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COMENTARIOS

Destroyer `YOUR BLUES´ ACUARELA DISCOS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
 Proyecto personal e intransferible de Daniel Bejar (cabeza visible de los estupendos New Pornographers), Destroyer llega a su quinto disco, el primero que licencia Acuarela en nuestro país. Diario íntimo de un borracho o un loco, con los ojos puestos en lo que él llama blues europeo (tradición que podría comenzar con Edith Piaf, pasar por Jacques Brel y llegar a su apogeo con el `Paris 1919´ de John Cale o los discos más ásperos de Scott Walker o David Sylvian), `Your Blues´ es una obra desgarrada, cínica e inteligentísima sobre la soledad de un hombre en un entorno hostil, digamos que un canadiense en la fría Europa de cafeterías cálidas y camareras hermosas, la Europa vieja e insolidaria, la Europa extraña y ajena de Varsovia o Lyon, una Europa idealizada y a la vez maldita. Disco de texturas ambiguas, de cajas de ritmos que parecen baterías tocadas en algún antro, de guitarras acústicas, metales y cuerdas surgidos de un cochambroso Roland, de percusiones orgánicas que aparecen por sorpresa, compuesto por doce apuntes borrosos, de caligrafía tan lúcida como confusa, en `Your Blues´, nos encontramos a un compositor maravilloso, a un letrista genial, a un músico huraño y difícil. `Your Blues´ son las páginas arrancadas de su diario europeo (la maravillosa apertura de `Notorious Lightning´, la divertidísima `An Actor´s Revenge´, la empática `The Music Lovers´, la esperanza escondida en un viaje de `From Oakland to Warsaw´, la convincente austeridad de `Your Blues´ o la certera, hiriente `Don´t Become The Thing You Hated´) páginas llenas de garabatos y letras, de dibujos de mujeres (como el propio dibujo que preside la portada) que la lluvia cualquier pueblucho polaco o portugués no consigue borrar. 
Argentine  "IN OTHER FICTIONS"2004
por Fernando Navarro- IndyRock
 Trío de atmósferas y guitarras expresivas, más cerca del post-rock que del nervioso emo, Argentine debutan con un disco de debut, este "In Other Fictions" en el que juegan a la descripción de ambientes, a la enumeración de sentimientos tardíos, depresivos, tristones, a la arbitraria acumulación de efectismos austeros (otra paradoja en esto del rock, que los grupos más ambiciosos sean los que más tensan el discurso, con toda la tropa del post-rock al frente) y malos rollos vespertinos. Disco por el que soplan aires helados y emociones contenidas, la ópera prima de esos neoyorquinos tiene una clara virtud y un claro defecto y ambos son, al fin y al cabo, la misma cosa: el discurso. Cuando su deliberado cansancio (les pierde la excesiva duración de los cortes y un cierto tremendismo sin motivo) deja paso al pop menos afectado (la segunda mitad de "Fresh Inventions", la casi optimista "Westerly", quizá la mejor canción del disco)  o a la inquietud casi new wave (la estupenda "Ender/Beginner") el disco gana puntos y se crece. Es en los momentos en los que sonríe esta banda triste cuando alcanzan más empatía, cuando son más interesantes. Curioso, ¿no?

Montoya  "MONTOYA"  ERRATIC MUSIC 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
 Año de celebración del quinto centenario de "El Quijote". Congreso internacional sobre la lengua española en Rosario, Argentina. El Instituto Cervantes abre lujosa sede en Berlín, Alemania. Como si fuera una pequeña contribución al año oficial del español (que comenzó como una ligera glosa, una anotación en el borde de un códice latino), llega Montoya, un dúo de Washington (del estado de Washington) que canta en español aunque ellos sean americanos. Su disco homónimo y sus apellidos homónimos (la banda está compuesta por los dos hermanos Montoya, Gino y Sergio) es un debut curioso, indeciso, que igual suena a soft rock, o a AOR ("Solo", la casi soul "Todd") que a rock robusto y anticuado ("Jezebel" o "El Gato" me recuerda a ¡Los Ilegales!, "Las Joyas" comienza con un riff apisonadora a lo Deep Purple, "La Voz") sin decantarse nunca por ninguna de las dos vertientes (en "Rumba" conjugan ambas, parece una balada sentida a lo Bowie pero el sonido es de rock hortera de los ochenta) demostrando la aún tempranez de la propuesta hispanohablante de estos dos hermanos norteamericanos en los fastos de las celebraciones del español como lengua y como idioma. 


Ahleuchatistas  "THE SAME AND THE OTHER" NFI 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
 Atención a lo que sigue porque es algo muy, muy divertido. Muchas veces se ha hablado de la cuadratura del círculo en esto del rock, esa tendencia a que las tendencias (si me permiten, lectores, la redundancia) y las modas y los sonidos, regresen cíclicamente y se repitan como en una paradoja borgiana o en cierta fantasía oriental. Así al rock progresivo siguió el punk y la nueva ola y luego el heavy y el stoner rock para luego regresar el punk y luego el pop blandito y luego la electrónica -que también era punk- y luego el hip hop, de nuevo el pop y, últimamente, el rock de toda la vida y la nueva ola. En fin, ahora llega un trío norteamericano y en plena guerra de Irak se marca un disco más o menos sobre la guerra de Irak con sonidos de rock progresivo y fusión que remiten, ni más ni menos, a King Crimson o a John Zorn o puede que incluso a Emerson, Like & Palmer (no, a estos últimos no tanto, era una maldad). Y uno ya no sabe que pensar: todos es cíclico, bien. Entonces lo de estos chicos es, ¿una boutade? ¿les sale del alma? ¿Ni eso?. "The Same and The Other" es una obra breve de rock instrumental y cambiante, con extraños virajes rítmicos, guitarras afiladas, mala leche, que deja en el oyente (en este caso en este oyente que os transmite su rara experiencia con el disco) un poso amargo (quizá hayan conseguido su propósito y la dureza del álbum transmita el horror de esa guerra injusta de la que hablan), duro, del que cuesta recuperarse. Aviso: yo he tenido que ponerme a Brian Wilson justo al acabar esta crítica para poder volver al mundo (i)rreal. 
People chasing people  "THE DAYGLOW LIGHT OF SPEED" MILQUEROAST RECORDS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
 Arranca bien. Muy bien. "You Are Loved", el primer corte de este interesante disco es una contundente canción en la que se encuentran, bien engarzadas, la fiereza del punk, la capacidad del estribillo del pop y la habitual deformidad melódica y rítmica del emo. Lo que sigue, "The Dayglow Light Of Speed", el disco de debut de los norteamericanos (chicos de Florida instalados en el DC, la capital del hardcore) People Chasing People es un buen disco de punk de estribillos, de rabia pop; una obra que explica, sin problemas, el porque del cambio de domicilio de los músicos que lo han grabado (suena a Washington por los cuatro costados). En este disco sobre autopistas y alta velocidad, sobre gente enganchada a internet o al móvil, o gente enganchada a personas enganchadas a personas, no hay momento para mediocridades ni desperdicios. Han grabado las mejores canciones que tenían (ahí están "Yelling At Cops", "Come Up and See Me", la estupenda "Willow" o los seis minutos cincuenta y nueve de "Hard Drive A:", donde incluso se atreven con los juegos vocales) y la jugada les ha salido. Bien por esta banda. 
Star Market  "ABANDON TIME" STRANGE FRUIT 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
 Sexto disco de los suecos Star Market tras más de tres años de silencio, "Abandon Time" insiste en la ya habitual entereza, consistencia del repertorio del cuarteto sueco. Disco rudo y sofisticado a la par, emocionante, trepidante y vitalista "Abandon Time" es una obra sobre la eterna juventud, sobre la libertad que supone encontrar una carretera vacía (quizá, desde los cincuenta la más clara metáfora sobre la juventud y la libertad) frente a nosotros, sobre los días de bajón en que todo parece hundido y lo más miserable, lo más inesperado y banal consigue hacer que todo remonte de nuevo. Rabioso, brillante, el sexto disco de Star Market no anda falto de himnos rock (me atrevería a decir que este es un disco compuesto de ellos), de canciones triunfalistas, necesarias, felices y apabullantes. Desde el prodigioso arranque, que no deja tiempo para respirar (esas tres joyas rock que son la estupenda "Antichrist", el single "Cologne" y la casi emo "Redundance") hasta los momentos más amables, pop (la conmovedora "Headfirst" o la hermosa "Don´t Fear the Dark Ends") pasando por la violencia sin tregua de "Tension", donde literalmente destrozan su propio discurso a base de guitarrazos, o la maravillosa "The Vanishing Gates", quizá la más clara canción del disco, todo brilla en este disco oscuro lleno de luz, "Abandon Time", una obra que reconcilia a la juventud con el mundo, al mundo con la vida. Como la portada, una obra en blanco y negro sobre el prodigio de ver amanecer estando aún con vida, despierto. 
The Monorail "A WHOLE NEW CITY"  MILQUETOAST 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
 Influidos tanto por la new wave ochentena como por las explosiones guitarreras del primer indie o la rabiosa urgencia del punk británico, The Monorail son un cuarteto norteamericano que acaba de ver reeditado su primer álbum (en realidad un mini lp) a la espera de que aparezca su primer larga duración, que tienen previsto estrenar el próximo 2005. Disco por tanto breve, joven, lleno de fuerza, adelanto de lo que esta banda puede dar de sí, "A Whole New City" es una obra falta de prejuicios que crea un discurso original a partir de los más evidentes referentes (The Clash, Pixies, Blondie, The Cars, Superchunk o Pavement) y que, por sorpresa, acaba casi sonando a las más delirantes bandas de emo (hay numerosos puntos en común con bandas tan divertidas como Minus The Bear, por ejemplo) o a aquellas curiosidades post grunge que fueron Weezer o Presidents Of The United States Of America. De este modo este primer disco breve de The Monorail consigue llamar la atención con trallazos de hardcore con estribillos ("The Shizampah"), con píldoras de power pop con teclados (la estupenda "Busy Mess Stress Test" que abre el disco, entre los Undertones y The Cars) o con los atrevimientos retro (las guitarras casi aor y el ritmo funky discotequero de la inesperada "The Club") que acaban por crear un repertorio extraño, divertido, fresco. 
Los Marañones "El mundo al reves" CD. 2004
Perdición 2004
Por J. E. Gómez - IndyRock
Aires de rock a la vieja usanza, canciones cargadas de ritmo y buenas vibraciones. Es lo que siempre han hecho Los Marañones y, en contra de las tendencias, no reniegan de ello. Guitarras frescas e hirientes con la candencia y armonía de la voz de Miguel. Los Marañones publican su séptimo disco. El trío formado por Miguel, Román y Pedrín, han utilizado en esta ocasión sonidos pregrabados para concebir un viaje desde el pop setentero al rock con raices cercanas al R&B y al soul. Huyen de clasificaciones. Su música es fruto de muchos años de escenarios y composiciones. Gustan de la libertad creativa frente a las etiquetas. Plantean una inmersión en los sonidos garajeros y del grunge con un título cargado de significado "Soy minero". Crescendos y una magnífica base rítmica. Los Marañones tienen mucho de decir en un panorama musical en el que abunda la crisis de identidad. Los Marañones en IndyRock
AT THE CLOSE OF EVERYDAY  "THE SILJA SYMPHONY"ASTRO DISCOS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
 Disco temático sobre el dramático naufragio del buque Estonia en aguas del mar Báltico, "The Silja Symphony" supone la primera referencia de la banda holandesa At The Close Of Everyday en el cada vez más aperturista sello Astro (que ya editaron a los también holandeses Mist y a los chilenos Congelador y que, recientemente, ha abierto sucursal en México). Segundo disco del dúo formado por Axel Kabboord y Micno Eggersman, "The Silja Symphony" aprovecha las muchas imágenes y metáforas que produce el hecho narrado, para sacar de él belleza, desolación, emoción. Desde el hermoso instrumental que lo abre, hasta la demoledora canción final, la amarga "All Things Ends In Waters", la capacidad emotiva de esta obra se basa en gélidos desarrollos instrumentales que culminan con alguna reflexión sobre el tiempo o la muerte. Hay está esa historia de amor oculta que sale a la luz en "The Maria Tales", la épica minimalista de "When Their Spirits Surround Me", la desolación y la soledad de "Tommy" o "Higher, Brigher" -con esa frase final, "the trouble is that all these songs will end up, end like this", la inusual fiereza de "Blackout" o el segundo instrumental del disco, el bellísimo "The Stonia Situation", donde escuchamos una voz que informa sobre el naufragio. Una canción que nos sumerge junto al enorme buque varado, en la negrura del mar frío, apenas entreviendo el casco gastado y el nombre de la nave, imaginando y viviendo las vidas de sus pasajeros, soñando que ellos nos viven a nosotros. 
AMARILLO  "PIRUETAS EN EL AIRE"  RHONDA RECORDS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
 Hubo quien bendijo el indie y quien bendijo más aún la muerte del indie. Pero como nada es definitivo, ni la muerte siquiera, y nunca llueve a gusto de todos, el indie siempre está ahí, amenazando con volver para solaz de los más jóvenes y nostálgicos y horror de los que se han cambiado de bando o nunca estuvieron en ninguno. Toda esta cháchara inicial sirve (debe servir) de introducción a la publicación del primer disco de Amarillo, llamado "Piruetas en el Aire", y que viene a ser algo así como el primer disco de la generación post-indie; a saber, los chavales que, una vez asimilados los referentes más importantes de la generación anterior (los que empiezan en el ruido de Sonic Youth y Pixies y acaban en Los Planetas) se lanzan ahora a formar grupo, diez años después de todo aquello. Disco irregular, de marcado carácter generacional, "Piruetas en el Aire" tiene todos los defectos y todas las virtudes que pueden imaginarse de este tipo de disco. Es sencillo: buenos estribillos, guitarras ruidosas, voces más o menos en segundo plano (aunque estos jovencitos mallorquines se atreven con unos interesantes juegos vocales), letras sobre desordenes emocionales, carencias afectivas, algunas miradas al imaginario psicotrópico y, todo eso. "Piruetas en el Aire" es un disco que tiene un lugar muy concreto en la reciente historia del pop español: habla, quizá sin quererlo, del tiempo transcurrido entre la primera revolución indie y una segunda revolución que, puede, nunca se produzca. Discos como este contribuyen, alimentan y avivan la posibilidad de que ocurra. Eso es bueno, imagino. 
REMATE  "BALLADS DON´T CHANGE THINGS"  LIMBO STARR 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
 Disco de debut del misterioso músico madrileño escondido bajo el nombre de Remate, "Ballads Don´t Change Things" es una obra austera, amarga y dura sobre la soledad, ejecutada en la total soledad de su propia casa por ese multiinstrumentista huraño y huidizo (Remate toca todos los instrumentos del disco, incluidos los sintetizadores y el dobro) del que apenas conocemos algunos datos (entre otros que se ha formado en la prestigiosa Welsh Collage de Cardiff), los cuales no sabemos sin son reales o inventados y que apenas sirven para hacernos una idea de lo que hay en "Ballads Don´t Change Things", un disco de debut que tiene forma de último disco, de disco maldito, de disco perdido. Plagado de atmósferas oscuras, secas, casi sórdidas por la ausencia total de adornos, la ópera prima de Remate es una obra desoladora (que trae ecos de bandas nacionales como Migala o Polar) que busca la complicidad total del oyente (no se engañen, esto no puede escucharse sin empatía, sin querer entrar en el mundo del autor) con canciones demoledoramente tristes, cuando no desesperadas (la petición a modo de mantra de "Introducing", "My Symphony", el piano inicial de "My Heart Is Broken", el desierto imaginado en "Miss Fit" y real en "No Land" o la inquietante pesadumbre de "Kill A Man Is Kill A Star", remarcada por esa armónica a là Neil Young) que acaban por convertir este extraño disco en una especie de súplica abierta en canal, que penetra en el sentido y aturde, afecta, duele. 
SANGRIENTOS  "EMERGENCY PONCHO"  ASTRO DISCOS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
 Aquí están Sangrientos. La banda de rock duro de Paco Loco, sus Shellac; sin duda su faceta más ruidosa y oscura, la más transgresora y divertida, la más desconocida para el gran público. "Emergency Poncho", el cuarto disco de este trío misterioso que no se hace fotos ni entrevistas ni nada por el estilo, es un disco de punk rock y psychobilly que debe mucho a la Velvet y al Lou Reed de "New York, New York" (ahí está "Envirude" para dar fe) a Dream Syndicate (de su también amigo Steve Wynn, con quien colabora en otro de sus proyectos paralelos), a Screamin´ Jay Hawkins y a Minor Threat (el poderío esotérico de uno, la fiereza vocal de otros). Sus canciones, basadas en riffs machacones y en punteos; breves, más bien brevísimas (ninguna llega a los tres minutos, la mayoría no pasa de los dos) son sexuales e irónicas, violentas y algo cínicas, agresivas y envalentonadas. Sus textos son cachondones y estimulantes, y buscan reírse de todo ("Bin Laden Kids", "Boris Becker", "Llanos Sisters", "Mary Con Son", "Arturito Lizarazu", "Atahualpa Yupanki"). El conjunto es un disco pequeño, urgente y con una rara atracción, necesario para las noches oscuras, largas, violentas de las ciudades grandes. Sangrientos hacen música para noctámbulos y chulos, para putas y macarras, para bailongos y chorizos. Para todos nosotros. 
213  "THE HARD WAY"  TVT RECORDS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
 Regresa el perrito, vuelve Snoop. Sin duda el más malhablado -que ya es decir-, sucio, guarrete y peligroso Mc de toda la costa Oeste, Snoop Dog regresa a la escena mundial estrenando super banda, 213 en la que lo acompañan Warren G y Nate Dogg, sus viejos colegas de Death Row y esta vez sin el genial Dr. Dre, que ha sido sustituido por una gran plana de productores, desde Battlecat a Kanye West o Dj Pooh. "The Hard Way" es, por tanto, casi tan indispensable como cualquier disco de Snoop (exceptuando, quizá, el irregular "The Dogfather") pero mucho más rico; a las habituales rarezas de Snoop se une el flow más o menos amable, lleno de groove de Warren G y la habitual mala uva de Nate Dogg, a quien ya se echaba mucho de menos. Obra post-gansta en la que se mantienen las constantes argumentales (chicas, tiroteos, malos rollos, piscinas y sangre, drogas y mucho lujo) y sonoras (bases muy descriptivas, oscuras, casi góticas; arrebatos funk e interesantes voces de Rn´B) "The Hard Way" se une a D-12 (la banda de Eminem) como el segundo supergrupo oficial del Hip Hop actual, ofreciendo un gran repertorio. Desde el soul de "Absolutely" o "Lil Girl", la muy noir "Keep it Gansta" o el sintetizador old school de "Groupie Luv", al peligro que sobrevuela de "231 The Gansta Clicc" o en "My Dirty H*", quizá la canción más Dre del disco, esa extraña love song que es "Mary Jane" o el divertidísimo cierre de "So Fly", cuyo título le devuelve el guiño al genial Curtis Mayfield, en realidad padre de toda esta movida. 
Nadadora. EP "Aventuras dentro de cajas".2004
Por Fátima Carmena - IndyRock
Los gallegos Nadadora prepararan para este nuevo año 2005 su primer largo. Para hacernos una idea de lo que nos podemos encontrar, recurrimos a su EP "Aventuras dentro de cajas" (Jabalina, Agosto 2004). Letras en castellano y en gallego, dulces, profundas y meláncolicas. Ensambladas en unos ritmos perfectos y pausados que llevan a la evasión a quien los escucha. Ya sólo los títulos de las canciones nos indican el carácter de este grupo. En "Invierno contigo", la primera canción, encontramos una base electrónica en la que la voz de Gonzalo sumado a los coros de Sara, nos hace recordar las relaciones separadas por la distancia- no sólo geográfica- y la tristeza que envuelve "al que se queda".
Nadadora puede recordar a La Buena Vida, pero su carácter es diferente; quizá sea más difícil ver el parecido de los que parecen son sus referentes: The Delgados o The Velvet Underground. Pero desde luego se coronan como grupo con personalidad con la última canción "Outubro", un tema en gallego, algo que es difícil de encontrar en estos momentos si no hablamos de folk o boleros. Lo mejor es que el cambio de idioma no hace que pierda ni un ápice de sustancia en relación a las demás canciones de "Aventuras dentro de cajas".
Las canciones "La tarde gira" o "Mantas de ruido" siguen en la misma línea nostálgica con unas bellísimas letras cantadas a medias por Sara y Gonzalo. Efectos y buenas melodías se suman a letras llenas de significado como ocurre en "12:01 a.m." o "Pregúntame mañana", y todo en conjunto nos lleva a esperar ansiosamente el largo de Nadadora. No apto para amantes de rock duro o con tendencia a la depresión.
Bossacucanova: Uma batida diferente. 2004
por Antutxo Martinez - IndyRock
Cuando eran un joven gafotillas cogí la manía de leer los créditos de los discos. Aunque era una costumbre un tanto extravagante para un chaval de trece años (fui un gafotas precoz), la verdad es que le saqué partido enseguida. En primer lugar consigue uno darse fuste con fundamento y por otro, pues se entera uno de determinadas cosillas, como de que lo mejor de U2 tiene siempre que ver con Brian Eno, que pone a la gente en su lugar. De ahí a valorar lo que puede aportar un buen productor sólo hay medio paso. El caso es que la costumbre permanece, y coger un disco y lanzarme sobre el nombre de los músicos, el productor, el ingeniero de sonido el técnico de la máquina de café es todo uno. Siempre da una idea de lo que te vas a encontrar. 
Por eso, cuando me agencié esta Batida Diferente, lo primero que me llamó a atención es que en el diseño le dan mucha importancia a las colaboraciones, cosa que no suele ser habitual si no lo pones en portada. Aunque la verdad es que es para sentirse orgulloso, y cito: Jacques Morelenbaum (al que recordarán por su disco con su mujer y Riuychi Sakamoto), Roberto Menescal, Marcos Valle, Zuco 103, Celso Fonseca, Trio Morocotó, Simoninha o Adriana Calanhoto, por citar algunos. Nombres que quizá le dejan un tanto frío al consumidor medio, pero que todo aquel que haya mostrado cierto interés por la música brasileña en los últimos digamos 20 años, sabrá valorar convenientemente. Así que es normal que los tres Djs que forman Bossacucanova lo griten bien alto. Y se sientan orgullosos, tanto de los temas que toman prestados ('Esa moça tan diferente' de Chico Buarque, cantada por Simoninha, o el 'Vai Levando' de Caetano Veloso en la voz nada menos que del trío Morocotó), como de los propios ('Just a Samba', con Celso Fonseca, o'Queria' con Marcos Valle). Más aún cuanto tienen la deferencia, y la inteligencia, de adaptarse al sonido de los artistas que colaboran y que hacen que el disco vaya desde el peculiar sonido de los Zuco 103 más electrónicos ('Samba da Minha Terra') a la bossa más linda en Bom Día Rio (Posto 6), compuesta a medias con Nelson Motta,pasandopor la música de baile de la estupenda versión de ¿onde Anda Meu Amor' de Orlan Divo. 
Aunque no nos engañemos tampoco. La cosa de las colaboraciones no es casual. Bien mirado es casi un listado del catálogo de Ziriguiboom, el brazo brasileiro de Crammed Discs. Celso Fonseca, Marcos Valle, Orlan Divo, Zuco 103 y Trío Morocotó (como poco) han grabado de una manera u otra con este sello. Por que no conviene olvidar que, si la música es cultura hay que vender el producto para pagar las facturas. Y algo de eso hay en la batida diferente. Otra cosa es que el sello sean muy bueno y los Djs muy listos. Y lo son. Pero mucho.
Gerardo Frisina: 'Hi Note' En la pista del Jazz 2004
por Antutxo Martinez - IndyRock
Desde de que a la generación de Miles Davis se le ocurrió la feliz idea de coger el Jazz y acercarlo a la gente con el mítico 'Kind of Blue', todo jazzman que se precie, y que no sea un gafotas insoportable, ha sabido interpretar el mundo en el que ha vivido e interpretarlo a través de su música. Con la llegada de la tecnología, el Jazz ha salido de sus cavernas en forma de clubs llenos de humo de cigarrillos y gafas cuadradas para echarse unos bailecitos en la pista haciéndose, de pronto, inteligible para toda una generación que ni tiene muy claro quien es Cannonball Adderley ni le importa demasiado. 
Artífices de este desperezamiento hay a patadas y para todos los gustos, cada uno con su propuesta y su propia manera de entender lo anterior que es, precisamente, lo que ha hecho de este tipo de música una de las vanguardias musicales desde finales de los 50.
 En esta ocasión se trata del Dj y productor italiano Gerardo Frisina que, con su segundo trabajo, 'Hi note', se acerca sin ningún miedo al jazz latino que va desde cuba a Brasil, recorriendo un espacio musical que, no por estar sobradamente poblado de magníficas propuestas deja de ser interesante. El principal atractivo del italiano es que sabe conjugar el sonido clásico a lo Stan Getz, con sonidos limpios de saxo y voces al más puro estilo crooner, ('Beyond the moon', con Alan Farrington)) con estéticas de drum and bass, por ejemplo, ('Intenso'), y bases rítmicas que podrían caber en un tema house ('Zambele', muy africano por momentos). 
Editado por su propio sello, Schema Records, una referencia fácil a su sonido podría ser la del francés St. Germain, aunque el italiano desarrolla mejor los temas y utiliza de una manera más sabia los samplers, prácticamente sólo reconocibles en Saeta 03, que sirvió de anticipo al disco. De esta forma, el trabajo se presenta desde un punto de vista acústico, donde los protagonistas son los instrumentos, dejando a la electrónica como maestra de ceremonias en un segundo plano donde se mueve con sutil libertad, dirigiendo el sonido para que no pierda el gusto a Jazz de los sesenta cuando se acerca a las propuestas de baile más actuales, sobre todo al principio del disco ('Joyas', por citar un tema), demostrando algo por lo demás bastante asumido: que la electrónica no tiene ni mucho menos por qué ser fría. Muy cuidadas las líneas de bajo (impresionante el comienzo de 'Inviolatin', tema que abre el disco, imposible estarse quieto), que arropan el protagonismo del piano en los primeros temas, y que va pasando hacia los vientos mientras se desarrollan los doce temas que forman el álbum. 
Destacar las colaboraciones, habituales en este tipo de trabajos, donde unos se alimentan a otros para disfrute del que escucha, en particular las de Luigi Bonafede (piano), Andrea Dulbeco (vibráfono), y Emmanuel Cisi (saxo), en la mejor línea de los jazzmen que no hacen ascos a los avances tecnológicos que supongan dar un paso adelante en un estilo de música que, pese a quien pese, tiene que estar siempre por delante de todos buscando nuevos caminos por los que crecer (esta es la palabra clave). El movimiento es vida, seguro que lo dijo antes alguien, y el jazz no sabe estarse quieto. 
Cibelle: (2004)
por Antutxo Martinez Ariza - IndyRock
Lo que hace de Brasil un país musical es que es capaz de dar cabida a gran cantidad de artistas que poco tienen que ver entre sí pero que conforman una identidad cultural propia en la que, de uno u otro modo, unos se influyen a otros. Quizás sea por eso que de vez en cuando, y sobre todo últimamente, nos llegan artistas brasileños que no dejan de sorprender con sus propuestas. Con sólo 25 añitos, Cibelle se perfila como una de las apuestas brasileñas más importantes en la escena musical. De la mano de Ziriguiboom (un sello con un catálogo de lo más interesante) y apadrinada por el malogrado Suba, para el que ponía voces en su Sao Paulo Confessions, Cibelle se acerca a sonidos acústicos dentro de un contexto electrónico, y me explico, utiliza efectos y samplers sin prescindir de los músicos, dando forma a un trabajo que deambula entre los medios tiempos y las baladas, cercano a Zuco103, por ejemplo, pero más intimista, o al 'Tanto Tempo' de Bebel Gilberto (también producido por Suba), pero más atrevido. Como suele ocurrir en este tipo de artistas las etiquetas se le quedan pequeñas, y aunque 'Hate', pueda incluirse dentro de lo que se ha denominado Nova Bossa Nova, 'Waiting', por ejemplo, huye de esa categoría y se acerca más a un jazz actual, mientras que 'Luisas' (qué alguien me explique que pinta esta canción en un disco, por lo demás, estupendo) recuerda a Britney Spears. 
 El resultado general es un disco muy completo, para escuchar muchas veces en distintas situaciones, siempre con la idea de ir a disfrutarlo. Muy brasileño cuando conviene (So sei viver no samba), con medios tiempos a tres por cuatro (Waiting, una canción para escuchar una y otra vez), arreglos electrónicos por todas partes (Train), baladas tristes en las que la voz de Cibelle reina de modo absoluto (I'll be), temas de base inconfundiblemente jazz (Inútil paisagem), y  para compensar este intimismo y bailar un poco, una samba como No prego. También guarda un sorpresa, uno de estos extra tracks que suenan media hora después de haber acabado el último tema y que el lector no marca, un tema de jazz años cuarenta, grabado con sonido de maqueta y francamente divertido.
En definitiva, se trata de la presentación de una artista que tendrá mucho que decir en los próximos años y a la que habrá que estar especialmente atentos. La penúltima prueba de que la música brasileña es mucho más que bossa nova y que goza de una salud que ya quisiéramos a este lado del Atlántico.
Marc Parrot: Dos Maletas llenas de canciones.
por Antutxo Martinez - IndyRock
Aburridos de esperar nos tenía Parrot, que ha dejado pasar tres años desde su Rompecabezas antes de decidirse a entrar de nuevo en estudio. Y es que este Rompecabezas resultó ser uno de los discos más interesantes del año, en el que el catalán demostraba que, más allá de anuncios de móviles y personajes, sigue siendo una de las mentes más retorcidas y oníricas de una escena, la patria, muy cargada de propuestas insustanciales. La pregunta en estos casos siempre es por dónde iba a tirar después. Y de ahí la impaciencia claro.
Se lo ha tomado con calma, eso es cierto, se ha rodeado de amigos y antiguos colaboradores, (destacar a Marc Ribot) sin caer en lamentación de revisitar caminos que ya había recorrido antes. Porque Parrot es un tipo muy listo, y lo mismo que le sacó partido a una broma para sanear la cuenta corriente, sabe lo que quiere hacer y lo hace. Cuida los detalles para que todo sea como debe ser. Por ejemplo el sonido, que es lo que primero llama la atención de este cuarto trabajo. Suena muy seco, muy directo, muy cercano, y luego se entera uno de que lo han grabado al aire libre en una masía. ¿El motivo? Evitar las reverberaciones. Y uno se da cuenta de eso desde los primeros acordes de 'Dos Maletas',tema que abre el disco, y en el que se hace un inventario de lo que puedes encontrar en el disco, una declaración de intenciones en la que caben recuerdos de niño, bigotes postizos, fuegos de artificio, piedra papel y tijera. Cosas que no valen nada, pero que tienen mucho valor.
Opta para todo esto por un sonido mucho más acústico, arropándose en una banda excelente, y dejando las programaciones para 'Mientras duermo' sobre todo. Sigue con las guitarras distorsionadas, que le gustan mucho, pero incorpora la guitarra acústica y la eléctrica limpia, con reminiscencias incluso jazz en los arreglos. Incluye también teclados, arreglos de cuerda y hasta un acordeón (Invierno, una letra tremenda), que aumentan los horizontes musicales sin perder por ello la presencia de la peculiar mente de Parrot.
Porque con el tiempo, las letras han ido ganando en fuerza, y si siempre fueron una de sus señas de identidad (entre lo onírico y lo surreal, entre la magia y la ternura), en 'Dos Maletas' están más trabajadas que nunca, dando forma a un lugar honesto y sincero (Berta), sin perder de vista su mundo particular (Tesoro de Chatarra) y la peculiar manera de decir las cosas más sencillas (Contaré hasta mil). Todo en un aire de pop-rock desquiciado, que se disfraza de cabaret (Mañana), o se pone tierno (Berta, qué bonita canción), cuando viene a cuento.
 Un disco más maduro, que no adulto, en el que el Loco que se convirtió en niño, resuelto el rompecabezas, coge sus dos maletas (o las suelta) para guardar la lluvia. 
Bishop: Electrónica Eléctrica.2004
por Antutxo Martinez
Sólo el título de la maqueta de Bishop (It's full of Stars) y el diseño de la portada (un atardecer eléctrico en el campo) da una buena idea de lo que te vas a encontrar a lo largo de los siete temas que contiene: un pop-rock un tanto oscuro con sus luces y sombras. Afortunadamente, las luces son más, porque lo cierto es que suenan muy bien pero, ¿a qué? Desde un techno rock como el de Shevil, en el que las programaciones lo son todo, hasta el 'intento post pop rock' de Swap File (un muy buen tema, cargado de fuerza), el principal pero que se le puede poner a su trabajo es que no optan por una camino definido, si no que da la sensación de querer tocar muchos palos. La parte buena, es que todos los que tocan lo hacen con bastante solvencia. 
En general suenan muy británicos, gracias a la personal y sugerente voz del cantante. Pale Blue Dream (que ellos definen como una electrobalada), por ejemplo, pasa de ser una balada grandilocuente a convertirse en un tema pop en cuanto hacen aparición la guitarra y la batería, ganando enteros, por cierto. Por que eso sí lo hacen muy bien, y ahí suenan mucho más compactos. Durante la comunión de la electrónica y electricidad, Bishop da lo mejor de sí mismo. No es sencillo conjugar la electrónica con las guitarras eléctricas, y más si uno está haciendo pop, sin caer propuestas que están demasiado asumidas para sorprender. Hay ocasiones en que Bishop lo consigue, como en James Bond Song, donde la voz suena grandiosa con su pose glam y las programaciones se ponen al servicio de una música con identidad propia, completando su sonido y generando un contexto en el que las guitarras pueden desarrollarse de un modo controlado. Sin que, además, por eso deje de sonar a pop inteligente. 
 Con un sonido bastante cuidado (bendita tecnología), los franceses no saben muy bien qué camino tomar y, en cuanto se decidan, no cabe la menor duda de que tendrán muchas cosas que decir. Porque habilidad no les falta, es sólo tiempo. Que se concentren las estrellas.
http://bishop.band.free.fr y para telecargar nuestra maqueta, http://bishop.band.free.fr/demo.htm
Los Amigos Invisibles. 'Venezuelan Zingason' 2004
por Antutxo Martinez
Desde que en 1995 los Amigos invisibles publicaran A typical and autoctonal Venezuelan dance band, han venido desarrollando una muy particular manera de entender la música. El secreto consiste en que la única intención del grupo venezolano a la hora de meterse en un estudio o subirse a un escenario es pasarlo bien y hacerlo pasar bien. Vamos, lo que se dice música hedonista, y para ello dan rienda suelta a un sentido del humor descarado y bacilón, enfocado casi exclusivamente al noble arte del ligoteo.
Pero esto no debe entenderse como una falta de calidad musical, más bien al contrario. Los Amigos Invisibles han ido creciendo disco a disco, para plantarse en este su cuarto trabajo en San Francisco, acompañados del mismísimo David Byrne, y ponerse en las manos nada menos que de Little Louie Vega, la mitad de Masters at Work, que revolucionaron el panorama de la música latina en 1997 bajo el nombre de Nuyorican Soul. El buen hacer de Vega se nota a lo largo de todo el disco, en ocasiones hasta demasiado (Gerundio y Ease your mind que se mueven por el ambiente del house latino), dando lugar a un Venezuelan Zingason que se acerca al funk en Superfucker, al disco en Una Disco Llena, al ultralounge (Comodon Johnson),  al son cubano en Esto es lo que hay, a la bossa en Playa Azul y adopta apariencia de combo latino en Calne, para cantar 'Todo lo que se mueve es calne/ y la calne es placer', lo que da una buena idea de por dónde van los tiros. Teniendo esto en cuenta no es de extrañar que los puedas encontrar en las secciones de techno, house, Pop-Rock, latin jazz o funk de las tiendas. Las etiquetas se les quedan pequeñas aunque eso sí, todo el álbum suena muy latino y muy bailable, para gastar suela en las mejores discotecas mientras no dejas de sonreír escuchando las letras.
Son irreverentes, socarrones, simpaticotes y excelentes músicos. Consiguen una frescura muy de agradecer no haciéndose mucho caso y prefiriendo mirar el ombligo de las prójimas que el propio. Los perfectos invitados de cualquier guateque sideral y comedidamente hortera (confiesan que les encantaría tocar en la gala de Miss Universo), que animarán con sus ritmos bailables y calientes mientras aprovechan los descansos para tirarle los tejos a todas las invitadas. www.losamigosinvisibles.com
B.S.O. Lost in Translation
por Violeta Kovacsics
Noche de borrachera en un karaoke japonés, Bob Harris (Bill Murray) entona "more than this, you know that there is nothing" de Bryan Ferry. Al otro lado de su mirada una joven Scarlett Johansson, que viene de cantar Brass in my pocket de Pretenders. Las miradas se cruzan y la música deviene un tercer personaje, las palabras que nunca serán puestas en las bocas de los protagonistas. Tras su aventura con los franceses Air en las Vírgenes Suicidas, Sofia Coppola cambia de partenaire. Para Lost in Translation la hijísima ha contado con la colaboración de Kevin Shields, que compone una banda sonora romántica y soñolienta, marcada por la deslizante guitarra del exlíder de My Bloody Valentine, que deambula por Tokio al ritmo insomne de los protagonistas. La directora no olvida por eso al dúo francés y a ellos y su Alone in Kyoto (incluido en su último álbum Walkie Talkie) les cede el pasaje en el que el personaje interpretado por Scarlett Johansson se pierde entre la tradicional, bella y menos urbanita Kyoto, donde Air suenan como ligeras y estilizadas gotas de agua. Como ya ocurriera en la banda sonora de su opera prima, Sofia Coppola combina las creaciones originales para el filme con la incursión de canciones que describen la atmósfera y personajes que habitan en él. Así se incluyen piezas como Just Like Honey de The Jesus And Mary Chain, Sometimes uno de los pilares del Loveless de My Bloody Valentine o la reciente Girls de Death in Vegas, cuyas guitarras y voces etéreas se erigen como el acompañamiento ideal de dos extraños en la ciudad nipona de las luces de neón.
Southkill  `SOUTHKILL´ NFI
por Fernando Navarro- IndyRock
 Pocas veces se ha escuchado un comienzo tan violento, tan inquietante, tan radical, en el reciente panorama del ya cansino, repetitivo post-rock (fenómeno que se está aniquilando asimismo y que comenzó como una manera intelectual y apasionante de subvertir las normas del rock) como el de `In the Balance´, la pieza que abre `Southkill´ el disco homónimo del dúo formado por el neocelandés Jason Kerr y el neoyorquino John Dudley. Disco de ambientes, de metáforas, que busca más que conmover, emocionar o divertir, impactar, inquietar, horrorizar. Se propone Kerr y Dudley, para los más de treinta y seis minutos de música de `Southkill´ un viaje hipnótico y peligroso, una bajada a los infiernos siguiendo una carretera sinuosa, llena de curvas, mal asfaltada que conduce a un mar nervioso, lleno de olas, que quiere tragarnos. Después de los seis minutos de horror de `In the Balance´, aparece una voz susurrada, apenas perceptible que nos lleva a momentos inabarcables (las guitarras suicidas de `Do you always act that way?´, la tensión insoportable, plagada de increscendos de `Horizon at Aramoana´, la tramposa fragilidad de `Bridges designed to collapse´) que culminan en `Crystalline structure (come on John, take me higher)´ cuyo título conduce a engaño: la cristalina estructura de la que habla es, me temo, no la de la canción, sino la de nuestro cuerpo, que ya hundido en el fondo del mar, va deshaciéndose con la facilidad con la que se rompe el cristal. Allí, bajo el mar, muertos, acaba nuestro viaje. 
The Frequency  `THE FREQUENCY  NFI
por Fernando Navarro- IndyRock
 Proyecto en solitario del Trans Am, Sebastian Thomson (que se sirve de la ayuda de otros músicos como Aaron Claxton, Jon Warnock o Rob C) The Frenquency vienen a unirse al reciente fenómeno del dance rock, movimiento supermoderno entre petardo y comprometido (con especial querencia por la militancia anarquista) que reivindica los desfases sonoros, los excesos formales de gente tan dispar como Gang of Four, Public Image Limited o Duran Duran y en el que se encuentran inmersas bandas como Liars, Radio 4, los incorrectísimos Electric Six o, en su vertiente más pop, los británicos Franz Ferdinand, sin que, en realidad ninguno tenga mucho que ver con los demás. Disco, por tanto, de guitarras con el centro de gravedad en la pista de baile, de electrónica perversa y hedonista, guitarras desquiciadas y ruidistas, `The Frequency´ es una obra creada por y para weekenders (anglicismo que remite al eterno vividor de fin de semana), un disco que entre los arrebatos de rock bailongo y guitarrero, sucísimos (abre la función `You´re The Perfect Size´, le siguen la estupenda `Erasing Myself´, el trallazo hard rock de `Moonburn´, la estupenda `Tell Me´, quizá de las mejores del disco, o el engañoso funky de `Music As Entertainment´) encuentra momentos de calma inesperada, tonteando con el electro pop más inofensivo, sedoso, pensado para los espacios muertos en las discotecas, para los besos y los bajones (`Stop It´ o `Zapatos Blancos´ escrita en español) que, finalmente, acaba sumiéndose en la oscuridad preindustrial de Front 242 (`Allnite´, con el estupendo saxo desquiciado de Julian Thompson, ese bajo a lo Peter Hook de `Own Me´ o la abstracción techno de `Chicas´, segunda del disco escrita en español) para culminar con el himno `No Control´ en el que, The Frequency, invitan, sin rodeos, a perder los papeles, la cartera y la cabeza mientras, como un derviche, no se deja de girar, llevado por esta música que une a las más perversas de las músicas. El rock y el baile juntos para siempre. 
Top Models  `TOP MODELS´ BIP BIP RECORDINGS
por Fernando Navarro- IndyRock
 Parece grabado de un tirón, en un local oscuro, lleno de humo, en las afueras de cualquier ciudad industrial (de este o de otro país). En él, hay una banda en estado de gracia (un trío en realidad, ayudado por algunos amiguetes) haciendo lo que probablemente sólo saben hacer, Rock. Es, también lo más probable, que no haga falta hacer más. Disco de rock pensado para que anochezca en él, `Top Models´ es una obra que produce una empatía inmediata y que no vacila a la hora de reconocer sus referentes, que son los que tenemos todos, imagino, cuando cogemos una guitarra, Bob Dylan, Neil Young, Keith Richards, Joe Strummer o Los Ramones, y los admite, los tolera como su fueran parte de su propia sangre, como el alcohol o la nicotina. El rock, amigos, es así, forma parte de uno hasta que consigue lo que quiere, hasta que lo exprime, hasta que deforma la mirada de tal manera que ya no se pueden ver las cosas de otra forma. Así, en este disco de rock para amantes del rock, un disco de debut que no lo parece (algunas canciones parecen revisiones de  clásicos) nos encontramos con blues pantanosos, terribles (el arranque con `Girl from out of town,  o la genial confesión de `Born In The Sixties´, sincerísima) con power pop y punk anfetamínico (`A-D-A (Come My Way)´ con himnos casi new wave que remiten a los recientes Strokes (`Borrowed Time´) y, finalmente las, para mí, mejores canciones del disco, curiosamente las dos únicas en español, la reflexiva `Otra Carretera´, y la rabiosa `Tú me lo puedes dar´ que junto con la excelente versión de Dylan (donde brilla el pedal steel de Paco Loco, también productor del disco) redondean un disco de rock sin pretensiones, ajeno a las modas que tanto daño han hecho a la música popular en estos primeros años de siglo.
Courtney Love, America´s Sweetheart Virgin 2004
 PARA SOÑAR
 por Juan Gallardo - IndyRock
Los trayectoria de Hole merecería, para un servidor, figurar entre la de los grandes grupos americanos de los 90 junto a Nirvana, Pearl Jam o Smashing Pumpkins, pero no encontraremos a Hole en una supuesta enciclopedia del siglo que viene, como tampoco encontraremos a Porno for Pyros, pero nunca nos ha importado demasiado que nuestros grupos favoritos tengan un éxito masivo, la verdad. Bastante desapercibido está pasando, como cabía esperar, "America's Sweetheart", el primer disco en solitario de Courtney Love, últimamente más noticia por estos lares por razones extramusicales. Courtney, a pesar de sus conocidos excesos, no pierde la seriedad a la hora de componer y grabar, prueba de ello son las 12 joyas que contiene "America's Sweetheart" un disco que es puro rock desde las entrañas, canciones directas al corazón de una intensidad arrebatadora,  híbrido perfecto de los dos grandes discos de Hole: "Live Through This" y "Celebrity Skin". No lo voy a negar, no me esperaba tanto y eso que me esperaba mucho: cada canción te captura tras la primera escucha, y es que Courtney usa sus mejores armas: distorsiones, letras y sobre todo: voz, tan destrozada, sucia y sincera que te pone los pelos de punta. Siempre me pasa igual, cuando estoy a punto de perder la fe llega a mis oídos un disco de esta categoría, mientras siga habiendo corazones rotos como el de Courtney dejándose la piel frente a un micrófono la seguiré manteniendo.
CUBE `THE SKIN I LIVED´ CYDONIA RECORDS
por Fernando Navarro- IndyRock
 Cercanos al concepto de metal hipnótico, que alterna las violentas sacudidas con la insoportable tensión rítmica, de Tool o A Perfect Circle, Cube, quinteto catalán formado por ilustres ex de ilustres bandas de metal inquieto como All-III, Abraxas o Uziel (y que toman su nombre, imagino, de aquella película asfixiante y opresiva en la que un grupo de hombres deambulaban, perdidos, entre los peligros de habitaciones exactas, dentro de un gran cubo) debutan con `The Skin I Lived´ un disco que arranca con el nerviosismo de `1´ (no se engañen, en `The Skin I Lived´ es tal la propuesta de la banda, que las canciones no tienen ni siquiera nombre, acaso unos números les bastan para nominarlas) y que, a partir de ahí, sigue hacia delante en una carrera que los lleva hasta desafiar la razón, la cordura del oyente desprevenido. Narración a medio camino entre el horror, la ciencia ficción (la recurrente imagen de un astronauta perdido, "the godless pilot" lo llaman ellos, es lo primero que vemos en cuanto abrimos el libreto) y el drama metafísico (pues mucho hay de conflictos divinos en los acordes de `The Skin I Lived´) el debut de Cube es un disco que apasionará a quienes disfrutan con el dolor, a aquellos que saben, porque lo han vivido, que la vida, la tierra, es mucho más de lo que vemos. Y que se esconden, en cubos exactamente iguales, los unos a los otros, formas, imágenes, seres que no queremos ni imaginar que existan.

KIDSGOFREE  `KIDSGOFREE´ UNDERHILL RECORDS
por Fernando Navarro- IndyRock
 Debut homónimo de este jovencísimo y misterioso cuarteto, `Kidsgofree´ es una obra en ocho capítulos sobre el desconcierto emocional de una generación (aquella que vivió el (re)nacer de la cultura independiente, estudiantes y parados en su mayoría y que ahora bordea la treintena) narrado con tal convicción que consigue trascender su público y tocar incluso al que aún es ajeno a esa generación, incluso al que la ha superado; siendo así una obra sobre cualquier generación perdida (y ha habido unas cuantas en el ya pasado siglo veinte). Hay, en `Kidsgofree´, argumentos suficientes para condicionar, justificar su escucha (unas guitarras afiladas, el nivel justo entre rabia, desconcierto y entusiasmo, unos textos impecables, escritos en inglés con bastante solvencia), donde se esconden canciones tan estupendas como la genial `Pennsylvania´ que abre el disco, la entrecortada y cortante `Without Light, Night´, la reflexiva `Time Decides´, casi seis minutos en que la tristeza se apodera de las guitarras, o `A Room Without A View´, mi favorita del disco, con esos imperceptibles y melodramáticos arreglos de cuerda y con cuyo título, Kidsgofree parecen mandar un saludo a los madrileños A Room With A View, quizá la más sorprendente banda de emo que hay actualmente en el país y con la que este cuarteto, quiere competir en su propio terreno. A saber, ese en el que las guitarras, los alaridos, la rabia y el dolor se encuentran con la melancolía, la nostalgia, la tristeza y, en último lugar, la belleza.

LE PETIT RAMÓN & TERRORISTA  `AMB LES FILLES DEL DOLOR´ CYDONIA RECORDS
por Fernando Navarro- IndyRock
 Le Petit Ramón es un inclasificable personaje de la escena barcelonesa que debuta con este divertido, irónico y malintencionado álbum homónimo en el que se hace acompañar de Les Filles del Dolor. Cantautor rockista, polémico y mordaz en sus textos y bastante atrevido, Le Petit Ramón ha grabado un disco en el que se dan la mano la vieja tradición de cançó catalana (con Pau Riba o Sisa a la cabeza, y también reivindicada últimamente por Refree en su excelente `Nones´) y el punk tragicómico de los Sex Pistols con músicas más abstractas (la música de mobiliario de los franceses o la exuberancia melancólica de los ritmos latinizantes como la bossa nova o la salsa). Así en `Le Petit Ramon & Terrorista amb l´a acompanyament estel.ar de Les Filles del Dolor´, que es como se llama el disco, se encuentran, musical y textualmente  mil temas distintos. Desde el cochino dinero en la inicial `Supérbia´ a la divertida revisión en clave latinizante del angst de `Angoixa´, del homenaje no disimulado a Parálisis Permanente y sus miedos a lo Poe en `Catalepsia´, al ingenuo techno pop de `Plasta´ donde echa en cara a alguien lo pesadísimo que es, llegando así a la estupenda, violentísima `Tallar-se el coll´ o ese cierre maravilloso con la sentida `Ens fem grans a BCN´ donde se atreve Le Petit Ramon con una reflexión final, no por madura y seria, menos sorprendente: "ya no somos niños", dice. Hay, además, en este sorprendente disco, hueco para las excentricidades más delirantes escuchadas en años (`J´aime la Tour Effiel´, esa carta de amor, en francés y español, al símbolo del libertinaje, la torre Eiffel, de la que llega a decir que le gusta "para lanzar a tus hijitos al cielo, cuando lloran toda la noche y estoy contigo" o la imposible `Vieni´ donde conviven Satie, la batería que abría `Modern Love´ de Bowie y un niño desquiciado hablando de raciones de gambas y cosas así). Lo que hay en este disco, sin duda, no lo van a encontrar en otros. Lo prometo.

THE LINN YOUKI PROJECT  `THE LINN YOUKI PROJECT´ CYDONIA RECORDS
por Fernando Navarro- IndyRock
 No es un disco al uso este que edita ahora, sorprendentemente para el que esto firma, el interesantísimo sello catalán Cydonia Records, responsable, de entre otras alegrías, de que `Long Knives Drawn´ de Rainer Maria y `Highly Refined Pirates´ de Minus the Bear hayan llegado a España y de que los discos de Madee vean la luz. No es al uso porque, para empezar, son dos discos. Por un lado uno que se oye, del que ahora hablaré, y por otro un DVD de acompañamiento, que sirve para ilustrar, de algún modo, la propuesta multidisciplinar, modernísima y sofisticada del proyecto capitaneado por Marco Morgione, personaje inquieto, ex miembro de Fluzo y también bajista de Glissando. No me corresponde, por ahora, valorar las imágenes contenidas en el DVD (no ejerzo, ahora, de crítico de cine, sino musical) y sólo diré que son un divertido, a veces estupendo complemento para lo que de verdad nos ocupa aquí: las canciones de `The Linn Youki Project`, el disco. Tratado de post rock que no descarta los teclados y que practica, sobre todo, el arte del collage mediante el uso del sampler (pregunta malévola sin malicia: ¿por qué todas las bandas de post-rock usan normalmente samplers en francés? ¿Qué demonios pasa con el español?) `The Linn Youki Project´ es un disco extraño que oscila entre la experimentación formal y las guitarras hermosas y melancólicas (que tanto gustan en Cydonia), una obra madura y reflexiva sobre los hábitos de la soledad (a esta idea contribuyen las peliculitas de dibujos animados autistas del DVD) que entre canciones redondas (la que abre el disco, `Dove?´, la estupenda `¿Dónde has estado durante las últimas semanas?´, la muy emo `Partenope´, el momento rockista de `Cosmo Cronopio´, el vocoder de `Zweig´ o la esquizoide, con ese jugueteo free jazz `Enki Bilal´) crea en el oyente el estado de ánimo que se busca (la soledad de la ciudad moderna) y que, virtud para el disco, requiere de varias escuchas para percibir con nitidez la intención que subyace, demoledoramente divertida, frívola me atrevería a decir, e intensamente cool de sus creadores.
Arkanoid "Polyester" Cydonia Records 
por Fernando Navarro- IndyRock 
 De ser un subgénero minoritario (al menos en nuestro país) del también minoritario hardcore, el emo (vertiente pop afiliada e hiperdramática del mencionado hardcore, cercana al rock independientede guitarras) se está convirtiendo en todo un género mayúsculo en España y probablemente el que más bandas interesantes está aportando al panorama independiente que van deslumbrando disco a disco y madurando como pocas bandas indies lo haacen, siempre avanzando en la creación de un lenguaje musical propio, creíble y atrevido( así ocurrió con A Room With A View, una de las más valientes bandas de rock nacionales o con los siempre misteriosos Maine, maduros y difíciles en su segundo largo). Uniéndose ahora a la primera división del emo, Arkanoid (cuarteto de Castellón) debutan en el sello Cydonia Records con "Polyester", disco clarísimo de emo con connotaciones pop y melodías rabiosamente dramáticas que alcanza grandes momentos ("Polyester", "Lazarus", dos de las mejores canciones del disco) que rozan con la belleza total (la a ratoss conmovedora y a ratoss inquietante "Julie Andrews" quizá la canción más desconcertante del disco, con ese título) y que, gracias a los textos, escritos en inglés por el guitarrísta foráneo Gavin Brenes, hacen que las canciones de Arkanoid no parezcan, ni de lejos, canciones primerizas ni inmaduras, más bien al contrario, en la notable construcción de los temas, y en el conjunto de disco coherente que tiene "Polyester" se esconde una banda que ha sabido jugar su primera partida con aspecto de veteranía. 

La explosión del pop nipón: Rhythm Fantasy / The Penelopes Vaudeville Park 
por Fernando Navarro- IndyRock 
 En Japón (lejano, apasionante país de férreas tradiciones y vida velocísima) el pop ha ido abriéndose camino para convertirse, hoy por hoy, en la música más escuchada en la capital, Tokio, donde ya forma parte del colorido paisaje de luces, de contrastes del país. Nos llegan ahora dos referencias del pop japonés de la mano del sello Vaudeville Park. 
 Rhythm Fantasy  son un dúo formado por dos chicas (Marilyn Lo, neoyorkina de madre japonesa y Reiko Nishida, cien por cien nipona) que en su minielepé, World 2003, el segundo disco en su carrera tras "melody Garde" parcticam un pop electrónico ingenuo y divertido, a veces relamente conmovedor (conmovedoras son las siete cancioncitas de amor y desamor que se incluyen, todas tocadas por la magia de la melodía) que se defiende con un para de teclados, un sonido casi en mono y una referencia muy clara ( el pop-pop de los cincuenta) que componen un creíble, cercano a pesar de las distancias, fresco sobre las relaciones amorosas en el Japón actual. Un Japón, si me permiten la reflexión, postmoderno y frívolo, occidentalizado, muy alejado ya del mítico país forjado por samuráis o de la poderosa nación imperial asolada por completo por la guerra. La transformacion de Japón a ritmo de pop bobo y divertido. 
 The Penelopes, por su parte, son un veteranísimo trío de pop chicle liderado por geniecillo Tatsuhiko Watanabe, también descubridor de Rhythm Fantasy y autor de casi todos los temas de "Eternal Spring", el sexto disco de la banda. En este nuevo disco encontramos pop mono-aural con referencias claras al beat británico, al flowe power de los hippies o a las posteriores lecturas que sobre el pop se hicieron en la new wave (Las ejecutadas por los nuevos románticos o. incluso, por los siniestros) Disco sobre el paso del tiempo, sobre la gente que nos vaamos cruzando en nuestra vida, sobre esa primavera eterna que reza el título, en "Eternal Spring" hay algunas estupendas canciones, lo es la que lo abre "Vehicle", la muy reconocible "Heart and Soul", la casi siniestra "From Head to toe", una de las mejores del disco, el reflejo de la soleada California en "Girld With a Golden Heart", el sonido rocksteady de "Twinkle in the Rain", o los cuatro minutos de confesión amorosa de "Split Milk", la canción que cierra este curioso recorrido por el pop en todas sus formas y estados, ejecutados por una de las más importantes bandas del lejano país del sol naciente, el país del pop naciente. 
Rainer María "Long Knives Drown" Polivinyl /Cydonia Records 
por Fernando Navarro- IndyRock 
 Veterano trío de Wisconsin liderado por la apasionate, controvertida y agudisíma personalidad de Caithlin de Marais, una riot grrrl disfrazada de poetisa del emo, Rainer María, han pasado de la juvenil ingenuidad y rabia de sus primeros trabajos a la sencillez, la precisión y la emoción enfermiza de este maravilloso "Long Knives Drown", un disco brillante, dramático, conmovedor; para quien esto firma una discreta obra mayor disfrazada de disquito independiente. Así, usando como referente, como guía, la obra y la vida del poeta alemán del que toman el nombre (un Rainer María Rilke que ultimamente está adquiriendo la altura mediática de Rimbaud o Baudelaire, los poetas oficiales del rock y la juventud) Rainer María son una banda de rock furiosa y agresiva, con unos textos que siempre suenan inteligentes, jamás forzados, con unas guitarras hermosísimas, al borde del colapso (la urgencia de "Mistery and Misery" que abre el disco, la ternura casi folk "The Awful Truth of Loving", donde se atreven a sonar a una versión mil veces electrificada de los célebres 10.000 Maniacs), con arrebatos violentísimos que parecen caricias (la guitarra imposible y repetitiva, la voz siempre en estado de gracia de Caithlin en "Long Knives", la épica urbana de "Floors") o trallazos de punk sedoso y desconcertantes ("Ears Ring, quizá la mejor canción del disco o la maravillosa "CT Catholic", una canción de ira y religión que revive en el oyente de los primeros temas de los REM) atreviéndose a cerrar su disco de rock con una canción bellísima, una concesión a la hermosura sin etiquetas: "Situation: Relation mi favorita del disco, una mirada limpia y sin ira (curioso, cuando ha girado en torno a la ira) a una relación destrozada, rota y que, creo justifica, por si sola, la escucha de este disco. 
Nacha Pop - DVD Un día cualquiera .. Visiones del Ayer 
por Hugo Narrillos Roux 
La iniciativa de RTVE de rescatar de sus archivos documentos musicales es de agradecer. Y más si empiezan con Nacha Pop, lo que parece ser el primero de muchos, recopilatorio de actuaciones, entrevistas, maquetas, opiniones de críticos, .... Insisto en que se agradece porque hasta hace escasos 10 años RTVE vendía series de televisión o programas pero a precio de oro. 
El DVD es bastante representativo de la carrera de Nacha si bien se echa en falta un orden cronológico de la documentación . El disco consiste en actuaciones en directo (las menos), playbacks (las más), entrevistas (muy cortas o cortadas). Enfín, que a los entendidos les parecerá escaso y a los que no un buen documento. 
Antes de cada una de las canciones o entrevistas hay una presentación o comentario de un crítico musical. Son válidas, porque conocieron bien al grupo, las de Diego Manrique, Tomás Fernando Flores o Jesús Ordovás, pero no parece correcto que RTVE tenga que recurrir a otras personas que estuvieron totalmente ajenas al grupo para hablar de un grupo al que conocieron más que tangencialmente. No se entiende que la actuación en el "Homenaje a Canito" esté cortada, como también lo está la entrevista que Miguel Ríos hace a Antonio Vega. Tampoco tiene mucho sentido que una canción esté hecha de retales de dos actuaciones distintas (lo que sucede en al menos dos ocasiones ...). O que haya se repitan varias veces "Chica de ayer" y "Antes de que salga el sol". También se echa en falta más actuaciones en directo, y canciones que incomprensiblemente se han dejado fuera como "Una décima de segundo". 
En resumen, un buen documento (esperemos que el primero de muchos) con algunas e importantes deficiencias, pero que traerán a la memoria canciones maravillosas de un grupo que ha marcado una de las épocas más brillantes de la música pop española. 
Congelador  `Cuatro´ Astro Discos 2003
por Fernando Navarro - IndyRock
Desconocidos hasta ahora en nuestro país, Congelador es una banda chilena que edita (como su propio nombre indica) `Cuatro´, su cuarto disco y el primero en llegar aquí gracias al sello Astro. Disco de pop sórdido e hipnótico al mismo tiempo, con un sonido como drogado, sonado (punch drunk que dirían los anglosajones y los amantes del boxeo) `Cuatro´ es una obra de otro tiempo, casi retro que tiene como sus mayores virtudes el irresistible encanto de la torpeza, la credibilidad y la honestidad de una banda a la que imaginamos joven, que no pretende, ni por asomo, sonar grande o monstruosa. Una banda que, más bien al contrario, suena pequeñita y ruidosa, colocada, emocionada, y conmocionada por la vida y las drogas; una banda y un disco que contiene, en sus trece canciones, la genialidad de la ingenuidad y que esconde no pocas afinidades textuales con Los Planetas (a cuyas canciones remite casi el ochenta por ciento del cancionero de los chilenos), a los que se acerca en su sonido tejido sobre guitarras y guitarras, opaco, a veces impenetrable, con marañas de guitarras y voces susurradas, en calma, que parezcan vayan a estallar en cualquier momento; un sonido adictivo y minimalista, creíble, veraz que, en estas estupendas trece canciones, nos descubre a una banda a la que, a partir de ahora, habrá que seguir la pista. 
Xperimental shop  `hi fiction´ kashmir plaza / pool music 2003
por Fernando Navarro - IndyRock
 Muchos más cerca del concepto chill-out o ambient que del pop al uso (a pesar de que hacen canciones y, bueno, las hacen bien) Xperimental Shop son una joven banda valenciana que debuta con `Hi Fiction´ un disco hecho para los atardeceres frente a la playa y los bajones de marcha, un disco post-dance que parece concebido algún domingo de resaca, cuyas cuidadísimas texturas encajan con las referencias más cool del ambient de la isla que se unen al pop británico de última hornada (aquel en el que entra la electrónica como protagonista absoluta) y que entrarían, perfectamente, en el catálogo de sellos como Melankolik. Con un hedonismo siempre presente, desde los textos hasta las guitarras o los arreglos sexuales, `Hi Fiction´ es una obra de acabado impecable y buenas canciones, que sitúa a esta joven banda de Valencia al frente de un movimiento que casi se han inventado ellos, el pop out, donde conviven sonidos negros, música funk pasada por el filtro del pop elegante de Roxy Music, coqueteos techno pop ochentero (los New Order de Ibiza firmarían `Thrill´; `Invisible´ podría encajar en el repertorio de unos post Spandau Ballet) Disco sensual y sedoso, `Hi Fiction´ viene a unir músicas que estaban destinadas a unirse en la lujuria. 
Juliusmonk "The greedy and the thankful" Juliusmonk records 2003
por Fernando Navarro - IndyRock
Con un sintetizador amenazante y terrorifico se abre "The greedy and the thankful" (que traducido significa "El Avaricioso y el Agradecido", título con nombre de parábola o fábula), la banda sonora de un larguísimo viaje que, como toda vida americana, comienza en Mahattan y acaba en Hollywood y que recorre, con música terrible y emocionante, los estados y las cosas, las ciudades y los seres de un país que Juliusmonk usan como metáfora (así el título, "The greedy and the thankful" otra metáfora del país, entraría en un inteligente juego de múltiples lecturas) y que analizan desde la reflexión (el estupendo instrumental "Martyr in South Beach", el misterio dibujado en la melodía casi infantil de "Double Fault" o "Moods We Had", la canción que la sigue) la tristeza (el emocionante blues afrancesado de "Phylosophy and Canape" o "Wallpaper", una de las mejores canciones del disco), la perplejidad ("Life´s a Swap, "Timekeeper breaks your heart") o el gozo (el ambiente jazzy de "Barely a Night Club", el sonido latinizante de "Ex Smoker"). Una obra, "The greedy and the thankful" que tiene, en su multiplicidad de texturas y lecturas, en su definitiva opción
por la emoción, su personalidad y su misterio
JEAN PAUL SPECIAL  `the recall code´ zebra records
por Fernando Navarro - IndyRock
            En ese cruce, cada vez más transitado, entre el post rock y la música de raíces norteamericana, Jean Paul Special (nombre de persona para un dúo formado por el inglés Peter Wix y el valenciano Juan Aís) sitúan la atmósfera pantanosa e indeterminada de su `The Recall Code´, un disco interesante y curioso, que no parece, ni de lejos, una primera obra. Tan matizado está el sonido (obra del productor David Sheppard) tan cuidadas las canciones y los textos, tan sentida la voz de Wix que podría pasar por disco de madurez de una banda más veterana. Disco de matices, de esquinas y dobleces, con unos textos entre malintencionados e irónicos, profundamente críticos, `The Recall Code´ juega con el sonido tristón del neo country (`Exorcising the Empire Dog´) o con la psicodelia post urbana y pinkfloydiana (la estupenda `Unfortunately God Exits´) pasa del after punk acústico con influencias de Johnny Cash (a eso  me suena la estupenda `Strange Love´) a los experimentos formales con regusto a vanguardia (la complejidad textual de `America is Sleeping´) resultando al final, asimiladas las referencias, una obra muy inteligente sobre la imposiblidad de la creación, sobre las ruinas, los desastres y las miserias actuales, sobre el punto y final de la música popular contemporánea (estupendo ese cierre, como unos Velvet del oeste, cantándo eso de "Kill the thing you love"). 
Lansbury  `that creepy hope on love´  astro discos
por Fernando Navarro - IndyRock
            El post rock se muere. Con ese certificado de defunción que fue `Estratexa´ de Manta Ray, ese popular sonido basado en la atmósfera, en la inconcreción textual, los pasajes instrumentales abiertos, las (vagas) referencias a la música tradicional norteamericana y unos textos susurrados, casi siempre en inglés, a los que no se les suele dar mucha importancia, va dejando de tener calado, deja de sonar novedoso e importante y está acabando por convertirse en un estigma como ya lo fue el noise luego el pop y últimamente el hip hop. Al final quedan las canciones, y esas son las que tienen que importar. Así, en medio de ese movimiento decadente, finado, Lansbury han grabado un disco que consigue subsistir gracias a la honestidad de una banda que se sitúa, quizá, más cerca del blues, menos experimental de lo que se le supone, más intensa. Así en su debut tras el estupendo ep `The Only thing that shines´ los asturianos han grabado un disco desigual, que puede sonar novedoso, penetrante y emocionante (la guitarra abrasiva de `A Lucious Moment´ el piano y la segunda voz de `Dragon´ , que acaba convertida en una pieza casi punk y para mí la mejor canción del disco) y que a veces lastra el peso del pasado con demasiada evidencia (el comienzo con `Hole/World´, la algo cargada melancolía sureña de `Creepy Hope´, la excesiva duración de algunos cortes) para acabar convirtiéndose en algo que, con malicia o simplemente justicia, podríamos denominar como el primer disco de post post-rock. 

Les phillipes  `philharmonic philanthropy´ bcore
por Fernando Navarro - IndyRock
            Sorprende, al repasar su catálogo, la curiosísima evolución del sello catalán BCore. Nacido con la línea editorial muy definida por un estilo entonces marginal y underground (el hardcore), con los años y gracias a la perseverancia, no sólo han conseguido consolidarse como sello y consolidar el movimiento al que dieron amparo (hoy en día las bandas que editaron son ya clásicos del panorama independiente nacional) sino que han ido abriendo su espectro y tras la edición de `The Ionic Spell´ (disco enorme de los catalanes Standstill) el catálogo de BCore adquiere su mayoría de edad y empieza a editar excelentes discos (citaré sólo un par de ellos: `Memories Collector´ también de Standstill o `Songs From Cydonia´ de Madee) donde el pop tiene cada vez más cab ida. Ahora, con la edición de este `Philarmonic Philanthropy´ el pop también adquiere la mayoría de edad con el sello. Banda delicada, de sonidos y armonías preciosistas, Les Philippes son un cuarteto que, cogiendo las enseñanzas de las bandas de los sesenta (Beach Boys, Byrds o The Kinks a la cabeza) y alineándolas con el pop cuidadoso de Teenage Funclub o Belle & Sebastián, se sitúan en la primera línea del pop nacional. Hermanados, por motivos obvios, con Carrots o Sexy Sadie, Les Phillipes han grabado un apacible disco de debut con un sonido que parece concebido en mono, de acústicas y voces, lleno de momentos hermosísimos (la delicadeza acústica de `Beware!!!´, los sofisticados juegos vocales de la breve `Bluebird´s Nest´ o `Colour Stew´, el derroche pop de `Delivery #104´, el ambiente circense, a lo Kinks de `Waiting Waltz´) que deja, en el oyente aficionado al pop pluscuamperfecto, un sabor imborrable, lleno de recuerdos. 
Vladimir  `electrobohême´ start/cue records 
por Fernando Navarro - IndyRock
            Debo ser un sentimental, porque ya en el primer corte (el minuto y medio de psicodelia, voces angelicales y emoción burtoniana -de Tim Burton, se entiende- de `Here Comes´) Vladimir consiguen conquistar mi atención. Este curiosísimo dúo catalán de soviético nombre, camuflándose en un pop frívolo y psicodélico de nueva generación, han grabado una ópera prima que, sorprendentemente, se encuentra entre lo mejor oído este año. Disco variadísimo, que nunca se decanta en la disyuntiva baile/melodía, en `Electrobohême´ se encuentran ecos de una fiesta que acaba de terminar, una que está a punto de hacerlo, suspendido el disco entre celebraciones que han sido gloriosas, recuerdos amargos. Recogiendo de The Beatles la capacidad para construir canciones como si fueran ju guetes, Vladimir han creado un disco plagado de artefactos entre näif y terribles que esconden una gran capacidad melódica (el hallazgo del piano en `Supernova´, la claridad de `Landscape´) y una capacidad para el petardeo, el baile y la ligereza narrativa (el funky juguetón que acaba como un gospel blanco y psicodélico de `Guiseppe´, la extraña amenaza que se cierne en `The Closet One´ o las jugadas latinizantes de `Samba Lironda´ o ´Rendez Vous´, esta última a medio camino entre Antonio Carlos Jobim y Henry Mancini) sin igual en el pop nacional. Como si fueran unos Boo Radleys con menos mala leche, Vladimir son una sorpresa que contiene un espíritu libre, divertido y sorprendente como pocas propuestas que el que suscribe haya escuchado, en años, en el panorama pop nacional
Doss  `AFTER THE WILD RUSH...WAITING´ HUMO ITEMS 
por Fernando Navarro - IndyRock
 La sombra de Radiohead es alargada. La influencia del quinteto de Oxford en la música pop actual es tal que, a estas alturas, la cosa casi se divide entre los que siguen a los de Thom Yorke y los que no. Creo que Doss están entre los primeros, aunque sólo sea estéticamente. Con un aparatoso, fascinante diseño que remite a las obras de Stanley Donwood para `Kid A´ y, sobre todo, `Amnesiac´ y un conjunto de canciones bien armadas, los madrileños se estrenan con `After the Wild Rush...waiting´, un disco ambicioso sobre un ser acosado (un monigote que se erige en protagonista absoluto del delicioso librito, casi un libro en toda regla, que acompaña al cd) por el miedo, la rabia, el horror que, inevitablemente, por todos lados, nos rodea. Doss comienzan despistando (los guitarrazos de `Transpositor Inspirator´ en `Meta´, y en esa la irresistible love song que es `Antoinelle´. ´), jugando al slowcore, con un recital de atmósferas crudas y precisas, más cercanas a Fugazi o a Sunny Day Real State que a la banda británica a la que en un principio parecen remitir. Es a partir de `Mazteca´ cuando las intenciones post de Doss se ponen de manifiesto. La duración del corte (nada menos que ocho minutos y treinta y seis segundos) el piano imposible, la voz difuminada y la presencia que van adquiriendo las guitarras, acercan el discurso de Doss al de los mencionadísimos británicos o al de Sigur Ros. Y es a partir de ahí cuando Doss se embarcan en la narración imposible de la vida de ese pobre hombre (ojo al último dibujo del libreto, toda una declaración de intenciones) llegando a alcanzar cotas magníficas (la inconcreción de `Unconnected´, quizá la mejor canción del disco, el enérgico estallido de guitarras de `1:37 A.M.´) que encuentran un final perfecto con el apenas minuto y medio de `Number Two´, donde un piano despide una ambiciosísima ópera prima, que acerca a Doss al concepto de arte total buscado por sus ilustres precedentes. 

Zonah PRODUCCIONES `TIEMPO DE PERROS´ AVOID RECORDS
por Fernando Navarro - IndyRock
 Disco amparado por Zonah producciones, `Tiempo de Perros´ es una colección de rimas de muy distinto calado, que varían según el MC que vaya pasando por el micro mientras que, exceptuando un par de temas, a los controles está el propio Zonah, productor rotundo y seguro, que ejecute sus ritmos con una contundencia y una fuerza apasionante, apoyado en todo por momento por el scratching de Dowjones. Así, en la lista de MC´s (provenientes de la amplísima escena sevillana más o menos underground) se encuentran desde Juaninacka (que aporta un gran tema, `Propaganda´) a los inclasificables y geniales SFDK, de la crudeza del ajuste de cuentas ejecutado por Hijo Pródigo y Legendario en `24 horas de vida´ a la perfección de `En tu area´ de El tralla, del estupendo ritmo, casi industrial de `La Gravedad´, con las rimas de Putolargo y Pablo a la divertida `Papiroflexia´ de Tote King, quizá el mejor corte del disco; pasando por el flow autóctono de Jesúli (`Sufre´), el horror muy cinematográfico de Nico (`Dicen que estoy loco´) o la melancolía fronteriza de Juanma (`Alma y calma´) con la que se pone punto y final a este peligroso, inestable, apasionante coloquio de perros. 
Chris Clarke  `EMPTY THE BONES OF YOU´ WARP
por Fernando Navarro - Indyrock
 Nueva muestra del libro de estilo del más personal, enigmático sello de música electrónica que existe (me atrevería a afirmar que no sólo de la música electrónica) `Empty the Bones of You´, narra los albores y luego los entresijos y el final de una última guerra como si fuese una lucha contra las tinieblas, una batalla de ciencia-ficción, asemejándose, de algún modo, con las virtudes (narrativas y musicales) del francotirador John Carpenter. Como él, Chris Clarke, otro francotirador, usa texturas de videojuegos alternándolas con manifiestos (contra)culturales, anarcoides y radicales, políticamente inteligentísimos, extremos; como en Carpenter hay, además, una mirada nada maniquea, brillantísima, a la naturaleza del mal. Disco inhóspito pero melódico, entretenido y llenísimo de matices, que se valora en una o en mil escuchas, `Empty the Bones of You´ ofrece a la vez electrónica inabarcable y complicada, oscura (el tema que da título al disco, la ilusoria calma de `Early Mess´, el pseudo tribal imposible de `Umbilical Hut´) y melodías accesibles y directas, perfectas (la infalibilidad de `Indigo Optimus´, la turbiedad rítmica de `Wolf´) reforzando de esta manera la idea de narración electrónica, minimalista y mistérica que esconde entre los samplers y los bmps, matices sorprendentes 
(el piano engañoso de `Tyre´) ideas terribles (el apenas minuto de `The Sun Too Slow´ donde casi visualizamos un sol aletargado y torpe por alguna mutación del universo) y que, sorprendentemente, se cierra con una luz, con esperanza (hay en `Betty´, el tema que cierra el disco, una idea de regreso primordial, que tiene más de extático que de apocalíptico; sus más de cuatro minutos son el reflejo sonoro del doloroso nacimiento de un nuevo planeta. La tierra ha muerto. Viva la tierra).

Jacques  `ROSES FOR ASHES´ ACUARELA DISCOS
por Fernando Navarro - Indyrock
 Plenamente acomodado en el formato del ep, Jack Reynolds da continuidad a su alter ego más clásico y desesperado, Jaques, con este desconcertante `Roses for ashes´. Así, frente a la coherencia interna de su anterior obra como Jaques, `Romantic´, en su nuevo pequeño trabajo, aún más valiente, más solo (parece que las nuevas canciones provinieran de alguna curva, alejada de la vida de los hombres), más que nunca aunando su vertiente crooner (esa maravillosa voz frágil, bañada en vapores etílicos) con la experimentación y la variedad estilística, que incluye desde un estilizado soul blanco hasta la electrónica a veces luminosa, a veces tenebrísima, amarga. De este modo se alternan la belleza atemporal de sus más brillantes canciones (`Tuesday´s child´) con la electrónica adictiva, precisa (la neworderiana `Banished by the underground, hunted by the overground´), la confesión de una pasión devastadora y vampírica, hecha sin sobresaltos ni llantos, con la vana resignación, casi cinismo del hombre solitario (`Silverblues´) con el sonido divertido, donde la comedia linda con la apatía en `Butterbaby´ (donde Reynolds canta, casi con una mueca, eso de "everything´s gone blonde") para, inesperadamente, acabar con un giro hacia Oriente. Acompañado de su musa Midori, el tema que cierra el ep, el que lo titula, es una especie de plegaria, casi zen, donde Reynolds se acerca a una espiritualidad creíble, libre de segundas lecturas. Al cerrarse `Roses for ashes´ vemos, cara a cara, desnudo, a un casanova, a un bebedor, a un hombre triste que se ha enfrentado (y parece que ha vencido) con su pasado, con toda su herencia, en una suerte de oración mística que lo redime frente a su última amante, la que cree definitiva. 
Prefuse 73  `EXTINGUISHED: OUTTAKES´  WARP
por Fernando Navarro - Indyrock
 Surgido en la apasionante factoría Warp (el más desconcertante, personal sello de música electrónica que existe) Scott Herren es uno de esos personajillos huidizos e irónicos que usa (y abusa) la electrónica para analizar, descuartizar la sociedad contemporánea sin ningún miramiento, con desprecio y humor, buscando, rebuscando en los rincones más insospechados donde puede aún sobrevivir la humanidad, o todo lo contrario. De este modo, tras sorprender al mundo con el sorprendente `One World Extinguisher´, Herren ha comprobado, no sin acierto, que el mundo está aún peor de lo que lo dejó y ha regresado con las tomas alternativas de su disco. Así, `Extinguished: Outtakes´ es una nueva mirada, corregida y aumentada, a un planeta en ruinas, convertido en un escenario bélico de comedia, en una parodia, en un teatro, en una batalla continua, que parece ya interminable; una propuesta de diálogo entre la electrónica imposible, los bmps arrolladores, inabarcables (en un discurso parecido al inaugurado hace ya años por Dj Shadow) que encuentra en el jazz, en algunos samplers imposibles, en grabaciones de voces psicóticas, inéditas, una manera de lucha efectiva y divertida (más efectiva creo, que la de compañeros generacionales más ambiciosos, menos brillantes como Mathew Herbert) variada e inestable; Este mundo en guerra y desquiciado encuentra una batalla más en `Extinguished´, que no será, la última batalla; pare esa aún queda tiempo. 
El Disop  `LUCES Y SOMBRAS´ AVOID RECORDS
por Fernando Navarro - IndyRock
 Segundo disco de una de las más refrescantes, controvertidas voces de la escena hip hop nacional (cuyo debut `Cajas y bombos retumban en tu barrio´ produjo un notable revuelo) El Disop ha grabado, con `Luces y Sombras´, y haciendo honor al título, una crónica costumbrista, casi divertida, donde el narrador/protagonista se encuentra siempre sumido en cruces vitales, en disyuntivas y contradicciones, con una única idea en la cabeza: escapar del dolor, afrontando cada día como una batalla, buscando, ante todo, la felicidad. Disco confesional que sabe ser social (usa el Disop experiencias personales, como en la estupenda, `Mensaka´, para hablar de sus iguales) `Luces y Sombras´ transcurre en una ciudad gris, llena de humo, donde se alternan momentos duros, terribles (`Que hicimos mal´, quizá la mejor del disco, `Alerta roja´) con escapadas hacia la felicidad (`Amigos´, `Ideas positivas´), encontrando sus mejores momentos en esos parajes donde se conjugan ambas cosas, donde aparecen y desaparecen las luces y las sombras; como en esa divertida, curiosa, `De lo más sincero´, quizá el más personal de los temas del disco, el más banal y la vez el más cercano, donde se percibe más que ningún otro corte, la mirada cáustica del autor, entre la autocompasión y la severidad.

I Muvrini  `UMANI´   AGFB / CAPITOL RECORDS
por Fernando Navarro - IndyRock
 Hay para quien la globalización, la idea de un mundo sin paso fronterizos o visados, unificado más que unido, cuyas culturales se vayan diluyendo hasta ser todas una, es una utopía maravillosa, irrealizable y necesaria; un sueño. Existe también la opinión de que semejante mundo globalizado (cultural y económicamente hablando) es una idea abominable, ominosa, terrible, que conlleva la pérdida de la identidad cultural de los pueblos (que están, de una u otra manera, obligados a entenderse; a comunicarse a través de sus culturas, por diversas y separadas que estén). Está bastante claro, tras la introducción política necesaria, que para I Muvrini (curioso colectivo de músicos corsos) la globalización es algo hermoso y necesario. Así, `Umani´ como si fuera un manifiesto a favor de ese derribo de fronteras, es una obra recorrida por muchas lenguas, por muchas músicas (hay canciones en francés, corso, bretón, catalán, occitano y vasco; la mayoría minorías hablantes, por cierto) que pasa del desesperado canto de las mujeres afganas de `A Jalalabad´ a la canción de amor italiana de ´Di quale si´l amore´, de las raíces aflamencadas de `Vogliu´ al folk bienintencionado de `Da le vostre mane´. Obra plagada de músicos y acentos, `Umani´ es un disco que entusiasmará al viajero (que no al turista), que puede (debe) disfrutarse, creo, viajando en coche por la provenza, por las tierras perdidas de algún país olvidado, conectando el oyente la vieja Europa con las muchas europas que son, las que son el mundo.
Daniel Lanois  `Shine´ ANTI / EPITAPH
por Fernando Navarro - IndyRock
 Obra sobre el amor que, como el sol, resplandece y se oculta; sobre anocheceres y despertares, sobre la fragilidad de cuanto nos rodea, `Shine´ de Daniel Lanois (productor de lujo que estuvo tras los controles en algunos discos de U2 y muy responsable de que `Time Out of Mind´ de Bob Dylan fuese la fúnebre obra maestra que es) es un trabajo sorprendente, hermosísimo y plácido, sin exabruptos, sin sobresaltos, sereno. Usando dos estupendas canciones como prólogo (`I Love You´, cantada con Emmylou Harris y `Falling At Your Feet´ escrita e interpretada a medias con Bono) Daniel Lanois se introduce, tras ellas, en un mundo oscuro y polvoriento que mucho tiene que ver con el retratado en el ya comentado `Time Out Of Mind´. Usando, como en aquel, las raíces de la música americana y una brillantísima economía instrumental (todo está en su sitio en esta preciosidad) Lanois consigue, en `Shine´, sonar creíble, conmovedor, sincero; tan real que, como en la vida, sus composiciones se debaten entre la tristeza y la alegría sin decidirse nunca por una o por otra. Obra, por tanto, sin tiempo, alejada de las ciudades y del ruido, `Shine´ está llena de magníficas canciones (mi favorita, `Sometimes´, `San Juan´, `Slow Giving´ o `Fire´) intercaladas entre parajes casi ambientales (`Transmitter´, `Matador´, `Space Kay´ o el final de `JJ Leaves LA´) que sitúan al oyente, al lector de este poema mortuorio sobre el amor como una luz, en alguna frontera, a punto de rompérsele el corazón, que no podrá reparar. 
FUENF D - "Save Earth" Masterdance - 2003 
Por J. E. Gómez - Indyrock 
Paisajes sonoros entre el límite de la tierra y el espacio. Cadencias electrónicas, ritmos reiterados con sútiles melodías ambient. Fuenf D es el nuevo proyecto de Michael Kohlbecker, considerado como uno de los más activos productores alemanes, clave para entender la escena Trance. Un creador que no se ha conformado con la producción de hit para otros autores y ha querido profundizar en sus propias ideas musicales. Su carrera de colaboraciones le ha llevado a trabajar con Eternal Basement y Zwei, New, Frontiers. Fue con los Saafi Brothers cuando consiguió que se le reconociese como el moldeador del trance hasta límites insospechados, sacarlo de las pistas para convertirlo en un estilo de escucha pausada. Su nuevo  trabajo, "Save Earth", muestra una música futurista, sensual, a veces ardiente. Sin duda una inmersión en universos por descubrir. Apto para amantes del pop, la electrónica y para quienes quieren experimentar nuevas sensaciones. www.millenniumrecords.com 
Sindicato del crimen: Viaje al fondo de la mente
por Javier Verdión Castro
  Sindicato del crimen es, sin duda, una de esas bandas maltratadas del panorama musical español en el que, debido a cierta "mala suerte", no ha logrado ocupar aún el justo puesto que se merece. Su mayor delito, como aclaraban hace ya tres años en una revista especializada con motivo de la publicación de su anterior disco Guetto paradise, tal vez sea no haber figurado en la banda sonora de alguna película exitosa del tipo Historias del Kronen o El día de la bestia, que en su momento sirvieron de catapulta para el reconocimiento definitivo de grupos como Def con dos, Hamlet o los propios Extremoduro (de ahí que decidieran, no sé si acertadamente, aparecer en el programa musical de Miguel Bosé por entonces en boga Séptimo de caballería) Sea esta la razón o no, lo cierto es que Sindicato del crimen ha tenido un papel fundamental en la transición de la música alternativa durante los últimos años, seguramente, porque su peculiar estilo (nunca asimilado del todo), siempre en la vanguardia, mira hacia un futuro no demasiado lejano que resulta difícil de comprender, o, por qué no, hacia un presente muy presente que la supuesta contracultura de este país se resiste a aceptar.
   Viaje al fondo de la mente es el sugerente título de este nuevo trabajo con el que el grupo madrileño nos invita a lo largo de doce canciones (y una sorpresita final) a un angustioso y duro recorrido por lo más profundo de nuestras conciencias. "Cuando venga la muerte", "El signo de los tiempos" o "Recuerdos", son sólo algunos de los temas de este álbum repleto de textos superrealistas y ritmos apocalípticos que nos hablan de violencia y deshumanización, de crisis ideológica o catástrofes suburbanas. Humor negro y oscuras atmósferas serían las armas con las que, una vez más, estos visionarios de la música subvierten los falsos valores de una sociedad en descomposición.
   Como casi siempre, Sindicato del crimen nos deleita con un nuevo LP que nada o poco tiene que ver con los anteriores, y que parece ser el comienzo o el culmen de una prometedora discografía, algo que les hace grandes pero que, en cierto modo, también les condena al no encasillarse. De hecho, Viaje al fondo de la mente no es, como algunos se han empeñado en decir, una vuelta a las raíces del grupo y al Hip-Hop maduro, sino mucho más que eso. Esto se demuestra con la continua renovación de la banda, que encuentra en la originalidad su proposición más fiable e interesante.
Eddine Saïd  `ONÍRICA´ AVOID RECORDS / EL DIABLO
por Fernando Navarro - IndyRock
 La música negra fabricada en España nunca ha tenido mucho predicamento. Hay pocos casos y los que hay (los que ha habido) no son especialmente reseñables. Quizá en respuesta a la reciente explosión de las músicas negras en todo el mundo (desde la música de raíces hasta el R n´B y el soul gozan de inmejorable prensa y de estupendas ventas) y un poco atraída por el fortísimo tirón comercial de su hermana pequeña, el hip hop, Eddine Saïd (ex de Buen Color y Tzaboo, presente en discos de Zemo, Solo los Solo o el Payo Malo) ha grabado un disco de músicas negras que no encuentra igual en el reciente panorama independiente. Diario íntimo, casi en primera persona, ambientado en la España de la ley de extranjería y las pateras, la España recién inventada de extrarradios y grafitos, `Onírica´ es una colección de músicas desarraigadas y fronterizas (un músico árabe y español haciendo soul afroamericano en la escena europea), músicas de clubes y de trastiendas. Una obra confesional donde Saïd (el alias de Nour-Eddine El Khayati) usa el soul, el R n´B o el ragga, los sonidos arabizantes `Jay Fönk´ o el jazz sedoso (`Improvisa´ y `Desaprender´) el groove cuasi funk (`Obsesión´) y el hip hop crepuscular (`Tras la vida´), todo para componer un relato sobre las miserias y las alegrías, donde la tristeza parece que va a acabar ganando (la reivindicación palestina en `Tras la vida´) para, por sorpresa, con `Pasión´ la conmovedora canción que cierra el disco) resumir acertadamente que la vida, todas las vidas giran, quizá, en torno al amor y a algunas guerras imposibles de detener. 
(lo:muêso) `MUTÊ´ CYDONIA RECORDS
por Fernando Navarro - IndyRock
Cuesta analizar, catalogar (a pesar de mi enemistad con las etiquetas, he de decir que resultan útiles en apenas quince líneas de texto) una propuesta como la de (lo:mueso) que ya desde su nombre (así, en minúsculas, entre paréntesis, con dos puntos y el circunflejo, todo un desafío para los grafismos de prensa y televisión) se desmarcan de la escena a la que pertenecen (una escena hardcore y post-hardcore que a las descargas emo de Maine; a los desgarros inabarcables de Standstill o A Room with a View y a la entereza de los seminales Aina, (lo:muêso) añaden tragicomedia) y en la que son, creo, especialmente necesarios. Así, `Mutê´, su disco de debut, es como un libro de apuntes y borrones, hecho de jirones de papel, de retazos de guitarras y bajos; un cuaderno incompleto en el que la banda catalana va apuntando ideas una tras otra, sin parar (los cinco minutos de agonía de `#2´, las atrevidas guitarras espaciales de `Caselero Drive´, me atrevería a decir que la mejor canción del disco, la virtud de la lentitud en `(lo:muêsical) Instinct´, el borrador emo que es `The (marsupial) Drone Player´ o el ruidismo de la, a pesar de su crudeza, divertida `Motorcycle Piñazo´) casi sin esfuerzo, uniendo al final la violencia sin límites con una ternura que no sabemos de donde sale (los inabarcables más de nueve minutos de la canción que cierra el disco, `White Seedless Graps´) de la que dudamos aún cuando la tenemos cerca.
Orlando  `GRAND SILENCE´ RECORDINGS FROM THE OTHER SIDE
por Fernando Navarro - IndyRock
Hay, en la música de raíces americana, como en los vastos desiertos del país, como también en las cunetas de las largas carreteras e, incluso, entre las barras y las estrellas, un misterio. Un misterio que debe residir (así lo imagino) en la naturaleza de los silencios, en los (muchos) espacios vacíos. Un misterio que quiere envolverse de otros misterios, que vaga por algún lado. Allí donde la naturaleza muerta es la naturaleza única, a la busca de ese misterio, Orlando han querido situar las once historias de este interesante `Grand Silence´. Así, el turbador disco de la mariposa de Orlando va descubriéndose, desnudándose muy lentamente ante nosotros, con la inquietante capacidad de seducción de una criatura frágil; descubriendo, canción a canción, una oscura pieza de cámara (el disco no llega a los treinta y siete minutos) sobre misterios y nocturnidades; una obra de atmósfera turbia (`The Moon And The Sun´) donde la voz de Ana Béjar, dulce y agrietada, hermosa, se abre paso entre la inestabilidad emocional de `Long Distance Call´, la desnudez de `The Pond´, la épica fronteriza de `Grand Silence´ y la maravillosa elegía, la despedida susurrada de `Farewell´, una canción bellísima que parece escrita entre nopales secos, en los pliegues siempre llenos de misterio de cualquier desierto. 
The Hit  `SHERMER, ILLINOIS´ CYDONIA RECORDS 
por Fernando Navarro - IndyRock
 Sucursal musical, divertimento punkarra del director de cine underground y dibujante de comics Matt Matsuoka, The Hit responden precisamente a eso: a la necesidad de rellenar el tiempo entre película y película de este personajillo inclasificable de la escena oculta de Seattle. Auténtico por tanto (no se engañen, ni él ni sus dos compinches pretenden forrarse ni tomarle el pelo a nadie) con la credibilidad que puede tener un autor que monta una banda para divertirse (que, en la opinión del que esto firma, es mucha) Matsuoka ha grabado un divertido, colorista disquito para espantar a los (pocos) fantasmas personales que lo persigan, para ahuyentar de una vez al buitre corvo del aburrimiento. Pieza de neo punk, de rock garagero, de power pop guitarrero sin más distracciones que algunas chicas perdidas en el camino, `Shermer, Illinois´ es como la crónica apuntada, medio esbozada, de la vida en un pueblo americano más, narrada por un tipo y sus dos amiguetes a los que imaginamos de fiesta en fiesta, entre barriles de Bud, por bares ya casi vacíos, pasando los domingos un poco resacosos. Así Matsuoka se reinventa asimismo (entre la efervescencia pop de `Purple´, la evocación más o menos sincera de `Rachel Leigh Cook´, los evocadores medios tiempos de `Sunset´ o `Broken Lights´ y la energía de `Crazy Beautiful´, `Hellraiser´, o `Scenekill´) como el superhéroe existencial (o algo así) de un comic-book demencial escrito sobre un fondo de guitarrazos. 

The Moon Men  `THE MOON MEN´  CYDONIA RECORDS
por Fernando Navarro - IndyRock
Parecen estos The Moon Men inspirados por la furibundez guitarrística de Mick Ronson (no son casuales, creo, las conexiones astronómicas entre estos "hombres de la luna" y los que fueron "arañas de Marte"), por la rabiosa urgencia rockística de gente como Stooges o Mc5; nombres todos ellos que, en un nuevo quiebro del circo de las tendencias, se han vuelto a apoderar del panorama independiente contemporáneo. Seguidores de las brechas abiertas  por Jon Spencer Blues Explosion en sus seminales primeros discos, The Moon Men han grabado un ejemplar primer disco que responde a todo lo que requiere este (re)renacimiento del rock primitivo; a saber: brevedad (`The Moon Men´, el disco homónimo, apenas llega a los cuarenta minutos) contundencia, canciones espídicas, guitarrazos sin piedad y riffs, (`Shiner´; la algo pixie `3D´, la agitada contención de `Screaming Hits´ la juerga de `From The Moon´, la accesibilidad de `Black Star´ o la magia psychobilly de `Gallaxy´, una de mis favoritas) arrolladores, perfectos. Como si fueran cuatro amiguetes descontentos, enfadados, que se sienten más cómodos en la luna, entre cráteres, que aquí en la Tierra, The Moon Men han grabado un disco que sirve para que las (pocas pero seguidas) amarguras de la adolescencia y las (menos y más repartidas) alegrías post-púberes vayan siempre acompañadas de una guitarra eléctrica. Aquí o en la luna. 
Idaho `We were young and hended the money´ Cydonia Records / Idaho Music
por Fernando Navarro - IndyRock
 "Éramos jóvenes y necesitábamos el dinero" se justifica Jeff Martin (líder y creador de esta estupenda banda californiana) en el título de este recopilatorio que recoge inéditos y caras b de esta banda co-fundadora de la difusa escena del slowcore; difusa por lo amplio de su espectro, que no por sus cualidades y propuestas. Disco, por tanto, cuyo análisis depende de la simpatía por la banda en sí, de la arbitrariedad de las canciones (es complicado, para el que esto escribe, juzgar una colección de descartes de la misma manera que un todo grabado y concebido como tal) y de comprobar si el nivel de los descartes está a la altura del que cualquiera de sus otros temas (ahí reside, creo, el acierto o desacierto en un recopilatorio de temas inéditos), `We Were Young and Needed the Money´ es, con todo, un notable ejercicio de recuperación, de puesta en día (para el oyente nacional, gracias a Cydonia Records) de una banda importante, decisiva en el cambio de registro del pop de guitarras (que gracias, entre otros, al slow y su espectro, se volvió más emocional), que incluso en su obra menor contiene grandes canciones (lo son la accesible `Shoulder Back´, la atmósfera enrarecida de `Flat Top´, la engañosa fragilidad de `Straw Dogs´ una de mis favoritas, la ingenuidad, casi luminosidad, de `Much Closer Now´, o el suspense de las guitarras en `Carefully Turning´, otra indispensable) y que conforma un puzzle de sentimientos, de retazos y recortes que, sin darle unidad al disco, si le otorgan el sabor de la sinceridad, del homenaje. 
No tiene Jeff Martin que excusarse. La suya es una gran carrera, aunque fueran jóvenes y necesitaran el dinero. 
Poor Rich Ones  `HAPPY, HAPPY, HAPPY´ Cydonia Records / REC 90
por Fernando Navarro - IndyRock
 El grunge tiene, nadie lo duda, muchas virtudes musicales (la principal, creo, el regreso de las guitarras y la actitud a la escena rock) pero ha dejado -dejó- un pesado lastre: el desprecio de la felicidad, de la alegría como fuente de inspiración. Se tiende a infravalorar, desde ciertos sectores de la crítica más opaca, la capacidad de emoción desde la luminosidad, desde la falta total de maniqueísmo emocional. De este modo, el trío noruego Poor Rich Ones se atreve, en su debut, a mirar a la luz cara a cara, sin complejos; sin que parezca importarles que mirar al sol con tal descaro les puede hacer perder la visión. Disco, por lo tanto, luminosísimo, conmovedor y absolutamente creíble, `Happy Happy Happy´ (ese título que no engaña) es una obra exultante y hermosa (lo son las estupendas dos canciones que abren el disco,  `Twins´ y `Happy Happy Happy´) que, de repente, se detiene y se deleita en los momentos otoñales del viaje (cualquier viaje), en las sonrisas que el recuerdo (de)vuelve amargas (desde esa preciosidad que es `For Eliza´ a las melancolías de `May Queen´ o `New Lullaby´) para retornar a la luz con la brillantísima `High Flyer´ (cuatro minutos construidos, cimentados sobre el goce, sobre la alegría) donde hay recogida toda una vida, jubilosa, llena, a rebosar, de otras vidas. Producido por el otras veces cáustico Mark Trombino (encargado de los mandos en la obra maestra de Jimmy Eat World, el muy vendido `Bleed American´) la opera prima del trío noruego es un disco creado para alimentar, paradójicamente, las horas más duras: aquellas oscuridades tremendas en que urge la luz; una luz que Poor Rich Ones reivindican casi desde la militancia. 
Sunday´s Best  `The Californian´ CYDONIA RECORDS / POLIVINYL
por Fernando Navarro - IndyRock
 Largometraje sobre las bonanzas de la soleada California (la Cálida Fornia del Amadís) en `The Californian´ el cuarteto norteamericano Sunday´s Best, se ha atrevido, en su segundo disco, a presentar, a describir su propia California, alejada de la California hippie que se envuelve en tiniebla, en horror (Charles Manson, The Doors, Los Beach Boys), la California espídica, rapidísima, imposible de alcanzar para el resto del mundo (cuando Gun´s & Roses eran los reyes y Hollywood empezaba su evidente decadencia moral) o la California imposible, entre irreal y grotesca, sexual y casi entrañable de los cronistas oficiales Red Hot Chili Peppers. Disco, por tanto, concebido, pensado, entre las arenas y las playas y un poco más allá, entre el asfalto y los edificios, llegando a los arcenes, al final del estado, (per)siguiendo a la chica de la portada, esa adolescente que (quizá como una metáfora de la imberbe sociedad norteamericana) descubre el mundo, representado todo él en California. Disco, conjeturo, amargo escondido tras la apariencia de obra feliz; narración en clave de indie pop sobre la(s) precocidad(es) americana(s), Sunday´s Best han conseguido captar el espíritu de las otras californias (la ciudad desolada, vacía sin la chica que se ama de `Don´t Let It Fade´, la ciudad de oropel en la ambigua `Our Left Cost Ambitions´ la ciudad idealizada de la infancia de `Beethoven St´, la ciudad que queda atrás, sabiendo que no será la última de `Los Feliz Arms´, el tema que cierra el disco, con unos interesantes juegos de voces a lo Beach Boys) diseccionando, humanizando el lugar del mundo, me temo, más deshumanizado (California, estado de contrastes, donde conviven la progresía y el yippismo crepuscular de San Francisco con la carnaza, la basura, la ponzoña moral, la mierda de Los Ángeles; una ciudad que no me gustaría pisar en la vida) de entre los miles que existen. 
Free Serena, "All these voices", Ernie Records, 2003
Por Paco Camero M.- IndyRock
Tras publicar un EP titulado "Mateo's haircut", los gallegos Free Serena lanzan ahora su primer elepé, "All these voices", grabado en los estudios ODDS del Puerto de Santa María y con producción a cargo de  Paco Loco, que lleva ya bastante tiempo eligiendo bastante bien con quién trabaja e imprimiendo a veces un sello distintivo en aquello que toca. Además, los gallegos han teloneado a The Rosebuds y a los sublimes e incomparables Posies (ante éstos no cabe la objetividad). Lo cual les da bastantes puntos a favor e indica bastante de sus preferencias musicales. O más claramente, que a Free Serena le pierde el power pop. A saber: melodía, melodía, mucha melodía, estribillos con fuerza, guitarrazos rasgados, acoples y distorsiones. Buen estreno de largo, aunque debilitado por un todavía balbuceante trabajo de composición que hace que la escucha resulte a veces repetitiva.

Herri Black, "Under de ground", Avoid Records, 2003
Por Paco Camero M.- IndyRock
Herri Black, un colectivo de afrosound que aglutina a varios DJs y MCs, viene a ser una especie de representación de la comunidad negra de Valencia. Así pues, no sorprende que en su hip hop se remuevan, con un cucharón underground y marihuanero, eso siempre, ritmos calentitos, algunos bordeando el reggae, homenajes al funk, al soul e incluso algún guiño jazzístico. En este elepé, más redondo en bases y ritmos que en las rimas, participan Negro Ché, Edy la Sombra, Tomy G, Principiante, Black Bambino y un largo etcétera de amantes de la épica urbana chunga. Protestas, todas las que quieran: contra el racismo, contra la policía... Reivindicaciones, también: de la libertad, de Haile Selassie (esta última, francamente, no se entiende, porque o bien este colectivo no sabe a quién está glosando o bien le parece bien que este infame rey de Etiopía durante décadas pretéritas defendiera la pena de muerte, regalara billetitos por las calles a sus súbditos que se morían de hambre mientras él se emborrachaba de riqueza, nunca condenara a Mussolini y explicase que quien era pobre se lo merecía porque la razón era que no quería trabajar, entre otras lindezas...).

Moby Dick, "El pulso de los ilegales", Zero Records, 2003
Por Paco Camero M.- IndyRock
Grabado en los estudios Cube de Madrid, con producción (algo pobre) de Alberto Seara (técnico de sonido de Sôber) y mezclado por Roberto Galán (técnico de sonido de Hamlet), "El pulso de los ilegales" es un disco en el que la rabia social sale escupida a través de guitarras enérgicas y melódicas y espasmos vocales. Ésta es la segunda entrega de Moby Dick, de manera que es más o menos comprensible que su sonido aún no haya alcanzado una madurez destacable en estudio. Cuando se escucha el disco da la sensación de que el grupo se mueve en una indefinición musical: por momentos están cerca del rock radical, en otros instantes parecen querer acercarse al metal moderno... En cualquier caso, habrá que darles tiempo y un margen de confianza.
Liars - "They Threw Us All In A Trench And Stuck A Monument On Top" 
por Lucas Garófalo - IndyRock
Segun la Rolling Stone, Liars es la nueva "gran cosa" en Nueva York, después de The Strokes y Yeah Yeah yeah´s, o sea: una banda "de garage", que sigue los pasos de la Velvet Underground y The Stooges, con las melodías de guitarra eléctrica como protagonistas. Según Lucas (o sea, yo), no tiene nada que ver.
Por empezar, ninguno de los cuatro integrantes es de Nueva York. Dos son de Nebraska, otro es de Los Angeles, y el otro es australiano. Cuenta la leyenda que fue en un show en la gran manzana donde se empezaron a hacer conocidos, pero de ahí a ser considerados "la nueva gran cosa de Nueva York" hay un largo trecho. Segundo, es imposible que esta sea una banda de rock de garage, ya que nunca fueron hypeados por el New Musical Express ;-). Tercero, las melodías de guitarra eléctrica acá quedan relegadas detrás de las impresionantes líneas de bajo, y los sonidos de batería eléctrica.
Después de escuchar "They Threw Us All In A Trench And Stuck A Monument On Top" (¡gran título!), queda claro que ese bajo bien agresivo, y los alaridos del cantante, que se escuchan como si estuviera a dos metros del micrófono, hacen de Liars una banda perfectamente desprolija. Por un lado, en temas como "We Live NE Of Compton" (para mi, lo mejor del disco), hay una velocidad espectacular, con un final bien abrupto. Por el otro, temas como "Mr. You Are On Fire Mr." parecen frenar y empezar de nuevo todo el tiempo, con silencios de dos o tres segundos que son una especie de descanso ante tanta intensidad. En "Nothing Is Ever Lost Or Can Be Lost My Science Friend", la batería eléctrica y otros efectos justifican que los Sonic Youth se hayan interesado en ellos y los hayan llevado de gira.
Los primeros ocho temas suman nada más que veinte minutos, y no solo eso, sino que además cada canción parece estar continuando a la anterior, por lo que la dinámica del disco es genial. El último tema la caga un poco: media hora, donde los primeros cinco minutos parecen un tema normal, y en los veinticinco restantes se repite siempre lo mismo, quemándote el cerebro.
En resumen, esta mezcla de punk con groove de funk es contundente como una trompada a la cara. Y eso me encanta.
Chop Suey  `SELF HELP SONGS´  COSMOS RECORDS
por  Fernando Navarro - IndyRock
En el prólogo de `Self Help Songs´ está, a mi entender, resumido el espíritu, el geist del que supongo primer álbum con mayúsculas (entendiendo esto como un todo coherente, casi unitario) de la (reciente) escena electrónica nacional. `Humans Like You´ (la canción que abre el disco, ya usada por Isabel Coixet en su reciente `Mi vida sin mí) parece recorrida por un ambiente irreal y fantástico que no deja de ser creíble, carnal, profundo. Personaje único en la complicada, inestable escena electrónica patria, Chop Suey ha conseguido (tras su debut, aquel `Coin Operated Feelings´), con la inestimable ayuda de Rubén "Watch TV" García, lo que parecía difícil: usar la electrónica como un vehículo, como una excusa para narrar nueve historias encantadoras, cercanas, en su concepción, al realismo mágico (la fantasmagoría de `Dweller Of Shade´; el desconcierto emocional disfrazado de comedia, como unos seres humanos incómodos en su propio planeta de `Orange´ o `We Can Fly´ o el pequeño poema espacial de  `Why Do you Lie´ mi favorita del disco). Obra mimadísima, cuidada al detalle hasta la locura (recorre `Self Help Songs´ la idea de un trabajo descomunal, meditado) Chop Suey usa, al fin, la electrónica, sus maquinitas y sus ruidos, sus miles de argucias sonoras, para penetrar en el alma del oyente, usando hallazgos (el swing galáctico de `I Was a Young King´, por ejemplo), recursos; convirtiendo así al artista electrónico en una suerte de  miniaturista. Como un antiguo cuentista persa o iranio.
Mucho Muchacho  `CHULERÍA´ C.R.E.A.M / TEMPO MUSIC
por  Fernando Navarro - IndyRock
Tras diez años al frente de 7Notas 7Colores (diez añitos ya en los que grabaron el seminal `Hecho, es Simple´, si no el mejor, el más decisivo disco para el asentamiento de la escena hip hop en nuestro país), el MC con más flow, el número uno, sin duda el más célebre, Mucho Muchacho, disolvió su banda y, tras un breve paréntesis, ha grabado su primer disco en solitario, este convincente, estupendo `Chulería´. Así, con el apoyo sonoro más ecléctico, quizá el más lujoso que puede imaginarse (que va del groove emocional, genial de Griffi - en mi opinión el más grande de los productores patrios, el que aporta los mejores temas del disco- a la elocuencia old-school de Zemo; de la vibración electrónica del Profesor Angel Dust o Dj Vadim a la brillantez, extramuros, de Tony Touch o Ray Roll) y con las rimas más graves, las más intensas que ha grabado en años (atentos a la muy amarga `Malo Muchacho´ o la confesional, casi dolorosa `Tu me Importabas´) el Muchacho ha grabado un disco de madurez que no constituye tan sólo su cima lírica, sino la cima de una propuesta que surgió del underground y que el MC catalán (con la creación de su sello, C.R.E.A.M.) pretende llevar a cotas estratosféricas, a que empiece de una vez a llover la pasta. Convencido, genial, enorme, Mucho Muchacho ha grabado la primera obra maestra del nuevo hip hop estatal; el que ya no mira de reojo a la escena de fuera, el que se mueve con comodidad por todos lados, el que no tiene que pedir perdón, al que le sobra chulería. 
Mudo  `MUDO´ ZEBRA RECORDS
por  Fernando Navarro - IndyRock
 Sorprende Mudo (banda numerosa, con siete músicos provenientes de otros tantos lugares) con la canción que abre su debut homónimo, `I´m Love with a Yew Tree´, un instrumental tortuosillo, magnífico, plagado de vericuetos sonoros (el evocador riff de la Rickenbacker, la muy negra, descriptiva, línea de bajo) que da paso a un cuidadoso, elegantísimo tratado de sonidos hipnóticos, (se han extraído, de una producción que se supone económica, matices asombrosos). `Mudo´, el álbum, es una colección de poemas decadentes plagados de inventiva (el theremín omnipresente de `Rainroads´, las cuerdas de `Steal It´, los metales desquiciados de `Still Life´), que propone continuos juegos formales, con las acústicas de protagonistas, y la alternancia de la voz narradora (la voz femenina, frágil de `Rainroads´; el crooner esforzado de `Steal It´, la gravedad de `Anchords´) dando como resultado un tapiz de atmósferas viciadas, turbias, que parecen sucederse sin ningún énfasis, sin dramatismos ni afecciones. `Mudo´ narra el descubrimiento del sonido que nos rodea, la música y el ruido que nos circunda y en último término el silencio (no deja de sorprender, en este sentido, los muchos minutos de silencio que hay entre `The Fall vs. Bloom´, su último corte y el bonus, escondido, y que resulta ser violento despertar al sonido como forma de viaje sensible, casi psicodélico). 
Rosvita `ROSVITA´   SIETE HERMANAS
por  Fernando Navarro - IndyRock
 Al igual que en el imaginario romántico, como en los novelones góticos del siglo diecinueve (habitaciones pobladas de fantasmas, secretos, traiciones apenas susurradas) el universo sonoro que proponen Rosvita en su primer (y homónimo) álbum deja tras de sí un desasosiego, una inquietud de la que cuesta recuperarse. Ya en la portada (el fuego en el que arden las muñecas, los recuerdos) Rosvita parece que avisen del minutaje agónico, preciso (cincuenta minutos en los que es difícil no estar aterrado) de su disco: una obra tremenda, casi deshumanizada (los personajes de Rosvita son crueles y fríos) que narra varias tragedias (la incomprensible, inesperada violencia de `Malaria´, la misteriosa letanía de `Cena Fría´, los llantos, las voces de los niños que suponemos muy lejos de `Nana´, la angustiosa retórica de `¿Dónde?´, la mejor canción del disco) convirtiéndose en una enorme novela sobre el desconcierto, sobre las preguntas, sobre las estancias abandonadas de la conciencia o del corazón (los diez minutos de tensión de `Brazos de Plata´, donde Rosvita se pasan al terreno de lo inexistente, acaso de lo imaginado) a las que ya no volveremos.
THE DONNAS- SPEND THE NIGHT
por Pipo 
 UAAAAHHHHHH... FIESTAAAAAAAAA!!!! Sacar cervezas y preparaos para hacer un "deja-vu". Efectivamente, cuando oigas este pedazo de trabajo diras aquello de "Esto me suena", "Esto lo he vivido yo". Seguro que si!!!! en especial los que ya rozamos la treintena (y los que los tengan) le vendrán recuerdos y harán "Headbanging" y alguno tendrá la tentación de rescatar su antigua chupa de cremalleras.
Estas cuatro muchachas podría ser perfectamente las hijas bastardas de los Motorhead y las Girlschool y encima sus padrinos serían los Ramones!!  (sus nombres artisticos Donna A, Donna R, Donna F y Donna C se me antoja que algo tiene que ver con los Ramones)
Si no os gusta el Rock'n'Roll en su estado más puro no tenéis derecho a oir ni un solo tema de este disco.
Spend the night está lleno de fuerza, fiesta, dan ganas como ya he dicho de volver al instituto y montar una juerga de esas descomunales. Temas como el hit "Take it off" con un solo (salvando las diferencias) que recuerdan a los AC/DC, "Who invited you" ya la firmaría el mismo Lemmy!!  el aire ramoniano de  "Please don't Tease" "Pass it Around" en fin.... una delicia.
 Esto es solo Rock, te hará mover el piececito sin que te des cuenta, y si además eres de los/las que te gustan las Breeders, L7, no lo dudes.... píllalo!!!!!!!!
 Saludos y que siga tan vivo el Rock'n'Roll

DC To Daylight, "Xmas Murder '74", Urban Cheese, 2002, www.dctodaylight.com
Por Paco Camero Mesa - Indyrock
"Just a joke", la canción que abre "Xmas Murder '74" de los debutantes DC To Daylight, amén de ser deliciosa, tiene ese regusto de música que habita en esos garitos undergrounds de Estados Unidos desde los que tantos sonidos y modas se han exportado al mundo. "Like a man", la siguiente toma, con su ambiente garagero y su bajo como-un-martillo y saturado, ya acaba por situar al oyente definitivamente. DC To Daylight agitan en su batidora grunge (la distorsión de sus guitarras no puede ser más reveladora), indie rock y pop (buenas melodías y estribillos). En la hoja promocional se les compara con Pavement, Weezer, Pixies, Presidents of The United States y un largo etcétera de eminencias alternativas, y, aunque los de San Jose (California) suenan menos pulidos, sí que hay algo de estos grupos en éste. Habrá que esperar más material del grupo (en éste sólo hay 6 temas y uno de ellos de 8 segundos) para ver qué techo es capaz de tocar. De momento, los cimientos resisten.

Los Reconoces, "Segunda impresión", El Coyote, 2003, www.losreconoces.com
Por Paco Camero Mesa - IndyRock
Recuerdan mucho Los Reconoces en algunos momentos a María del Mal, pero también a Marea, a Extremoduro... Grabado en el estudio Producciones Peligrosas de Granada y producido por Michel Molinera (Canallas), "Segunda impresión" es el nuevo trabajo de los madrileños, con quienes han colaborado, aparte de Molinera, miembros de Marea y Envidia Kotxina. Los Reconoces hacen rock combativo, con letras surgidas del descontento y la rebeldía, con actitud pundonorosa, pero ahí reside también su flaqueza: su sonido remite a tantos grupos que no se sabe aún cuál es su voz propia. Aunque quizá esta defecto no depende de ellos. Tantos grupos hay en España haciendo esta música que el panorama ha llegado a saturarse musical y letrísticamente, debido a la falta de vientos nuevos en este estilo que empezó a practicar hace ya décadas Leño. A pesar de que Los Reconoces añaden elementos, arreglos y giros más actuales en sus temas, la sensación de repetición no se disuelve. Tiempo por delante tienen, de ellos dependerá proponer algo más personal o seguir transitando (aunque bien) un camino mil veces pisado.

Zenit, "Producto infinito", Producto infinito, 2003, ww.adredehihop.com
Por Paco Camero Mesa - Indyrock
Zenit es un MC de Alcorcón que edita su primer trabajo en solitario tras haber trabajado con Frank T (uno de los productores del disco), entre otros. En el mismo plano que los scrachts conviven las bases de música clásica, por las que parece que Zenit siente especial debilidad. La lista de colaboradores es amplia e importante: el mencionado Frank T, Arianna Puello, El Imperio, Kultama y ARTES aka 1/29. Hay momentos de recreación épica (urbana, por supuesto), temas en los que la realidad más cutre y viscosa aparece a través de la voz rabiosa de Zenit y llamadas a la resistencia de la clase del asfalto. "Suelo soñar", con Frank T y Puello, es uno de los mejores temas, en el que la lírica se aparea con el vómito social; "Siento..." es una desolada carta de despedida a un amor quebrado en el que aparecen lánguidos violines y unos arpegios que recuerdan (no sé si por casualidad) al "Fade to black" de Metallica; en "Alcorcón=Rap" reclama respeto para la cultura hip hop y critica la ignorancia supina de aquellos que quieren ver peligro en una manifestación social cada vez más asentada en España. Al final hay una canción escondida en la que Zenit despelleja y luego echa sal en las pieles abiertas de Aznar, de los políticos, de DJ Khun, de los empresarios, de los promotores de rap, de los figurines mundiales con más retórica que obra (por ahí está la sombra de Eminem, o así me parece), del Aserejé,... en fin, un tema en el que señala todo lo que está (o le parece) mal, que viene a ser... casi todo. Y razón no le falta.
THEORY OF A DEADMAN      Teoría De Un Hombre Muerto
 por Pipo 
¿Qué es lo que te llama la atención cuando crees descubrir el grupo que "pegará" próximamente? A mi personalmente me enganchan los principios, es decir, una canción con un principio un tanto "especial" hace que mi atención se vuelque por completo en lo que estoy escuchando, pero cuando encima la canción continúa y te sigue enganchando.... soberbio! y si de diez, nueve te producen los mismo síntomas, joder! descomunal!!!!!! 
 Escuchando la banda sonora de la película Spiderman, me encontré este grupo y su canción invisible man, tiene tal vez uno de los principios rockeros más impresionantes que personalmente haya escuchado. No dude en hacerme con el trabajo de la banda liderada por Tyler Connolly. Lo primero que me llamó la atención  era el sonido casi parejo a Nickelback, y no solo aqui termina la "casualidad" con la banda de Chad Kroeger, ya que estos tambien son de Vancouver (Canadá), son el primer fichaje de la nueva compañia del tio Chad y su abogado (604 Records) y además Connolly tambien partició a la guitarra en el super-exito "Hero" con  Chad Kroeger y Josey Scott (Saliva), en definitiva, han entrado en el panorama rockero a lo grande!
 Pero todo esto no es valido sin un trabajo decente, y más que decente me aventuraría a decir que es un joya, una obra maestra!, un trabajo con gusto, clase y como dije anteriormente con una producción muy, pero que muy cuidada. Pon a  Nickelback, con Godsmack y Puddle of Mud en una cocktelera agítala y saldrá "Theroy"
EURO-TRASH GIRL  `SOMETHING TO TELL YOU´ ZEBRA RECORDS
por Fernando Navarro - IndyRock
 Surgidos en Valencia aunque alimentados (espiritual, musical y estéticamente) en alguna frontera norteamericana, Euro-Trash Girl vienen a unirse a la cada vez más numerosa tendencia consistente en recoger las influencia sureñas del rock y de aquello que se llamó Nuevo Rock Americano y (ex)ponerlas en composiciones pop para alinearse con bandas como los geniales Jayhawks o Wilco, bandas a las que, por motivos obvios, nunca se termina a llegar. En el caso de Euro-Trash Girl, su propuesta se beneficia de la estimulante presencia de Judit Casado, una frontgirl con carisma, que consigue dar entidad a un repertorio aún titubeante, indeciso entre referencias que,  cuando se decide abiertamente por las raíces, encuentra las mejores canciones del disco. De este modo, el universo de Euro-Trash Girl puede (debe) emparentarse con el cine de Isabel Coixet: la mirada de una chica europea sobre los sentimientos en el marco de las deshumanizadas, extrañas, enormes ciudades norteamericanas. De este modo el pasado idealizado de `The Way He Broke That Silence´, los perfectos antihéroes de `Something Called Gold´ o `The Ring Of Phototrash´, la muy harvestiana `Sit & Wait´, quizá la mejor canción del disco o la despedida en forma de medio tiempo amable de `The Perfect Farewell´ son, de algún modo, fragmentos, partes incompletas de un diario completo que aún está por escribir. 
12TWELVE / YA TE DIGO `DOPPLER´ ASTRO DISCOS
por Fernando Navarro - IndyRock
 Como dos siameses perversos separados al nacer, `Doppler´ puede entenderse como un `uno´ desdoblado en dos partes o como dos iguales que, unidos en su reflejo, se convierten en un `uno´ inexacto; es, en ambos casos, un estudio sobre la asimetría desde la simetría, surgido del encuentro entre dos de las propuestas más emergentes del reciente panorama indie nacional, los barceloneses 12twelve y los madrileños Ya Te Digo. 
Con `Scope´, casi un extenso viaje espacial en forma de caída, y su letárgica secuela, `James. P´, abren su enigmático `Doppler´ 12Twelve, un catálogo de impresiones cósmicas plagado de arritmias formales, de atmósferas inexplicables, vertiginosas (el violento, asfixiante in crescendo de `La reaction de Mallard´; la escapada ilusoria de `Amabi´) que degeneran en los agónicos, hoscos diez minutos de `Petite Mort´ y en `Mendeleïev´ que, a modo de cordón umbilical, de tenso cable, une el `Doppler´ enfermo y etéreo de 12Twelve con el homónimo físico y agresivo de Ya te Digo. Así, el otro `Doppler´ (el de Ya te Digo) se debate entre el exultante pop de guitarras (`Ausencia´ o la excelente `Iceberg´) y el rock más cortante (`Fire Exit´ o el estribillo extremo, casi emo de `Stroh´) hasta que tras `Psychic love´ (ecuación perfecta entre las guitarras de Ya te Digo y las atmósferas venusianas de 12twelve) encuentra en los parajes sedantes, adormecidos e hipnóticos de `Pardon my Heart´ y en sus inesperadas descargas eléctricas un imprevisto punto de unión con su `Doppler´ siamés, de nuevo ambos frente al espejo, cada uno a un lado, inseparables ya en el reflejo. 
Greg Weeks, "Slighty West", Acuarela, 2002, www.gregweeks.net,
Por Paco Camero M.- IndyRock
De este EP de cinco temas empieza llamando la atención su sola forma, una presentación que consta de una serie de tres dibujos de la artista hawaiana Tracy Nakayama que ilustran la portada, la contraportada y el interior, imágenes cargadas de erotismo y que inducen a una morbosidad voyeur. Ya centrados en el contenido, Greg Weeks, quien cocina y condimenta,  renuncia a las vergüenzas inhibidoras y se desviste para dejar al aire sus emociones sin ningún artificio; entre ellas y el público, sólo sus canciones. El norteamericano traza sus canciones con mimo y las arregla someramente, todo es sutil: la forma de cantar, la instrumentación, la base rítmica, las guitarras. Los teclados orgánicos y envolventes son los únicos que sacan la cabeza por encima de lo demás. Algo de Nick Drake hay flotando en el ambiente pergeñado por este norteamericano. Sin decir una palabra más alta que la otra, "Slighty West" se va colando, colando, delicada y sensualmente.


Grado 33, "Ya se oculta el sol", Autoreverse/Clic New Wave, 2002,
Por Paco Camero M. - IndyRock
Grado 33 es el nuevo proyecto del ex Prozack y Radio Carlos Ordóñez. Su propuesta se podría encuadrar en esa cosa tan extensa que es el pop electrónico: estética naíf, ritmos básicos, casi infantiles, voces desganadas, programaciones lo-fi, ambientes gélidos, teclados Casio, sintetizadores retro y, sobre estos elementos, melodías que llegan a sonar fantasmagóricas (o "melodías celestiales para mentes especiales" según canta en el tema "Otra gente"). Las letras se reparten el protagonismo con la música prácticamente al 50%. Textos irónicos, mordaces, bizarros, petardos (véase la letra-diálogo de "¿Tienes fuego?"). Preconizando una "Nueva Ola", Ordóñez acaba fusilando verbalmente a quienquiera que se mueva en la foto: "tekno is dead, house is dead, punk is dead, pop is dead". Quizá se deba a que, como pregona en otro tema, está aburrido de casi todo. Por cierto, hablando de fusilamientos, o de muertes, no dejen de echarle un ojo a la portada: una escena costumbrista en cualquier salón de cualquier parte en la que aparecen sangrando por la boca y muertos una mujer vestida de novia y un hombre con un uniforme parecido al de la Guardia Civil, sobre una mesa servida con hojas secas. Pocas se han visto más siniestras y turbadoras últimamente.

Ciëlo, "Un amor mató al futuro", Autoreverse/Click New Wave, 2002,
Por Paco Camero M. - IndyRock
Mario y Cocó o Cocó y Mario, tanto monta, monta tanto, antes Silvania, son ahora Ciëlo. De un lado, ellos. Del otro, el afterpunk y el prototechno de los albores ochenteros: The Human League, Gary Numan y en general un largo regimiento de oscuros y modernos. Bajo la premisa de "acabar con el siglo XX" y con el "adocenamiento" (musical y supongo que ideológico también), "Un amor mató al futuro" ha sido fraguado mediante microrritmos, ruiditos y clicks. Dicen ellos que quieren huir como del agua hirviendo del electropop, de forma que a su criatura sonora la han bautizado Tekno-pop del siglo XXI, aunque su disco es un ininterrumpido recuerdo a veces a Kraktwerk, otras a Aviador Dro, siempre a músicas de hace dos décadas larguitas. Sirvan estas líneas, junto con su compulsiva búsqueda de la modernidad (que uno ya no sabe en qué consiste exactamente), para definir siquiera medianamente sus planteamientos éticos y estéticos. "Música para avenidas muy iluminadas", rematarían ellos.  Música nostálgica de otros tiempos pese a su coartada innovadora y transgresora, añadiría yo.
James Brown "The Next step"
por Julien Gutfreund
Una vez más el padre de la música soul y funk nos demuestra  en su ultimo trabajo "The next step" que sigue siendo el maestro de ambos géneros. Los fans tendrán que ser pacientes antes de poder escuchar las 10 canciones que componen el disco que, por ahora, solo ha salido en Estados Unidos. El tono general del disco es definitivamente soul, aunque temas como "Automatic", "Good and natural" o "Killing is out, school is in" resultan enérgicamente funky. Me quedé un poco sorprendido, por no decir decepcionado al constatar que, desafortunadamente no hay nada nuevo, quizás un regreso al nivel creativo, de la fuerza o de la originalidad. No pude evitar pensarlo cuando escuche "scratching" en partes, ritmos electrónicos y coros típicos de la ola Hip Hop y RnB radiofónica que dan a este nuevo álbum una sonoridad moderna y quizás más comercial en varios aspectos. Los fans del electrizado "Godfather of Soul" no encontrarán esta vez el James Brown de los discos anteriores como "Make it funky" que podían esperar."The next step" es un disco que se deja escuchar fácilmente pero que musicalmente podría pasar  desapercibido si no fuese por la fama y la tan única voz de su compositor. Haber esperado tanto, para este resultado, es decir, para que el inolvidable Brown haga a los 69 años un disco que no lo sea, salpica ligeramente la tan alta imagen que tenia del memorable cantante. No se sabe todavía nada sobre las eventuales fechas de salida del disco en Europa, pero paciencia. hay rumores de que Roadrunner (Slipknot, Fear Factory, Sepultura...) quieren producirlo y que pronto saldrá. Curiosa actitud por parte de una discográfica especializada en Heavy y Nü Metal...
Orujo de Brujas, "Isla de muñecas", Zero, 2002, 
Por Paco Camero M.- IndyRock
Ya que el "pero" de este comentario condiciona tanto la conclusión del mismo parece justo comenzar precisamente con él: le sucede al rap metal (vamos a llamarlo así, aunque podría recibir otros nombres) que a la hora de componer, en lugar de servirse de formas, éstas están tan manoseadas y repetidas que devienen en fórmula. O sea: recitado vocal con música tensa de fondo-explosión brutal tanto por parte del cantante como de los instrumentos-algunos coros superpuestos y vuelta a empezar, de modo que este tipo de música acaba produciendo un déjà-vu continuo o algo parecido a "esto ya lo he escuchado mil veces". Ahora bien, eso no significa que "Isla de muñecas", cuarta entrega de los madrileños, sea un mal disco. La producción es buena, hay algunos conatos de frescura en el género ("Es la realidad", que critica la Ley de Extranjería del PP entre salvajes guitarrazos y melodías de origen árabe; "Paco Juárez", con un estribillo sólidamente melódico, al estilo de los Hamlet más inspirados en Deftones; "Completando mi ser", lo más parecido a una balada), los temas suenan compactos y la calidad instrumental tiene poco que envidiar a muchos grupos que sólo porque miles de quinceañeros han comprado sus discos en Estados Unidos parece que tienen que ser mejores. En fin, teniendo en cuenta sus limitaciones (más por el género al que se adscribe que por incapacidad de los músicos, que nunca se ha hablado aquí de eso), buen disco, contundente, agresivo, técnicamente impecable y plagado de reivindicaciones (justas y necesarias).( www.zerorecords.com / www.orujodebrujas.com)
Amimishock, "Ciclo H", Zero, 2002
Por Paco Camero M.- IndyRock
Formados en Bilbao en 1999, Amimishock han encontrado en poco tiempo algunos motivos para seguir adelante en la dura escena española del metal. En 2000 ganaron el concurso de maquetas de Euskadi Gaztea (la radio vasca) y al año siguiente el concurso Pop Rock Villa de Bilbao en la modalidad de metal. El rock que practica Amimishock se nutre del thrash más virulento. De hecho, en algunas canciones, hablar de Sepultura como influencia vertebradora de su creación es tan odioso (las comparaciones son...) como inevitable, pues inevitable es acordarse de "Roots", con ese toque tribal y primitivo (el final del segundo tema, "Cruzado", con esa distorsión de guitarra tan especial e inconfundible de los brasileños, podría insertarse en ese disco y nadie encontraría algo fuera de lugar). Unas veces más orientado a la melodía y a las estructuras del rap metal, otras más brutal y vocalmente gutural, en cualquier caso, "Ciclo H", en su estilo, que diría un amigo, tiene calidad y buen hacer.






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