algo tiene que ver con los Ramones)
Si no os gusta el Rock'n'Roll en su estado más puro no tenéis
derecho a oir ni un solo tema de este disco.
Spend the night está lleno de fuerza, fiesta, dan ganas como ya he
dicho de volver al instituto y montar una juerga de esas
descomunales. Temas como el hit "Take it off" con un solo (salvando
las diferencias) que recuerdan a los AC/DC, "Who invited you" ya la
firmaría el mismo Lemmy!! el aire ramoniano de "Please
don't Tease" "Pass it Around" en fin.... una delicia.
Esto es solo Rock, te hará mover el piececito sin que te des
cuenta, y si además eres de los/las que te gustan las Breeders, L7,
no lo dudes.... píllalo!!!!!!!!
Saludos y que siga tan vivo el Rock'n'Roll
DC To Daylight,
"Xmas Murder '74", Urban Cheese, 2002, www.dctodaylight.com
Por
Paco Camero Mesa - Indyrock
"Just a joke", la canción que abre "Xmas Murder '74" de los
debutantes DC To Daylight, amén de ser deliciosa, tiene ese regusto
de música que habita en esos garitos undergrounds de Estados Unidos
desde los que tantos sonidos y modas se han exportado al mundo.
"Like a man", la siguiente toma, con su ambiente garagero y su bajo
como-un-martillo y saturado, ya acaba por situar al oyente
definitivamente. DC To Daylight agitan en su batidora grunge (la
distorsión de sus guitarras no puede ser más reveladora), indie rock
y pop (buenas melodías y estribillos). En la hoja promocional se les
compara con Pavement, Weezer, Pixies, Presidents of The United
States y un largo etcétera de eminencias alternativas, y, aunque los
de San Jose (California) suenan menos pulidos, sí que hay algo de
estos grupos en éste. Habrá que esperar más material del grupo (en
éste sólo hay 6 temas y uno de ellos de 8 segundos) para ver qué
techo es capaz de tocar. De momento, los cimientos resisten.
Los Reconoces,
"Segunda impresión", El Coyote, 2003, www.losreconoces.com
Por
Paco Camero Mesa - IndyRock
Recuerdan mucho Los Reconoces en algunos momentos a María del Mal,
pero también a Marea, a Extremoduro... Grabado en el estudio
Producciones Peligrosas de Granada y producido por Michel Molinera
(Canallas), "Segunda impresión" es el nuevo trabajo de los
madrileños, con quienes han colaborado, aparte de Molinera, miembros
de Marea y Envidia Kotxina. Los Reconoces hacen rock combativo, con
letras surgidas del descontento y la rebeldía, con actitud
pundonorosa, pero ahí reside también su flaqueza: su sonido remite a
tantos grupos que no se sabe aún cuál es su voz propia. Aunque quizá
esta defecto no depende de ellos. Tantos grupos hay en España
haciendo esta música que el panorama ha llegado a saturarse musical
y letrísticamente, debido a la falta de vientos nuevos en este
estilo que empezó a practicar hace ya décadas Leño. A pesar de que
Los Reconoces añaden elementos, arreglos y giros más actuales en sus
temas, la sensación de repetición no se disuelve. Tiempo por delante
tienen, de ellos dependerá proponer algo más personal o seguir
transitando (aunque bien) un camino mil veces pisado.
Zenit, "Producto
infinito", Producto infinito, 2003, ww.adredehihop.com
Por
Paco Camero Mesa - Indyrock
Zenit es un MC de Alcorcón que edita su primer trabajo en solitario
tras haber trabajado con Frank T (uno de los productores del disco),
entre otros. En el mismo plano que los scrachts conviven las bases
de música clásica, por las que parece que Zenit siente especial
debilidad. La lista de colaboradores es amplia e importante: el
mencionado Frank T, Arianna Puello, El Imperio, Kultama y ARTES aka
1/29. Hay momentos de recreación épica (urbana, por supuesto), temas
en los que la realidad más cutre y viscosa aparece a través de la
voz rabiosa de Zenit y llamadas a la resistencia de la clase del
asfalto. "Suelo soñar", con Frank T y Puello, es uno de los mejores
temas, en el que la lírica se aparea con el vómito social;
"Siento..." es una desolada carta de despedida a un amor quebrado en
el que aparecen lánguidos violines y unos arpegios que recuerdan (no
sé si por casualidad) al "Fade to black" de Metallica; en
"Alcorcón=Rap" reclama respeto para la cultura hip hop y critica la
ignorancia supina de aquellos que quieren ver peligro en una
manifestación social cada vez más asentada en España. Al final hay
una canción escondida en la que Zenit despelleja y luego echa sal en
las pieles abiertas de Aznar, de los políticos, de DJ Khun, de los
empresarios, de los promotores de rap, de los figurines mundiales
con más retórica que obra (por ahí está la sombra de Eminem, o así
me parece), del Aserejé,... en fin, un tema en el que señala todo lo
que está (o le parece) mal, que viene a ser... casi todo. Y razón no
le falta.
THEORY OF A DEADMAN
Teoría De Un Hombre Muerto
por
Pipo
¿Qué es lo que te llama la atención cuando crees descubrir el grupo
que "pegará" próximamente? A mi personalmente me enganchan los
principios, es decir, una canción con un principio un tanto
"especial" hace que mi atención se vuelque por completo en lo que
estoy escuchando, pero cuando encima la canción continúa y te sigue
enganchando.... soberbio! y si de diez, nueve te producen los mismo
síntomas, joder! descomunal!!!!!!
Escuchando la banda sonora de la película Spiderman, me
encontré este grupo y su canción invisible man, tiene tal vez uno de
los principios rockeros más impresionantes que personalmente haya
escuchado. No dude en hacerme con el trabajo de la banda liderada
por Tyler Connolly. Lo primero que me llamó la atención era el
sonido casi parejo a Nickelback, y no solo aqui termina la
"casualidad" con la banda de Chad Kroeger, ya que estos tambien son
de Vancouver (Canadá), son el primer fichaje de la nueva compañia
del tio Chad y su abogado (604 Records) y además Connolly tambien
partició a la guitarra en el super-exito "Hero" con Chad
Kroeger y Josey Scott (Saliva), en definitiva, han entrado en el
panorama rockero a lo grande!
Pero todo esto no es valido sin un trabajo decente, y más que
decente me aventuraría a decir que es un joya, una obra maestra!, un
trabajo con gusto, clase y como dije anteriormente con una
producción muy, pero que muy cuidada. Pon a Nickelback, con
Godsmack y Puddle of Mud en una cocktelera agítala y saldrá "Theroy"
EURO-TRASH GIRL
`SOMETHING TO TELL YOU´ ZEBRA RECORDS
por
Fernando Navarro - IndyRock
Surgidos en Valencia aunque alimentados (espiritual, musical y
estéticamente) en alguna frontera norteamericana, Euro-Trash Girl
vienen a unirse a la cada vez más numerosa tendencia consistente en
recoger las influencia sureñas del rock y de aquello que se llamó
Nuevo Rock Americano y (ex)ponerlas en composiciones pop para
alinearse con bandas como los geniales Jayhawks o Wilco, bandas a
las que, por motivos obvios, nunca se termina a llegar. En el caso
de Euro-Trash Girl, su propuesta se beneficia de la estimulante
presencia de Judit Casado, una frontgirl con carisma, que consigue
dar entidad a un repertorio aún titubeante, indeciso entre
referencias que, cuando se decide abiertamente por las raíces,
encuentra las mejores canciones del disco. De este modo, el universo
de Euro-Trash Girl puede (debe) emparentarse con el cine de Isabel
Coixet: la mirada de una chica europea sobre los sentimientos en el
marco de las deshumanizadas, extrañas, enormes ciudades
norteamericanas. De este modo el pasado idealizado de `The Way He
Broke That Silence´, los perfectos antihéroes de `Something Called
Gold´ o `The Ring Of Phototrash´, la muy harvestiana `Sit &
Wait´, quizá la mejor canción del disco o la despedida en forma de
medio tiempo amable de `The Perfect Farewell´ son, de algún modo,
fragmentos, partes incompletas de un diario completo que aún está
por escribir.
12TWELVE / YA TE DIGO
`DOPPLER´ ASTRO DISCOS
por
Fernando Navarro - IndyRock
Como dos siameses perversos separados al nacer, `Doppler´
puede entenderse como un `uno´ desdoblado en dos partes o como dos
iguales que, unidos en su reflejo, se convierten en un `uno´
inexacto; es, en ambos casos, un estudio sobre la asimetría desde la
simetría, surgido del encuentro entre dos de las propuestas más
emergentes del reciente panorama indie nacional, los barceloneses
12twelve y los madrileños Ya Te Digo.
Con `Scope´, casi un extenso viaje espacial en forma de caída, y su
letárgica secuela, `James. P´, abren su enigmático `Doppler´
12Twelve, un catálogo de impresiones cósmicas plagado de arritmias
formales, de atmósferas inexplicables, vertiginosas (el violento,
asfixiante in crescendo de `La reaction de Mallard´; la escapada
ilusoria de `Amabi´) que degeneran en los agónicos, hoscos diez
minutos de `Petite Mort´ y en `Mendeleïev´ que, a modo de cordón
umbilical, de tenso cable, une el `Doppler´ enfermo y etéreo de
12Twelve con el homónimo físico y agresivo de Ya te Digo. Así, el
otro `Doppler´ (el de Ya te Digo) se debate entre el exultante pop
de guitarras (`Ausencia´ o la excelente `Iceberg´) y el rock más
cortante (`Fire Exit´ o el estribillo extremo, casi emo de `Stroh´)
hasta que tras `Psychic love´ (ecuación perfecta entre las guitarras
de Ya te Digo y las atmósferas venusianas de 12twelve) encuentra en
los parajes sedantes, adormecidos e hipnóticos de `Pardon my Heart´
y en sus inesperadas descargas eléctricas un imprevisto punto de
unión con su `Doppler´ siamés, de nuevo ambos frente al espejo, cada
uno a un lado, inseparables ya en el reflejo.
Greg Weeks, "Slighty
West", Acuarela, 2002, www.gregweeks.net,
Por
Paco Camero M.- IndyRock
De este EP de cinco temas empieza llamando la atención su sola
forma, una presentación que consta de una serie de tres dibujos de
la artista hawaiana Tracy Nakayama que ilustran la portada, la
contraportada y el interior, imágenes cargadas de erotismo y que
inducen a una morbosidad voyeur. Ya centrados en el contenido, Greg
Weeks, quien cocina y condimenta, renuncia a las vergüenzas
inhibidoras y se desviste para dejar al aire sus emociones sin
ningún artificio; entre ellas y el público, sólo sus canciones. El
norteamericano traza sus canciones con mimo y las arregla
someramente, todo es sutil: la forma de cantar, la instrumentación,
la base rítmica, las guitarras. Los teclados orgánicos y envolventes
son los únicos que sacan la cabeza por encima de lo demás. Algo de
Nick Drake hay flotando en el ambiente pergeñado por este
norteamericano. Sin decir una palabra más alta que la otra, "Slighty
West" se va colando, colando, delicada y sensualmente.
Grado 33, "Ya se oculta el sol", Autoreverse/Clic New Wave,
2002,
Por
Paco Camero M. - IndyRock
Grado 33 es el nuevo proyecto del ex Prozack y Radio Carlos Ordóñez.
Su propuesta se podría encuadrar en esa cosa tan extensa que es el
pop electrónico: estética naíf, ritmos básicos, casi infantiles,
voces desganadas, programaciones lo-fi, ambientes gélidos, teclados
Casio, sintetizadores retro y, sobre estos elementos, melodías que
llegan a sonar fantasmagóricas (o "melodías celestiales para mentes
especiales" según canta en el tema "Otra gente"). Las letras se
reparten el protagonismo con la música prácticamente al 50%. Textos
irónicos, mordaces, bizarros, petardos (véase la letra-diálogo de
"¿Tienes fuego?"). Preconizando una "Nueva Ola", Ordóñez acaba
fusilando verbalmente a quienquiera que se mueva en la foto: "tekno
is dead, house is dead, punk is dead, pop is dead". Quizá se deba a
que, como pregona en otro tema, está aburrido de casi todo. Por
cierto, hablando de fusilamientos, o de muertes, no dejen de echarle
un ojo a la portada: una escena costumbrista en cualquier salón de
cualquier parte en la que aparecen sangrando por la boca y muertos
una mujer vestida de novia y un hombre con un uniforme parecido al
de la Guardia Civil, sobre una mesa servida con hojas secas. Pocas
se han visto más siniestras y turbadoras últimamente.
Ciëlo, "Un amor mató al futuro", Autoreverse/Click New Wave,
2002,
Por
Paco Camero M. - IndyRock
Mario y Cocó o Cocó y Mario, tanto monta, monta tanto, antes
Silvania, son ahora Ciëlo. De un lado, ellos. Del otro, el afterpunk
y el prototechno de los albores ochenteros: The Human League, Gary
Numan y en general un largo regimiento de oscuros y modernos. Bajo
la premisa de "acabar con el siglo XX" y con el "adocenamiento"
(musical y supongo que ideológico también), "Un amor mató al futuro"
ha sido fraguado mediante microrritmos, ruiditos y clicks. Dicen
ellos que quieren huir como del agua hirviendo del electropop, de
forma que a su criatura sonora la han bautizado Tekno-pop del siglo
XXI, aunque su disco es un ininterrumpido recuerdo a veces a
Kraktwerk, otras a Aviador Dro, siempre a músicas de hace dos
décadas larguitas. Sirvan estas líneas, junto con su compulsiva
búsqueda de la modernidad (que uno ya no sabe en qué consiste
exactamente), para definir siquiera medianamente sus planteamientos
éticos y estéticos. "Música para avenidas muy iluminadas",
rematarían ellos. Música nostálgica de otros tiempos pese a su
coartada innovadora y transgresora, añadiría yo.
James Brown "The
Next step"
por
Julien Gutfreund
Una vez más el padre de la música soul y funk nos demuestra en
su ultimo trabajo "The next step" que sigue siendo el maestro de
ambos géneros. Los fans tendrán que ser pacientes antes de poder
escuchar las 10 canciones que componen el disco que, por ahora, solo
ha salido en Estados Unidos. El tono general del disco es
definitivamente soul, aunque temas como "Automatic", "Good and
natural" o "Killing is out, school is in" resultan enérgicamente
funky. Me quedé un poco sorprendido, por no decir decepcionado al
constatar que, desafortunadamente no hay nada nuevo, quizás un
regreso al nivel creativo, de la fuerza o de la originalidad. No
pude evitar pensarlo cuando escuche "scratching" en partes, ritmos
electrónicos y coros típicos de la ola Hip Hop y RnB radiofónica que
dan a este nuevo álbum una sonoridad moderna y quizás más comercial
en varios aspectos. Los fans del electrizado "Godfather of Soul" no
encontrarán esta vez el James Brown de los discos anteriores como
"Make it funky" que podían esperar."The next step" es un disco que
se deja escuchar fácilmente pero que musicalmente podría pasar
desapercibido si no fuese por la fama y la tan única voz de su
compositor. Haber esperado tanto, para este resultado, es decir,
para que el inolvidable Brown haga a los 69 años un disco que no lo
sea, salpica ligeramente la tan alta imagen que tenia del memorable
cantante. No se sabe todavía nada sobre las eventuales fechas de
salida del disco en Europa, pero paciencia. hay rumores de que
Roadrunner (Slipknot, Fear Factory, Sepultura...) quieren producirlo
y que pronto saldrá. Curiosa actitud por parte de una discográfica
especializada en Heavy y Nü Metal...
Orujo de Brujas,
"Isla de muñecas", Zero, 2002,
Por
Paco Camero M.- IndyRock
Ya que el "pero" de este comentario condiciona tanto la conclusión
del mismo parece justo comenzar precisamente con él: le sucede al
rap metal (vamos a llamarlo así, aunque podría recibir otros
nombres) que a la hora de componer, en lugar de servirse de formas,
éstas están tan manoseadas y repetidas que devienen en fórmula. O
sea: recitado vocal con música tensa de fondo-explosión brutal tanto
por parte del cantante como de los instrumentos-algunos coros
superpuestos y vuelta a empezar, de modo que este tipo de música
acaba produciendo un déjà-vu continuo o algo parecido a "esto ya lo
he escuchado mil veces". Ahora bien, eso no significa que "Isla de
muñecas", cuarta entrega de los madrileños, sea un mal disco. La
producción es buena, hay algunos conatos de frescura en el género
("Es la realidad", que critica la Ley de Extranjería del PP entre
salvajes guitarrazos y melodías de origen árabe; "Paco Juárez", con
un estribillo sólidamente melódico, al estilo de los Hamlet más
inspirados en Deftones; "Completando mi ser", lo más parecido a una
balada), los temas suenan compactos y la calidad instrumental tiene
poco que envidiar a muchos grupos que sólo porque miles de
quinceañeros han comprado sus discos en Estados Unidos parece que
tienen que ser mejores. En fin, teniendo en cuenta sus limitaciones
(más por el género al que se adscribe que por incapacidad de los
músicos, que nunca se ha hablado aquí de eso), buen disco,
contundente, agresivo, técnicamente impecable y plagado de
reivindicaciones (justas y necesarias).( www.zerorecords.com /
www.orujodebrujas.com)
Amimishock,
"Ciclo H", Zero, 2002
Por
Paco Camero M.- IndyRock
Formados en Bilbao en 1999, Amimishock han encontrado en poco tiempo
algunos motivos para seguir adelante en la dura escena española del
metal. En 2000 ganaron el concurso de maquetas de Euskadi Gaztea (la
radio vasca) y al año siguiente el concurso Pop Rock Villa de Bilbao
en la modalidad de metal. El rock que practica Amimishock se nutre
del thrash más virulento. De hecho, en algunas canciones, hablar de
Sepultura como influencia vertebradora de su creación es tan odioso
(las comparaciones son...) como inevitable, pues inevitable es
acordarse de "Roots", con ese toque tribal y primitivo (el final del
segundo tema, "Cruzado", con esa distorsión de guitarra tan especial
e inconfundible de los brasileños, podría insertarse en ese disco y
nadie encontraría algo fuera de lugar). Unas veces más orientado a
la melodía y a las estructuras del rap metal, otras más brutal y
vocalmente gutural, en cualquier caso, "Ciclo H", en su estilo, que
diría un amigo, tiene calidad y buen hacer.
