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COMENTARIOS
Strawberry Hardcore: Todos vamos a morir (Warner,
2007)
Por
Jesús Rojas - IndyRock
El grupo de punk rock melódico que surgiera de las cenizas de los
legendarios Def Con Dos vuelve con una nueva bomba musical. Desde la
portada a los títulos de las canciones ya se percibe lo que nos
vamos a encontrar: un disco de media hora de duración en la que el
hardcore californiano se tiñe de bestialidad ibérica.
En esta ocasión, la producción ha corrido a cargo de Dani Alcover
(Sindicato del Crimen, Habeas Corpus, La Vacazul,.), con quien ya
habían trabajado con anterioridad. El disco suena compacto y lineal
y consiguen sonar implacables canciones como "Bebe, fuma y folla",
"El ataque de los strikers" o "Los 400 golpes", donde el sarcasmo y
el punk rock se funden en uno. Además, bordan piezas como "Ya no hay
olas en Mundaka"o "Todos vamos a morir", que cierra este esperado
segundo trabajo del quinteto.
Strawberry Hardcore son una de las pocas bandas españolas que
practican este género tan sumamente americano y lo hacen sumamente
bien, aunque en ocasiones las voces dejan que desear. Cabe señalar
que ya son cuatro las veces que el quinteto ha compartido escenario
con los míticos Bad Religión, algo de lo que no muchas bandas pueden
presumir.
Meko Makafi
C.A.K.E.
por
Joe McGaha - IndyRock
Meko Makafi es un rapero de San José, California (cerca de San
Francisco). Acabo de escuchar su c.d. C.A.K.E., y de verdad,
me ha gustado bastante. La música que usa para apoyar sus raps
es una mezcla de ritmos, y de grabaciones de todo tipo de
instrumentos. Sus letras son bastante típicas del rap,
hablando de vivir en el ghetto, y de drogas, pandillas,
prostitución, todo lo que la gente pobre usa para sobrevivir en ese
ambiente.
Me gusta la manera de que rapea. muy suave, y siguiendo la línea de
la música. Me recuerda un poco a Lupe Fiasco, de Chicago, que
está ganando mucho éxito ahora mismo (más que nada a través del
internet). Creo que Meko tiene un buen futuro, y espero oír
más de él muy pronto.
Para más información sobre Meko Makafi en la red:
http://www.myspace.com/mekomakafi
Carlos Acebo:
Eternas Vidas, 2007, Musice
Por Raül Ruiz - Indyrock
En un mercado cada vez más agresivo, donde solo parecen sobrevivir
aquellos que se adaptan a las demandas comerciales que marcan las
corrientes, es extraño encontrar músicos que apuestan por su propia
sinceridad. El álbum que Carlos Acebo ha grabado es una declaración
de intenciones de once temas (diez + un bonus track); once canciones
que suenan a rock sureño cantado en castellano, cuyas letras nos
hablan de los tópicos avatares de los sentimientos.
La música de Carlos Acebo es fácilmente vinculable a la de rockeros
nacionales consagrados que pueden haber actuado como referentes a su
manera de componer e interpretar. El reflejo más claro de su estilo
lo encontramos en la formación de Carlos Goñi, Revólver. No en vano,
ambos cantantes disponen de similar timbre de voz, así como una
manera muy emocional de cantar.
Aunque a lo largo del disco encontramos diferentes colaboraciones
instrumentales y vocales, este se conforma de una uniformidad sonora
de corte individual que le confiere el aire de disco acústico y
personal.
A pesar de todo es inevitable encontrarnos con algunos de los
tópicos del género en sus letras y acordes.
Post: No sleep,
2007, Junk Records
Por
Raül Ruiz - Indyrock
La primera vez que escuché a estos chicos no pude reprimir un ¡guau!
interno que sacudió mis neuronas más musicales. Sucedió en el
concierto presentación en Barcelona de su primer álbum: No sleep y,
para mí, fue una agradable combinación de sorpresa y descubrimiento.
Pero ¿qué es lo que convierte el debut discográfico de esta banda
mallorquina en un trabajo digno de mención? Pues, siguiendo los
costumbristas cánones, lo primero que encontramos es Cielo rojo, un
tema enorme, de sonoridad pop enmascarada tras cuerdas de
agresividad post-punk y compuesto con una exquisita sencillez lírica
castellana. La canción engancha desde el principio, adoptando la
intuitiva figura de un posible exitoso single.
Es a partir de la segunda creación cuando el cuarteto se aferra al
inglés como medio de expresión verbal, convirtiéndolo en el idioma
predominante del disco. Su admiración a grupos como Radiohead (al
cual, por cierto, deben mucho), Nirvana o Pixies hayan, quizá,
condicionado tal elección. Y, pese a que yo me quedo con Cielo rojo
como hit representativo de este álbum, sería una necedad por mi
parte no reconocer el mérito de temas tan estupendos como Crowd,
Love o Time. Títulos monosílabos para composiciones polifónicas de
acertados recursos y combinaciones (en Crowd, por ejemplo, es
reseñable la pulcritud de la guitarra emulando a una
mandolina).
El disco cierra tal como empezó, con otro tema en castellano:
Destellos de ambición. Una solicitud de sinceridad en reprise que
deriva en melancólico efecto de lluvia, no apto para escuchar
mientras se conduce, según indicaciones del propio libreto. Y a modo
de telón y cierre un pequeño regalo instrumental que parece imitar,
a través de sus notas musicales, el efecto nostálgico del sonido del
aguacero.
Otro tanto a favor que se apunta este No sleep es el interesante
diseño del libreto desplegable: una colección de ilustraciones
oníricas que emergen de la mente de una silueta en portada, y
deambulan adoptando formas y colores convirtiendo el título del
álbum en una acertada ironía.
¿Un disco recomendable? Rotundamente "sí".
Amarillo: Vuelve
a por mí, 2007, Junk Records
Por
Raül Ruiz - Indyrock
La banda que se dio a conocer en el mercado discográfico con
Piruetas en el aire, regresa de nuevo al mercado musical con un
disco lleno de emoción y sonidos que invitan a la calma y la
reflexión: Vuelve a por mí.
Tras la producción del disco encontramos la figura de Jaime Garcia
Soriano; el emergente sello que ha editado el disco, Pimpampum
Records, debe su origen a la ilusión de poder editar este álbum. ¿Un
riesgo? Yo no lo creo. A Jaime García le avalan sus años de
experiencia en la música para saber reconocer aquello que contiene
oficio (No en vano, Pimpampum Records ha editado también el debut
discográfico de Post, nuevo proyecto del que fuese su compañero
vocalista en Sexy Sadie).
Catorce son los temas que componen un disco repleto de canciones
melódicas de pop apacible. Sus títulos actúan como inequívocos
indicadores ante lo que encontraremos en su interior: Lejos de casa,
My enemy, Laberintos o Sonrojos son algunos ejemplos
representativos. Canciones supeditadas a las marañas del amor y le
necesidad del prójimo se expresan con letras sencillas acomodadas
entre composiciones de sonoridad afable.
Uno de los "peros" que se le podría achacar a este trabajo es la
ausencia de esa punta de cierta originalidad o frescura capaz de
permitirle alzar ligeramente la cabeza sobre homónimos y
relacionables. Y reconozco que es fácil realizar una afirmación de
esta índole conociendo la saturación de oferta y la, cada vez más,
acuciante raleza en la demanda; pero justamente es este
condicionante el que debería estimular el ingenio de músicos y
productores. Aunque también admito que el hecho de contar con 2
personas compartiendo roles de guitarra y voz aporta un contraste
capaz de dotar a la banda de su propio distintivo
identificable.
De momento, y a expensas de lo que dictamine el tiempo, nos
encontramos ante un disco laborado con pulcritud que consigue
dignificar el pop-rock independiente al que tanto daño han hecho
últimamente los grandes sellos y los intereses comerciales.
Una última nota antes de cerrar el comentario: cuando hayas
escuchado la última canción, no pulses "stop" o te perderás una
bella versión de Lejos de casa.
Luz oscura:
Empezar de cero, 2007, Musicplus
Por
Raül Ruiz - Indyrock
Por fin ha visto la luz el disco de la formación que alcanzó fama
estatal con su tema LA ESPINA (creación de Fernando Delgado) en el
verano de 2005. Y es que muchos meses han pasado desde que los
muchachos de Luz Oscura dieran el bombazo sonoro con el tema en
cuestión. Pero, como dice el dicho, "más vale tarde que nunca"; pues
paciencia y trabajo es lo que se oculta tras una caja de plástico y
un libreto de seis páginas.
Empezar de cero no es solo el nombre de un álbum; el contexto de la
frase puede adoptarse como una reivindicación de humildad ante el
largo camino que se dibuja en el horizonte de la formación
madrileña. Pero ¿qué es el rock sino una necesidad de
reivindicaciones ante estados de ánimo, sentimientos, injusticias de
todo tipo e inconformismo? La fórmula la conocen bien estos chicos,
pues los doce temas que componen el disco son una oda al desamor y
el fracaso del antihéroe. Y todo ello bajo el escudo enfático del
rock que les caracteriza, si bien aportan alguna sorpresa sonora en
alguno de sus temas, como el toque funky que ornamenta el tema DESDE
EL MAR.
La composición de la gran mayoría de los temas corre a cargo de
Fefe, guitarra del grupo. De las ocho canciones que ha elaborado
para el CD, destaca entre todas DESDE AQUEL DÍA. El tema es una
balada llena de tristeza y sentimiento donde el grupo se desnuda
emocionalmente al hablar de María, hermana del integrante del grupo
y una de las víctima del trágico atentado terrorista del 11M en
Madrid.
En lo que a la presentación se refiere, el disco incluye un par de
pistas de video, en las que encontramos el video clip de BAJO MI
PIEL y un documental del grupo.
Lucas 15: Lucas 15
(Lloria Discos, 2007)
Por
Jesús Rojas - IndyRock
Bajo este nombre tan sumamente bíblico se esconde el nuevo proyecto
de Xel Pereda y Nacho Vegas, dos conocidos asturianos de la escena
independiente española. En principio, no sorprende que estos dos
artistas hayan unido sus fuerzas para crear una nueva vía de escape
para sus creaciones. Lo que llama la atención es que se trata de un
disco de pop-rock que bebe (y se emborracha) del folk
asturiano.
La idea se puede entender de la siguiente manera. Si Tom Waits y
Nick Cave consiguen sonar cool aún cuando centran sus composiciones
en el folk anglosajón, ¿por qué no podemos hacer nosotros lo mismo
con las raíces musicales de nuestra tierra asturiana? El resultado
está en disco formado por once cortes que van desde la energía
guitarrera de "El Sacaúntos de Allariz" o "El Diciembre, mes
glaciar" hasta los pasajes acústicos a la par que poéticos de "Los
fayeos de Mayo" y "Con tomillo y romero".
En resumen, es una obra difícil de digerir, aunque supongo que los
seguidores de Nacho Vegas y el sector más indie del Principado
pueden encontrar algo más de provecho en estas composiciones que el
resto de los mortales.
Sons and Daughters:
This Gift (Domino, 2007)
por
Quim García - IndyRock
Cada canción del nuevo álbum de estos escoceses es la
ejemplificación de que la economización de recursos -o lo que es lo
mismo, de ideas - no es buena si la llevas al extremo. Cada tema del
disco acaba siendo una repetición de él mismo. En minuto y medio ya
han presentado el 99 por cierto de la canción. Algo falla. No puede
ser que una canción de dos minutos y medio se haga larga. Quizás le
ha faltado la osadía de hacer un disco de canciones de minuto y
medio. Tener de referencia el "Pink Flag" de Wire en vez del hype de
última generación.
Pero no todo es negativo, si dejamos a un lado que sean demasiado
repetitivas, las canciones de "This Gift" son buenas, hechas a
partir de melodías que se enganchan a la primera. Un álbum a medio
camino entre el post-punk y la new wave. Canciones que pueden
recordar tanto a B-52's (sobretodo en los coros) como a Kylie
Minogue (el estribillo de Darling bien podría ser de la artista
australiana) o a los primeros Echo and the Bunnymen. En definitiva,
"This Gift" podría haber sido un álbum excelente pero se ha quedado
en uno más. Sons and Daughters tienen actitud pero les ha faltado
concreción.
Simple Plan Los
rostros jóvenes de la escena musical canadiense /por Natacha Nazer
Simple Plan vuelve a escena con su tercer trabajo discográfico
producido por un equipo de lujo entre los que se encuentran Dave
Fortman (Evanescence), Danjahands (T.I., Timbaland, Justin
Timberlake), y Max Martin (James Blunt, Avril Lavigne). "When I'm
Gone" será la encargada de dar a conocer su álbum homónimo.
A estas alturas decir que la industria discográfica canadiense es un
hervidero de buenas canciones y grandes artistas, no sorprende a
nadie. Todos escuchamos a grupos como Barenaked Ladies, Arcade Fire
o The Dears y fuimos testigos de esa prolijidad musical que tanto
les caracteriza. Sin embargo, artistas como Alanis Morisette y Avril
Lavigne, aunque extremadamente comerciales y esclavas de todos los
charts, han aportado a esa supuesta prolijidad una explosión de
energía y estilo propio. Por su parte, Simple Plan, los niños
mimados del escaparate actual canadiense, apuestan por canciones que
aunque poco originales y escasas de creatividad, se erigen como
himnos de esta generación y alcanzan los puestos más alto en los
rankings internacionales. Lo cual no es poco decir.
Pierre Bouvier (cantante), Jeff Stinco (guitarra solista), David
Desrosiers (bajo y coros), Sebastien Lefebvre (guitarra y coros) y
Check Comeau (Batería) comenzarán su gira mundial en Estados Unidos
y Europa. Por otro lado, su disco sale hoy a la venta junto con una
edición especial CD + DVD que incluye 2 bonus tracks y un DVD con
más de una hora de contenido: making of "Simple Plan", beyond the
video, video "When I'm Gone", beyond the photoshoot y 4 canciones
del concierto que dieron el día de Fin de Año en New York.
Tras el éxito obtenido con "Welcome to my life" el listón se pone
muy alto para esta "joven promesa" canadiense, no obstante, un
objetivo tan ambicioso se convierte en un desafío necesario para
muchos artistas aunque para otros en una presión difícil de
sobrellevar. esperemos que para Simple Plan sea un reto justo.
www.simpleplan.es
Por fin, un poco de
JUSTICE en el mundo
por
Muriel Mo - IndyRock
Francia y música electro, un binomio que ya había propuesto perlas
de gran cualidad y innovación llamadas: Daft Punk, Air o, más
recientemente Poni Hoax. Todos estos grupos han contribuido a
fomentar la fama de la "French-Touch", termine utilizado para
intentar dar "consistencia" a este fenómeno electro-sexy que
dominaba el Hexágono. Por supuesto, los "branchés" de Paris tenían
que participar al "mood" y los "live" de nuestros héroes de los
"beats" se convirtieron en verdaderos momentos de gracia. Es
bastante pensar en el fenómeno Poni Hoax, que en poco tiempo ha
logrado captar la atención del mundo artístico de París, y no
solamente, con su encantadora Budapest, verdadero éxito musical de
los dancefloors.
Una pregunta sale ahora espontánea ¿Todo se resume a una simple
cuestión de moda? ¿Francia ha logrado producir nuevos grupos electro
innovadores después de esta "primera" French-Touch? La respuesta a
esta pregunta músico-existencial se resume justamente a un nombre:
Justice, grupo que, diez años después de los Daft Punk, ha sabido
imponerse en el panorama musical francés e internacional como una de
las novedades electro más intrigantes de la nueva generación. ¡Y
entonces, gracias Francia para darnos todavía la posibilidad de
mover nuestros "slim" al ritmo infernal de tus decibel! Hacía ya
algunos meses que en el Hexágono se hablaba discretamente de un
nuevo grupo electro que prometía grandes cosas, pero bueno, como ya
lo sabemos, ¡nunca confiar en las palabras, sólo los hechos cuentan!
"+", primera obra de Justice, nos permite justamente juzgar el
fenómeno para, al final, darnos cuenta de las potencialidades de
estos nuevos paladinos de la justicia universal. ¿Esto significa que
la French-Touch ha hecho nuevas victimas? Por supuesto, y en efecto
Justice nos propone, con su primero álbum, una mezcla perfecta de
ritmos obsesivos-lascivos de tendencia rock que nos hacen pensar en
Air o Saez, y elementos casi lúdicos que nos llevan hasta nuestra
niñez. Es bastante citar la súper conocida D.A.N.C.E, donde un coro
de niños inquietantes, casi inhumanos, repite obsesivamente la misma
frase. Al final, un "trip" alucinógeno hecho de contaminaciones
rumorosas y de sintetizadores ácidos que nunca se paran. Lo que
diferencia Justice de los otros grupos electro actuales es
justamente esta mezcla entre ingenuidad e inquietud, sueño y
pesadilla. El forro del álbum, negro con una cruz oro, ya nos da una
idea del universo de estos "frenchies", universo hecho de sonidos a
la "Alicia en el País de la maravillas" y ritmos casi tribales que
se pueden encontrar también en otras formaciones musicales como por
ejemplo los canadienses de Holy Fuck. Durante sus conciertos, que se
han convertidos en verdaderos fenómenos, logran crear una atmósfera
hipnótica y enérgica que atrapa inmediatamente las miradas de sus
adoradores hasta una inmensa cruz fosforescente que domina la mesa
de grabación ¡Una verdadera performance! Finalmente un signo que nos
hace confiar en una Justicia superior dominada por la música.
British Sea Power:
Do you like rock music? (Rough Trade/Sinnamon, 2008)
por
Quim García - IndyRock
Escuchar un disco - y ya van tres- de esta banda inglesa siempre es
una buena opción. Incluso a pesar de que con el paso del tiempo
hayan sacrificado la calidad de las composiciones en favor de un
sonido cada vez más perfecto. Es cierto que las canciones de su
primer disco ("The Decline of British Sea Power", 2003) eran más
brillantes, pero lo han sabido suplir con una profesionalidad dentro
del estudio digna de mención. Canciones que podrían considerarse
menores ahora ganan en detalles, consiguiendo que cada escucha se
convierta en una experiencia. Técnicamente se les puede reprochar
más bien poco: han buscado sonar más rockeros que en discos
anteriores sin perder las coordenadas características de la banda y
lo han conseguido. El primer aviso ya lo dan con el título. Todo un
acierto: una declaración de principios y la mejor carta de
presentación posible, porqué a quien le guste el rock acertará con
este disco que es la confirmación de que British Sea Power es de
esos grupos con personalidad propia, consiguiendo siempre un sonido
personal. "Do you like rock music?" suena a rock, pero al rock visto
desde el punto de vista de la banda de Cumbria (Inglaterra). Una
visión única.
RSK: Corriendo
Las Calles, 2007, Musicplus
Por
Raül Ruiz - Indyrock
Naturales de Tarragona, los miembros de RSK se inician con este
disco dentro del mercado profesional. De ello se ha encargado
Musicplus, un sello joven que ha decidido comenzar su andadura
musical apostando por nuevos valores musicales.
La banda catalana ataja, de esta manera, un peldaño más dentro de su
progresión musical; pues más de nueve son los años que lleva
subiendo y bajando escenarios a ritmo de rock. Y es que RSK son,
ante todo, un grupo de rockeros auténticos. Ellos han nacido,
crecido y vivido "en el barrio", mamando los problemas reales de la
clase media/proletaria de esta sociedad. Por eso, cuando uno escucha
Corriendo las calles identifica sus inquietudes musicales como
protestas y reivindicaciones sinceras. Los once temas que componen
el disco no hablan de Chanel, cocaína y Don Perignon; ninguno de
ellos necesita maquillar las emociones entre bastidores de
dificultades artificiales. Temas como Mil pateras, Sin mirar atrás o
Lolo reflejan en sus letras problemas tan reales como de actualidad;
y esto, en un mercado dominado por fariseos y mercenarios de notas
variables, es de agradecer.
En definitiva, el trabajo de este quinteto es un claro ejemplo de
que los sonidos contundentes y las turbaciones humanas coexisten en
un mismo plano, aunque tenga este el color del asfalto y el aroma de
una jornada laboral.
Aeropuerto: El
aspecto del alma (Closer, 2007)
por
Quim García - IndyRock
Las etiquetas y las comparaciones a veces sólo dejan ver un árbol en
vez de todo el bosque. A Aeropuerto se les ha comparado con bandas
shoegazer (My Bloody Valentine, Ride) y con otras como
Spacemen 3. Pero su registro es más amplio, o más limitado, depende
como se mire y hasta donde se quiera llegar. ¿Entonces, se pueden
oír rastros de esos grupos en su primer disco, "El Aspecto del
Alma"? Sí. Es cierto que tienen cierto apego por los pedales de
efectos y a los sonidos ambientales o psicodélicos, pero también es
un disco de pop-rock del de toda la vida.
El debut de estos barceloneses es de aquellos que se deja escuchar
pese a que en algunos momentos puede llegar a dejarte indiferente.
Un álbum a medio camino entre lo tradicional (muchas canciones
tienen un aire pop, sobre todo en las partes cantadas) y lo
experimental (las partes instrumentales con las que acaban las
canciones son lo mejor del disco). Precismante es en ese último
aspecto donde donde realmente sobresalen, demostrando lo que son
capaces de hacer y lo que podrían llegar a conseguir.
Lástima que, para algunos, el "El Aspecto de Alma" se haya quedado
corto.
The Smokers:
Still giving (Lengua Armada, 2007)
Por
Jesús Rojas - IndyRock
Nos encontramos ante una obra de importancia capital en los
desérticos terrenos del hard rock estatal. Se trata del segundo
trabajo de The Smokers, que siguen dando caña a raudales como
demostraron en ese impecable debut titulado "Giving up".
Si antes se caracterizaban por ese rock duro de herencia ochentera,
inspirado en bandas como Guns N Roses o Motley Crüe, ahora se
atreven además en ahondar en los terrenos del rock sureño, llegando
a recordar a The Black Crowes en cortes como "Rock star" o "Time",
que parecen haber sido facturados muy lejos de la península ibérica.
Los de Estepona han conseguido bordar un trabajo compacto plagado de
riffs incendiarios y mucho sentimiento.
El primer corte con que nos topamos es toda una declaración de
principios que ya utilizaron Quireboys hace seis años. "This is rock
and roll" transmite pura energía, al igual que "Out of control" o
"Desires", que suenan avasalladores de principio a fin. La banda
liderada por Gaspar Gil suena más sólida que nunca bajo la
producción de Sergio Cascales (una eminencia en el underground
malagueño).
A lo largo de tres cuartos de hora se van sucediendo medios tiempos
de toda la vida con pasajes más melódicos y otros llenos de rabia y
contundencia. Ante todo, estamos ante un disco poco previsible en el
que The Smokers lo dan todo y buena muestra de ello son canciones
como la vertiginosa "The talent" o "Blast the radio", que rebosa
auténtico honky tonk por los cuatro costados. No es uno de los
mejores trabajos del año, es una de las obras más importantes del
rock ibérico de todos los tiempos, y no exagero.
Okkervil River
The Stage Names Jagjaguwar 2007
por
Mauri Edo - IndyRock
Tras el exitoso Black Sheep Boy, editado en 2005, los tejanos
Okkervil River vuelven a la escena del folk-rock independiente con
The Stage Names. Se trata del sexto álbum de estudio de este grupo,
que se encuentra actualmente en gira de presentación mundial del
mismo. Precisamente es esta gira la que los traerá a España,
concretamente al Primavera Sound Festival, en mayo de 2008.
The Stage Names ofrece un inicio arrollador, con tres temas de
bandera como son Our life is not a movie or maybe, Unless it's kicks
y A hand to take hold of the scene, dónde la lírica inspirada y
punzante de Will Sheff se acopla perfectamente al entorno sureño que
tan bien sabe generar la banda. En ese mismo ambiente de contrabajo,
banjo y trompeta, pero con menos revoluciones, entramos en el
ecuador del trabajo destacando por encima de todo A girl in port,
oda al amor y desamor, a las relaciones incompletas que se acumulan
en el bagaje vital y que dejan un regusto amargo al recordarlas. La
dinámica de "storyteller" se mantiene hasta la última canción del
disco, John Allyn Smith Sails, en la que Sheff se las ingenia con
maestría para insertar el estribillo de la archiconocida en el
sector Sloop John B, como homenaje velado (o no tanto) a los Beach
Boys y al poeta John Berryman, que inspiró ambas canciones.
The Stage Names es un disco de rock con muchas etiquetas adicionales
posibles (folk, country, alternativo...) pero rock con contenido al
fin y al cabo, y su presentación (en el Primavera Sound 2008) es un
directo que esperamos con gran interés.
Amigos Imaginarios:
El Maestro de Houdini (Banjo Records, 2007)
por
Quim García - IndyRock
Segundo disco de este grupo que en principio sólo tenía que
acompañar de gira a Santi Campos para la presentación de su disco en
solitario de 2005, titulado precisamente "Amigos Imaginarios". Al
final, a Santi le gustó tanto la experiencia que desde entonces ha
ido eliminando progresivamente su nombre de las portadas hasta
culminar en "El Maestro de Houdini", donde ya sólo se hace
referencia a "Amigos Imaginarios".
Con "El Maestro de Houdini" consiguen sintetizar las ideas del
anterior disco "El invierno Secreto" en 37 minutos, 20 menos que su
antecesor. Esta contención en el minutaje del álbum lo hace mejorar
notablemente. Pero la concisión no es la única virtud de este álbum.
También es más variado, con más registros, incluso con alguna que
otra canción apta para radiofórmulas. En total 10 canciones
atemporales que beben más de la tradición norteamericana que de
cualquier otro sitio. "Chistes raros" es grande, todo un himno
inmediato, "Aprendiendo a Volar" un maravilloso ejercicio de
americana, "Una Educación Católica" toda una lección sobre como
hacer canciones y la canción que da nombre al disco la combinación
perfecta entre lo épico y lo íntimo.
Sin duda, este es un disco que pese a ser ya del año pasado seguro
estará presente durante el 2008. Mientras llegan las novedades de
este año, escuchar "El Maestro de Houdini" es una de las mejores
opciones para seguir esperando.
The Rumble Strips:
Girls and Weather (Universal, 2007)
por
Quim García - IndyRock
El primer disco de The Rumble Strips es como un soplo de aire fresco
especialmente indicado para la resaca post-transcendental de algún
que otro grupo. Estos cuatro ingleses liderados por Charlie Waller
proponen una música animada -festiva- que retoma la herencia de los
Dexys Midnight Runners y la vuelve a poner de moda veinte años
después. Incluso más de una canción de "Girls and Weather" podría
estar en alguno de los discos que los Runners hicieron en la década
de los ochenta.
Pese a que en el primer verso del disco Waller lo niega ("I ain't
got no soul") lo cierto es que no sólo él, sino las canciones del
disco tienen un gran poso de soul. La fórmula es simple: batería,
bajo, un poco de guitarra, trompeta, saxofón, mucho ritmo y mucha
melodía). Sencilla pero a la vez también peligrosa, demasiado
encorsetada. La suerte es que la jugada les ha salido a la
perfección. Las canciones son buenas. Más de la mitad de las
canciones del disco han salido como single, ya sea como presentación
de "Girls and Weather" o anteriores a la grabación del disco
("Motorcycle" y "No Soul" salieron como sencillo hace un par de
años). Las que no han tenido la suerte de salir como singles podrían
haberlo hecho tranquilamente, porque todas las canciones de "Girls
and Weather" tienen alma de hit festivalero. Seguro que este verano
tendremos oportunidad de verlos en alguno. Será entonces la excusa
perfecta para disfrutar.
Division Day:
Beartrap Island (Eenie Meenie, 2007)
por
Quim García - IndyRock
Hay que estar atentos al futuro de la banda formada por Rohner
Segnitz, Seb Bailey, Keys Ryan y Kevin Lenhart porque son capaces de
hacer cosas excepcionales. Como por ejemplo debutar dos veces. La
primera en 2006, cuando se autoeditaron su primer álbum. La segunda
hace dos meses, cuando la discográfica Eenie Meenie reeditaba
Beartrap Island, un disco para aquellos que buscan una pequeña
sorpresa. Una joya a escala, de aquellas que llegan sin hacer mucho
ruido y que, precisamente por eso, sorprenden.
Beartrap Island es un disco frágil, sobretodo cuando los ritmos se
ralentizan y la música se hace más ligera, creando una sensación de
vacío. Y cuando más se asoma uno al abismo más poder de atracción
tiene. Por contra, cuando se pisa terreno seguro y las gruitarras se
endurecen y aceleran se pierde parte de la magia del disco. La única
excepción es "Reversible", quizás porque consiguen juntar las dos
caras del disco. Una más eléctrica (y más floja) con otra más
intimista donde, ahí sí, uno encuentra la auténtica belleza del
debut de División Day, un grupo que ha hecho un buen disco, el cual,
con sus aciertos y errores, supone un primer paso en firme hacía
algo mejor.
Yeasayer: All
Hour Cymbals (We are free, 2007)
por
Quim García - IndyRock
Todo lo antiguo vuelve. Se quiera o no. El truco está en ser los
primeros en recuperar -o parecer que se recupera- algo que se creía
olvidado. Eso es lo que han hecho los cuatro miembros de Yeasayer.
Tomar de punto de partida unos ritmos tribales, aderezarlos con unos
coros de varias partes del mundo y darles un toque de
experimentación electrónica y de guitarra con reverb . El resultado
es un disco de una música con tendencia a lo etéreo, que se deja
escuchar y que por momentos llega a hacer vibrar. Pero en el fondo
no suena nuevo. Llegando a parecer en ocasiones un disco de la época
en que la filosofía new age estaba más de moda.
La gracia del disco está en ese toque de electrónica más
contemporánea. Por una parte es lo que hace que se pueda escuchar
con agrado y por otra lo entronca directamente con el panorama indie
actual. Por que si no, en vez de actuar en salas de música
alternativas tocarían en festivales de world music. Y es que pese a
las guitarras, a los teclados y a la electrónica "All Hour Cymbals"
es más un disco para respirar aroma de incienso en la oscuridad que
para bailar en la discoteca. Eso sí, para respirar incienso está
bastante bien.
The Last Army "The
Last Army", 2007
Por
Raül Ruiz - Indyrock
Este potente quinteto inglés nos presenta su primer disco compuesto
por ocho temas tan divergentes como adictivos. Definiéndose a sí
mismos como "trovadores pre-apocalípticos", los británicos emplean
un rock sobrio y fosco para expresar sus inquietudes sociales y
existenciales.
Si hay algo que sus canciones eluden a la perfección es la
indiferencia del oyente. Las letras, tan directas como inclementes,
disfrazan su crudeza bajo la calidez cadenciosa de la voz de
Rebekah. Esto queda claramente reflejado en temas como Dead, donde
la base rítmica se asemeja a una canción infantil de distorsión
tenebrosa, y los coros cantícos ceremoniales de algún ritual
arcaico. O Broken Down In London Town donde la voz de Rebekah narra
una historia bilingüística, combinando el francés con el inglés
sobre un fondo acordeónico de chanson que nos transporta a los cafés
de París.
Otra de las bazas a su favor es la presentación del álbum. Una
lujosa y original composición de 2 discos, con cuatro canciones cada
uno, escogiendo el negro sobre blanco para uno de ellos, y el blanco
sobre negro para el otro.
Este año tuvimos la posibilidad de verles en directo por nuestro
país, no desaprovechando la oportunidad Julio Ruiz de
entrevistarles para Radio Tres. Si la justicia impera en este caso,
The Last Army no tardará en ampliar su nombre y fama con este disco.
Será entonces cuando, quizá, volvamos a verles por estos
lares.
Lek Mun "Infra
Leve", 2007, Aloud Music Ltd
Por
Raül Ruiz - Indyrock
Semifinalistas en el Proyecto Demo 2007, Lek Mun se estrena por fin
en el mercado discográfico con la edición de su primer disco: Infra
Leve. Un trabajo cuya calidad aflora en el tema apertura, Sailors, y
que se mantiene hasta la finalización de los otros nueve. Nada
hallaremos esporádico en él, la fortuna no ha salpicado de forma
azarosa esta creación; si dijese lo contrario estaría pecando de
injusto ante una gran labor de ingenio, arte y, sin duda,
laboriosidad. No en vano, el equipo humano de Lek Mun lo forman
músicos consagrados. Repasemos: Dani y Laura son la columna
vertebral de Maple, Edu fue teclado de La Habitación Roja, mientras
que Ander hace sonar su bajo en la formación de funk Five Mix
Colors. Junto a ellos, Francesc se encarga de templar una guitarra
que se convierte casi en una segunda voz en este álbum. Pero,
precisamente, de voz es de lo que menos carecen los temas; ello es
responsabilidad de Laura, ayudada de su garganta y sensibilidad. Y
es que Infra Leve es puro sentimiento narrado; los temas se suceden
como caricias sonoras convertidas en lullabies para adultos; la voz
de Laura parece susurrarnos cada canción al oído, concediendo al
oyente la sensación de una dedicación exclusiva.
La composición de los temas es el otro pilar fundamental de Infra
Leve. Cualquier barco necesita un mar para poder navegar. Los cuatro
chicos mecen a la perfección los tonos de su compañera en relajantes
estructuras melódicas de una profesionalidad nada desdeñable.
Incluso en las canciones donde la base rítmica de las mismas les
obliga a acelerarse (Plans, Round Trip, Waiting & Action), a uno
no le abandona ese estado de serenidad que transmite el disco.
Una auténtica delicia de diez temas, de los cuales ya pudimos
saborear algún avance con My own weakness y Let the phone
ring.
Recomendación personal: al llegar al último tema (el único en
castellano), intentar escucharlo con los ojos cerrados y con algún
aroma agradable embriagando la estancia. Se trata de una creación
sonora tan exquisita que merece la pena saborearla.
Another Kind of Death.
Sleepless every night. Underhill Records. 2007
Por
Jesús S. - IndyRock
No resulta extraño que el título de primera figura nacional de ese
estilo aun bastante desconocido para muchos como es el mathcore
recaiga sobre estos cinco perturbadores seres. Velocidad matálica y
buenas dosis de punk espídico son los elementos básicos de la música
de los gamberros Another Kind of Death. Tampoco es de extrañar que
el título del album haga referencia al insomnio: nadie en su
sano juicio podrá dormir a pierna suelta tras escuchar de cabo a
rabo un trabajo agresivo, duro y de dificil digestión para quien no
esté habituado a este tipo de sonidos, de hecho sólo dan
-relativamente- tregua en un par de temas algo más pausados pero
igualmente densos. Aun así, el disco crece tras varias escuchas y
acaba por entrar a fondo a base de buenos trallazos que terminan
clavándose como dagas. Potentes como quien más, AKOD son una turbina
ultraexcitada que desde la inicial "Car crash" (descriptivo título)
dejan bien claro que van a por todo y todos.
Subterranean Kids
"Early days", 2007, BCore
Por
Raül Ruiz - Indyrock
De la mano de BCore nos llega algo que muchos anhelábamos desde hace
tiempo: la recopilación definitiva de Subterranean Kids.
Estos cuatro chicos revolucionaron la escena punk estatal durante la
mitad de los ochenta, siendo los primeros en adaptar el Hardcore
americano y hacerlo algo nuestro.
Poco más de veinte años después, se nos ofrece la oportunidad de
conseguir en un mismo recopilatorio, y de forma remasterizada, sus
dos 12" Los ojos de la víctima y Hasta el final así como sus primera
maqueta Subterranean Hardcore.
Con una presentación en digipack de lujo y un libreto repleto de
fotos de la época, dentro del disco encontraremos otra grata
sorpresa: un código para la descarga gratuita de 6 temas inéditos y
sus letras.
Sin duda se trata de una grata noticia para punks, mitómanos,
nostálgicos y todos aquellos que deseen conservar y/o revivir un
punto de inflexión imborrable dentro de la historia musical de este
Estado.
The Unit "The
Unit", 2007
Por
Raül Ruiz - Indyrock
Desde la ciudad condal nos llega el EP debut de The Unit. La
presentación de esta banda catalana la componen seis temas de rock
psicodélico interpretados en inglés.
Ya en el primer tema, Devil is around, descubrimos unas guitarras
que flirtean con el funky escudando la voz de Iván Soulster,
cantante de la formación. Leyendo el apodo que acompaña a su
nombre es fácil adivinar la clara influencia musical que adopta en
sus interpretaciones.
Y es que bajo la influencia de grandes mitos del rock como Led
Zeppelín, los Rolling o The Stones Roses, el grupo consolida el
álbum dentro de un tono meridiano, evidenciando sus claras
intenciones.
Recién incorporados a Madforit Management los barcelonenses
prodigarán su música más allá de su comunidad autónoma.
Mürfila "Miss Lios", 2007, Boom Tv
Por
Raül Ruiz - Indyrock
Mar Ofelia, o lo que es lo mismo, Mürfila nos presenta su segundo
disco después de Vamos a hacer pupita.
Este nuevo trabajo comenzó a grabarse en abril del 2006 en Sentir
Estudios. Un año más tarde Miss Lios ve la luz con diez temas
inéditos escritos por Mar y arreglados por Aurelio Morata, corazón
de Aurelio y los Vagabundos.
El disco arranca con Me pones, una declaración sincera de gustos,
mitomanía y reproches. En una línea similar se encuentran los temas
Money y Tiempo para. Siempre dentro de su sensualidad e imagen de
mujer decidida y autosuficiente, el disco cambia el tono de sus
intenciones después del tercer tema: Que fluya lo cursi. Es a partir
de aquí cuando las canciones adoptan un perfil más intimista y
emocional, mutando los deseos y apetencias por necesidades y
anhelos.
A caballo entre lo alternativo y lo comercial, la cantante nos
ofrece un LP donde entremezcla temas bailables, muy en la línea
musical actual, con otros más templados llenos de sensualidad
premeditada.
Miss Lios incluye también videoclips de los temas: Caliente y Me
pones.
Nisei
"Continents", 2007, BCore
Por
Raül Ruiz - Indyrock
El 10 de diciembre salió a la venta el segundo álbum de los
catalanes Nisei, tras More Light.
Los de Vilassar de Mar han realizado una apuesta importante en este
nuevo proyecto y es que, sin perder la entidad musical que les hace
fijar su horizonte en los sonidos post hardcore americanos de
Chicago y Washington, olvidan el lenguaje anglosajón en sus letras
para reivindicar el catalán como lengua válida y oficiosa dentro del
género. Diez temas íntegramente en esta lengua reafirman sus
identidad e intenciones, entre los cuales existe la cabida del
coqueteo con otras naturalezas musicales, como ahora el garaje en el
tema Tortuga o las reminiscencias setenteras que tanto les
gustan.
No en vano, la banda ha participado este año en el Primavera Sound y
en el BAM.
Otro punto que despierta el interés de este álbum es que ha sido
masterizado por Bob Weston en su flamante estudio Chicago Mastering
Service.
Asimismo, siguiendo una actual tendencia retro, es posible conseguir
el álbum en vinilo, dentro de una edición limitada de 180
gramos.
Patrick Watson
"Close to Paradise" SECRET CITY RECORDS 2007
La sorpresa canadiense que nos acerca al paraíso.
por
Juan Gallardo - Indyrock
Tal y como Michael Moore nos recuerda continuamente a los americanos
y americanos de adopción, la respuesta para todo siempre está en
Canadá.
Patrick Watson, líder de la banda Patrick Watson (todavía me acuerdo
de cuando Pau Donés se hacía llamar "Jarabe de Palo") derrocha su
talento en "Close to Paradise" su segundo álbum, aunque el primero
en editarse internacionalmente.
Cuando hablo de talento, en el caso de Watson, me refiero a su
extraordinaria voz y su inteligencia a la hora de usarla, llegando a
las alturas de Jeff Buckley, recordando a Antony and the Johnsons en
ocasiones, y desenvolviéndose como pez en el agua a través de varias
octavas, saltando del contralto al falsete como si cualquier cosa.
Pero no es solo el tono, aparte de la impresionante técnica,
consigue no caer descansar en el virtuosismo desapasionado, su voz
consigue ser personal, hiriente, inconformista pero sobre todo:
esperanzada.
Cuando hablo de talento me refiero también a la capacidad de
componer canciones como Luscious Life, la mejor canción que he
escuchado en años, original y rompedora, polvo de estrellas y
rodearla de joyas que solo muestran su belleza y esplendor tras la
cuarta o quinta escucha, atmósferas que suenan a Bjork en ocasiones,
coros de los mejores Beatles, guitarras que suenan a los 60, 70, 90,
el siglo 21 y más allá, amenazando el virtuosismo al piano de
Watson, desde el pop más sesentero hasta la experimentación
electrónica pasando por el jazz, canciones de taberna, de circo
ambulante.
Cuando hablo de talento no puedo dejar de referirme al buen hacer al
rodearse de músicos que, seguramente sin llegar al talento de
Watson, no se limitan a musicalizar lo que les dan, si no que dan a
cada instrumento un espacio propio en el maravilloso universo sónico
que ofrecen las canciones de "Close to Paradise"
Grande-Marlaska:
El momento de hacer (Tres pies, 2007)
por
Quim García - IndyRock
No es casualidad que el trío formado por Roberto Herreros, Malela y
Pepo Márquez se llamara Garzón en sus inicios. No es casualidad que
el juez de la Audiencia Nacional amenazara con demandarlos. Y no es
casualidad que ahora se llamen Grande-Marlaska. Su intención desde
el primer momento fue reivindicar la música como un medio donde
expresar unos ideales. Quedó claro con su primer EP ("Otra fuerza",
Yoyó Industrias/Grabaciones en el Mar, 2005) y lo vuelve a quedar
ahora con su primer disco. Desde la primera frase. Llegó el día,
escoged la posición/llegó la hora, despertad/es el momento de hacer.
Pues bien, ellos han escogido el pop. Un pop acústico donde de tanto
en tanto se cuela una guitarra eléctrica o una trompeta. Incluso hay
espacio para el rock'n'roll ("Turno de réplica") y el indie ("Caza
menor") pero lo que realmente define el sonido de Grande-Marlaska es
la manera de tocar la guitarra de Roberto.Y ahí radica una de las
grandes virtudes de Grande-Marlaska. "El momento de hacer" se
convierte en un manual de como utilizar la guitarra acústica sin
caer en lo soporífero ni en lo fácil. Si a eso le sumamos una
melodías sencillas pero efectivas con unas letras que se mueven
entre lo personal y lo reivindicativo, y una sección rítmica más que
solvente nos da como resultado un disco aparentemente con pocas
pretensiones, pero de gran calidad.
Ray Davies:
Working Man's Cafe (V2, 2007)
por
Quim García - IndyRock
Ray Davies ha conseguido que su nuevo disco esté en miles de hogares
del Reino Unido antes de que saliera oficialmente a la venta. La
fórmula, sencilla: regalarlo con el periódico de los domingos el día
antes de que se pudiera comprar en las tiendas. Declaración de
princpios para Davies, maniobra comercial para el periódico (The
Sunday Times). Pero el hecho es que Davies no sólo ha acertado con
la publicidad, también con el título. Sus canciones se podrían
escuchar en cualquier cafetería. Justo después de un tema de Mark
Knopfler y antes de un single de Paul McCartney. Canciones que no
están mal pero a las que les falta la brillantez de antaño. Davies,
como la mayoría de compositores que superan la cincuentena, ha
optado por la vía autoindulgente. El resultado es un disco más lento
y menos variado que el anterior (Others People's Lives , V2, 2006).
Aun hay destellos de destreza del que fuera líder de una de las
mejores bandas de los 60's, como por ejemplo la habilidad de Ray
para contar historias y retratar la sociedad, pero el resultado
general no acaba de convencer. Demasiado igual a discos ya
escuchados. Demasiado cercano a las radiofórmulas nostálgicas. Unos
se decantan por clasificarlo como rock adulto, otros prefieren
directamente no llamarlo. Working man's café es la constatación de
que las revoluciones se hacen de joven.
Shotter's Nation,
Babyshambles
2007
por
Muriel Mo - IndyRock
Pete Doherty: se odia o se ama, no hay otras posibilidades...su
influencia es como una enfermedad extraña, un veneno peligroso. Como
dicho, este veneno puede ser mortal o, al contrario, puede provocar
una dependencia que no se elimina tan fácilmente. Está claro que la
presencia constante, en los tabloides ingleses, de sus "aventuras"
sentimentales y jurídicas, no hace que su popularidad en el mundo de
la música suba hasta las estrellas. Pete es la representación misma
del "cliché" sexo, droga y rock&roll: una dependencia
incontrolable al crack, una ex novia súper Modelo, una gana
constante de provocación...todo lo que se puede esperar encontrar en
el "manual de la perfecta Rock Star". El problema es que, a causa de
esta súper mediatización, Pit se ha vuelto en la parodia de si
mismo. En efecto, su popularidad está más atada a sus "dependencias"
que a su música y su credibilidad como artista ha caído hasta los
límites más bajos. Los tabloides ingleses están obsesionados con su
persona, como si tuvieran que inculpar a alguien para esconder los
"vicios" de un montón de hipócritas..."peoples" incluidos. ¿No es
esta una contradicción? Acusar y después hacer lo mismo...¡pero en
secreto, evitando los ojos indiscretos de los "paparazzi"! Esta no
es, evidentemente, una apología de la droga, y no es absolutamente
para justificar la actitud de Doherty, pero bueno, hay que ser
realistas y considerar los vicios de una sociedad en su totalidad,
perdida en el culto de la perfección y de la superficialidad. Pete
es más que la muñeca junky de Kate Moss y Shotter's Nation es la
prueba de su talento, a pesar de los gossips, de la droga o de sus
problemas sentimentales.
Ya el título nos muestra el camino: Shotter's Nation, traducido
literalmente: nación de los dealers, referencia directa al mundo de
las drogas, universo que Pete conoce muy bien y que le obsesiona
desde demasiado tiempo. Pero, hay que tener cuidado, porqué esta no
quiere ser una glorificación de la auto destrucción, al contrario,
quiere ser pura representación de la realidad, realidad difícil de
aceptar, pero siempre realidad. Esta segunda obra de Babyshambles
está construida por pequeños pedazos de existencia, momentos íntimos
a flor de piel que muestran el talento de songwriter de Doherty,
talento ya explotado durante la memorable época de los Libertines.
Pete prefiere explicarse gracias a la música, dar una muestra de su
"mundo interior", de sus ambiciones y de sus miedos gracias a la
escritura...pero, como sucede a menudo cuando se habla de Doherty,
su actitud es, a veces, contradictoria, una mezcla de compasión
(actitud de victima) y autodestrucción (goza del sentimiento de
poder dado por las drogas). "Carry Up The Morning", primera canción
de Shotter's Nation, propone una pop calibrada y enérgica típica de
Doherty, una delicia, se continua con "Delivery", una bomba para los
dancefloors, una pura joya que nos da una gana irresistible de
bailar...increíble! "Crumb Begging Baghead" nos da una muestra de la
creatividad de Pete, proponiendo un universo más siquedélico, con
respeto a las otras canciones, más directo, casi brutal. En
"Unstookie Titled" Doherty empuja la provocación hasta la auto
citación, reproponiendo el "ponte" de "Fuck Forever". "The lost Art
Of Morder" cierra el CD y nos muestra un Pete sin artificios,
sencillo y impactante...sublime!
Shotter's Nation se puede considerar como la continuación del primer
CD de Babyshambles Down in Albion, pero portador de una carga
suplementaria de coherencia y ganas de hacer. Esta segunda obra está
totalmente controlada, desde el comienzo hasta el final, como si
Pete quisiera contar una historia, la historia de su vida, al mismo
tiempo terrible y fascinante. Shotter's Nation es un Down in
Albion, pero sin las canciones un poco pesadas de este último,
canciones que le daban un aura incoherente, inestable.
Shotter's Nation corrige el problema y muestra el talento de
Doherty, proponiendo algunos momentos de pura intimidad, momentos
privilegiados, sublimes, que tocan el corazón.
Los Chicos:
Launching rockets (Rock is Pain, 2007)
por
Jesús Rojas- IndyRock
El tercer disco de los madrileños ve la luz a través de Rock is
Pain, un joven sello que ha apostado por Los Chicos para su primer
lanzamiento. Los que no hayan tenido el placer de degustar el
explosivo cóctel de la banda que cuenta con los gemelos Antonio y
Gerardo, sólo decirles que ellos mismos definen la ecuación que hace
posible su sonido de la siguiente manera: Rock and Roll + Rhythm
& Blues + Soul + Punk + Pub-rock + Country + Cerveza = FIESTA.
Eso es en lo que deriva cada concierto del sexteto.
Hasta ahora, en el estudio, no conseguían transmitir toda la energía
desplegada en sus shows y de ahí la publicación de "Launching
rockets" el disco que mejor capta el potencial en vivo de esta
banda. Buena muestra de esta decisión es "Alive", el corte que abre
el disco con la misma energía y atmósfera sudorípara que se respira
en sus espectáculos. Ellos son la banda favorita de Beck en
territorio nacional y han compartido escenario con bandas de la
talla de The Pirates, Southern Culture On The Skids o Paul Collins,
con cuya voz han tenido el placer de contar en "Play it for
real".
A lo largo de 15 cortes despliegan su devoción por el rock and roll
puro, el que fabricaban en su día artistas como Credence Clearwater
Revival o Bo Didley, tan diferentes y tan necesarios a la vez. Se
atreven con el rockabilly en "Los Chicos Party Boogie", el punk
surfero en "Vision", el country-rock en "Sheep attack" y el rhythm
and blues sesentero en "You are my sign".
El nuevo trabajo de Los Chicos no sólo está a la altura de "Shakin
& Prayin" y "Fat spark!", sino que se encumbra como su mejor
grabación hasta el momento, convenciendo al personal con una
portentosa base rítmica que absorbe lo mejor del rock and roll desde
su nacimiento en 1954.
Tarik y la fábrica de
colores: El hueso y la carne (Mushroom Pillow, 2007)
por
Quim García - IndyRock
Todo parece encajar ya perfectamente. Todos los elementos dispersos
por "Sequentialee" (Mushroom Pillow, 2005) se han cohesionado y
articulado en las 10 canciones que se esconden en "El hueso y la
carne". Para conseguirlo, Álvaro Muñoz ha renegado de la luminosidad
del disco anterior para entregarse a una sonoridad más obscura y
densa. El resultado es un disco que supera a su antecesor a base de
canciones certeras, donde el caos controlado de las guitarras no
impide que las melodías fluyan libremente. Se conjugan así dos de
los elementos más característicos de Álvaro, el pop británico de los
60 y 70 ("Tiene que pasar", "Vuelta a los colores") y el indie más
contemporáneo ("Tormenta esta noche"). Y entremedio un par de
homenajes. El primero a The Velvet Underground en la introducción de
"Anticipo". El segundo rinde tributo a "Spiders (Kidsmoke)" de
Wilco, o lo que es lo mismo al grupo alemán Neu!, en "Nadador",
canción que cierra el estupendo disco de un artista que, de haber
nacido en otro país estaría mucho más considerado. Cruel
realidad.
The Jubes, desnudar
el alma
Por
J. E. Gómez / IndyRock Magazine
Intensidad, sensaciones desde lo más profundo de tu ser, sinceridad
y almas desnudas. Es la clave de la música de The Jubes, un dúo de
creadores que logra dar un paso más allá del pop para convertirlo en
el medio para expresar sentimientos cargados de intimidad y giros
poéticos. The Jubes es la unión de un músico y compositor español,
afincado en Houston (Texas), un creador que en España lideraba una
de las bandas de pop-rock más personales de la geografía hispana,
Street Spirit, y Gerald Thurmond, un norteamericano curtido en
decenas de locales de blues, pop, rock, jazz, junto a músicos y
bandas como Tina Allen Group, TunaPilot y Bankshot. En Houston
mezclan sus personalidades para dar vida a las canciones de The
Jubes, una sugestiva mezcla de temas en español e inglés, todos
ellos enraizados en el brit pop, el indie y en la más profunda
canción de autor. The Jubes juega con el jazz, la experimentación,
incluso el folk y la nueva "chanson" francesa... Sensaciones que
emergen de guitarras cálidas, cargadas de crescendos, que envuelven
la susurante y rasgada voz de Juan Gallardo, repleta de armonías,
matices y fuerza expresiva. The Jubes son atmósferas densas,
momentos íntimos en la penumbra.
Puta Lokura "Puta Lokura... Y su puta madre", 2007
Por
Raül Ruiz - Indyrock
Power pop, Ska punk, Power punk, Emo core, Punk core, Punk pop.
Demasiados términos, demasiados estilos y una sobredosis de
conceptos que no sirven más que para edulcorar el punk o acelerar el
pop. ¿Pero que sucede con el punk de toda la vida? Y me refiero a
aquel que se pronuncia tal como se escribe, con "u"; nuestro punk,
el de nuestras comunidades, el que apareció a principios de los 80,
viviéndolo algunos, mamándolo otros y descubriéndolo los más
tardíos. El punk, en su pura esencia, no solo es música, es una
actitud, una negación a una sociedad no escogida, una elección de
vida o la única puerta de salida. Y es curioso que inmersos en el,
hasta el momento, siglo más consumista de todos, existan apuestas
valientes como Puta Lokura. En su EP debut, estos cuatro chicos
muestran su rabia e inconformismo social a través de cinco temas
llenos de rabia, repulsa, denuncia y condena.
Lástima que los temas vuelvan a ser los de siempre: corrupción en el
poder, exaltación del antimilitarismo, drogas, sexo... La savia
nueva debería protestar por los problemas actuales, sin olvidarnos
de mirar de soslayo al pasado, por supuesto. Pero protestar de forma
genérica sin golpear sobre objetivos definidos acarrea el peligro de
filtrar en tu mente la frase "más de lo mismo" entre canción y
canción. Porque el punk debe ser contundente y acarrear una reacción
o, por lo menos, un cosquilleo de replanteamiento existencial; y es
esa falta de contundencia de lo que quizá peque "Puta Lokura... Y su
puta madre", tanto en sus letras como en su interpretación. Pero es
un disco franco, surgido por la necesidad de chillar ¡despierta! a
esa parte del cerebro que nos tienen adormecida a base de productos
de última generación y bienestares materiales; esto, por mi parte,
ya es digno de admiración y respeto.
Demos una oportunidad a este disco, a esta formación y dejemos que
maduren en su progresión musical y humana. Tal como dicen ellos en
su tema "Zókala": Dándole tiempo al tiempo sé que encontraré mi
puesto.
Johnny Casino and The
Secrets. New clothes old shoes. (Off the hip records)
2007
Por
Jesús S. - IndyRock
En terminos de rock and roll, Australia ha parecido a veces, un
apéndice en el tiempo del clásico sonido de ciudades americanas.
Desde el clasicismo de Meomphis, pasando por los ecos de Detroit
hasta llegar al feeling negro de Philadelphia, la que conocemos como
música genuinamente americana ha tenido en ciudades como Sydney o
Melbourne ecos a través de infinidad de bandas que, mirando al
norte, han tendido un cable hacia la tierra de las oportunidades y
la fast food. Johnny Casino va de este palo. Tanto con su ex-banda
Asteroid B-612 como en este nuevo periplo con nueva formación, su
punto de vista se situa en esos parametros: rock and roll con todas
las letras, arraigado en el country-rock por momentos, pero siempre
electrificado con maestría. Letras de carretera y polvo. Jugadas
ganadoras de black-jack, mujeres fatales y millas delante del morro
de tu Buick serían los elementos perfectos para acompañar a su
música. Un viaje, insisto, ultra-recomendable para todo aquel que
ame la música de gente desde Berry a Mitch Ryder pasando por Gram
Parsons y por supuesto Bob Dylan, del que Johnny ofrece una gloriosa
revisión del mítico "Ballad of a thin man" en una especie de orgía
entre guitarras y vientos que se te clava en el alma. En definitiva,
un disco fresco y hecho con el corazón, que además Casino y los
suyos podrán defender en directo en una extensa gira por nuestro
país. como para perderselos.
City Sleeps. Not an angel (SPV -Trustkill) 2007
Por
Jesús S. - IndyRock
Angustia, dudas existenciales, soledad y mucha tralla es la apuesta
de estos chicos, nuevos exponentes de esa corriente de metal
alternativo moderno que los viejos rockeros a veces no podemos o no
queremos apreciar pero que está creando una industria alrededor que
hace que al menos sea interesante de tener en cuenta. City Sleeps,
por tanto, se suben al carro de lo que ahora más buscan los A&R
americanos; musicalmente tiran un tanto de lo que más se estila (a
saber, introducciones épicas, riffs de guitarra pesados, y base
rítmica modelo taladradora) pero logran salir airosos del trance
gracias a unos temas al menos bien construidos y en ocasiones
bastante interesantes, como son "Prototype" y "Matilda". A la hora
de levantar el pie del pedal de sitorsión ofrecen medios tiempos
resultones como "I can´t make you love me". En definitiva, juventud
y fuerza de la mano de una banda americana leal a unos principios y
con ganas de destacar.
Sick City
Nightlife (SPV-Trustkill) 2007
por
Jesús S. -IndyRock
Sick City es una joven banda canadiense formada por cinco jóvenes
procedentes de una escena a veces deconocida para el gran público
pero localmente importante. Dando el salto de Canadá al resto del
planeta, Sick City han apostado fuerte desde 2005, reuniendo fuerzas
y medios para presentar al gran público un trabajo sólido. Practican
un hardcore melódico poco arriesgado y carente de agresividad, pero
con un potencial inmenso de cara al "target" al que va destinado, un
público joven que busca la inmediatez de un sonido que lleva ya unos
cuantos años arrasando en los high-school americanos. Con
"Nightlife", SC demuestran saber moverse en ese terreno, a través de
intros dramáticas, bases contundentes y potencia guitarrera, lo que
les ha permitido ya elevar su estatus y girar por los Estados
Unidos.
Fiction Plane
Left side of the brain 2007
por
Jesús S. -IndyRock
Segundo disco de esta banda inglesa marcada por un dato que a priori
no debería valer de nada: está encabezada por Joe Sumner, hijo de
Gordon Sumner, más conocido por Sting. El hecho de que el con las
letras del nombre de esta banda podamos componer "Infant Police"
podría ser de también de relevancia. Pero no nos equivoquemos.
Fiction Plane, dejando de un lado parentescos y el indudable
espaldarazo que supone tener un progenitor en el mainstream musical,
poco se parece al trio recién reunido. Practican un rock vigoroso,
lleno de buenas melodías. La voz de Joe es a ratos parecida a la de
su padre, pero también recuerda a la de Bono en sus inicios. El
disco mantiene un buen nivel compositivo. Un segundo trabajo que
está llegando más lejos gracias a la inmediatez de temas como "Death
machine"o el single "Two sisters". Claro, que el hecho de estar
girando con The Police, también ayuda. Aunque insisto, deberán ser
juzgados por sus méritos estrictamente musicales, que no son
pocos.
Axel Rudi Pell .
Diamonds unlocked (SPV) 2007
por
Jesús S. -IndyRock
Siguiendo la moda de los discos de versiones, Axel Rudi Pell nos
propone con el suyo un curioso viaje por las tres últimas décadas
del rock, pasado por su visión, particular e interesada, pero propia
y legítima al menos. El logro ha sido reconvertir al estilo del
guitarrista alemán piezas en principio difíciles de encajar como el
"Bautiful day" de Bono y Cia. o "In the air tonight" de Phil
Collins, dos extravaganzas bien resueltas que conviven con himnos
metaleros de gente más afín a Axel, como pueden ser "Warrior"
de Riot" o "Rock the nation" de Montrose. Sin ambargo, lejos de
vitaminizarlo, resta electricidad al "Love Gun" de Kiss,
convirtiéndolo en una intensa balada acústica, que se situa junto
"Heartbreaker" de Free y "Won´t get fooled again" de los Who entre
lo mejor del album. Interesante y didáctico, perfecto para las masas
metaleras que no pueden ver dos metros más allá del terreno que
pisan.
King Khan & The Shrines What Is? (Bloody Mary) 2007
por
Jesús S. -IndyRock
Realmente incendiario este disco. Mezclando en un mismo concepto
punk, soul, psicodelia, serie-B y mucho sentido del humor, King Khan
(de ascendencia india) y sus amigos los Shrines nos ofrecen en "What
is?" una fiesta sonora donde todo cabe, acompañada de una pista en
video donde podemos constatar las locuras de este tipo amén de verle
sobre un escenario, su entorno natural. Temas que enganchan a la
primera como "I wanna be a girl" o "No regrets", y que navegan por
todos esos mares que he mencionado. Inmediatos y frenéticos en
ocasiones, con la personalidad y energía de King Khan al timón, esa
suerte de cruce entre Screaming Jay Hawkins y Sid Vicious que lo
pone todo patas arriba, como han podido presenciar muchos en sus
incendiarios conciertos por nuestro país, al que volverá en 2008
para regocijo de sus fieles. Catarsis colectiva asegurada. Más
información sobre fechas, próximamente en la página de conciertos de
IndyRock.
Les Savy Fav:
Let's stay friends (French Kiss, 2007)
por
Quim García - IndyRock
Lo más normal en los tiempos que corren es encontrarse con un disco
que empieza fuerte y poco a poco se va desvaneciendo. En cambio el
cuarto disco de estudio de Les Savy Fav es de aquellos que van de
menos a más y que además mejora a cada escucha que se realiza. Let's
stay friends no es un disco inmediato, se necesita tiempo para poder
apreciar la propuesta de esta banda norteamericana. Y eso a pesar de
que, en apariencia, se podría calificar este disco como un ejercicio
de estilo. El resultado de juntar elementos del punk y del
post-hardcore, adaptarlos al 2007 y aderezarlos con pop, mucho pop.
Aunque no lo parezca detrás de la urgencia guitarrera, detrás de los
riff más contundentes hay más pop en Let's stay friends de lo que
aparenta.
Pese a todo, da la sensación de que en ocasiones la fórmula no ha
salido bien. Algunas canciones se quedan ancladas en el pasado,
repitiendoclichés ya conocidos. En cambio, cuando más actuales se
vuelven las canciones más brilla el disco. Por suerte son la
mayoría, presentándose así como una hoja de ruta para posibles
discos futuros. Un camino que, de seguirlo, seguro que nos dará más
de una alegría.
Pigmy Miniaturas
Junk Records 2007
por
Vanessa Prado - IndyRock
Son ya muchos años para Vicente Maciá "Willy" desde que empezara en
el mundo de la música con Carrots, banda que cosechara éxitos en su
día en sus nueve años de trayectoria. Ahora Pigmy (sobre nombre
adoptado porque así le llama su familia) edita disco, de la mano de
Junk Records, y lo hace para traernos canciones llenas de sencillez
y buen pop. Se lee entre líneas las influencias de Simon &
Garfunkel o Cat Stevens ("Miento menos" podría ser un buen ejemplo,
aunque hay muchos más) y los ecos de ese pop antiguo y nostálgico de
voces claras y cándidos arreglos. Queda siempre presente el peso de
los sonidos de los sesenta para transformarlo en temas que adaptan
el folk más consciente y la psicodelia más sensata. Grandes temas
como "Piedras y Guisantes", con letras costumbristas y evocaciones a
una realidad que se enriquece con metáforas transparentes. Un disco
que se enmarca en el pop más humilde y espontáneo, pero con un
carácter intimista y sincero, sin grandes pretensiones, pero no por
ello menos exigente con una escena que últimamente adolece de
propuestas como estas. Pigmy nos canta y nos cuenta fragmentos de su
personal manera de ver el mundo, pero lo hace con estilo (los
arreglos de "Válsamo", geniales) y con una calma y un sosiego que
nos transporta a estados de ánimo que, si bien no son nuevos, sí que
los teníamos olvidados.
Suite
"Piezas contentas" (Astro Discos, 2007)
Por
Jesús Rojas - IndyRock
Dos catalanes, un mallorquín y un sevillano. No es un chiste, es la
nueva apuesta de Astro Discos. Se trata de una banda de rock en
castellano que se sale de la normativa que hasta ahora ha utilizado
la discográfica madrileña.
No quieren ni oír hablar de pop, lo suyo es el rock, como rezaba en
su día aquel himno de los desaparecidos Barón Rojo. El caso es que
Suite se muestran naturales y directos, haciendo la música que les
gusta y sin ocultar sus pelos en el pecho (la portada no tiene
desperdicio). Sus influencias van desde Bolan o Bowie hasta Wilco y
canciones como "La gran ciudad" o "Suite" dejan el pabellón bien
alto para tratarse de un debut.
Hay que señalar que los componentes de la banda vienen de otros
proyectos musicales que han tenido más o menos repercusión: El
Diablo en el Ojo, Pinball, Carrots, Smack Dab y Bunbury. A lo largo
de los once cortes que encontramos en "Piezas contentas", uno se
deja llevar por el rock psicodélico de alto contenido melódico
("Virginie"), las atmósferas acústicas ("Regalo de Reyes") y el rock
de toda la vida ("Duque dellate", "Habitación drill").
Una grata sorpresa la de Suite, que ya forman parte de ese nuevo
resurgir del rock de lírica ibérica y sonido anglosajón. Además,
detalle a tener en cuenta, en la producción ha estado Sir Paco Loco,
que ya tiene una obra de lujo más que sumar a su pedazo de
trayectoria, como productor y como músico.
Beirut: The
Flying Club Cup (Ba Da Bing!, 2007)
por
Quim García - IndyRock
Acordeones, ukeleles, mandolinas, celestas, buzuquis, trompetas,
violines y órganos. Esta es sólo un parte de los instrumentos que
aparecen en The Flying Club Cup. La lista completa es mucho mas
larga. Y todo porque Zach Condon, líder e impulsor de Beirut, ha
decidido ir contracorriente. Si la mayoría de músicos tienden a
miran hacia la tradición norteamericana Condon lo hace en dirección
opuesta. Con la vista puesta en el viejo continente, el artista de
Alburquerque (Nuevo México) se abastece, principalmente, del
folclore de la Europa del Este y lo combina con algunos guiños -eso
sí, pocos- de la música pop.
De esta manera, Beirut se ha convertido en un "rara avis" dentro del
panorama independiente. Su propuesta tiene más de lo que ahora se
llama "músicas del mundo" que de música alternativa. Pero en la
actualidad, un disco como el de Beirut sólo tiene sitio en una
discográfica pequeña. Y gracias a ellas tenemos la oportunidad de
disfrutar de una pequeña joya titulada The Flying Club Cup.
Escuchar el segundo disco de Beirut es como hacer un viaje sin salir
de casa. La primera parada, obligatoria, es la portada del disco:
toda una declaración de principios. Una vez contemplada uno ya puede
intuir lo que va a suceder en los siguientes 40 minutos. A partir de
aquí el trayecto es personal, cada uno irá a lugares diferentes.
Unos llegarán más lejos que otros debido a que a mitad del disco hay
un momento de confusión, donde aparece la duda de si Condon no
estará sobreexplotando su fórmula. Es entonces cuando algún viajero
decidirá volver a casa. Pero los que aguanten hasta el final verán
que, en el último tramo, el disco revive, provocando que la
imaginación vuelva a ir a lugares remotos, a tiempos pasados y
después, en el momento del silencio final, ésta volverá a su lugar,
al siglo XXI.
Manna "Sister", -
Suomen Musiikki Oy - 2007
Por
Raül Ruiz - Indyrock
Existen voces que invitan a la calma, a la reflexión, a la
introspección. Suelen ser voces que anhelamos escuchar susurrando
nuestro nombre en mitad de una noche fría y solitaria; voces que
suenan a narraciones extraordinarias de princesas melancólicas y
perdedores metidos a héroes; voces huérfanas adoptadas por Morfeo
mientras vela nuestros sueños; voces ideales para guiar caricias,
besos y roces. La voz de la cantante finlandesa Manna es una de
ellas.
Con la nostalgia armoniosa de una Dolores O'Riordan de escala
minoritaria, la cantante de Helsinki nos presenta "Sister", un
trabajo de diez temas interpretados en inglés cuya fuerza radica,
paradójicamente, en la serenidad que transmiten.
A excepción de los temas Stars, Sing for you e In the book of love,
las letras del resto de canciones que completan el disco son obra de
la propia cantante, la cual, incluso, se encarga de la total
composición del tema que da nombre al LP: Sister; una creación muy
personal, donde la intérprete nos habla de la necesidad de sentirnos
protegidos y queridos.
También hay que destacar Just for tonight¸ donde el cantante Ville
Valo, lider de HIM, colabora en forma de dueto vocal.
Pero si optamos por no detenernos en estas reseñas y decidimos
sumergirnos en las prácticas de "rascar e indagar" continuaremos
descubriendo temas igual de interesantes, tales como Ending and
Leaving, Lost o, el citado anteriormente, Stars: una belleza
auditiva donde la voz de Manna se mueve de forma cromática y
enarmónica, convirtiendo este en una savia elección de apertura del
disco.
Sobrio trabajo debut de una cantante que esperamos disponga de las
oportunidades que su música merece.
Nadadora
"Hablaremos del miedo" (Jabalina Música, 2007)
por
Vanessa Prado - IndyRock
Nuevo disco del sexteto gallego, Nadadora, y consolidamos referentes
para el pop en castellano. "Hablaremos del miedo" (lástima que
Aramburu se haya retirado, quizá con Nadadora será con quien le
echaremos más de menos, y seguramente no por casualidad) lleva al
oyente por los caminos que ya recorrieran sus anteriores trabajos,
ese pop de matices y estribillos, de viajes por el túnel de la
desolación o por la nostalgia teñida de invierno. Nadadora siguen
recorriendo la senda que les ha consagrado ya como una de las bandas
de pop nacionales, aunque quizá ahora se alejan de la frágil quietud
de antaño para sumergirse en ambientes más épicos en los que las
bases rítmicas tiene más presencia y donde las voces parecen exigir
en vez de sugerir (el estribillo de "Tú y cuantos como tú", por
ejemplo, podría ser una buena bronca convertida en canción). Ahora
son más crudos, también más crueles, tanto en las letras como en la
manera de envolverlas, y se nota que han hecho banda: leves cambios
que matizan ese sonido Galaxie 500 tan atribuido y que, en según qué
momentos, tiene mayor o menor justificación. Aparecen por primera
vez en sus grabaciones los instrumentos de cuerda y viento ("Frágil"
o "Al final (todo arde)" cuentan con una producción instrumental
novedosa en los gallegos) y las guitarras dejan paso a los pianos y
a las melodías vocales en algunos temas, aunque no en todos ("La
forma" o "A=B=C" quizá abusan de cierta electricidad nerviosa).
Grabado en los estudios Círculo Polar de O Grove, y masterizado por
Alan Douches (que hizo lo propio con artistas como Galaxia 500,
Damon and Naomi, o Anthony and the Jonhsons, entre otros) en los
estudios West West Side Music de Nueva York. Parece que hay un
cambio de intención, no en el resultado final, porque Nadadora
siguen gustando igual, aunque sí en el modo de reconstruir y
reinventar los colores con los que llenan ese paisaje que sigue
oliendo a norte y a tristeza. Sin duda, uno de los lanzamientos del
año.
Daniel Drexler.
Valorar el vacío
Por
J.E. Gómez / IndyRock
Folk,rock y electrónica. Una Sugestiva mezcla de sonidos para
convencer al mundo de que el vacío tiene su espacio creativo
positivista. Es la idea que lanza Daniel Drexler en su ultimo
Trabajo Living in Confort lnc. Un disco cargado de espontaneidad que
se ha sido posible al grabar de forma simultánea todos los músicos,
como si se tratase de un directo en el que los músicos se dejan
llevar por sus sentimientos Drexler ha contado con la producción de
Matías Cella como productor y la masterización de Mario Brever. Este
trabajo de Drexler, medico y creador de canciones, ha sido publicado
por Factoría Autor. Una forma especial de sumergirse en el universo
de este músico nacido en Montevideo
Desechos
lncorruptibles
Promo Sapiens CD
Por
J .E. Gòmez , lndyRock
Mantienen su esencia, su particular forma de hacer las cosas, de
crear canciones. Desechos vuelve con un segundo disco más
decidido y personal, cargado de aires de reggae, rock, funk y
rebeldía. Desechos es una banda de Madrid formada por músicos de
Hechos Contra el Decoro, que se decidieron a experimentar con otros
ritmos y crear una cocktelera musical muy especial. Ahora lanzan su
álbum Dos y Medio con la productora Homo Sapiens. Un disco en el que
colaboran Javier Ruibal, Bebe dj Daem y Willy Lopez, un trabajo
càagado de sonidos de vientos inconfundibles y un particular estilo
incorruptible. www.promosapiens.net
As I Lay Dying,
An Ocean Between Us (Metal Blade Europe) 2007
por
Jesús S. -IndyRock
Herederos de una estirpe de bandas que hacen del metal extremo y el
death bandera, As I Lay Dying es una de las bandas de moda entre los
metalheads del área de San Diego. Tras un puñado de discos menores,
preparan una especie de asalto internacional de la mano de Metal
Blade. Liderados por Tim Lambesis, los californianos muestran sus
uñas en este nuevo lanzamiento, "An ocean between us", en el que
redundan en su temática pseudo-religiosa e infecciosos himnos que a
pesar de la presunta inaccesibilidad de la voz de Lambesis terminan
siempre enganchando con guitarras poderosas y estribillos
demoledores, cuya prueba son temas como "I never wanted" y el que da
título al disco. Eso sí, cuando te despistas te clavan otros
incendiarios y rapidísimos, de los que se apoderan los alaridos del
personal. Imagino que Europa está preparada para el asalto de As I
Lay Dying, no creo que acepten un no por respuesta.
Oceansize Frames (Superball Music) 2007
por
Jesús S. -IndyRock
Densidad e intensidad. Dos variables en las que estos cinco músicos
ingleses, son auténticos expertos. Oceansize deambulan entre el
indie-rock más arty y el sinfonismo más recalcitrante, lo que da
como resultado un jugoso experimento sonoro en el que nada es
previsible. "Frames" está compuesto por ocho temas largos que
abundan en la autocomplacencia instrumental, con ligeras
aportaciones vocales. Una amalgama de sonidos en los que demuestran
estar muy en forma. Desde posiciones más tranquilas y cadentes hasta
en pasajes más potentes donde incluso llegan a recordar a Rush,
pasando por teatrales transiciones que te traen a la cabeza a los
Genesis de Gabriel. Todo ello muy puesto al día y a la vez encauzado
hacia el mercado independiente. Posiblemente no revitalicen la
escena progresiva, pero al menos seguro que levantan la curiosidad
de alguien que todavía no conozca las fuentes de las que beben.
Mención especial a la producción, que hace aun más por un trabajo
bastante digno que no dejará a nadie indiferente, y a la aportación
gráfica de Robin Finck (Nine Inch Nails, Guns N´Roses), con bonitos
dibujos a tinta que encajan como perfecto envoltorio para la música,
especial y apasionada de una banda cada vez más a tener en cuenta.
Heaven & Hell. Live. 2007
por
Jesús S. -IndyRock
¡Demonios! Dio de vuelta con Iommy y compañía. Nueva jugada de
marketing cojonudísima. Existen hoy en día cada vez más bandas
tributo, y no seré yo el que se queje de ello. Pero que mejor
tributo para una época y unos discos que repetir la historia, volver
a confiar en ese pequeño genio que es Ronnie James Dio para da vida
de nuevo a himnos de Sabbath que no tiene ningún sentido oir en voz
de Ozzy. Y este es el testimonio sonoro de una de las giras
más deseadas de los últimos tiempos. Una banda veterana y sabia,
completada con Vinny Appice de nuevo a la batería (Bill Ward parecía
que iba a estar, pero al final se cayó del proyecto). Como siempre,
reinan las guitarras de Iommy, genio zurdo donde los haya, y la voz
de Dio, perfecta como está demostrando en los últimos años. Pero por
encima de todo, unas canciones históricas que forman un set-list no
apto para aquellos que perdieron el hilo a Sabbath con la salida de
Ozzy. Centrado, por tanto en los dos grandes discos de la era Dio,
"Heaven & Hell" y"The Mob Rules". Dos piezas imprescindibles que
vuelven a cobrar vida de manera gloriosa, y que podemos disfrutar en
todo su esplendor en este directo, especial no sólo por su
contenido, sino por haber sido registrado en un sitio lleno de magia
como es el neoyorquino Radio City Music Hall.
Souler Más allá de
los setenta
"The Record Player" CD-Batiendo Records 2007-08-24
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Suena en decenas de discotecas y garitos. Lo remezclan los Djs como
base fundamental para hacer bailar y disfrutar a sus
clientes-espectadores, pero casi nadie es consciente de que esos
remix tienen una base tremendamente sólida en canciones creadas en
los sesenta y setenta, enraizadas en el soul más clásico, en el pop
sencillo y entrañable de los inicios de la modernidad. Por eso,
cuando aparece un disco que no se dedica a mezclar esta música, sino
a crearla y lanzarla a los cuatro vientos, sin ataduras y sin
complejos, debemos darle la bienvenida. Eso es lo que ha hecho
Souler, con un primer trabajo 'larga duración', que bajo el título
"The Record Player", ha lanzado al mercado con el sello Batiendo
Records. Son diez temas con sen timiento, enraizados en el soul y el
pop, con matices de la más pura psicodelia. Listos para dejarte
llevar a pistas de baile, e incluso a atmósferas intimistas en
rincones plagados de oscuridad. Souler ha contado con un magnífico
elenco de músicos, como Jordi Gas, Valen Nieto, Carles Oliver, Xavi
Rejia y Javi Redondo. Un disco para disfrutar también en largas
horas de carretera.
Area 62 "Quien soy" Maldito Records 07
por
Miguel Angel Alejo - IndyRock
Entradas épicas con toques electrónicos para recibir 11 tema
este Quien soy (Maldito Records, 07), CD debut de los canarios,
ahora afincados en tierras catalanas, Area 62. Contundencia musical,
entrando en el mu metal electrónico donde Área 62 se mueve con
soltura. Se denota que este quinteto tenía que vomitar todos estos
temas para dar carpetazo para iniciar a dar pasos por nuevos campos
compositivos.
Los temas quedan redondos -claro como el CD- aunque en
una escucha continuada queda un poco monótono. Las letras, cantadas
en castellano, nos trasladan a lados reflexivos negros de la mente
y, como indica la misma portada, "marioneta de un ser superior".
Incapaz, rompe algo ese ritmo monótono comentado, para que las
guitarras rujan a todo en Genocidio en Sao Paolo, en el que colabora
Mart (Estirpe). Cierra el CD A por ti, tema instrumental, tema
perfecto para hacer válido el refrán: Los últimos siempre serán los
primeros. Es toda una declaración de intenciones a menos fuerza, lo
que hace de A por ti, ideal para abrir bolos, para calentar motores.
Esperanzador CD de debut de esta banda que no habrá que perder de
vista. El CD se completa con un video del tema Dolor.
Matt Jennings "
Two Become One" 2007
Por
Joe McGaha - IndyRock
Matt Jennings es un cantautor del estado de Minnesota, EEUU.
Su nuevo c.d., Two Become One (Dos se hacen uno) es bastante
interesante. Toca la guitarra con influencias de guitarra
española, y su manera de cantar se parece algo a algunos cantantes
reggae, así que se nota que tiene influencias de muchas
partes. La primera canción del c.d. se titula The tortoise and
the hair (o sea, La Tortuga y El Conejo), como la vieja
fábula. Dice "yo soy la tortuga, y tu eres el conejo.
Corra cuanto quieras, que yo voy a ganar". Total, me ha
gustado bastante este c.d. Una cosa que me interesó es que
también escribe y canta canciones en español. Se nota que
todavía está aprendiendo, pero me encanta saber que un artista
estadounidense tenga interés por cantar en otros idiomas (que somos
bastante conocidos como gente xenófoba, que solamente se enfoca en
nuestra propia cultura). Si te gusta Jack Johnson, o Ben
Harper, creo que te va a gustar Matt Jennings.
Silvania Campo
de espirales / árboles / secuencias posibles 2007
Por
Joe McGaha - IndyRock
Silvania es un grupo de música electrónica, compuesto de peruanos
afincados en España que se especializan en manipular sonido para
hacer un tipo de música que a veces es más sonido que música.
A mí me fascina este c.d., porque es más como una obra de teatro que
un c.d. de música. Yo tenía un profesor hace años que me dijo
que música no es más que sonido manipulado en tiempo. Yo no
estoy exactamente de acuerdo con eso, porque creo que es necesario
que el compositor comunique algo con su música, sea un sentimiento,
o una creencia, algo. Pues yo creo que Silvania sí comunica
algo.al escuchar su c.d., yo sentí que era más que un
experimento de sonido.
Hay varios artistas que han jugado con la música electrónica de esa
forma.me recuerdan un poco al grupo francés Air (¿es que ellos
siguen grabando?), que también me gustó bastante. Yo no tengo
la menor idea de cómo serían sus actuaciones en vivo (parece que
tienen varias por España), pero al escuchar su c.d., creo que me
gustaría ir a algún concierto de Silvania a ver como es.Para más
información sobre Silvania en la red:
http://www.silvaniaweb.com
33cl, Esperanza
para el rock
"La siembra" - CD - Music Bus - Warner - 2007
El trabajo continuado, el empeño en mantener tus ideas suele dar
buenos frutos, incluso en el mundo del rock and roll. Es lo que ha
ocurrido con una de las mejores bandas de R&R made in Catalunya.
Se llaman 33cl, que después de tres años desde su primer disco,
lanzan un segundo trabajo donde han consolidado su sonido. Con el
título "La siembra", presentan una colección de once temas que
tienen un denominador común, ser once buenas canciones, algo no
demasiado habitual en el panorama roquero hispano. Desde ritmos
contundentes, cargados de durerza extrema hasta melodías intimistas
y seductoras, siempre con la voz de Felipe Recio, que ha madurado y
se desgarra, mucho más que en sus primeros tiempos, allá en 1999,
cuando se forma la banda tras unirse sus miembros para dar un
concierto. 33cl pueden estar ante su lanzamiento definitico. Music
Bus y Warner han decidido apostar por ellos. Estamos ante una nueva
esperanza del rock, más aún si sus canciones se influencian en
grandes del rock como Barricada. Si las grandes compañías apuestan,
es que quizá no todo esté perdido en esto de la música. 33cl pueden
ser un eslabón clave en la recuperación.
The Horrors
"Strange House" (Universal / Sinnamon) 2007
por
David López - IndyRock
A pesar de todas las polémicas, el primer punto a favor es que The
Horrors, en ningún momento, intentan ocultar unas influencias que no
sólo son evidentes sino que merecen todos los honores. Desde la
actitud más salvaje del Nick Cave de The Birthday Party hasta el
garage rock sexy tipo serie B de clásicos como The Cramps. A esto se
le añade unas abundantes gotitas de punk oscuro y fantasmagórico
(benditos sean esos hammonds de ultratumba), con toda su
parafernalia y estética, y ya tenemos el debut más comentado de la
temporada. Y esto sin olvidar el trío fantástico que produce: ni más
ni menos que Alan Moulder (My Bloody Valentine), Ben Hillier
(Depeche Mode) y Jim Sclavunos (batería de los Bad Seeds). ¿Y las
canciones? Pues realmente mentiría si dijera que el disco no me ha
gustado. Abren con una potentísima versión del "Jack the Ripper" de
toda una leyenda de la talla de Screaming Lord Sutch para deambular
entre hits sin concesiones como el famoso "Sheena is a parasite".
Sí, sí, el mismo que vienen vendiendo como "la razón por la cual
Chris Cunningham regresó a la dirección de clips". Un clip que sin
constituir una pieza mayor (no, aquí no hay otro "Come to daddy")
resulta sugerente aunque sólo sea por disfrutar de los bailes
psicóticos de Samantha Morton. Destacable también en el conjunto del
álbum son "Gloves" o como hubiese sido el encuentro de Jim Morrison
con las luminarias del horror rock británico, la sinuosa y pegadiza
melodía de "She is the new thing", o la instrumental "Gil Sleeping
quote , banda sonora ideal de tu película favorita de terror de hace
unas décadas. Peor o mejor, con sus logros y sus errores, "Strange
House" es un divertimento sin más pretensión que el puro disfrute,
que diría Lars von Trier. Así que al menos merece una oportunidad
desprejuiciada.
Bonde Do Role "With Lasers" (Domino / Pias) 2007
por
David López - IndyRock
Los brasileños Bonde Do Role se presentan como otros oportunistas de
turno a raíz del éxito de sus compatriotas Cansei de Ser Sexy, que
al menos podían argumentar con canciones vigorosas y directas
destinadas a electrificar las pistas de baile con todo su potencial
erótico-festivo. "With Lasers" retoma todos los puntos cardinales
del sonido de la banda de Sub Pop pero situándolo en la delgada
línea que separa un trabajo bien hecho del espíritu más cutre y
vergonzosamente aprovechado. Aunque vengan con la presentación que
supone estar producidos por Diplo (pareja y productor de M.I.A.),
este disco combina con total desfachatez electrónica de saldo, riffs
que rozan lo paródico, aires bossanova carentes de brillantez y una
absoluta falta de personalidad, propia de los plagios tan poco
respetuosos como escasos en su visión de futuro. Un hype que debería
hundirse en el peor de los olvidos sin merecer más comentarios al
respecto.
Nelson Bragg -
Day Into Night 2007
Por
Joe McGaha - IndyRock
Nelson Bragg tocaba batería para Brian Wilson, y se nota la
influencia del famoso líder de los Beach Boys. Su música está
llena de armonías bonitas, con una buena mezcla de guitarra y otros
instrumentos tradicionales. El cd consiste de dos secciones -
Día (las primeras seis canciónes) y Noche (las últimas seis
canciones). Creo que prefiero Noche a Día, especialmente la
primera canción, Death of Caroline (Muerte de Carolina), que tiene
buenas letras, y buena melodía. Yo recomendaría este cd
especialmente a cualquier fan de rock suave. Muy bien
compuesto.
Nico : Reina de
los alquimistas « The Frozen Borderline, 1968-1970 »
por
Muriel (Mo)
Al final alguien abrió los ojos y decidió poner de relieve el
trabajo de una artista demasiado olvidada, víctima inconsciente de
sus propios fantasmas. El artista en cuestión es Nico, icono de la
Factory de Andy Warhol, voz angustiada de la Velvet Underground y
sobre todo músico polivalente que contribuyó, con su personalidad
lunar, al nacimiento de una nueva manera de hacer música, punto de
partida y inspiración del movimiento New wave de los '80. Su trabajo
influyó de manera significativa muchos músicos, pero también
cineastas; en efecto, Nico vivió una intensa relación sentimental y
artística de 10 años con el cineasta francés Philippe Garrel. La
dama alemana creó la banda sonora para muchas de las películas del
artista, como por ejemplo « Elle a passé tant d'heures sous les
Sunlights » o la más conocida « la cicatrice intérieure », es
precisamente este último fantástico trabajo que Nico utilizó como
inspiración para su álbum « Desertshore ». La reedición, por parte
de Elektra, nos permite descubrir esta joya de rock místico que
quedó bastante desconocida. El « coffret » reúne también otra obra
mayor del artista intitulada « The Marble Index », álbum fundamental
pues le permitió emanciparse verdaderamente de sus « mentores »
(Reed, Browne, Dylan,.) y volverse en una verdadera artista, libre y
orgullosa de su trabajo. Con este album Nico se libera del pesado
apellido de Musa y empieza un trabajo de introspección que le
llevará muy lejos, hasta un universo onírico, de casi locura, que
nunca le dejará escapar. Nuestra valquiria siempre intentó exprimir
su verdadera naturaleza, humana y artística y es precisamente « The
Marble Index » el espejo de sus ambiciones, de sus deseos
escondidos. El milagro fue posible gracias también a la colaboración
de un compañero de siempre, John Cale, que añadió al álbum este
toque inquietante y ancestral que siempre vivió en el alma de la
Diva pero que nunca antes había podido exprimirse. Otro empuje
fundamental es debido al nacimiento de un nuevo amor, el de Nico con
su harmonium y es precisamente gracias a este instrumento que Nico
empezó a crear sus propias canciones y a encontrar su libertad. En
efecto esta primera parte de su vida durante la cual el artista dio
a la luz su primer álbum « Chelsea girl » ya se ha terminado y « The
Marble Index » pone las bases de una nueva época llena de
dificultades, de noches frías y de largas tournées. Raramente en el
panorama musical alguien se aventuró tan lejos, sin hacer
concesiones a la industria musical e intentando existir aislado del
maintream, también enfrentando algunos momentos verdaderamente
difíciles donde su vida misma estaba en peligro. Nico siempre vivió
libre y es gracias a esta libertad que podemos escuchar joyas como «
The Marble Index » y « Desertshore ». Esta reedición es importante
bajo diferentes puntos de vista, primero el de mantener viva la
memoria de este artista singular, ancestral que se volverá el modelo
de toda aquella parte del mercado musical que sobrevive con
dificultad y muchos esfuerzos. « Desertshore » pone también de
relieve la facilidad con la cual Nico se movía al interior del
panorama artístico. La Diva fue una artista polivalente quien sabía
crear una relación entre imágenes y música que iba más allá de las
convenciones. En efecto, su relación con Garrel le permitió exprimir
este talento y crear algunas de las bandas sonoras más impactantes
de la historia del cine. En las películas de Garrel la música no se
limita a subrayar las imágenes sino que baila con ellas y hace nacer
un universo paralelo sin reglas aparentes. La canción « Le petit
chevalier », nenia cantada por su hijo Ari con una voz tan ingenua
pero al mismo tiempo inquietante nos enseña la fragilidad misma de
la vida y pone las bases para una reflexión más amplia sobre el
sentido de la palabra « existir » en un mundo donde es la ley del
más fuerte que domina. Otra canción « Jenitor of lunacy », dedica
póstuma a Brian Jones, subraya con fuerza esta idea de « ausencia »,
de « precariedad » y de búsqueda de respuestas. La voz de Nico nunca
ha estado tan poderosa y frágil al mismo tiempo y nunca su arte ha
estado tan influyente. Entonces, descubrimos o redescubrimos este
artista que tanto ha dado y que tanto merece recibir, dejémosle
vivir a través de nuestra memoria y dejemos que su música viaje
todavía a través de nosotros.
The Sewergrooves
Rock N´Roll Receiver. (Wild Kingdom Records) 2007
Por
Jesús S.- IndyRock
Vuelven los Sewergrooves después de un periodo de convulsiones
internas (saldado con la salida de Robert, batería fundador) tras el
cual la formación ha mutado a cuarteto, y lo hacen con un disco
fresco y directo. Alta energía sin pausa por parte de una banda que
surgió al cobijo de Hellacopters y que beben de fuentes más o menos
similares, a saber, desde MC5 a Nomads pasando por todo lo bueno del
rock más puro de los 70. Los suecos apuestan por una producción
cruda y despojada de toda truculencia, de hecho ello se definen como
"una banda sucia de rock and roll". Temas rápidos y vigorosos, donde
las guitarras arrasan al resto de instrumentos dejándolos en un
segundo plano. La inicial "She´s a punk" ya pone sobre aviso
de lo que se traen entre manos: guitarras a todo trapo para
canciones inmediatas que se nutren de watios para dar como resultado
una colección de trallazos a medida de todo amante del punk, el
garaje y en definitiva del rock sin concesiones.
The DT¨S. Filthy
Habits. (Get Hip- Dock) 2007
Por
Jesús S.- IndyRock
En España nos estamos acostumbrando a acoger con los brazos abiertos
a formaciones de fuera que hacen un rock and roll inmediato muy
querido por esa minúscula parte de la población que somos los
rockeros, contados por decenas (y no por miles) en pequeños y
conmovedores conciertos que el gran consumidor no conoce. En
ese circuito se mueve esta banda. "Filthy habits" es el regreso de
los DT´s, muy conocidos, comno digo, por haberse pateado la
piel de toro unas cuantas veces y por contar con buenos amigos en
nuestro país. Ahora vuelven con un disco que sin aportar nada
especial suena fresco y contundente con su perfecta mezcla de soul y
rock en la onda de los BellRays, comparación odiosa pero evidente.
También, como estos, cuentan con voz femenina. Diana Young-Blanchard
aporta un toque especial a canciones que suenan a clásicos de la
Motown o Stax pasados de vueltas en su justa medida.. En algunos
cortes suenan a puro AC/DC etapa Bon Scott pasados por la turmix con
dejes a lo Joplin. Una apuesta interesante que viene a reflejar el
buen momento que atraviesa una banda que además ha contado con la
producción nada menos que de Jack Endino, que pone coherencia en la
grabación y consigue equilibar la balanza entre las históricas
influencias y un sonido actual.
Type O Negative
Dead Again/ 2007
por
Jesús S. - IndyRock Las huestes de Peter Steele están de
vuelta con un nuevo y profundo compendio de metal oscuro y
paralizante, tanto o más como la fria y malévola mirada de Rasputín
en una de las mejores portadas de los últimos años. Siguiendo con su
personal concepción de la vida y la música, el oscuro talento de
Steele pare en este nuevo álbum otro buen puñado de grises y
perversas canciones que arrancan con la que da título al disco y que
deja claro lo que espera el oyente en la próxima hora. Hazte una
idea de lo que te espera, con títulos como "Muerto otra vez",
"Helloween en el cielo" o "Ella me quemó"...Tan contundentes como
góticos y, hasta cierto punto, carnavalescos, Type O revitalizan un
estilo y ponen al día puntos de vista tan atractivos como escorados
al lado menos accesible del rock del nuevo siglo. La pesadez de las
guitarras a lo largo de temas como "The profits of doom" y "She
burned me down" espesan aun más las retorcidas letras de un Steele
que deja a iconos del burlesque-rock moderno como Marilyn Manson a
la altura del betún. En conclusión, un excelente trabajo apto para
cualquier osado que por un motivo u otro quiera sumergirse de lleno
en el mejor metal moderno que quepa imaginar.
Portastatic "Be
still please" (Merge/Acuarela) 2007
por
David López - IndyRock
Podemos estar más que contentos. Mac McCaughan, el que fuera líder
de los maravillosos Superchunk y dueño del imprescindible sello
Merge (ni más ni menos que la casa de Arcade Fire), nos regala por
fin un disco bajo Portastatic que merece todas nuestras reverencias.
Tras "Bright Ideas", nestro héroe lo fi vuelve a deleitar en "Be
still please" con un combinado irresistible de voces evocadoras y
sutiles; preciosos arreglos de cuerda y piano; melodías atemporales
que a veces se presentan vitales, otras resultan melancólicas; y
sobre todo ese sorprendente torrencial compositivo entre el indie
rock y el pop más personal que ya nos hizo vibrar en la época de
Superchunk. Sabia es la decisión de abrir con "Sour Shores",
poderoso matrimonio de estribillo enérgico y memorables cuerdas que
con "Black Buttons" se toma un deliciosa pausa con dos invitadas de
excepción, Laura Cantrell y Annie Hayden, que conceden sus
privilegiadas voces a una pieza de inigualable belleza. McCaughan lo
mismo retrotrae el legado de su banda previa en cortes guitarreros
como "Your Blanks" o ese absoluto hit potencial que es la pegadiza
"I'm in love (with Arthur Dove)", que se atreve con un pequeño
experimento con aires de bossa nova como "Sweetness and Light" o
pequeñas subidas que actuan como sinceros recordatorios del
indie-emo característico de los últimos Death Cab for Cutie en "Like
a Pearl". Para completar la jugada, la edición europea viene
acompañada de tres bonus tracks, dos demos y una emocionante versión
de "And I was a boy from school", el conocido single de Hot Chip que
en manos de McCaughan suena a clásico instantáneo. Lo dicho, el
disco que estás deseando colocar junto a tus CDs de Pernice
Brothers, Yo La Tengo, Built to Spill y, por supuesto,
Superchunk.
Alioth - 12
Historias Autoeditados - CD - 2007
Por
Jesús Rojas
Disco de presentación de este grupo madrileño de heavy metal que ha
contado con la producción del respetado Manolo Arias (Ñu, Niágara,
Bella Bestia,.) y que ha tenido que recorrer muchos kilómetros hasta
conseguir esa impecable masterización en los estudios Finnvox
(Helsinki).
Para conocer su historia, sólo hay que dejar sonar el corte
"Alioth", donde la filosofía de la banda queda resumida a la
perfección. En conjunto, una docena de composiciones redondas donde
los sueños se convierten en los protagonistas. No podía ser de otra
manera, ya que este trabajo es el sueño que llevaban tanto tiempo
persiguiendo, ahora sólo falta que se les reconozca como se merecen,
como una banda de heavy metal española que, sin abandonar lo genuino
del género, aportan una lírica sobresaliente y una contundencia
sonora aplastante.
Sin duda, ha merecido la pena este largo viaje, ya que estas doce
historias consiguen convencer por sí solas, gracias a una
contundente base rítmica y unas muy trabajadas letras, que ponen de
sobresalto el buen estado del heavy metal en España. Pero no todo es
doble bombo y riffs cortantes como los de "Perros de Pavlov",
"Volver a nacer" o "Caminos imposibles", con unos destellos que
recuerdan a los mejores Iron Maiden esta última.
Algunas de las historias, como "Sueña" se convierten en esenciales
dentro de la amalgama de cortes metálicos. Las guitarras eléctricas
comparten protagonismo con las acústicas y la voz de Álvaro Sánchez
se hace la dueña del momento. Y especial atención merece esa
despedida titulada "Madera de encina", con unas letras profundas, de
las que consiguen llegar dentro. Melancolía acústica cuya finalidad
es enmarcar un trabajo realmente bueno.
Neomenia, rock
estilístico
"Luna Nueva" - CD- Locomotive Records - 2007
Por
J. E. Gómez / IndyRock Rifs incansables,
percusiones atronadoras, melodías del mejor metal clásico. Neomenia
es una nueva banda que ha recuperado las esencias de lo que se llamó
el rock de Vallecas, rock de barrio, incansable, sugerente,
aglutinador de estilos, y enraizados en bandas como Topo,. Obús,
Boikot. A pesar de que en su zona de influencia se mezclan los
sondios multiétnicos, Neomenia se ha decantado por el hard más
contundente. Trallas incansables para arropar una voz suave y
potente a la vez, cargada de aires de baladas metaleras. Con la
escudería Locomotive Records, Neomenia han creado "Luna Nueva", once
ntemas sin desperdicio, de rock sin concesiones y cargado de
estilismo, guitarras progresivas y bases de impacto. Rock sin más,
potente, cargado de energía y letras que te acercan a la realidad de
las calles.
The Jai Alai Savant
"Flight of the Bass Delegate" (City Slang/Sinnamon Records)
2007
por
David López - IndyRock
El debut largo de The Jai Alai Savant, el nuevo proyecto del
hiperactivo Ralph Darden, recuerda, en su primera escucha, a los
mejores momentos de la escudería Hellcat y la época dorada del
punk/ska californiano. Afortunadamente recuperan la frescura de
aquellos trabajos con una nueva entrega de competente fusión punk,
hardcore y reggae rock. La potente "Arcane Theories" es una especie
de bomba punk ska pasada por el filtro Dischord que no desmerece al
sonido Washington; "Scarlett Johansson why don't you love me"
demuestra sus facilidades para adoptar cierto carisma pop; "Sugar
Free" es pura perversión de The Police; "The Low Frequent Sea" actúa
como recordario de la escena británica; "White on White Crime" se
alza a ritmo de los vientos levantando una explosiva descarga
festiva a lo MU330; "When I Grow Up" revela un auténtico hit punk
rock que recuerda a Wheatus; mientras que "30's in the Thousands" y
"Datamassagana" defienden toda una declaración de versatilidad
aprovechando los medios tiempos y el marasmo instrumental. No
deberían sorprendernos pues las palabras de Cedrid Bistec-Zavala,
cabeza visible de The Mars Volta (su compañero Omar Rodriguez fue el
primero en publicar material de The Jai Alai Savant) al referirse a
los directos de la banda: "La mezcla de Ralph de dub y punk al
estilo D.F. me hizo pensar en Elvis Costello haciendo reggae o en el
bisnieto de Bad Brains". Casi nada.
Yes Boss "Look Busy" (Dance to the Radio/Sinnamon Records)
2007
por
David López - IndyRock
La generación que idolatra la aportación de Chuck Taylor al mundo
del calzado puede temblar desde hoy mismo. La hiriente "Indie Kids",
uno de los más irreverentes y brutales hits de la temporada a ritmo
de garage surcado por bajos y guitarras, tiene la culpa de todo. Y
sus autores, Yes Boss, parece que están aquí para quedarse un buen
rato. Noah Brown y Gavin Lawson son los dos nombres que se ocultan
bajo Yess Boss, sorprendente dúo de Leeds que supone la primera
aportación grime al sello Dance to the Radio. Independientemente de
la conveniencia de la etiqueta, "Look Busy" promete muy buenos
momentos para los fans de la inconformista escena británica.
Sumergidos de lleno en los retratos del "Trainspotting" de Irvine
Welsh, Yes Boss combinan el arsenal sónico y las atmósferas densas
con la chulería y la punzante crítica social que actúa como duro
puñetazo en el estómago. A veces suenan crepusculares ("Troublin'"),
otras ambientales y oscuros ("Hospital Time"). Lo mismo demuestran
que pueden ser agresivos y bailables a lo Audio Bullys ("NYB") o
hacen temblar al mismísimo Mike Skinner experimentando con épicos
episodios clásicos ("Meet the Boss", "Blow Dart"). La electro
"Tongues in Knots" los une a Tom Russia (alias Whiskas, líder de los
afamados ¡Forward Russia! y capo del sello que militan) y "They
think it's all over" y la oculta "War Boss" podrían ser la banda
sonora de los jóvenes alienados de los suburbios británicos. Garage
y electro urbano y desgarrado para los decepcionados con el último
trabajo de The Streets, que encontrarán en "Look Busy" una obra
sincera y áspera que bien merece la escucha.
The Tellers "The
Tellers" (62TV Records/ Sinnamon Records) 2007
por
David López - IndyRock
The Tellers, o lo que es lo mismo, Ben Baillieux-Beynon y Charles
Blistin, podrían ser próximamente los nuevos héroes de MySpace (y es
que el descubrimiento de Cansei de Ser Sexy no es una casualidad
entre un millón). Nuestros protagonistas, dos jovencitos belgas, han
conseguido saltar de Internet a una discográfica como tantos otros,
pero desde luego bien armados con un puñado de maravillosas
canciones pop-folk y una propuesta en principio humilde que
demuestra que Conor Orberst no es el único que tiene valor para
subirse a un escenario empuñando únicamente una guitarra. Melodías
alegres, tiernas y desenfadadas que recurren por igual a los
primeros Violent Femmes ("More", "Second Category") o a un Pete
Doherty abandonando los Babyshambles para dedicarse en exclusiva a
la guitarra acústica ("Girls of Russia"). Incluso "Jacknife" parece
una versión relajada de algún tema rock a la francesa de Carayos.
Siete relatos narrados por una voz difícilmente olvidable, siete
canciones breves pero ensoñadoras, atemporales y siempre muy
agradables que parecen un homenaje sincero a las cosas bellas (pero
sencillas) de la vida, y que reclaman una pronta continuación. Un
dulce para paladares exquisitos.
Dartz! "This is my ship" (Xtramile/Aloud Music) 2007
por
David López - IndyRock
En un año donde se producirá el relanzamiento o el definitivo
descalabro del revival post punk (de momento la primera cosecha
marcha bastante bien a la espera del nuevo álbum de Franz
Ferdinand), los británicos Dartz! se presentan con ganas de comerse
su trozo del pastel. Menos bailable de lo que podría esperarse,
afortunadamente evitan caer en los peores clichés (sólo hay que
escuchar la aburrida reválida de The Rakes) y amplian sus miras
enriqueciendo sus argumentos. Como si de una superbanda se tratase,
el sonido Dartz! se alimenta de la rabia contenida de los ya
desaparecidos Q and not U, los juegos vocales de Blink 182 y el
talante del nuevo punk pop inglés de The Futureheads en una especie
de remedo de los Radio 4 menos esquivos y los clásicos del punk
norteamericano/europeo. "Network!, Network! Network!" o "Once,
Twice, Again!" suenan a lo más llamativo del catálogo de Burning
Heart, "Teaching me to dance" es su particular invitación al baile
donde los vientos, las percusiones y los ritmos post punk hallan su
mejor fusión y "Prego Triangolos" es ese radiante single que nos
recuerda lo salvajes que fueron Q and not U. Ojalá y el éxito de sus
primeros singles les acompañe y crezcan musicalmente superando la
delicada frontera de la embestida temporal. Por el momento,
disfrutemos desprejuiciados de este "This is my ship" y procuremos
no perdernos sus directos, de los que sólo se hablan maravillas.
!!! "Myth
Takes", Warp (2007)
por
David López - IndyRock
"Myth Takes", la nueva vuelta de tuerca de !!!, retoma y amplia
hasta límites insospechados el legado rítmico y directo de su
antecesor "Louden Up Now", demostrando que este monstruo de
múltiples cabezas capitaneado por Nic Offer tiene mucho que decir
aún. Que nadie se engañe. Aquí encontrarán el
arrebatador punk funk que los definió durante un tiempo o las
percusiones latinoamericanas y los ritmos machacones que marcan la
locura de sus directos. Pero !!! renuncian a su planteamiento más
caótico (y fresco) y se toman más en serio que nunca el trabajo con
las guitarras mientras enriquecen el menú de la casa con todo tipo
de sorpresas: el sonido Madchester y el vibrante ambiente de La
Hacienda, fiebre del sábado noche a rebosar de falsetes, disco,
excitantes voces femeninas y puro sexo, la primitiva catarsis
instrumental y electrónica del underground neoyorkino, sugerentes
experimentos vocales y nuevos registros en el formato, ya sea
partiendo de los vientos o el piano. Si "Heart of Hearts" es el
perfecto single que nos invita a ser juguetones en el rincón más
oscuro del local de Tony Wilson, "All My Heroes Are Weirdos" y "Must
Be The Moon" son la frenética y absorbente traslación discográfica
de la muralla sonora y salvaje que representa verlos en concierto,
prolongando su minutaje y su sacudida hasta el éxtasis, mientras que
"Yadnus", "A New Name" y "Sweet Life" sonrojarán por su versatilidad
atemporal bebiendo de la relectura soul, pop o discoglam. Y para
rematar una gozada de ritmo y riqueza multiinstrumental como "Break
in Case of Anything" o la bajada y posterior crescendo de
"Infinifold". Una bomba de diez pildorazos a punto de estallar,
imprescindible banda sonora para sudar y desgastar la suela de las
zapatillas en el centro de la pista.
Middian Age
Eternal. (Mastertrax) 2007
por
David López - IndyRock
En un panorama donde la nueva guardia del postmetal porta la única
esperanza de innovación y amplitud de horizontes (sólo hay que
dejarse tentar por la obra de Isis, Neurosis o Pelican), Middian se
presentan como esos viejos conocidos que intentan aportar novedad a
una escena algo estancada. Si Middian es un nombre nuevo no lo es el
de sus componentes, de los que sobresale Mike Scheidt, líder de los
ya desaparecidos y añorados YOB. Precisamente Middian recuperan la
línea doom de YOB pero enriquecida y más abierta a nuevas
influencias. El tratamiento de la voz llevado a la catástasis, el
trabajo en la prolongación de ritmos pesados, la brusquedad de sus
quiebros, así como la densidad oscura y atmosférica de sus texturas
melódicas (tan cercana por momentos a la vía compositiva del stoner)
conforman un debut áspero e intenso no apto para todos los públicos.
Muy interesante y recomendable
Klaxons, "Myth
of the Near Future" 2007
por
David López - IndyRock
Los hijos de la generación NME llevan una buena temporada
comprobando como la luminaria de la prensa musical inglesa no deja
de bombardear y modificar gustos y estilos de vida a ritmo de los
hypes de la temporada. Si parecía que con Franz Ferdinand y Artic
Monkeys se acababa el mundo, la veterana revista se ha sacado un
nuevo as de la manga. Acostumbrados previamente a todos los posts
posibles (del post-rock al post-metal), "new rave" ha sido la
afortunada etiqueta que aparente y satisfactoriamente ha acogido en
su seno a la nueva ola de bandas británicas dispuestas a romper el
esquema en el que sin lugar a dudas habrían quedado estereotipadas
por su simple pertenencia nacional. Aunque los posibles integrantes
del nuevo pelotón de listillos de la pandilla se haya burlado
tajantemente de la denominación, parece que hasta cierto punto
encajó en un nuevo estado de cosas para los cachorros del post-punk
y el dance rock. Al menos, en esta ocasión, nuestros protagonistas
tienen una buena defensa que ofrecer.
Y es que lo de Klaxons suena extraño por la singularidad de la
propuesta. Jamie Reynolds (voces, bajo), Simon Taylor (voces,
guitarra) y James Righton (voces, teclados) robaron su nombre del
Manifiesto Futurista de Marinetti, admiran la valentía de Liars,
reivindican la electrónica más descacharrante de principios de los
noventa, se apropian del legado literario de J.G. Ballard o William
Burroughs, pueblan sus textos de referencias a Aleister Crowley y
Alfred Jarry, y sus clips rebosan humor marciano y vestuario
importado directamente del armario de Cassette Playa. ¡Qué se puede
decir de unos tipos que se atreven con relecturas de Paul Oakenfold
o Kicks Like A Mule (de los que han retomado "The Bouncer", uno de
los clásicos del acid house británico)! Pero nada de esto sería
importante si no se hubiesen presentado en sociedad con un disco
bárbaro bajo el brazo. "Myth of the Near Future" es la carta de
presentación de una de las grandes bazas musicales de este temprano
2007 tras una serie de singles de los que marcan época. Desde la
aparición de "Gravity's Rainbow" en una edición casera de 500
vinilos hasta su fichaje por la multinacional Polydor todo ha sido
un crescendo imparable. De los festivales de Leeds y Reading a
agotar todo el papel disponible para su gira actual. Pero, ¿qué hace
diferentes a Klaxons dentro del maremágnum de bandas que registra la
escena actual?
Producido por James Ford (uno de los artífices de los desenfrenados
Simian Mobile Disco, próximo highlight de la temporada), "Myth of
the Near Future" sabe conjugar perfectamente el pop más personal, la
electrónica desquiciada, el rock bailable revientapistas y el
descaro de unos Test Icicles ya desaparecidos. El reciclaje
inteligente es la única opción para explicar la adicción provocada
por "Atlantis to Interzone" o "Magick", tan solo dos pequeñas
porciones de su particular universo fluorescente del que esperamos
no escapar en mucho tiempo. Ojalá y pronto podamos disfrutar en
España una vez más de su atronador directo. Aunque por el momento
mejor dejarles avisados y recomendarles no visitar su web si sufren
de epilepsia. Es lo que tiene la nostalgia retro
Prin'La Lá, en
estado puro
"Esto es Prin'La Laá" - CD 2007 / Eureka
Por
J. E. Gómez / IndyRock
Pop en estado puro, canciones sencillas, extraídas directamente de
territorios de cuentos y leyendas, de corazones infantiles. Un viaje
por la nostalgia de días de aulas, libros de aventuras, novelas de
amor y deseos de experiencias aún por llegar, es lo que muestra
Prin'La Lá, un grupo formado por tres chicas cordobesas, Macarena,
Isabel y Blanca (8, 14 y 18 años), que ha sorprendido gratamente en
los ambientes más indies e incluso a los puristas del pop. Son voces
sencillas con instrumentación acústica, guitarras, organos, metales,
percusiones... y todo ello en una especial sinfonía minimalista y
letras de vivencias cercanas. Aunque ahora muestran su primer larga
duración, ya habían sorprendido hace dos años con singles realmente
encantadores. Curiosamente este trío, que podría considerarse fruto
de una operación de márketing, en realidad fue un descubrimiento del
cantante de Flow, Fernando Vacas. Con un mínimo de interés en su
lanzamiento, las chicas podrían convertirse en uno de los grandes
fenómenos de lo indie en este país.
Psyopus. Our
puzzling encounters considered. (Mastertrax) 2007
Por
Jesús S.-IndyRock
La ¿música? contenida en este trabajo de los neoyorkinos
Psyopus se acerca peligrosamente a la paranoia y la irrealidad.
Capaces de generar dolor de cabeza instantáneo, lo suyo es el grind
metal, un género extremo como pocos, que tuvo su momento a mediados
de los noventa y que se encuentra inmerso, en mi opinión, en una
crisis de talentos que lo saquen de la mediocridad en la que está
ahogándose. Este disco es claro ejemplo del momento actual del metal
más acelerado: mucho ruido (demasiado!) y pocas nueces. Aun así,
como es normal en este tipo de subgébneros, la escucha puede
complacer al oyente habituado a este tipo de salvajadas. Siendo
generosos, podemos destacar sin embargo cierto aire progresivo, que
se ve aun así enmarañado entre tanto caos y velocidad.Para los más
curiosos, decir que en la banda milita el guitarrista Arpmandude,
compañero de Hank Williams III en Superjoint Ritual.
The End.
Elementary (Mastertrax) 2007
por
Jesús S.- IndyRock
Si hay una palabra tópica y mil veces utilizada en la historia de
las reseñas de música heavy, esa es "apisonadora". Pero por
más sobado que esté el término, sigue siendo el más descriptivo a la
hora de definir el sonido de ciertas bandas. The End entran en esa
categoría, y por poner algo de originalidad, podemos decir que
suenan como una fabrica de apisonadoras. Fuertes, profundos y
agresivos, sus riffs y sus desarrollos progresivos pueden machacarte
las neuronas a base de bien. La voz de Aaron Wolf puede
remitir en los arrebatos más poderosos a la de un Max Cavalera
de los buenos tiempos, pero la música de la banda, al menos en este
"Elementary" va por derroteros más apegados al metal moderno. En sus
surcos la agresividad cohabita con cierto sentido de la
melodía (ojo a ese "The never ever aftermath") que hace
que no pierdas de vista las profundas letras , agobiadas e
introspectivas, lamentos acompañados de una producción de lujo que
sorprenderá a todo aquél que se acerque a un disco que puede marcar
un antes y un después en la progresión de una banda venida de la
nada y dispuesta a instalarse en los corazones más metaleros
del viejo continente.
Dee Rangers. Five spanish minutes. (Screaming Apple - I
Wanna) 2007
por
Jesús S.- IndyRock
Grabando.con esta palabra comienza "You gotta understand",
tema que abre el disco de Dee Rangers, unos veteranos que desde
Suecia nos presentan una colección de canciones sencillas, grabadas
en Gijón de la mano del mismísimo Jorge "Explosion", construidas
sobre la base sólida del rock británico de los 60, con pinceladas de
psicodelia y mucho sonido garaje, acentuado por un farfisa que no da
tregua. No son tan descaradamente buenos como unos Cynics pero
están en camino de convertirse en referencia obligada del nuevo
garaje. Lo bueno de este disco es que si te dicen que es de
una banda sixties que no controlas, te lo crees igualmente. La
producción es intencionadamente sucia, sólo falta que se escuche la
aguja recorriendo los surcos de un imaginario vinilo. Doce preciosas
tomas que conforman un álbum que estos suecos presentarán por
nuestro país el próximo mes de Marzo. Para amantes de
Sonics, Lyres, Electric Prunes y demás capitostes del género.
