DISCOS AL OÍDO *
]>Comentarios de discos...
HISTÓRICO, ARCHIVO DE INDYROCK
#
Comentarios * Ir a comentarios ACTUALIDAD
BASE HISTÓRICA:
# 2015 # 2014
# 2013 # 2012
# 2011 # 2010
# 2009 # 2008
# 2007 # 2006
# 2005 # Índice
general + 2004 # 2003 # 2002 # 2001
# Anteriores
BUSCADOR en Base histórica 'Discos al Oído' de IndyRock
(
Click en los resultados para ir a información completa)
Busca en la página actual; el la sección histórica de Discos al
Oído; en IndyRock web
COMENTARIOS 2004, 2003. 2002 - Base histórica
Loquat "IT´S YOURS TO KEEP" DEARSTEREOFAN
2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Es agradable penetrar en el mundo apacible y misterioso de
Loquat, un quinteto de dream pop que debuta en el formato largo
(tras sendos eps) con este "It´s Yours To Keep". Disco de
atmósferas sedantes, convincente colección de canciones
magnéticas, con un extraño y sutil poder de atracción, de adicción
emocional, la ópera prima del quinteto americano está conformada
por diez prosas poéticas más bien accesibles (nada hay de duro o
difícil en la propuesta de la banda) sobre la vida en soledad,
sobre el (inevitable) retorno a los territorios de la infancia (la
propia infancia es un territorio soñado, imaginado), sobre algunos
días nublados y algunos días con sol. Un disco este que consigue
momentos de autentica calma y hermosura, de fragilidad (la
tristísima canción que lo abre, "Take It Back", el riff amargo de
"Swingset Chain", la breve y orientalizante "Need Air", quizá la
mejor del disco, esa especie de blues apático que es "Change The
Station" o el ascetismo instrumental, apenas un piano, de
"Internal Crash") tanta que, por momentos, las canciones parece
que van a romperse: apenas hay guitarras estridentes, todas están
tocadas con mimo, con dulzura, los teclados, omnipresentes,
arropan cada corte, la encantadora voz de Kylee convierte cada
texto en una confesión, pasando todos por reales y sinceros (si es
que acaso no lo son). "It´s Yours To Keep" es una de las sorpresas
de la temporada. Un disco pequeño y honesto, de cámara, acogedor y
magnético. Un hallazgo.
TRES MUJERES EN
ACUARELA 2004: NUEVOS DISCOS DE Tara Jane O´Neil, Thalia Zedek
y Julie Doiron
por Fernando Navarro- IndyRock
Avalancha de mujeres en el sello Acuarela. En la misma fecha
se editan tres estupendos discos de tres maravillosas
folk-singers, cuyas propuestas, aunque tienen algunos puntos en
común, se diferencian radicalmente.
"Your Sound, Reflect", mi favorito de los tres, es el nuevo
álbum de la multi-intrumentista norteamericana Tara Jane O´ Neil.
Su magnética propuesta, la más folk de todas y también la más
post, la más apegada a la tierra y a la vez la más alejada de los
hombres, es de las sobrecogen e inquietan, de las que turban. Sus
canciones son amargas, tristes, austeras; su voz clara y fría,
está dotada de una capacidad de fascinación increíble, es frágil
pero no afectada, es gélida y atormentada pero no dura. Tras la
abstracción que abre el disco, ya en "Howl", su segundo tema, deja
caer una melodía folk que parece de toda la vida, de esas que
recorrían las campiñas para prevenir de los lobos y que, ya en la
tierra prometida, se instalaron en los graneros y en los bosques,
en las llanuras del Mid-West o en las montañas. Un disco que no
tiene desperdicio y que tras una gran cantidad de bellezas ("The
Poisoned Mine", las deconstrucciones de "Famous Yellow Belly",
"Without Push" "Knows Perils") se cierra con una belleza
atemporal, el instrumental "Tea Is Better Than Poison" cuyo
título, acompañado de la música, consigue poner los pelos
literalmente de punta.
Segundo disco en solitario de la ex Come, Thalia Zedek,
"Trust Not Those In Whom Without Some Touch Of Madness" (que
traducido sería algo así como "No te fíes de aquellos en los que
sin un toque de locura", que al parecer surge de una galletita de
la suerte china en la que alguien despistado había pegado el
principio y el final de dos papeles distintos) confirma la
contundencia emocional, lírica de su propuesta. Mujer dura y
sentimental, buena bebedora y mejor conversadora, en "Trust Not
Those...", Zedek se muestra muchos más íntima (si es posible) que
en su primer disco, basando sus canciones en desarrollos
instrumentales prolongados, cansinos (nada sería lo mismo sin la
inestimable ayuda de los geniales Dave Curry y Daniel Couhglin) en
los que la voz de Thalia aparece como un salmo, dolida y
arrepentida (la fuerza de "Ship", la intensidad blues de "Sailor",
la presencia divina que da la espalda en "Angels", la esperanzada
"Brother" o esa incómoda, durísima "Island Song"), como la voz de
una santa pecadora, redimida y redentora.
Octavo disco de estudio de Julie Doiron y primero que edita
el sello Acuarela, "Goodnight Nobody" confirma la querencia de
esta canadiense bilingüe por el folk austero, desnudo y
emocionalmente ambiguo (sus canciones se debaten entre la
melancolía huraña e invernal, y cierto sentido del humor, cierta
ironía no exenta de autocompasión). Sola o en compañía de otros
músicos franceses y canadienses (entre ellos André y David de
Herman Dünne, Dave Draves o Rick White) en este disco con forma de
diario, Julie habla de los meses fríos y la nieve, de
arrepentimientos, de esos momentos en los que uno desearía volver
atrás, hacer que todo cambiara; habla de noches locas y días de
resaca, de camas vacías, banjos y escritores de canciones. En este
cuaderno de buenas noches, cálido y cercano, Doiron se encuentran
algunas de sus mejores canciones (el atrevimiento casi jazz de
"Last Night", la fragilidad de "Tonight Is No Night", la extraña
melancolía de "Dance All Night", uno de los mejores textos del
disco, la confesión de "The Songwritter" o la apenada ironía de
"Banjo") y, sin duda, sus mejores letras. Este es uno de esos
raros discos hechos también para ser leídos, un disco manuscrito,
hecho de las páginas arrancadas de un cuaderno íntimo, arrugadas
en la papelera y luego rescatadas.
VV.AA. MUSIC FOR
MODERN LIVING SPV / AUDIOPARHM 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Creada con la idea de hacer más llevadera la vida (moderna o
no) actual, "Music For Modern Living" es una super recopilación
efectuada por los célebres disc jockeys Mellow and Rivera, en la
que cabe de todo, lounge, pop norteño, baladas horterillas,
algunas curiosidades sonoras, neo jazz o soul, todo plagado de
mucho groove y mucho buen rollo, como un recopilatorio posible de
las músicas felices. Así caben, en dos discos que se dividen en
"Inbound" y "Outbound", desde el genial preludio de The Go! Team
("We Listen Everyday") a la bossa deconstruida ("Eighty-One" de
Folke Jensen o "Snobird", el inesperado encuentro entre Sharkey y
los geniales y ya disueltos The Pharcyde) y las maravillas funk de
Quincy Jones y Bill Cosby ("Along Came Mister Nobody") hasta la
electrónica latinizante de Seductive Souls o Rivera Rotation, del
folk espacial de "Parcels" (maravillosa canción de John &
Beverly Martin) a la diversión alocada y algo petarda de Damn!, el
funky imparable de All Good Funk Allience o la electrónica
cerebral, machacona, germanizante de Torpedo Boyz (con esa
demencia llamada "Are You Talking To Me ???") así hasta desembocar
con las pasadas de rosca de Super Style Deluxe, Client o Morgan
Geist. Finiquitando, cerrando una fiesta privada de música alegre,
feliz, frívola y despreocupada, hecha para el cuerpo, nunca jamás
para el alma.
Incognito
"ADVENTURES IN BLACK SUNSHINE" EDEL RECORDS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Escondido bajo el nombre de Incognito, Jean Paul "Bluey"
Maunick es un músico británico de color que practica una suerte de
soul blanco (si me permiten la paradoja racial), europeo, frío a
pesar de sus intenciones erotizantes, negro en el fondo, impecable
en las formas, cuidadísimo en los arreglos, en los ambientes
sedosos que envuelven cada canción pero, creo, carente de alma, de
groove. Se resiente, "Adventures In Black Sunshine" de un
repertorio demasiado prototípico, en el que, ojo, no faltan
algunas buenas canciones pero que en cuerpo es fallido; se
resiente de la falta de actitud y carisma, de personalidad y
egolatría propia del género (un genero, el neo soul británico, que
carece de figurones y, sobre todo, de fuerza); se resiente,
finalmente, de una producción que mima los detalles pero que en
conjunto reincide en los mismos arreglos (los bajos más o menos
saturados, los metales suenan más o menos parecidos en todas las
canciones, el piano eléctrico acaba siendo una presencie
monótona). Hay, con todo, elementos disfrutables en el disco de
Incógnito para el aficionado a tan insulso género que el lego -yo
entre ellos- quizá no aprecie. Me quedo con algunas canciones (el
instrumental "The 25th Chapter", la sencillez de "This Thing
Called Love", la fragilidad de "Autumn Song" o "Mr. Jones" que
nada tiene que ver con las canciones homónimas de Dylan o Counting
Crows) y con la sensación de que, probablemente, este sea un disco
para disfrutar con mucha más edad, tras la barra de un local
decadente, o en una tienda de moda, observando de reojo los
probadores de las chicas.
Jimmy Cliff
"BLACK MAGIC" 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Regreso del príncipe negro del reggae (el divertido y alegre
segundón Jimmy Cliff, que siempre estuvo por detrás del gran
maestro, el rey Marley) "Black Magic" es un disco de reafirmación
personal en el que el veterano músico se hace acompañar de un buen
puñado de músicos y graba un disco-resumen, con material nuevo.
Siempre es un lastre que se hablen más de las colaboraciones que
del material del disco, pero en este caso ambas van unidas, amen
de que el plantel de colaboraciones es sorprendente. Desde el
arranque casi R n´B acompañado por Spice ("I Want I Do I get") a
la festividad que siempre imprime el ex Fugee Wyclef Jean (que
hace suya "Dance"), de la reivindicación social con tintes
arabizantes junto a Sting ("People") a la visión delirante de la
estupenda, quizá la mejor del disco, "Fantastic Plastic People",
el disco de Cliff se basa en encuentros con otros artistas y
piezas personales. De entre los encuentros destacan, además de los
mencionados, el dueto con Annie Lennox (más por ella que por la
canción, quizá una de las menos interesantes), la aparición del
genial Joe Strummer en la canción más interesante del disco, la
dura "Over The Border" o la cachondona "(Ooh, la, la la) Let´s Go
Dancin", nada menos que con Kool & The Gang y la bestia del
ragga, Bounty Killer, además de las inesperada aparición del
tensita Yannick Noah en la balada "Take Your Time". De las
canciones de Cliff sin amiguetes, hay que señalar la mirada al
atentado de las Torres Gemelas en "Terror (September 11th)" o al
conflicto israelí "War In Jerusalem", para acabar con las muy
optimistas "No Problems Only Solutions" y "Good Life", en las que
Cliff, amante de la vida, aún joven, propone mirar hacia delante.
Siempre adelante.
Static-X
"BENEATH, BETWEEN, BEYOND" WARNER BROS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Borradas las fronteras definitivas del metal, acabadas más o
menos las miles de etiquetas del rock duro actual, han quedado
algunas bandas que, inicialmente surgidas bajo el injusto
apelativo Nu-Metal, han ido evolucionando hasta encontrar la
identidad. Algo a lo que, imagino, cualquier músico aspira hoy
día. Static-x son una de esas bandas a las que le ha costado
encontrarse, pasando de unos inicios más mainstream a convertirse
en una banda de industrial, con todo lo que ello conlleva. A pesar
de todo y aún asentado, su repertorio remite a los reyes del
tinglado (los superventas y superpopulares Korn, con los que las
comparaciones son obvias y odiosas) y a viejas glorias del metal
industrial. Como síntoma de su estatus, Static-x se permiten el
lujo de editar un disco de rarezas, canciones nunca editadas y
caras b para deleite de su público (muy numeroso en Estados
Unidos, algo menos en Europa) y solaz del aficionado al nuevo
metal. En "Beneath, Between, Beyond", se encuentran todas las
poses, las afecciones y los logros de este cuarteto, que son casi
los mismos que los de muchos de sus compañeros generacionales:
guitarras potentísimas, el inevitable apoyo electrónico, una base
rítmica más que contundente y los sobrecogedores alaridos de Wayne
Static. Se resiente el disco, como todo recopilatorio, de su falta
de coherencia, aunque no son pocos los momentos de emoción, de
energía. Entre lo mejor, sin duda, la terrorífica "Anything But
This", la muy industrial "So Real", el remix de Paul Barker de
Ministry de "I´m With Stupid" o la versión de los propios Ministry
"Burning Incide" con Burton Bell de Fear Factory, además de las
convincentes cover de Black Sabbath y Los Ramones.
Brian Wilson
"GETTIN´ IN OVER MY HEAD" RHINO / WARNER 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
El talento inagotable, colorista, visionario y atemporal de
Brian Wilson, el genio atormentado por la luz, el santo
californiano, regresa, por fin, en formato largo, tras seis años
de abandono y como convincente prólogo a la comentadísima edición
de "Smile", el más celebrado, famoso disco maldito. Extraño, por
inesperado, disco de pop brillante y barroco, delicado e
inspirado, en "Gettin In Over My Head" Wilson ha reunido a algunos
viejos amigos (Elton John, Eric Clapton y Paul McCartney e incluso
la voz del ya fallecido Carl Wilson se dejan caer por el disco)
para grabar un fresco sobre la California post 11-S vista desde la
distancia y el punto de locura de su autor, siempre desde la luz
(una luz distinta a la dorada luz que conoció Wilson. California
ha cambiado, en veinte, treinta años ha habido muertes y tiroteos,
han muerto amigos y ahora gobierna un fanático borrico austriaco).
Con todo, encuentra Wilson, ese es su genio, rincones bellísimos
en la soleada y apestosa nueva California. Su repertorio no se
resiente, no envejece. Al ser en si mismo un género, Brian Wilson
se alimenta de si mismo -y acaso del viejo rock de los
cincuenta- dando lugar a unas canciones bellísimas,
aparentemente sencillas pero de una complejidad sorprendente,
canciones por las que es imposible que pase el tiempo. Hermosas
reflexiones sobre la belleza en medio del horror ("How Could We
Still Be Dancin´") sobre el amor, la ingenuidad, la inocencia o la
amistad (nada hay de oscuro, o sórdido en las maravillosas
"Gettin´ In Over My Head" o "Desert Drive", en la conmovedora "A
Friend Like You", dedicada a Paul McCartney, o en esos dos cuentos
de hadas en formato pop que son "Make A Wish" y "Fairy Tale"),
canciones que hemos necesitado siempre (un domingo por la mañana
jamás será lo mismo después de la impresionista "Saturday Morning
In The City") sobre la necesidad de la divinidad en "Don´t Let Her
Know She´s An Angel") y la divinidad misma (se cierra este
imprescindible disco de Brian Wilson con un maravilloso vals en el
que, girando, dando vueltas, casi perdiendo el sentido, vamos
recorriendo los amores que hemos tenido, los que nos han hecho
mejores personas y han alimentado la vida; un vals que puede
perpetuarse porque es la vida en si, lata o no el corazón). Sólo
tengo clara una cosa: Necesitamos a Brian Wilson. El mundo es
mejor con él dentro.
Ray Charles "THANKS
FOR BRINGING LOVE AROUND AGAIN" 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Grabado antes de su muerte, "Thanks for Bringing Love Around
Again" es el auténtico testamento sonoro de Ray Charles y nada
tiene que ver con la multitud de recopilatorios y falsos últimos
discos del influyente músico americano. Disco pequeño, más bien
modesto, de Ryhtm n´Blues y soul, la obra póstuma de Charles,
confirma la insistencia, el talante trabajador y el empeño
personal de Ray Charles como músico, siempre fiel a su sonido y a
su legado. "What I´d Say", el tema que abre el disco, sirve de
guía a lo que encontraremos dentro, tanto para bien como para mal:
a ver, para bien, que Ray Charles era un gran compositor, un buen
cantante y un pianista inmejorable. Para mal, que el disco es una
versión descafeinada de los grandes momentos de Charles por ese
empeño (no sabemos si impuesto por las circunstancias de la
grabación, por el dinero o por una iniciativa de Charles) de usar
continuamente bases grabadas, cajas de ritmos en lugar de baterías
y arreglos de metales provenientes, no de instrumentos, sino de
sintetizadores y muestreos. Dicho esto, consigue, con todo,
sobresalir del disco un puñado de buenas canciones a las que no
afecta esa producción un tanto ochentera: son canciones con aroma
a toda la vida, bien escritas, con corazón. Ahí están el innegable
groove de"Can You Love Me Like That" o "Really Got A Hold On Me",
la hermosa declaración de amor (dado pero sobre todo recibido)
de"Thanks for Bringing Love Around Again" quizá la mejor canción
del disco, ese espiritual disfrazado de medio tiempo "How Did You
Feel The Morning After", el sentido lúdico de "Save Your Lovin´
Just For Me" o las estupendas "Mr. Creole" y "Mother" con que se
cierra el disco, la primera un recitado con sabor a Nueva Orleans
y la segunda una sentida balada de amor maternal, con la que
Charles, que mejor manera, decía oficialmente adiós al mundo en el
que nació.
The Music/
"Welcome to the North" 2004
por Santiago Craig - IndyRock
¿Puede sentirse nostalgia por un tiempo no vivido? ¿Pueden
añorarse épocas más sinceras, más crudas, cuando sólo se ha
existido siempre en la misma ingravidez, en la misma
inmaterialidad plástica, elástica, hecha de nada? No se. Responder
preguntas no es mi fuerte. Me gusta plantearlas, me suena a
documental acerca de los OVNIS, pero realmente no se ni me
interesa responder esas cosas. En el fondo, sólo hago el planteo
porque se me ocurrió al escuchar el último disco de The Music. Si
se me hubiera ocurrido algo acerca de las propiedades químicas del
desodorante en aerosol, simplemente me hubiera preguntado eso.
Pero no: escuché el disco y me invadieron inmediatamente una
mezcla de indignación y añoranza que derivaron en los
cuestionamientos precedentes. Ahora: ¿Qué me pasa? ¿Por qué tanto
lío, tanto pregunterío? Es que me di cuenta de que hay cierta
mugre que extraño, cierto desapego y aire bohemio lleno de barro
seco en los bucles, la dulce consecuencia de algunas drogas
blandas. Un aroma de azúcar quemándose en el viento, caramelo,
eso, un aroma ajeno que supongo y desconozco. No se muy bien de
qué hablo, como dije antes. De una insólita manera no conozco
siquiera lo que extraño. Una víctima más de esta época vacía (de
sentimientos vacíos, si se quiere ser un poco melodramático) en
donde se sufre por no poder darle contenido al sufrimiento (en el
mejor de los casos), y se tiene la impresión de quedar empastado
en una angustia viscosa, en una queja que es una laguna de chicle,
de engrudo. Una época en la que uno a veces siente más miedo de no
tener miedo que miedo de algo, y no puede dejar de sentirse
invadido por un desborde químico, por una ingravidez insípida, un
hueco oscuro que parece abrirse en todas partes. Es que el frío no
enfría, la sal no sala y el azúcar no endulza, para decirlo al
estilo de nuestro prócer postmoderno Charly García. Y este nuevo
disco de The Music, representa tanto eso que me asusté un poco.
Fue como ver todo de un golpe. Empezando por esas baladas lavadas
que parecen diseñadas por un ingeniero vial para acompañar la ruta
lánguida de un tiempo que más que pasar parece desperezarse; esas
pseudo-marchas militares eléctricas: un rock estudiado para dar
con una pose que pretende simular las ganas de romper vidrios a
patadas. Hippies con peluquero. Led Zeppelin y Deep Purple
eligiendo gritos y desbordes con un decorador de interiores. Hay
riff y distorsión, y sin embargo, uno advierte el vacío como todo
soporte. Por momentos uno siente casi tristeza (no, tristeza no,
casi) y advierte que del yeah yeah yeah al ooooh ooooh ooooh, no
puede haber un gran avance. Todo se repite y se recicla ¿Cuál es
la última banda que hizo sonar distinto una guitarra? Y no es que
uno pida originalidad, sino más bien, una búsqueda. (No puede
pedir originalidad alguien como yo, que ama a los Ramones, a Bon
Jovi con rulos y a David Bowie por igual) Si la sensación de
agotamiento se da en todos los ámbitos de la vida: esa asfixia,
esa aparente abundancia en la que terminamos por advertir que casi
todo sobra (no, todo no, casi), estaría bien gritar un poco más
por este lado. Creo lícito pedirle a la música que nos pegue un
cachetazo, una patada en los dientes y nos libere de los híbridos
ataques de pánico y de las pastillas para calmar el dolor.
Lo peor de todo es que el disco no es malo, es vacío; no hay nada
atrás. Se tiene la sensación de que se podrían ir pelando las
distintas capas de sonido hasta llegar a la nada. Hay algo de
Radiohead, algo de Oasis, algo de los Hanson. No está mal,
entretiene, todo muy bien con los chicos, pero nos dejan huecos de
nuevo. Nos llevan al norte, y nos dejan fríos. Pero bueno, al
menos, por mi parte, me regalan esta especie de indignación y de
nostalgia ridícula que he aprendido a disfrutar como un
sentimiento auténtico en estas épocas de aridez afectiva.
Boss Martians-
"The set up"-CD
Spanish Tour 2004 - I Wanna Management 2004
Por J. E. Gómez - IndyRock
Si decimos Seattle y Garage, los amantes de los sonidos rokeros,
fuertes, frenéticos, cercanos al punk, están de enhorabuena. Se
trata de Boss Martians, una formación que recala por tierras
españolas en su Spanish tour 2004 para presentar su cuarto
álbum, "The set up", cargado de rifs, rápidas guitarras y
voces descaradas. Sonidos de carretera, garitos fronterizos,
viajes en 4WD. Han creado 13 temas en los que se aprecian los
gustos por el estilo Supersuckers, e incluso The Posies. De hecho
la producción ha estado a cargo de Johnny Sangster, productor de
estos dos grupos y andas como Young Fresh Fellows y The Makers. Su
procedencia de la tierra del grunge no queda oculta en "The set
up" (la mezcla ha sido realizada por Jack Endino, responsable de
algunas grabaciones de Nirvana y Soundgarden). Boss Martians
sorprenden también por su apertura de miras y la facilidad para
rockanrolear sin parar, incluso con los sonidos más frescos de la
costa oeste, trasladan a los Beach boys a la frontera con Alaska.
(Spanishs Tour en octubre de 2004).
The Blueskins
"WORLD OF MOUTH" DOMINO RECORDINGS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Ya nadie se atreve a poner en duda el estado del rock hoy en
día. Aún así, para el pobre infeliz que aún desconfíe del reciente
auge de las bandas de guitarras, en los últimos años siguen
apareciendo antídotos contra la terapias antirock de los medios en
este país (las radios privadas, la televisión pública, la
izquierda y la derecha, el rock lo resiste todo) en forma de
nuevas revelaciones. De este modo, esta temporada a las
grandes referencias del rock viene a añadirse una más, conocida
pero aumentada, The Blueskins. Este excelente disco "World Of
Mouth" viene a confirmar lo que muchos sabíamos de este cuarteto:
a saber, que son una de las más frescas formaciones de rock n´
roll de la actualidad, que saben sonar potentes y renovadores a la
vez que remiten a lo más grande del género espídico del rock. Ahí
están los coros y el solo de guitarra de "Stupid Ones" (cuya voz
remite a la Creedence), la maravilla rythm n´ blues que es "Change
My Mind", la sorprendente fiereza casi mod de "Girl" o "Go", el
rockabilly de "Love Boat" o el rock a secas, de "Tell Me I´m
Someone". Lo dicho, The Blueskins son una parte más de ese gran
pastel del rock que los aficionados necesitamos y que, a pesar de
todo, seguirá existiendo.
Tweaker
"2 A.M. WAKEUP CALL" IMUSIC/PLAYGROUND/PIAS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Se han rodeado Tweaker (dúo de electrónica y rock industrial
formado por Chris Vrenna y Clint Walsh) de una sorprendente lista
de nombres ilustres para que ayuden, den brillo y mucha riqueza a
este "2 a.m. Wakeup Call", que suponemos su mejor disco y que está
compuesto por grandes colaboraciones intercaladas por momentos
electrónicos, así de simple. De este modo, en "Ruby", el corte que
abre el álbum, hacen encontrarse la fragilidad, inquietud y el
misterio de la acústica y la voz de Will Oldham con las
afiladísimas guitarras, los teclados y las programaciones
habituales de la banda (casi metal) y así van pasando de la
electrónica semi épica de "Worse Than Yesterday" con Mellowdrone a
la estupenda "Truth Is", casi un blues, donde aparece Robert
Smith, de la sutileza y elegancia de uno de los músicos más
refinados de la escena actual, el elegante David Sylvian que
aporta calma y coolness al disco con su "Pure Genius" a la
histeria de "It´s Still Happening" acompañados de Hamilton
Leithauser, y así hasta el momento más desconcertante, la
aparición de las inconfundibles líneas de guitarra de Johnny Marr
que aporta a la maravillosa "The House I Grew Up In" una capacidad
de conmoción, de melancolía y belleza como solo el ex de The
Smiths sabe hacer. Con amigos así, quién quiere enemigos.
The Upwelling -
Ep 2004
Por J. E. Gómez - IndyRock
Una vuelta de tuerca a la música más conceptual de los 70. Un
recorrido por los sonidos de los sentimientos y las sensaciones.
The Upwelling hacen una música cadenciosa, cargada de matices. Su
trabajo The Upwelling es un viaje interior, un recorrido por
temáticas a veces luminosas, y cargadas de oscuridad y días
grises. Desde New York y Boston, este trío formado por los
hermanos Ingber, Josh y Ari, y Scott Morley, no ocultan sus
influencias en bandas como Pink Floyd, músicos como Santana,
Leonard Cohen, e incluso la extravangancia folk de The Pogues.
Letras cuidadas, meolodías por encima de todo y calidad en los
arreglos. Su cuartel general en Brooklyn no les impide sumergirse
en los sonidos más indies de la escena británica. Canciones como
"American Nigth" son un himno hipnotizador que calaría en los
locales más underground de la vieja Europa.
http://www.theupwelling.com
theupwelling@theupwelling.com
Ariel Kill Him
"IN THE PYRAMID" CYDONIA RECORDS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Tras convertirse en una de las más respetadas figuras del
underground sueco (con sus bandas Serene y Leiha) David Lehnberg
regresa ahora con un proyecto personal, Ariel Kill Him. Ayudado
por el productor Magnus Björk, miembro de Cobolt y que figura como
músico en casi todos los cortes, Lehnberg ha grabado un disco
delicadísimo, del que apenas queda la huella del reciente pasado
emocore de su autor. Una obra, "In The Pyramid", que ofrece un
repertorio basado en la sutileza y la calma (abre el disco David
con "Seashell Eyes", una canción épica y falsamente triunfalista)
que va tomando forma hasta adquirir un carácter casi narrativo.
Juegos inofensivos con la electrónica ("Alarm") y canciones de pop
suave, más o menos formal, y más o menos guitarrero (la
deconstrucción de "At My Favorite Place" es relativamente
experimental, las bonitas guitarras de "I Am Hollow", ese single
clarísimo que es "Not Today, Not Tomorrow", quizá la más redonda
canción del disco o ese par de curiosidades que son "Jimi Hendrix"
y "The Exclusive Moment Of Travelling Inside Yourself", esta
última de diez apacibles y lisérgicos minutos) aunque, para el que
suscribe, lo mejor de la función son las canciones acústica. Una,
en concreto. La número cinco, curiosamente titulada "Less Beat",
menos ritmo. Es en esta canción, en este sonido otoñal y amargo,
sin ninguna estridencia ni arreglos más que la guitarra acústica y
una voz dolida, a la que se le añade un piano, donde Ariel Kill
Him logran los verdaderos momentos de emoción de un bonito
disco.
For Stars
"IT FALLS APART" ACUARELA DISCOS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Entre mis manos observo, mientras suena "I Should Have Told
You", el corte que lo abre, los planos detallados, repletos de
números y formulas, de figuras geométricas de todo el diseño de
"It Falls Apart", el nuevo disco de For Stars. Viendo esos planos,
perdiéndome en líneas discontinuas, en figuras que no reconozco,
en los dibujos de nudos y más nudos, algunos de los cuales no he
visto nunca, escuchando ya el segundo tema, "Calm Down, Baby", mi
cabeza se va desplazando hacia algún lugar, alejado de esta vida
que me ha tocado vivir, en un barrio que no me gusta, entre el
ruido de las motocicletas y los gritos de algunos vecinos; voy
alejándome incluso de este cuerpo en el que no siempre estoy
cómodo, y de esas extrañas ideas que tengo, y de la gente que
conozco y de la que quiero, y voy incluso más lejos. Con "It
Doesn´t Really Matter" ya estoy fuera de mí, para mi bien.
Comprendo, o creo comprender entonces, los dibujos y los planos,
entiendo los números, las letras. K, n´, p, m, q. Entiendo y
asimilo de inmediato la figura trece, la seis y la catorce. "In
The End" es ligeramente más optimista; a partir de ahí simplemente
oigo la música, las canciones, sencillas y hermosas, muy
emocionantes, plagadas de bellísimas armonías vocales y pianos, y
alguna guitarra; separadas de cualquier referente que me recuerde
lo demás. Canciones que me transportan a donde quiero estar ahora.
Imagino entonces, escuchando el disco (avanza ya por "Shattered
Glass"), que la vida no existe, como tal, con el sudor, la sangre,
los celos, el ruido y las decepciones. Ahora creo que, alejada de
la electricidad y la química que la produce, queda una vida que es
la que si existe. Que no tiene que ver con esta pero que es la
vida en realidad.
Eso es lo que creo.
From first to last
"DEAR DIARY, MY TEEN ANGST HAS A BODYCOUNT" EPITAPH RECORDS
2004
por Fernando Navarro- IndyRock
En su incansable búsqueda del punk y la rabiosa juventud del
rock, en su empeño en la renovación del género de pop ruidoso y
breve, Epitaph no deja de sorprendernos y de editar discos que, de
algún modo u otro, siempre acaban estando ahí, siendo importantes.
El último, este que tenemos entre manos, es el disco de debut de
un jovencísimo quinteto, From First To Last, y está acertadamente
titulado "Dear Diary, My Teen Angst Has A Bodycount".
Estructurado, por tanto, como un diario, y a la vez como una
elegía a la angustia adolescente a la que se refiere el título, el
disco contiene no pocos argumentos en torno a esta idea: el fin de
ese angst del que hablaron los románticos alemanes (representado
en la portada del álbum con un entierro conducido por hombres
trajeados a los que no vemos el rostro) y que luego retomó Franz
Kafka. Una sensación de opresión existencial, de amargura
imparable, de desdicha un poco caprichosa y a la vez devastadora,
que lleva a la (auto)destrucción y que tiene reflejo en las
canciones del disco: las estupendas "Note to Self" o "Secrets
Don´t Make Friends", esa canción de amor plagada de smog, difícil,
que es "I Liked You Better Before You Were Naked On The Internet",
la maravillosa "Emily" (siempre me gustaron las canciones con
nombre de chica), los alaridos de "Kiss Me, I´m Contagious" o la
generacional "Ride The Wings Of Pestilence". Este es, sin duda, un
gran disco.
Newton - "Para
que mis noches en vela no sean en vano" - CD tony Kenke
Records-04
Por J. E. Gómez - IndyRock
Newton es reggae/dancehall. Este dj llegado de Santo Domingo, ha
entendido y asimilado los sonidos de la escena pseudo mestiza
española. Del hip hop al flamenco, la rumba y los sonidos
africanos, todo con un inconfundible aire jamaicano. En "Para que
mis noches en vela no sean en vano", recorre los espacios
callejeros, las tribus urbanas, protesta social, discursos con
carga de reivindicación. Un canto a la libertad de culturas y
expresiones. Un canto a la integridad personal y a la autogestión.
En este disco, su premiere en la escena discográfica española,
cuenta con la colaboración de el hermano L, de la Puta OPP,
Morodo, Chulito Camacho, Ikah y Makamersim. Newton navega con
samples, electrónica. No deja de lado su faceta de Dj. El disco
es, además, el primer lanzamiento del sello Tony Kenke
Records.
Soma Raza -
Blind World - CD 2004
Formula Free
Por J. E. Gómez - IndyRock
Es difícil encontrar bandas que logren romper los estereotipos
marcados por estilos como el hip hop y el funk y, sin complejos ni
ataduras, mezclarlos con el rock más descarado. Esto es lo que ha
hecho Soma Raza, una banda formada por venezolanos y franceces y
afincada en Barcelona. Poseen el descaro de lo latino, su frescura
y ganas de reivindicar nuevas formas de expresión. A ello se une
la larga tradición del mestizaje de sonidos que imperó en la
Francia de final de siglo. Los componentes de Soma Raza no se
olvidan de las calles donde habitan e intentan susistir. El rap
está presente en todas sus composiciones, un rapeado a caballo
entre la expresión del hip hop negro y los sonidos rebeldes de
grupos como Cipress Hill. Si a todo esto le añadimos un poco de
Ragga y aires de fiesta funky, el trabajo editado por Formula
Free, Blind World, descubre una nueva dimensión en la música con
raices. Por cierto, no les da miedo mezclar sampleados con estilo
radiofónico. Siete años de carrera y giras por media europa, les
avalan. El single 'Fácil' es la escucha obliga para entender a
Soma Raza.
Undernotes -
'Let the pride down' CD-2004
Rulot
Por J. E. Gómez - IndyRock
Buenas canciones. Power pop sin aditivos. La evolución del pop de
los 90 tenía que conducir, irremediablemente, a la música de
Undernotes, una banda destacada de la escena catalana, donde el
listón está cada vez más alto. Afirman que gustan de la música sin
límites ni fronteras, quieren entender la creación en toda su
universalidad. Esto es lo que han hecho en su primer álbún
titulado 'Let the pride down'. Nueve canciones con unidad
temática. Autosuperación, amo, desamor, confianza en los propios
recursos. Poseen una curiosa forma de expresarse. Parten de
melodías y rif guitarreros a los que dan cuerda, facilidad para
desarrollarse y lograr la expansión que la composición musical
necesita. Guitarras poderosas y suavidad en las voces con una
magnífica base rítmica. No les da miedo recurrir a estereotipos de
los setenta, la calve está en la expresión y el poder de
comunicación de sensaciones y pensamientos. Duros, sí. Suaves,
también.
El club de Marilyn
HECHO EN LA SOMBRA (EDICION INDEPENDIENTE)
por Santiago Craig - IndyRock
Hay glamour en el barrio, hay lentejuelas, plataformas y pieles de
zebra y leopardo. Hay pestañas nacaradas que bajan como pájaros de
rimel espeso a posarse sobre la pupila hiperquinética del cantante
que gira y salta; frases musicales trepando por lianas de humo al
borde de la guitarra que suben, se retuercen y explotan en riff y
punteos incendiados de rock; ojos balanceándose en charcos de
pintura azúl, púrpura, fucsia, violeta, y labios rojos húmedos y
chispeantes gritando coros acarameladamente femeninos raspándose
en gargantas sucias de tabaco. Lu-Lui, pañuelos de seda y chaqueta
blanca con estrellas negras, pantalón verde hiperajustado y botas
estrelladas, también, negras y blancas, brillando sobre las tablas
de un escenario que parece ser el único sostén para su cuerpo
convulsionado, de pronto quieto, saltando, electrificado,
estremecido, estallando; Marcelo y sus pantalones de cuero negro
pantera, gigante como un Torino lustrado por la lluvia, deja
flamear camisas desbordantes de luz mientras va llenando todo de
sonidos eléctricos; Paulie es todo pantalones rojos, campera de
cuero blanca, pieles y plumas de pájaros multicolores, las notas
graves desde el costado más oscuro del escenario. Y va pasando la
música: "No me gusta bailar" es un New York Dolls argentino, un
Matadero Dolls, si se quiere, que rompe todo, "Se va el tren" "La
promesa" "Sin consuelo" van dando solidez garagera al disco, esa
solidez que no se logra con prolijidad y sofisticación sino con
buenas canciones. Sigue el Glam y "Yo se que te gusta" o
"Pídemelo" van dejando en claro de qué va la cosa: no son los
Ramones, ni los Rolling Stones, no son Kiss tampoco, aunque usan
casi la misma cantidad de pintura y punteos agudísimos, pero son
rock and roll en estado puro, en ebullición, hirviendo. El disco
termina con "Gato Encerrado" un tema con vocación de hit de
estadio.
Podemos adentrarnos en este "valle de muñecas"(muñecas stones, si
se quiere), en www.elclubdemarilyn.com.ar,
en donde también se publican las fechas de la banda. Es un viaje
que vale la pena: sonido rockanrolero y de barrio pero hinchado de
burbujas doradas: como si hubieran decidido hacer una kermesse y
pintar las paredes con purpurina, tapizar los adoquines y las vías
del viejo tranvía con telas multicolores, y maquillar a cada uno
de los policías y los almaceneros con tonos chillones. Es una gran
fiesta hecha de abajo, en la sombra, como dice su disco, desde los
lugares oscuros y ocultos que siempre nos reclaman: Pibes que se
pintan, laburan, y tocan rock and roll, y que saben sacar de esas
sombras almidonadas y llenas de naftalina rancia a la vedette
recontraputa que todos llevamos dentro. Hagan el viaje, salten,
griten, libérense, ¿O no les gusta bailar?
THE ANOMOANON
"THE DERBY RAM" HOUSTON PARTY RECORDS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Le gusta manejar a Ned Oldham (cabeza visible de The
Anomoanon y, han acertado, hermanísimo de Will Oldham) abundantes
referentes literarios para sus discos y sus canciones. De este
modo, si en su primer álbum, "Mother Goose" recuperaba la larga y
casi desconocida tradición de cuentos de hadas norteamericanos y
en "Robert Louis Stevenson A Child´s Garden Of Verses", el
segundo, usaba poemas infantiles de Stevenson, ahora, con "The
Derby Ram", Ned se ha ido mucho más lejos, tan lejos que al buscar
las raíces para sus textos se ha acabado encontrando con un viejo
poema medieval inglés, "The Derby Ram" que, cuentan, cantaba
George Washington en sus apacibles paseos por los verdes jardines
de Nueva Inglaterra, hoy Boston. Así, en sus nuevas canciones que,
con todo, siguen sonando a blues encharcado, a folk espiritual, a
country inquietante y a rock acústico, Oldham y su banda
establecen un interesante diálogo entre la música de raíces
norteamericana y las propias raíces de la lengua, jugando, no sólo
con el poema medieval, sino con las metáforas shakesperianas y con
los ambientes silvestres, de cuentecillo moral de Chaucer. Quizá
más áspero que otras veces, más misterioso, el repertorio de "The
Derby Ram" está tocado por las brumas lejanas de las costas, por
el enigma de los bosques y los páramos, por cierta belleza
intangible de la tradición ("A Man Of Words", "Mary Had A Pret
Bird / Bluebirdy Jam", "Ding Dong Bell") y por la turbación que
crean ciertas viejas melodías y ciertos textos (las invocaciones
ocultistas de "For Every Evil" o "O Lady Wind", "Cambric Shirt",
la rarísima "One For Anger" o la espeluznante "Bourbon Whiskey /
The Derby Ram") que nos remiten a un mundo no tan alejado de este,
al que una vez pertenecimos. Un mundo de bosques oscuros y enormes
castillos, donde las canciones iban de un sitio a otro, como
reptiles. Ese mundo.
Supervega,
"Sentado encima del mundo", El Golpe, 2002
Por Paco Camero M. - IndyRock
En su primer trabajo, los barceloneses Supervega, Paco y Sergis,
dejan constancia de las coordenadas que fijan el rumbo de su
música: el pop, ése de toda la vida, ése que en los años 80 vivió
su explosión frenética en España. Estrofa, estribillo, estrofa,
matices, arreglos sutiles. Junto a Darío Martín (teclados), Anna
Carné (violín y coros) y Carlos Córdoba (guitarras, producción y
masterización), entre otros, las dos mitades de Supervega componen
un repertorio en el que caben baladas melancólicas ("Elena"),
canciones electroacústicas, otras en las que el piano acapara el
protagonismo. Incluso toman como modelo el pop con recursos
electrónicos en "Malos presagios" y se atreven con sonidos y
melodías eminentemente celtas ("Irlanda"). Musicalmente es un
album variado, aunque nunca sin salirse de los confines del pop;
vocalmente remite en ocasiones a U2 y los famosos falsetes de
Bono, su cantante ("Llueve sobre mí", el primer single y uno de
los mejores temas). En suma, todo un tributo a ese pop de melodías
y coros que aunque viej0 nunca muere y que difícilmente dejará de
recibir homenajes como éste, como otros.
Jeff Caudill - "The
Way Back" - CD-Maxi
Cydonia Records
por J. E. Gómez - IndyRock
Pocas veces se tiene el placer de encontrar un trabajo
eminentemente acústico y, menos aún, si se trata de un músico
marcado por el punk. Jeff Caudill, voz de la banda norteamericana
Gameface, ha decidido presentar un nuevo trabajo en solitario (el
segundo después de "Acoustic"-1999), un Cd-maxi bajo el título
"The Way Back". Bellas Canciones (con mayúsculas), cargadas de
armonías y creadoras de atmósferas sugerentes, intimistas,
trabajos del más puro pop-punk y contadores de historias por
tabernas de carretera. jeff Caudill. Hay sencillez en las
composiciones y, ya se sabe, en lo sencillo está la virtud de la
composición. Puedes encontrarlo en www.bcorediscos.com
"The Way Back" está editado en España como presentación de un
nuevo sello Cydonia Records, creado por el líder del grupo Madee,
Ramón Rodríguez, lo que supone una garantía de cara a la calidad
de las elecciones de la discográfica que nace con vocación de
independencia. Junto al trabajo de Jeff Caudill, Cydonia Records,
se presenta con el disco "Caliber" de la banda "The Hit".
The Hit - "Caliber"
- CD-maxi
Cydonia Records
por J. E. Gómez - IndyRock
¿Quieres pasártelo bien? ¿Te gusta el pop
mezclado con el punk? Si es asi, no dejes pasar el trabajo de The
Hit, "Caliber", editado por Cydonia Records. Es el trabajo del
también director de cine underground de EEUU, Matt Matsuoka, autor
de títulos como Heartbreack Beat" y "For the Cash". Un músico
curtido en el hardcore de Seattle con bandas como Ten-O-Seven y
Reed Rocket. Es una música sencilla de guitarras alegres,
distorsionadas, estallidos de energía que, en momentos, recuerdan
al rock más garajero y melodías que nos llevana las concepciones
clásicas del pop con una voz eminentemente punky. Este disco de
cinco temas es el adelanto de un larga duración que será edtado
próximamente por Cydonia Records. The Hit son: Matt Matsuoka, voz
y guitarra: Soto Rebelos: bajo; Kenny Ball: guitarra y John Wicks:
batería.
Puedes encontrarlo en www.bcorediscos.com
Sleater-Kinney,
"One Beat", Kill Rock Stars/Green UFOs, 2002
Por Paco Camero Mesa - IndyRock
Lo primero de todo: este disco es una flagrante apología del rock
y del amplificador, hecho que será sancionado negativamente por
aquéllos que desde hace varios años sostienen que la modernidad
pasa por la defunción de la guitarra eléctrica. Pero Sleater
Kinney, formación integrada por un trío femenino, no forma parte
de ese elenco de grupos debutantes (encabezados por el formidable
éxito de The Strokes) que, por las oscilaciones de las modas de
mercado y gracias a las buenas críticas de algunas revistas
musicales nacionales e internacionales (no se sabe si por mala
conciencia), han vuelto a plantear la vigencia de una música que
estuvo cerca de la perfección en las composiciones pretéritas de
The Velvet Underground y Television, entre otros. "One beat" es su
sexta entrega, de modo que el sonido de las norteamericanas
presenta una madurez que se inclina por las melodías. Voces,
estribillos poderosos, dos guitarras y una batería impetuosa: el
formato del grupo es bien básico, por lo que el planteamiento
musical es agradablemente sencillo y, en cierto modo, primigenio
(en este sentido, pueden recordar a The White Stripes). Ello no
impide que en los temas haya matices: retazos de surf, rithm &
blues, teclados juguetones y simpáticos arreglos. Pero el núcleo
de su música es una suma perfecta de melodías y estribillos pop y
de contundencia punk. "Funeral song" nos remite al sonido de Hole;
"Symphaty", a la inconfundible voz de PJ Harvey; "One beat", que
abre el disco, suena agresivamente grunge; "Faraway", con un riff
demoledor, es la (inevitable) canción dedicada a los sucesos del
11-S,... y así hasta completar los doce temas. En suma, tres
mujeres de Olimpia que se mueven entre el legado de las riot
grrrl y el punk inteligente de Patti Smith. Guitarras,
melodías y distorsión. Viva el rock.
Cabellero Reynaldo, "Studio 54", Criminal Records-Hall of
Fame, 2002, www.criminaldiscos.com; www.hallfame.com
Por Paco Camero M. - IndyRock
Un comienzo en el que se suceden órganos hammond y unos señores
jugando a hacer armonías vocales advierte del carácter teatral de
la función que acaba de levantar el telón. Creado por Luis
González, veterano de la escena valenciana y alma mater de este
proyecto, Caballero Reynaldo es un personaje acrónico y caprichoso
que en cada disco se mueve a su antojo por épocas históricas
distintas. La historia que articula este disco y justifica su
título destila surrealismo y sentido del humor. Sólo diremos que
Studio 54 es aquí el nombre de un pub de Dos Hermanas (Sevilla) en
donde Luis Reynaldo tocaba swing en la década de los 40, época en
la que cualquier ritmo alejado de las coplas y los pasodobles al
uso y con olor a extranjero era merecedor de la más cruel anatema.
Y efectivamente, encontramos en esta obra canciones pop ejecutadas
bajo los patrones del ritmo swing, letras surrealistas, rayanas en
lo grotesco y casi siempre irreverentes y minimalistas. Un
ejemplo: "Encima de tu ciudad cruzan aviones a montones, que algún
día caerán, y a más de uno asustarán". Es todo el texto de un tema
llamado "Clásico con twist". Otras veces la música se acerca a un
concepto más convencionalmente pop, menos satíricos y más
agridulces, como en los temas "Mi nombre es Luis" y "Ausente",
este último absolutamente adictivo y delicado. Es imposible no
acordarse al escuchar este disco de aquéllos que hizo Frank Zappa
con los inefables Mothers of Invention, en los que parodiaban todo
cuanto abarcaban sus lúcidas cabezas, y abarcaban mucho, desde su
profundo conocimiento de la música popular del siglo XX. No cabe
duda de que una propuesta como la de Caballero Reynaldo
constituye, sólo por sus formas, un reto a la dictadura de un
mercado musical raptado por el bisbalismo y por el temor de no
sonar siempre muy, muy moderno. Esta valentía les emparenta, por
ejemplo, con los desaparecidos y surrealistas Derribos Arias. Al
igual que éstos, Caballero Reynaldo son únicos.
Señor Mostaza, Pianoforte EP", Criminal Records-Hall of
Fame, 2002, www.criminaldiscos.com; www.hallfame.com
Por Paco Camero M. - IndyRock
Señor Mostaza es el alter ego popero de Luis Prados, un valenciano
profesor de conservatorio que además de a su labor académica se
dedica a componer y tocar ese pop atemporal que se nutre del
legado de los Beatles, de las melodías coloristas, de los
estribillos que se quedan clavados en la memoria. Prado, que toca
casi todos los instrumentos muy dignamente, formó parte de los
Flauters y se ha curtido además en algunas giras nacionales de
M-Clan tocando el piano. Este trabajo es nítidamente un homenaje
al pop, a esa corriente que ha sido como una reina nunca
destronada al menos durante los últimos cuatro decenios. Algo hay
también de cordial parodia, de distanciamiento humorístico, que se
observa desde el primer momento, o sea en los mismos títulos: "Soy
feliz" (por cierto, quizá el mejor de los siete temas junto con
"Fin de curso"), "Electricidad de corazón" o "Caramelos de fresa".
En la nota promocional se señala también la influencia de los
Beach Boys. No se trata de rebatirlo, pero todo hace indicar que,
a partir de ahora, y bajo el influjo y la autoridad de Rockdelux,
no se podrá hacer pop en este país sin agitar la bandera de los
chicos de la playa, sin pertrecharse tras esta etiqueta que parece
proporcionar automáticamente parabienes de la crítica.
Una sonrisa
terrible, "Paracaídas", Criminal Records-El Diablo, 2002,
Por Paco Camero M. - IndyRock
Lo primero que llama la atención de "Paracaídas" es su envoltorio,
en formato digipack y con un libreto interior desplegable que
incluye un avioncito y que es una verdadera chulería, eso sí, una
chulería delicada y con toque naïf. Empiezas a escuchar las
canciones, pero ya casi no te hacen falta para saber que a los
componentes de Una sonrisa terrible, entre ellos Isa Terrible y
Dani Cardona, activistas musicales de Valencia, les gusta el pop
art. De modo que el caramelo tan bien adornado por fuera es de
varios sabores: hay pop de piruleta (lo llamaremos así, pero que
no se enfade nadie) con su correspondiente toque infantil y
cándido, de impostada inocencia, y algunas programaciones, pero
también hay temas más directos, más contundentes, como "Faltarte"
(uno de los más bonitos) o "Pequeño diablo". En otros momentos, la
modernidad de funde en un mismo cuerpo con lo petardo. Es el caso
de la canción "La casa okupada", en la que se refleja la
cotidianidad de una casa en la que hace falta comprar quitamiedos
para los enchufes y cuyas vecinas, que son "muy okupas",
"apagan las luces cuando sospechan que ando husmeando detrás de la
puerta". Tras un primer disco con poca fortuna (como siempre en
este país, por lo angosto de los canales de distribución), el
grupo espera ahora remontar el vuelo con esta tormenta de melodías
alegres y melancólicas y con una actitud que se asemeja en algunos
momentos a Nosoträsh.
SIDDHARTA "OCTUBRE"
Octubre Records
Siddharta es la revelación del hard rock
melódico. De la mano de Octubre Records han lanzado su álbum
"Octubre", una colección de temas en los que se recupera la fe en
las guitarras, las melodías clásicas y una voz que engancha y
crece en la reescuchas. La personalidad del front man, unida a
guitarras límpias y una base rítmica digna de elogios, hace de
Siddharta una banda que puede ubicarse en los más altos lugares
del Hard Rock europeo. Su empeño en cantar en español quizás les
recorte las alas internacionales, pero mercados como el
centroeuropeo están ávidos de nuevos grupos con contundencia, sin
importar la lengua. Buscan calidad y a esta banda le sobra.
Magníficos desarrollos rítmicos que envuelven al oyente y lo
transportan a espacios donde impera el misterio, las atmósferas
neblinosas y cielos grises. Siddharta es un viaje a los 80
perfectamente anclado en los inicios del siglo XXI. Voces, rifs,
percusiones y sobre todo buenas canciones y r&r.
MarySlim - "Nothing In Common/ Red Room Lover" (White Jazz
Records - 2001)
Por Javier García Ferrer - IndyRock
Aunque el número de bandas surgidas desde
la fría y lejana Escandinavia, aunque parezca mentira, no deja de
crecer, si que es cierto que cualitativamente no todas de las que
nos llegan son destacables. Ahora que Turbonegro han desaparecido,
Backyard Babies andan perdidos en busca del éxito a toda costa, y
Hellacopters y Gluecifer están emigrados a multinacionales, la
explosión del norte busca nuevos reemplazos de referencia, en un
primer momento parecía ser que el cetro seria tomado por Hellride,
pero por lo visto, muy a mi pesar, han perdido su tren. Pues bien,
en este contexto, aparecen MarySlim, con un contrato recién
firmado con White Jazz, primigenia discográfica y cuna de la
mayoría de bandas cabecera del género, y con este single como
adelanto de su nuevo y flamante Lp, cuya producción corre a cargo
del reputado Tomas Skogsberg, en los Sunlight Studios de
Estocolmo. Como antecedente tenemos, el magnifico 10" "Saints From
Hell", que grabaron para el sello de nuestro compatriota Mr.
Turmix, y donde ya aparecen la esencia de la banda, muy buenas
dosis de R´n´R festivo, con grandes melodías y con mucha frescura,
la banda ha sido descrita como un amalgama de influencias desde
Kiss, AC/DC, New York Dolls, partiendo eso si, desde un sustrato
punk-rock......así que todos sabemos de que estamos hablando. Yo,
particularmente, me quedo con la cara B de este single "Red Room
Lover", un excelente trabajo de simbiosis de Punk, R´n´R y
actitud, que me recuerda en su sonoridad a los Hellacopters más
clásicos; en cuanto a la cara A, es un tema que con su frescura,
melodía y diversión, merecería copar los charts en lugar de las
morallas que lo hacen ahora.
DERIVA. Planes de Fuga. Criminal Records. Rafa Berrio es
un cerebro del underground nacional que lleva bastantes años
haciendo lo que le viene en gana con bandas tan suicidas como UHF
o Amor a Traición. Deriva es el nombre de su último proyecto de
francotirador, que cuenta con la inestimable colaboración del
productor, programador y técnico de las máquinas donostiarra Iñaki
de Lucas. "Planes de Fuga", el primer disco con tal formación es
una obra que se presta a engaño, cambiante pero coherente donde
Berrio usa la tecnología para vestir unas canciones donde priman
los textos agresivos e hipnóticos, de realidades densas para
perderse. Siempre bordeado por unas guitarras afiladas, este disco
de punk tecnológico, casi neopunk, puede tener como reminiscencias
aquel profético "Cyberpunk" de Billy Idol y encuentra sus iguales
en los recientes primeros discos de Astrud o El Estado Y La
Historia, en este caso sin el petardeo de los primeros ni el
ambiente post punk de los segundos. Así Deriva nace como un
proyecto, quizá más comercial que los anteriores de Berrio, pero
igualmente valiente. Fernando Navarro
FILL BLACK. Fill Project. Avoid Records. El Hip Hop
español ya tiene mayoría de edad y como tal ahora empiezan los
obligatorios procesos de selección que separaran las mediocridades
(muchas, la mayoría) de los grandes artistas (aquellos con
entidad, personalidad y versatilidad, con la suficiente como para
diferenciarse de las distintas escenas mundiales) Dicho esto, he
de confesar que en algunos casos mi perplejidad es tal que no sé
distinguir los unos de los otros, debido, en parte, a la
saturación, que me impide ver cosas más claras. Fill Black,
proyecto surgido en Valencia de la unión del mc Tommy G y el dj
Negro Che es uno de sus casos. Álbum irregular y de excesiva
duración "Fill Project" es un disco que se hubiera beneficiado de
un generoso recorte, algo que hubiera facilitado su posterior
escucha. Lo que se ha editado se queda en una obra muy, muy funk,
claramente negroide (por ahí lo del nombre) de rimas vacilonas
pero algo faltas de intensidad (no al menos la intensidad que
vemos en la Mala o sobre todo Doble V), bien mezclado, incluso
bien intencionado pero que tiene en su falta de definición
estilística un problema. El común enemigo que todos los nuevos
artistas del Hip Hop tienen que combatir, para sacar la cabeza en
una escena difícil y competitiva. Una escena en la cual Fill
Black, si reinciden en la línea soul, incluso R&B de "Una
Mañana +" o "Afro Conciencia" o la cierta melancolía de "Fuck
Policía" acabarán por encontrar su sitio. Algo nada fácil.
Fernando Navarro
The Icarus Line "Mono" (Crank! -
Sweet Nothing 2001)
Por Javier García Ferrer - IndyRock
Ahora que muchos fans del hardcore actual se han quedado
huérfanos, tras la disolución de "At The Drive In", aparece el
nuevo trabajo de The Icarus Line, que parece ser el sustitutivo
perfecto, y que hará las delicias de los amantes de esas
sonoridades. Sin entrar en análisis de calidad, o de lo que
realmente pueden aportar este tipo de bandas, The Icarus Line,
facturan un post-hardcore, que bebe directamente de Fugazi, banda
cabecera del subgénero, pero mirando también hacia atrás,
incorporando matices de clásicos como Black Flag o The Stooges,
sobretodo en su absoluta obsesión hacia el feedback. Este trabajo
esta producido en parte por Mark Trombino, el cual abandonó el
proyecto por desavenencias con la banda, tomando el testigo, como
no, por Alex Newport, el aclamado productor, entre otros, de
Sepultura, y los antes mencionados, At The Drive In, aportando el
sonido y la actitud que la banda necesitaba. Guitarras velozmente
distorsionadas, con precipitados cambios de ritmo, y unas letras
escupidas unas veces en forma de gritos y otras en leves susurros,
todo ello se puede apreciar en extraños temas como "Feed a Cat To
Your Cobra", "Love Is Hapiness" o "Enemies in High Places".
Pleasure Forever "Pleasure Forever"
(Sub Pop - El Diablo 2001)
Por Javier García Ferrer - IndyRock
Hedonismo absoluto, la búsqueda del placer concentrada en forma de
banda, como bien indica su nombre, eso es lo que son Pleasure
Forever, el mismo trío que antes fue conocido como Slaves, y antes
como VSS. Salidos de San Francisco, Pleasure Forever comulgan el
post-punk de Nick Cave and The Bad Seeds, las atmósferas de The
Doors, el lirismo del glam de los 70´s con un sentido de la
teatralidad y el cabaret, del que ninguna banda hoy en día, nos
tenia acostumbrado. Todas estas sin pares influencias convergen en
un punto exacto en forma de canciones, desde la inicial
"Goodnight", hasta la epopeya de siete minutos que es "Any Port in
A Storm", con unos cambios de ritmo excelentes, el groove de "You
And I Were Meant To Drown". Si el sonido y las influencias de esta
banda son atípicas, también lo es su formación: piano, guitarra y
batería, con ella facturan lo más cercano a la grandilocuencia y
la pretenciosidad de la década de los 70´s, sin olvidar que lo
realmente importante son las canciones. Todo aquel que se deja
llevar por cualquier recomendación que lanza la prensa británica,
y que la mayoría de veces, sino todas, rozan la vergüenza ajena,
debería fijarse en Pleasure Forever, una "verdadera" banda de
pop-rock, que tiene una historia y unas canciones detrás, y que,
aparentemente no son flor de un día.
The Immortal Lee County Killers "The Essential Fucked Up Blues"
(Sweet Nothing - K Industria, 2001)
Por Javier García Ferrer - IndyRock
La deconstrucción máxima del blues jamas
hecha, que agradara sin lugar a dudas, mas a los seguidores del
punk que a puristas retrógrados del blues; si bien Mick Collins
con sus Gories asentó las bases del genero; y Jon Spencer y su
Blues Explosion lo elevaron a cotas de comercialidad antes no
alcanzadas, Chetley "Cheetah" Weise y Doug "The Boss" Sherrard, lo
llevan a su máxima expresión minimalista, con la única ayuda de
una guitarra y una batería, desgranan una concepción del blues de
los mas ruidista, pero sin perder el apego por los patrones más
clásicos, siguiendo parámetros cercanos a lo que hubiera seguido
Jon Spencer sin no hubiera abandonado los parámetros sónicos de su
antigua banda Pussy Galore. Tomando su nombre del mítico Jerry Lee
Lewis, el primer y más autentico "killer", desmontan, y vuelven a
emsamblar a su gusto todas las tradicionalidades del sonido blues,
recreando lo que ellos denominan "blues from the punk delta", con
un sonido sucio, duro, pestilente de whiskey de la peor
destilería, que emparienta el blues con el garage-punk, buque
insignia de su escudería, Estrus Records, donde comparten hogar
con otras luminarias como Lord High Fixers o Fatal Flying
Guilloteens. Chetley berrea como un poseso mientras desgrana toda
una colección de riffs con su guitarra, mientras Doug no se cansa
de aporrear su batería, canciones como "Go To Hell On Judgement
Day", "Let´s Get Killed" o la apabullante versión del clásico
"Rollin´ Stone" de Muddy Waters, de nueve agotadores minutos te
llevan directamente al infierno, poniéndote la carne de gallina, a
base únicamente de brutal sinceridad. The Immortal Lee County
Killers son la demostración palpable que sin grandes artilugios,
ni producciones pretenciosas, únicamente con dos instrumentos, un
8-pistas y mucho sudor etílico, pueden dar como fruto un Lp que
realmente mueve tu culo, como muy pocos hoy en día. Actualmente ha
habido cambios, Doug ha abandonado la nave, en pos, de JRR Tokien,
antiguo compañero de Chetley en The Quadrajets, su anterior e
imprescindible banda, por lo que tendremos a estos terroristas del
blues sueltos por mucho tiempo. www.leecountykillers.com
VITESSE "What can not be, but is" Acuarela Discos. Con el
pop triste de sintetizadores de los ochenta como principal
referencia (y sobre todo con el "Movement" de New Order como
cuaderno de estilo, especialmente en el aspecto vocal) el dúo
norteamericano Vitesse (norteamericanos con alma de europeos, eso
está claro) edita su tercer álbum "What can not be, but is", que
significa el primero con Acuarela. Con una línea muy clara, un
desarrollo coherente, nunca roto por abruptos ni salidas de tono,
"What can not be, but is" es un disco que debe escucharse de un
tirón (sus apenas cuarenta minutos ayudan) para entender el
concepto de pop y de historias (pues de historias esta lleno este
disco) que proponen Vitesse. Basado en ritmos electrónicos y
guitarras no demasiado afiladas, el pop lánguido de Vitesse
encuentra su manera de expresión perfecta en unas historias casi
adolescentes, sugerentes, tremendamente evocadoras ("2nd Thought"
"Starlight" con cierto regusto a 4ad o la hermosísima "Unsatisfied
Heart") que convierten al disco en una pequeña pieza de pop de
cámara. Uno de esos discos que parecen destinados a acompañar el
final de una relación que fue hermosa o el comienzo de unos meses
en los que nada, absolutamente nada emocionante pasará en tu vida.
Fernando Navarro
CAM. "Honeymoon by"
Por Fernando Navarro - IndyRock
Formado en la riquísima escena electrónica francesa, CAM es un dj
y productor que tras algunos maxis, su álbum de debut "The Beat
Assassinated" y un descomunal proyecto (una serie de tres
volúmenes) llamado "The Loa Project", ha entrado a formar parte de
una curiosa iniciativa del sello galo Chronowax en la que algunos
de los iluminarias patrios recopilan canciones más o menos
inéditas con un argumento unitario. En el caso de CAM, el amor y
los amantes. Así este "Honeymoon" es una recopilación de hip-hop,
dub, jazz y lounge cuyo lazo argumental es la música sensual,
insinuante, cálida, caliente incluso. Para ello la selección se
demarca de algunas compilaciones parecidas por un extremo buen
gusto y una sensibilidad muy francesa para escoger los artistas.
Junto a algunos de los más influyentes mezcladores de la escena
actual (los geniales Coldcut que aquí aportan una versión de
"Autumn Leaves", una exquisita canción que parece salida de la
factoría Bacharach-David pero que en realidad le pertenece al
igualmente maravilloso Johnny Mercer o Dj Matsuoka con su "Piano
Objetive 3") o clásicos indiscutibles del jazz (Grover Washington
Jr de quien se ofrece la desconocida "Loran´s Dance), CAM
introduce a los más recientes descubrimientos del productor Jay
Dee (Que D y Phat Kat) para acabar la función por todo lo alto.
Nada más y nada menos que Henry Manzini con su pieza "Lujon"
incluida en el score de la serie de televisión "Mr. Lucky". Una
recopilación muy, muy cool.
LOOSEGOATS. "Her, The City Et Al"
Por Fernando Navarro - IndyRock
Ni los más aventurados se atreverían a afirmar, ni tan siquiera
insinuar, que Loosegoats son de la fría Suecia. En "Her, The City
Et Al" (tercer disco del quinteto de Estocolmo) Loosegoats se
ganan por derecho y a pesar de su gentilicio, un sitio en la
primera fila de las nuevas bandas del Country Rock (movimiento en
el que la cabeza visible son los geniales Jayhawks) gracias a un
disco maduro, melancólico pero no triste, luminoso y más cálido
que los dos discos anteriores (el titubeante "For Sale By Owner" y
el estupendo "Plains, plateaus and mountains"). Una obra donde a
unas estupendas canciones, ya habituales en su repertorio
("Traveller" mi favorita que sirve para abrir el disco, las
vitalistas "Days Of Black" o "Yucca Mountain" o "Straight Arrow",
uno de sus mejores temas) se une una producción matizada,
detallista, y una sensación de conjunto cerrado, de álbum completo
que no tenían sus predecesores. Como la anacrónica figura del
cowboy en este nuevo siglo extraño y confuso, Loosegoats son un
rara avis en la escena de la que provienen (una escena sueca más
proclive a bandas de metal oscurísimo o a artefactos de techno
pop) pero se pueden (y deben) integrar con total coherencia en la
nueva, optimista y excelente hornada de nuevas bandas de Country
Rock.
SIDDHARTA
Por Javier García Ferrer - IndyRock
Interesante nombre para tan prometedora banda que nos presenta su
single debut "Nadia", a la espera en breve del lanzamiento de su
Lp "Octubre", de la mano de la nueva compañía Octubre Records.
Siddharta facturan un Hard Rock melódico al modo de antaño, deudor
de esas bandas que reventaron las listas en los 80 y de las que
parece que nadie se acuerda hoy en día, bandas como Whitesnake,
Journey, Toto o incluso Van Halen; pero tambien de sus
contrapartidas locales de la epoca, como Sangre Azul, todo ello
sin olvidar matices más clásicos de la mano de referentes
ineludibles como Deep Purple o Led Zeppelin, sobretodo en el hecho
de poseer cantantes de características extraordianrias. No esperes
innovación o modernidad en esta banda, pero tampoco un
revisionismo mimético carente de alma, Siddharta te ofrece
honestidad, sinceridad y coherencia con sus influencias, en forma
de canciones, y la mejor muestra de ello es su adelanto "Nadia",
excelente composición, con la dificultad añadida de tener sus
textos en castellano, que visto lo visto, es prueba difícil de
superar, no escudándose en el ingles, como modo de salvar la
imposibilidad de transmitir un mensaje. En el tema brilla con luz
propia su front-man y cantante, poseedor de una de las mejores
voces de este país sin lugar a dudas; con unos excelentes puntos
de inflexión en su voz, seña de identidad del genero, mención
aparte, merecen también los desarrollos musicales, en especial, en
cuanto al solo de guitarra. En definitiva si la historia no es
injusta, que en demasiadas ocasiones lo es, el nombre de esta
banda debería sonarnos bastante en lo sucesivo, pues lo que esta
clarísimo es que de haber nacido en USA, ahora reinarían en los
mas alto de los charts de ese país.
Portishead
"Dummy" (Go Beat, 1994)
por Rafa Carazo para IndyRock
A finales de 1994 aparecía el debut de una banda llamada
Portishead, el album se titulaba "Dummy" y causó tal revuelo que
todavía se le reconoce como uno de los mejores largos de los 90.
Trip hop en estado puro. Massive Attack sentó las bases de este
movimiento pero Portishead construyó sobre ellas toda una
manifestación creativa impensable cuando se publicó "Blue lines"
en 1991. Beth Gibbons (voz), Geof Barrow (teclados) y Adrian Utley
(guitarra y bajo) elevaron el trip hop a cotas inigualables.
"Mysterons", "Sour Times", "Wandering Star", "Numb", "Roads",
"Biscuit", "Glory Box" (y en general los 11 temas que componen
"Dummy") muestran sensualidad, evasión, encanto; hay jazz, hay
pop, hay soul y hay un claro desasosiego que huele a futuro, a un
futuro que espera con emoción y en el que te introduces si te
sumerges dentro de este aluvión cibernético aunque lleno de
sentimientos y de humanidad. Porque es cierto que en él conviven
el hombre y la máquina, y hay que bucear en ese mundo (a pulmón
limpio), involucrarse en él para ver que goza de corazón porque si
uno se limita a escucharlo desde la superficie sólo vislumbrará un
fría y cruda maquinaria cibernética. El sensual modo
de cantar de Beth Gibbons, los samples (propios y prestados) y el
tremendo sentido musical de Geof Barrow y Adrian Utley se mezclan
y confunden en una unidad sonora sin precedentes y que nunca otros
supieron igualar. Y es que es magnífico, todavía sueño con hacerme
una camiseta con esa "P" sobre el fondo azul, ¿azul eléctrico?.
Portishead tardó tres años en crear otro album, conscientes de que
tendrían que sorprender (de nuevo) o igualar (al menos), pero
aunque su album homónimo de 1997 gozó de una innegable calidad no
tenía la frescura y ese elemento sorpresivo que siempre ofrece
un debut (aunque me estremecí cuando sonó la canción
"Undenied" durante la proyeccion del film "Bajo la arena (Sous le
sable)" del director francés François Ozon).
ACID 7 - "ACID 7" (2001)
Por Javier García Ferrer
Acaba de caer en mis manos la demo presentación de esta joven
banda de L.A, a priori y observando su aspecto en las fotografías
que acompañan a éste, se podría intuir una inclinación cercana a
los parámetros de las bandas de nu-metal que proliferan en demasía
en estos últimos tiempos. Una vez escuchado los tres temas que
componen el Cd, esta idea se aleja de inmediato, y cualquier
resquicio de duda desaparece, este trío compuesto por Alan
Wolstrup, que se encarga de las voces y las guitarras; Tarvo Valm,
en el bajo y coros y Casper a la batería, nos ofrecen un Hard-Rock
de denotado regustillo clásico y marcado acento melódico, que se
aproxima desde una perspectiva ampliamente moderna, y de todos
modos mucho más modesta, a Cheap Trick o el Bowie clásico, es
decir, ese rock, profundamente influenciado por las cadencias pop
de iconos como The Beatles. En el caso de Acid 7 esto se acentúa
mas si cabe, por la producción del antaño controvertido ex Guns
N´Roses y actual reconocido productor, Gilby Clarke, que imprime a
los temas de esa sonoridad propia del rock más melódico pero sin
perder un ápice de contundencia, en la línea habitual de sus
trabajos en solitario. De los temas aquí incluidos "Something´s
Wrong", "All Worth While" y "Super Queen", es este último el que
podría provocar el salto hacia status mas elevados, si bien es
cierto que es difícil prejuzgar la calidad de una banda únicamente
a la vista de tres temas. www.acid7.com
BITTER SPRINGS "Stop The World" Acuarela Discos.
Nueva propuesta del sello madrileño Acuarela, Bitter Springs es
una divertida banda de pop que tiene mucho en común con Gorky´s
Zigotis Mynci y toda esa corriente de pop folklorista surgida en
Escocia, Gales y demás regiones británicas. "Stop The World", el
ep de debut, es una obra irregular (como todo ep) que contiene una
optimista y emotiva canción (la que le da título) así como un
completo esquema de los recursos estilísticos de los norteños.
Melancólicos pero no tristes, festivos pero en absoluto frívolos,
los británicos se divierten con sus canciones, a las que dotan de
estribillos concisos, atrevidos, suenan a Kinks y a el pop festivo
sajón (el pop de "la,la,la" de la estupenda "Tip The Balance" )
aunque, sorprendentemente el mejor tema del ep sea esa especie de
recreación amarga de ciertos sonidos de los ochenta, "Die Hardest"
donde Bitter Springs suenan más new wave, más punk, más ruidosos,
y a pesar de todo con más personalidad. Habrá que seguirles la
pista. Fernando Navarro (IndyRock)
SOBREIMAGEN. El nuevo paisaje del pop
por J. E. Gómez (IndyRock)
"El paisaje ha cambiado" CD.
Testing Ground 2000
info@testinground.com Una nueva apuesta del sello Testing
Ground que aporta otras atmósferas al pop ibérico. Sobreimagen es
un grupo formado por Perdi (voz y guitarras); Yeray (batería);
Richard (guitarras); Marcos (Bajo); Agustín (teclados). Se han
decantado por un pop intimista en el que prima la sencillez y la
instrumentación. Logran crear atmósferas etereas y entradas a
mundos paralelos en los que dominan los sintetizadores y las
guitarras. El tema que da título al álbum "El paisaje ha cambiado"
muestra ritmos cadenciosos, sintonías espaciales, ondas de radio,
samplers. Un tema que puede ser presentado en un gran escenario
festivalero o en la intimidad de una sala de Child Out. En esta
linea,"Rosado", melodías replicantes en si mismas, recuerdos del
rock sinfónico e inmersiones en la electrónica. La tendencia
actual del pop-rock a marcar ritmos siempre al crescendo se
muestra clara y contundente en "Isla Diablo". Destacan las voces
distorsionadas y el juego de guitarras, sencillas, en segundo
plano, suaves pero incansables. "Sigo esperando" es el último
track de un disco que tiene dos partes bien definidas. Es el tema
perfecto para cerrar una segunda parte donde domina la electrónica
y los ritmos envolventes, intimistas que ha creado Sobreimagen.
Los primeros cuatro primeros temas "Pop", "B", "First" y "3" son
un paseo por el pop más clásico con recuerdos a los sesenta. Un
disco que supone un nuevo paisaje para el pop.
I Found God (Outcast
Entertainment - 2000)
Por Javier García Ferrer
I Found God son una banda de L.A que tiene sus orígenes en 1993,
en plena efervescencia de las distintas bandas que se aglutinaron
bajo el apelativo "grunge" y que se extendieron por todo el
territorio americano siempre a rebufo de los dictámenes de
Seattle. I Found God son ambiciosos, se autodefinen como la banda
que surgiría de la unión de una Janis Joplin en estado de gracia
predicando desde el altar de Soundgarden, con Smashing Pumpkins a
los coros; obviamente van demasiado lejos con esa afirmación. La
banda dice estar influenciada desde clásicos, tan distintos entre
si, como Led Zeppelin, Black Sabbath, Motorhead o Janis Joplin, a
contemporáneos como los anteriormente mencionados, Soundgarden o
Smashing Pumpkins. En mi opinión se acercan más a los parámetros
de los últimos, dejando aparte la crudeza de los Soundgarden y
abrazando entusiastamente el binomio guitarras - melodía de la
banda de Billy Corgan, todo ello aderezado, con el punto fuerte de
esta banda, la fuerza vocal de Christy, su cantante (de ahí la
conexión con Janis Joplin, supongo, aunque sus voces no se
asemejan). Tras varias escuchas del Cd, me recuerdan en demasía a
Stone Temple Pilots y Candlebox, en cuanto a las atmósferas
creadas, como en los temas"Drive" o "Cannot Stop The Feeling" y a
los Pumpkins, por ese sentido de la melodía tan característica,
destacable en temas como "Never Come Down" y "Struggle". Un dato
encomiable de la banda, es su filosofía del "Do It Yourself", que
los emparienta con otros artistas, de los que estilísticamente no
tienen nada que ver como Fugazi o Ani DiFranco, pero de los que
comparten su espíritu independiente, editándose sus propios
trabajos ajenos a la industria. Ahora que el grunge es un
movimiento disoluto, encabezado por los exitosos y a la vez nada
recomendables, Creed; I Found God, sin llegar ni de lejos a los
grandes momentos que nos deparó el género en los 90, al menos
aportan algo importante en los tiempos que corren,
sinceridad.
The Bullys "RumbleFist"
(Twenty Stone Blatt - 2000)
Por Javier García Ferrer
Con una banda que tiene en canciones como "Pop Is For Fags" (El
Pop Es Para Maricas) su filosofía, muy poco cabe decir. The Bullys
son una maquinaria punk-rock , que dice estar influida desde
leyendas del género como Misfits, Ramones, Dictators o los más
contemporáneos, Electric Frankenstein, a bandas como Kiss o NY
Dolls, lo que se observa tras la escucha del CD es que se enmarcan
en la más pura tradición del punk-rock surgido de las cloacas más
infestas de NY. Las señas de identidad de la banda, son por una
parte, un vocalista reminiscente discípulo de grandes como Joey
Ramone o Stiv Bators, que va escupiendo sus consignas en cada
tema, y una música, basada en el NYC Trash Punk, inspirada de
pleno por el espíritu L.A.M.F de Johnny Thunders and The
Heartbreakers, ya sabes todo eso del Born To Lose...... RumbleFist
es el desembarco de la banda en Europa, compartiendo sello con
Texas Terri and The Stiff Ones o Iron Boss, y es un compendio de
sus anteriores trabajos, muchos de los temas están producidos por
Marky Ramone, que en mi opinión son los más destacables, sobretodo
el que abre el trabajo "Egomaniac" o "I´m a Boy", sin obviar
otros, que producen ellos mismos, como "I Wanna Be Famous"., que
resumen las señas de identidad de la banda. Ahora que el punk-rock
parece ser cosa de imberbes niñatos, que solo ven a través de los
ojos de basura comercial como Blink 182, cuya principal
característica es su inofensividad, ¿Acaso el Punk-Rock no debe
ser peligroso?, pues aquí tienes a The Bullys, ellos no cambiarán
el curso de la historia de la música, de hecho tampoco lo
pretenden, tampoco aportan nada nuevo para hacerlo, solo te
escupirán sus ideas en tu cara, importándoles un carajo que te
gusten o no.
Izzy Stradlin´ "River"
(Sanctuary - 2001)
Por Javier García Ferrer
Es difícil criticar el nuevo disco de un artista del que eres fan
incondicional, porque aunque te presentaran ante ti un enorme
montón de basura, siempre tratarías de ver algún aspecto positivo,
obviamente esto no ocurre con Izzy, porque sabes que siempre te
obsequiara con un buen pedazo de rock americano de corte clásico.
Este es el cuarto Lp tras su huida de Guns N´Roses, a los que dejó
cojos, y que visto lo visto, sin sus composiciones, no han vuelto
a levantar cabeza, de hecho no han vuelto a publicar material
propio, y son ya un proyecto personal de su front-man Axl. En esta
ocasión, y junto a sus incondicionales, Rick Richards y Taz
Bentley, le acompañan su antiguo compañero, Duff McKagan, y una
leyenda viviente, Ian McLagan a los teclados. Izzy nos presenta
diez composiciones, de las que solo son prescindibles, los dos
reggae, no por su incursión en este género, que ya lo ha hecho en
otras ocasiones, sino por la baja calidad de las composiciones.
Son pues ocho cortes de rock de raíces, basados en la larga
tradición estadounidense, y que nos traen a la cabeza múltiples
referentes, y de las que destacaría la que abre el Lp "Jumpin
Now", y de la homónima "River", si bien no están a la altura
compositiva de los dioses del género (Petty, Earle, Williams), ni
tampoco a la altura de anteriores obras (con su primer álbum toco
el cielo), es muy gratificante ver que Izzy sigue en este negocio
bajo el único impulso de su integridad
Riff Randells
"Who Says Girls Can´t Rock" (Mint Records Inc. -
2001)
Por Javier
García Ferrer
A la espera de su primer larga duración, aquí tenemos el nuevo 7"
de estas tres bellezas canadienses, de las que nos hubiéramos
enamorado en nuestros tiempos de instituto. Si lo de Black Halos y
Plasmablast, es ya un hecho incuestionable; salvando las
distancias estilísticas, lo de Riff Randells es potencial, es
decir, en este 7" muestran lo que pueden llegar a ser si siguen
trabajando en esta línea. Ellas practican un punk-rock guarro y
garagero, de marcado acento melódico, al amparo incuestionable de
la sombra de los Ramones, y aderezado a partes iguales de las
enseñanzas de The Go Go´s y The Runaways; con mucha distorsión y
fuzz en las guitarras. Aquí presentan una enorme versión de las
antaño estrellas canadienses de los 70´s, B-Girls, "Who says Girls
Can´t Rock", una canción con alma de éxito, y que ya les gustaría
haber incluido a The Donnas en alguno de sus Lp´s, y dos temas
propios que son equiparables a la versión...... Temas cortos y
directos, melodía y diversión, así son Riff Randells, la mejor
solución para combatir el aburrimiento.
Plasma Blast "Smashed
Hits" (Fading Ways Music - 2001)
Por Javier García Ferrer
Ahora que los Black Halos han arrasado la península con su
derroche de energía escénica, el lejano Canadá nos depara aún más
agradables sorpresas, parece ser que son capaces de exportar mucho
más que la amarga y decadente comercialidad de Bryan Adams o
Alanis Morisette; o viejas glorias como Rush o Triumph. Ejemplo de
ello es el último trabajo de Plasmablast. Con una imagen mucho más
glamurosa que la de los Halos y una música igual de efectiva, se
acercan a los parámetros marcados por bandas de la explosión
escandinava como Backyard Babies o Hardcore Superstars. Sería
injusto pensar que ésta es una de esas bandas que se apuntan a la
última moda de manera oportunista, pues tras este proyecto se
encuentra Steve Scarlet, guitarra de The Sinisters, legítimos
herederos y continuadores del legado Stooges, desde hace ya unos
años. En este nuevo proyecto, que comenzó como un dúo acústico
entre el mismo y Marcus Ireland a las voces, se decanta por un
glam-punk festivo, de grandes estribillos, con auténticos bombazos
(y futuros hits), como "Cigarettes" o "Kola", con un marcado
acento melódico, pero sin perder un ápice de energía. Siendo muy
exigentes, el único defecto es que se puede echar en falta una
producción más potente, que dote de aún más energía la ejecución
de los temas. Ya sabéis, esta banda reúne tres requisitos: Imagen,
actitud y grandes canciones, suficientes para que les prestéis
atención o no?. www.plasmablast.com
PINK FLAMINGOS
"Nice Boys don't play Rock & Roll" Cd
Wild Punk Records
15 temas de rabioso Punk grabado en los
Pig estudios de Javi PPM, que ha realizado la producción y las
mezclas. Pink Flamingos ha contado con la coalboración de Pablo
Román (Sugarfish - Cecilia Ann), Edu CErvera y Javi PPM y el apoyo
incondicional de Novi PPM. Puedes conseguirlo en WPR. www.wildpunkrecords.com
REDSHIFT
"SHADOWLESS CITIZEN" Musicalmente aquí tienes otra buena ración de
canciones rápidas, voces desgarradas y ritmos para saltar y
pasártelo bomba. En esta ocasión, y por primera vez en su vida,
han escrito un tema en castellano que lleva por título "Lágrimas".
También es digna de mención la colaboración de Daniel terry
(bateria de Like Peter At Home) como cantante en la canción
"Mistaken". Sin olvidar la pista de cd-rom con una elaborada
programación que incluye un tema en video, traducciones de las
letras.
MP3 de "So Be It" haciendo click aqui http://www.soulforce-records.com/download/redshift3.mp3
ARKADIN, EXPERIMENTOS TECHNO EN VIVO
Despues de su
trabajo con "Victor Sierra", Bob Eisentein vuelve con un nuevo
espectáculo electro-techno musical especialmente diseñado para
actuaciones en vivo. Bob Eisentenin (Victor Sierra) ha participado
recientemente en numerosos gigs, entre ellos la Féte de la
musique, Techno parade, MTV jingles... Este es el segundo trabajo
como Artkadin, grabado hace sólo unos días. Mix en directo con
computadoras, fáciles de organizar en un escenario, con menos
problemas de traslados y viajes de sala en sala. ARKADIN es una
nueva apuesta por el Techno en vivo directamente desde
París.
Contacto: Arkadin - Bob Esentein. (33) 1 48 89 14 01 Mobile:
(33)6 09 80 61 51
vsierra@wanadoo.fr http://www.victorsierra.org
Wilma "A Piece Of Work"
(Circling Buzzard Records - 1999)
Por Javier García Ferrer
La historia de esta banda comienza en Dallas (Texas), cuando Wilma
(Amy Marshall) comienza a colaborar con Johnny Marshall, después
de llevar ya tiempo en la música desde los tiempos del instituto,
formando en 1993 su primera banda "Butch", con la que ganaron un
concurso de bandas y llegando a colar un tema en la BSO de un
film.......pero lo bueno aun tenía que llegar, y para prosperar en
su carrera musical se mudan a NY, en el verano de 1995, allí se
hacen un nombre como buena banda de directo, tocando en los clubes
más importantes de la ciudad, como CBGB, Don Hill´s o The
Continental, grabando poco después su primera demo, aclamada por
la crítica de la ciudad, y llegan entonces los primeros contactos
con las majors, para ver quien se queda con la nueva promesa de la
ciudad, pero la banda decide crear su propio sello y lanza en
1999, el cd que acaba de llegar a mis manos, "A Piece of Work",
escuchando este cd sólo te viene a la cabeza una idea, como es
posible que Wilma no estén vendiendo millones de discos en todo el
mundo, y emitiendo sus videos constantemente por la Mtv, porque
este LP tiene muy poco que envidiar a trabajos que si lo han
logrado como los últimos de Goo Goo Dolls o Dave Mathews
Band......Wilma facturan un rock totalmente accesible para las
radio station, de marcado acento pop, con un toque muy funky en el
bajo, pero con algo muy especial que le da personalidad propia,
que son sus canciones, temas como "Bad Boy Disease" o "Make It
Worth It"............todo ello desarrollado perfectamente por la
bonita voz de Wilma y su bajo, las rock guitars de Johnny, y el
perfecto ritmo de Paul Lobel en la batería. Destacar sobretodo el
magnífico tratamiento de los bajos por Wilma, que le ha valido
aparecer en el Bass Player Magazine, y que sin lugar a dudas es de
los mejores bajos funky que he oído, desde los lejanos tiempos de
Bootsy Collins y si no escuchad "Out Come The Knives" y opinad
vosotros mismos. Si queréis conseguir el cd, visitad la web
oficial de la banda: www.wilmaband.com
Dogs Of Lust "Dogs Of Lust" (2000)
Por Javier García Ferrer
El Reverendo Butch DeLuxe, y
sus chicos demuestran que el high energy R´n´R no sólo es cosa de
Escandinavia, sino que en Alemania también se puede ofrecer un
buen producto. Los Dogs son una banda que donde mejor han mostrado
su valía es sobre los escenarios teloneando a Electric
Frankenstein y Adam West con gran éxito, en este Cd de 5 temas
autoproducidos nos encontramos con el germen de su música,
punk´n´roll de altos octanos, con unas canciones y una actitud que
tiran de todos los tópicos del rock en cuanto a composición y
letras, y no muestran ninguna vergüenza por ello, al contrario, se
sienten orgullos de afirmar que su música simplemente es R´n´R más
sucio que las bragas de tu madre!!, reivindicando no sólo a los
grandes del punk, del rock´n´roll , sino también a otras estrellas
más mainstream, como Mötley Crüe, de los que tienen pensado
versionear "Dr.Feelgood" en su próximo LP. Estas canciones con una
buena producción, de la que aquí carecen al ser una grabación un
tanto casera, pueden llegar a ser muy grandes, en estas demos
demuestran un gran potencial, grandes estribillos, potentes riffs,
y sobretodo una gran diversión, destacando la primera canción
"Broken Spine", y la tercera "Rule The Roost", donde cantan
orgullosos y convencidos su filosofía "R´n´R Superstars, Fuck
Forever". En sus más inmediatos proyectos está aparecer en uno de
los volúmenes de la recopilación "A Fistful of R´n´R" de Sal de
Electric Frankenstein, y compartir 7" con Adam West en un sello
español, por lo tanto ésta puede ser una más de las bandas que se
suban al carro de este gran número de bandas que está arrasando
Europa.....y que se sigan uniendo muchas bandas más! (www.dogsoflust.de)
FREE SERENA, vientos gallegos
"Mateo is haircut" Ernie Records ernierecords@mixmail.com
Tf:659928488
Por J. E. Gómez - IndyRock Han sido considerados como el
nuevo exponente del rock "made in Galicia", Free Serena, acaba de
lanzar un Ep en el que muestran cinco temas cargados de sonidos de
calidad que recuerdan a los mejores momentos del pop europeo,
sonidos cercanos a las reiteraciones del pop rock belga de grupos
como Deus, pero con cadencias enraizadas en el pop-rock made in
Galicía. "Nice Place", el primer tema del disco, plantea ritmos
contundentes, con guitarras rasgadas en a lejanía. La voz de José
Vigueira se adentra en sensaciones perfectamente compactadas con
la guitarras y los crescendos ritmicos. Este tema, como el resto
de los que forman el EP, crece con las escuchas. Distorsiones,
acoples sin pérdidas de melodía ("December"). Free Serena se
adelanta a las tendencias del pop-rock español de los últimos
tiempos. Va más allá con canciones cargadas de sensibilidad
("Bye"), un tema en el que está presente la guitarra de Paco Loco,
que además es el responsable de la grabación y las mezclas. La
banda está formada por José Vigueira (voz y guitarra); Alejandro
Enriquez (guitarra); Javier Enriquez (batería); Alfonso romero
(bajo).
The Lazerwolfs "Gothic" (2001)
Por Javier García Ferrer.
El metal hoy en día, es un género un tanto denostado, si bien
disfrutó de momentos de gloria que todos conocemos, con bandas
como Judas Priest o Dio, ha tenido que soportar auténticas lacras
que han echado por el suelo toda la credibilidad del estilo, en
los 80´s fueron las malditas hair bands, mas preocupadas por su
laca que en su música, y en la actualidad, las morrallas heavy
épico alemanas, o el rap-metal. Pues bien, The Lazerwolfs
devuelven al heavy metal toda su grandeza en forma de
extraordinarias canciones, podemos dar gracias a Chris La Tray y
sus 2 secuaces, que desde la profunda América rural (Missoula,
MT), han parido unos temas, bendecidos por el espíritu de Rob
Halford, y que ya desearían los fans de Metallica para sí. La
banda deambula por la fina línea que separa el metal del punk,
practicando un heavy-rock, influenciado por los ya clásicos del
genero como Iron Maiden, Judas Priest, Black Sabbath o Van Halen,
los mencionados Metallica o Fu Manchu, pero también por bandas de
punk como Misfits o Ramones, aunque en mi opinión, la influencia
del punk es mas bien en el fondo que en la forma, en el sentido,
del sentimiento, en el groove del que quieren impregnar las
canciones. Por tanto en "Gothic", nos encontramos con todo un
conjunto de pesados riffs y también con unas letras interesantes,
que hacen que estas 8 canciones, sean un resultado que habla por
sí solo. A destacar la canción que abre el CD "Bonfire" y la que
lo cierra "Ride" destinadas a convertirse en clásicos himnos de
esta banda. Estamos pues pendientes de conocer mas información
acerca de este power-trio , que tienen previsto sacar un nuevo 7"
compartido con otra banda de un momento a otro. Y ya por ultimo
que, el título del CD no os lleve a confusión, no hay ni una pizca
de influencia gótica en este álbum, simplemente es una broma
entorno al tema "Gothic Girl" y la chica que ilustra la portada.
Puedes consultar mas información sobre la banda y conseguir este
CD en la pagina oficial de la banda: http://www.lazerwolfs.com
Vasquez "Two Songs"
(2000)
Por Javier García Ferrer
Nos encontramos ante las nuevas grabaciones de un hombre mítico
dentro de la escena punk-rock de NY, estoy hablando de Ricky
Bacchus, ex-guitarra de los genuinos e inolvidables D Generation,
y compositor, en mi opinión de los mejores temas de esta banda.
Junto a R. Bacchus, quien se ocupa de las voces y la guitarra,
conforman la banda, el histórico Sami Yaffa (Hanoi Rocks, Jetboy,
Demolition 23) en el bajo, y Eric Kuby en la batería. Este cd,
sabe a muy poco porque solo nos encontramos con dos canciones
tituladas "Long Lost Debbie" y "How You Gonna´ Ball", estos temas
difieren mucho del estilo que muchos de sus fans esperarían
escuchar, aquí predominan los medios tiempos, en unas baladas de
las que se respira una melancolía y una soledad que llega a
emocionar..., son canciones con una gran clase. Sin duda alguna es
algo mucho más tranquilo, nada que ver con las auténticas bombas
de relojería punk de D Generation. Es agradable ver que Bacchus
esta vivo después de su etapa en D Generation, involucrado, no
solo en este proyecto, si no también en Mad Juana, banda de Sami,
y también girando en USA con Murphy´s Law (ex-banda de su
substituto en D Generation, Todd Youth). A la espera de un álbum
en directo, que si bien ya debe estar grabado, pero aun no ha
llegado a mis manos, estas dos canciones han sido un buen
aperitivo, para ir abriendo boca... Este cd se puede conseguir a
través de su web oficial: http://vasqueznyc.homepage.com/
Hellride
"Making Out With Fire" (White Jazz-2000)
Por Javier García Ferrer
Las expectativas estaban muy altas tras la bomba que supuso en
nuestras caras, el E.P "Troublemaker", esas 6 canciones eran
auténticas gemas directamente influenciadas por Motorhead y AC/DC,
por citar las influencias más obvias, sus textos hablaban del
infierno, de las chicas, del alcohol, joder!, en definitiva del
R´n´R.....qué nos encontramos ahora en este nuevo cd producido por
el aclamado Tomas Skogsberg (productor de Hellacopters &
Backyard Babies) junto a la misma banda, y grabado en los
prestigiosos estudios Sunlight de Estocolmo; pues con una
auténtica colección de joyas. El disco fue grabado con la misma
formación que el anterior con excepción del bajista Alex Action,
en esta ocasión Zugly se encarga del bajo, Pete Vegem la guitarra
y las voces, y Tex Burguer, la batería. Todo apunta pues a que
Hellride se conviertan en la nueva banda bandera de White Jazz,
tras el abandono de Hellacopters hacia una multinacional; pero
puede que muchos de sus fans se sientan decepcionados con la
reorientación en el sonido de la banda, hacia terrenos más
melódicos, con unas letras que han aparcado las temáticas
anteriores, donde un Pete Vegem (antes Pete Evil) escribe sobre el
amor, sobre su querida y añorada hija......¿Significa eso algo
malo? Al menos para mi no; las canciones son cojonudas, con
estribillos que se te clavan en el cerebro y que no puedes parar
de repetir, hay muy buenos riffs.. ejemplos de ello podrían ser
cada una de los 10 que contiene el cd, me es difícil citar alguna
en concreto, pero podríamos destacar "Sugar Cane", "I Got It
Made", "Bullet From Bullet Gun" o "Tonight Can´t Come Too
Soon"...En definitiva se trata de un grupo en evolución, que ha
dejado en parte (sólo en parte) su pasado, para adentrarse en
terrenos no experimentados antes, pero el resultado ha sido más
que aceptable, con canciones que son mas que buenas; ya que lo que
realmente importa son las canciones!. La actualidad de Hellride es
la siguiente, después de la grabación del cd, abandonan la nave
Zugly y Tex, y Pete se enfrenta a esta nueva situación reclutando
a tres jóvenes promesas; habrá que ver que nos depara el
futuro...............seguro que no nos defraudan.
THE BOP PILLS
"Devil Girl From Mars" Hayride Records 
Desde el '97, año de formación del trío, llevan
avisándonos de una posible invasión alienígena. Tras su primera
señal de advertencia, con un EP en vinilo, ahora plasman en este
su primer CD distintos mensajes para hacer frente a esta amenaza.
Son 14 temas más bonus track sorpresa donde Jorge y Dany Nunes
(miembros por excelencia del trío psycho Brioles) y Mario Cobo
(Duckbills, Dasurfones y ahora Nu Niles) nos hablan de sus neuras,
traumas amorosos y sueños de riqueza. Cuentan su atracción por una
chica con una inmensa boca "Big Mouth'd Baby"; con la esencia del
Fever del Elvis babean pidiéndole a su nena que arda con ellos
"Burn Baby Burn"; buscan un lugar donde estar "A Place To Stay" o
rememoran ese viejo film de los '50 de Ed Wood "Plan 9 From Outer
Space" (Jorge pasa a la guitarra solista y Mario se agarra al
micro), recordándonos que están aquí para salvarnos de los
hombrecillos verdes. Sólo algunas versiones reconocidas "I'll
Never Let You Go", firmada por Love Brothers, y "Never Felt Like
This" de Jack Scott, esta última magníficamente tratada y para mí
uno de los mejores temas del CD. No puedo dejar en el tintero el
instrumental compuesto por Mr. Cobo donde su Grestch escupe y
escupe notas con una creatividad increíble. En resumen el disco
está de cojones. La mayoría de los temas firmados por Jorge Nunes
que berrea con un especial y original, todo hay que decirlo,
feelin', propio de solistas de colecciones como Sin Alley. Mario
hace chorrear rockin' a raudales de su máquina naranja y Dany no
tiene nada que envidiar a Kevin Smith (contrabajo de High Noon).
Asi que, Raw Rockabilly desde Barcelona como única forma de salvar
el planeta, editado por Hayride Records, una novel discográfica
con muy buena vista, por lo que vemos, para cazar talentos.
Conclusión: ¡¡ Pilladlo !!
Danny Santana Las Palmas de Gran Canaria, España. (cedido por
Rockabilly Rules, Ok!!! www.rockabillyrules.com)
Discografía: 45 EP, "The Bop Pills", KCD Records (4
canciones) CD, "Plan 9 From Outer Space", Hayride Records (14 + 1
canciones)
THE BOP PILLS C/ Castellbisbal nº 53 08035 Barcelona,
Spain Tlf: 00 34 93 429 93 18 Fax: 00 34 93 451 54 38 e-mail:
bop_pills@yahoo.com
Hayride records ó Hayride Music Av. diagonal 311 Esc A 2º3ª
08013 Barcelona tf/fax: +34 932080042 Movil:+34 696399930
KCD Records P.O. Box 37093 08080 Barcelona, Spain Fax: 00
34 93 208 00 42 e-mail: kcd_rec@yahoo.com
FATAL PORTRAIT, el
baile de los diablos
"An Elusive Instinct of lascivia". Cd. Downfall
Record.
En este trabajo de los santanderinos Fatal Portrait,
verdaderos gurus y sacerdotes del Black Metal, los diablos han
salido del infierno, cabalgan entre los muros de las iglesias sin
respetar sepulcros, cruces y santuarios. Los guerreros de las
tinieblas han 
desatado su furia.
Se dejan llevar por sus instintos más primitivos, la lascivia. 9
temas cargados de rapidísimas guitarras distorsionadas y
percusiones casi épicas. Sonidos progresivos y sucios. Voces de
ultratumba con un timbre de esquizofrenia que trasmiten
sensaciones de intranquilidad, de miedo, de prevención ante el
otro lado de la luz. "An Elusive Instinct of lascivia" está
publicado por el sello sueco Downfall Record.
Fatal Portrait esta formado por: Sergio (batería), Oscar
(voz), Alfonso (guitarras), Fernando (guitarras) y Roberto
(Bajo).
Contacto: Downfall Records: PO. BOX 12009, SE-402 41 GOTEBORG,
SWEDEN Fx, tf:+46(0)31 246662
web oficial: http://go.to/fatalportrait
CAD, Death
Core desde Eslovakia
"Deadnation" Cd. Downfall Record.
El primer álbún de
los eslovakos CAD, "Deadnation" muestra el alto nivel del Core en
el norte y el este de Europa. 23 temas que ellos mismos califican
como "brutal grind death core". Publicado por la discográfica
sueca Downfall Records, es la consecuencia de cinco años de
trabajo de la banda de Pisto Wilson (guitarra y voz) Jaroslav
Kosticka (batería) y Basia Noiseovna (bajo), incorporada en 1998.
Un grupo fundado en 1994 pero que no comienzan a dar sus primeros
conciertos hasta el verano del 95. Grabaron a principios del año
2000 su primer album que ahora está teniendo una magnifica
aceptación en los espacios europeos dedicados al Metal más fuerte
y abusivo. Destaca una salvaje y oscura versión de "American
Woman" bajo el titulo de "Hamburger Woman". Sonidos extraídos del
centro del infierno. Fuego, sangre y muerte por doquier
("Solitude"). Cad recurre a melodías tradicionales, incluidos los
sonidos jamaicanos, para después, construir un ska cargado de
trallazos eléctricos y gritos de terror (I'm Bad).
Contacto: Downfall Records: PO. BOX 12009, SE-402 41 GOTEBORG,
SWEDEN Fx, tf:+46(0)31 246662
KOMA, LLEGA EL BULLDOZER
Por J. E. Gomez (IndyRock)
Aderezado con sonidos de los denominados de nuevas tendencias,
sampleados y mezclas arriesgadas, los miembros de KOMA se
convierten en la imagen de un bulldozer que arasa lo que toca, que
aplasta hasta la muerte. Con su albúm "criminal", la banda deBrigi
Duque, Natxo Zabala, Rafa Redin y Juan Carlos Aizpun, han tomado
una posición dificil en el mundo del Hard Rock. Han sabido mezclar
los sonidos del R&R clásico con guitarras progresivas y
sonidos modernistas. Letras reivindicativas, frontalmente
luchadoras. Koma se adapta a cualquier reto, siempre que haya
fuerza en las distrosiones y contundencia en la percusión. La voz
de Brigi se hace profunda y parece proceder de lo más fondo del
abismo, especialmente en Jack Queen Jack. KOMA, una banda para
levantar al publico mas aburrido.
EASY
RIDERS, EVOLUCION DIABOLICA
Por J. E. Gomez (IndyRock)
Está claro que las guitarras progresivas siguen siendo la clave
fundamental del buen Metal. Easy Riders llevan al heavy a un punto
de evolución, cercana a lo diabólico, que hace honor a título de
su nuevo trabajo "Evilution", un recorrido por los sonidos más
descarados de la escena metalera pero que se cortan, sin temor
alguno, para dejar paso a preciosas baladas acústicas como "Crowns
of Gold" un mar de tranquilidad que será explosionada por la
distorsión clásica de las guitarras de un tema como Hiking Mars,
rock progresivo cargado de raíces. La banda, con su tercer disco
ha consolidado posiciones. Su directo promete ser atronador y
cargado de momentos de exaltación cósmica y narraciones
legendarias. Hay quienes les consideran un diamente en bruto, pero
con este trabajo, la gema tiene ya aristas perfectamente
talladas.
