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EN INDYROCK * Archivo histórico
Crónicas y conciertos /Latinoamérica
Pez
Abril de 2009 La Trastienda
por Martín Debaser / crónica
Fotos Almendra Bilbao
Los músculos laten y en ellos un reloj se halla incrustado. Esta
electricidad posee una acentuada sensación térmica. Asalta sin
sorpresa ante un estupefacto espectador. Pez es una máquina no
funcional a la sugerencia impiadosa de un público entusiasta. Un
ladrido se extravia en esta niebla nocturna:
"Queseaelvientoelqueenferme!!!”". Minimal, quien parece no
asimilar el pedido, amenaza con esa canción pero detiene la
marcha. La complacencia no es natural en él. Y la actitud "punk"
de la banda la convierte en un ejemplo de cómo desarrollar una
forma de pensamiento (también canalizada al mando de su propio
sello discográfico Azione Artigianale). Acción artesanal. Golpe
directo a la conciencia.
Si el mote de aplanadora del rock se les adjudicó a los
Divididos por sus inolvidables "directos", los Pez no son
mucho menos en este aspecto y lo demuestran con una potencia
inconmensurable. Ariel Minimal (guitarras y voces) refleja un
estado de nirvana subconsciente. Franco Salvador en batería, es
el hombre de los mil brazos, o el metrónomo humano que
direcciona el ritmo del cráneo. Fósforo García, en bajo, es
estático en su postura pero contundente en sus bases, sumadas a
las armonías, a veces, sutiles y oscilantes de Pepo Limeres (en
teclados) que convierten al combo y su espectáculo en una
carrera vertiginosa a ningún lugar. Como los peces fuera del
agua, así derrochan esa especie de epilepsia este comando
autogestionado siempre a la carga con su destreza, fuerza y
sonoridad.
El feedback es escaso y Minimal (en esta ocasión) está menos
conversador. Ellos (desde el ángulo comercial) no suelen
utilizar títulos con tendencia excusativa como "Presentación" o
"Despedida". No les hace falta y tampoco les encaja. Su última
obra "El Porvenir" trae una llamarada de viento fresco a la
silueta malformada del rock actual. Corto en duración (apenas
más de de media hora) donde la lírica fluye, turbia o limpia,
propia de la mismísima contaminación humana y social.
El inicio es un calco (apenas variable) del playlist de su más
reciente producción. El tema homónimo es el puntapié continuada
de "Roma" con un estribillo formidable y pegadizo. Flashback:
“El porvenir” por su carácter sonoro, recuerda a “Pez” (editado
en 1998) en el cual encontramos cierto aroma en el plano de
formato canción orientado a la veta punk y guitarrera, donde
sale a flote una vehemencia casi comparable la de este último
disco. La preciosa "Alada" teje un panorama solitario y de
urgencia para desterrar dicho estado anímico. La poesía
urbana modelo 2009 refleja lo que ya nadie lee en estos
días.
Se avecina el fin. Una desprolija melena añeja arremete la
escena, despareja visualmente, cuando la sensualidad de esta
mujer acompaña la secuencia: Sergio Rotman (el eterno
"Cadillac") más la presencia femenina de Mimí Maura, hacen rajar
las tablas del recinto con canciones como "El Desengaño" (Rotman
propone más energía y despliegue que pulmones) y el fin del
mini-set con "La eternidad" de su otrora banda Cienfuegos.
La audiencia es títere degollado. Pez hace “gala” de su actual
momento. Siempre inquietos, prolíficos y con una conducta grupal
en las bases del no mainstream, (para algunos creíbles o no) y
aquí, quien suscribe, parpadea incesante como queriendo
desconectar los cables del shock mental para volver a la
acostumbrada normalidad cotidiana.
Primera
recopilación de Gustavo Cerati
Por Luciano Mete (Argentina)- IndyRock
Después de componer un tema y producir el úlitmo disco de
Shakira, de girar por España y Méjico en octubre y noviembre, y
de telonear a Blondie y a Morrisey en el Personal Fest de Buenos
Aires, Gustavo Cerati sacó a la venta una recopilación,
supervisada por él mismo, con el título de "Canciones elegidas
'93 - '04", primera de su etapa post-Soda Stereo.
Editado para toda Latinoamérica y España, el lanzamiento
contiene además un DVD, con todos sus videos como solista. Otra
novedad es la inclusión en el disco del tema inpedito hasta
ahora de "Tu locura", compuesto para la serie televisiva
argentina "Locas de amor".
El tracklisting del disco doble, es el siguiente:
Disco 1. Tu locura 2. No te creo 3. Cosas Imposibles 4. Casa 5.
Amo dejarte así 6. Tu cicatriz en mi 7. Artefacto 8. Sulky 9.
Vivo 10. Camuflaje 11. Paseo Inmoral 12. Engaña 13. Puente 14.
Lisa 15. Pulsar 16. Karaoke (Versión remixes) 17. Casa (Versión
remixes) 18. Fantasma (Versión remixes)
Disco 2 (DVD) 1. Lisa 2. Te llevo para que me lleves 3. Pulsar
4. Puente 5. Paseo Inmoral 6. Tabú 7. Engaña 8. Río Babel 9.
Cosas Imposibles 10. Karaoke 11. Artefacto (vivo) 12. Canción
Animal (vivo) 13. Corazón Delator (vivo)
DVD documental "Soda Stereo: una parte de la euforia"
Por Luciano Mete (Argentina)- IndyRock
Por otro lado, acaba de salir a la calle el DVD "Una parte de la
euforia", documental con distintos materiales de Soda Stereo a
20 años de su debut discográfico.
Con producción de Cuatro Cabezas y Sony, el lanzamiento contó
con la colaboración y supervisación de los tres ex - integrantes
de la banda, Zeta Bosio, Charly Alberti y Gustavo Cerati,
quienes además aportaron sus propias filmaciones caseras para la
realización del film. Así, el material recorre la historia
estética, musical y cronológica de la banda latinoamericana más
importante de los años 80 y 90.
Separado en cinco capítulos y en forma cronológica, ("1983-1987.
Camino a la fama", "1988-1989. El gran paso", "1992-1993. La
experimentación", "1990-1991. La consagración" y "1995-1997. La
despedida"), el video muestra imágenes de entrevistas,
comentarios, sesiones fotográficas, ensayos, backstages,
recitales en vivo, videos y declaraciones de la banda con
respecto a la composición de los temas.
Por supuesto que este trabajo, primero entre los integrantes
desde su despedida en 1997, alimentó rumores sobre una posible
reunión d Soda Stereo, sobre todo después de insinuarse que
existía una oferta millonaria para un disco y una gira. La
situación fue aclarada por el mismo Gustavo Cerati: "No hay nada
de eso todavía. Si bien no puedo decir que esa reunión no se
hará algún día, estoy seguro de que no será por dinero. Además,
seguimos sin vernos. El tema es que personalmente he bajado los
decibeles con ese asunto; no me rayo tanto cuando me preguntan.
Incluso hago más canciones de Soda en mis shows. De todas
formas, a los tres nos han pasado muchas cosas juntos y
reconozco que no está bueno estar tan distanciados. Por ahí, en
unos años los tres tenemos ganas y nos juntamos. Esa puerta
estará siempre abierta." (Diario La Nación, Argentina).
Para los fans impacientes, queda entonces la espera, y el regalo
momentáneo del documental.
Francisco
Bochatón: Poesía musical romántica
Por Luciano Mete (Argentina)- IndyRock
Ex bajista y líder de Peligrosos Gorriones (banda
alternativa 90's con tres discos editados), Francisco Bochatón
lanzó su carrera solista en 1998, con el álbum Cazuela.
Dieciseis canciones editadas por el sello Índice Vírgen,
"pimporoteras, con cositas por todos lados", como él mismo las
definió. La misma poesía, a veces surrealista, siempre
romántica, con sensaciones de amor, locura y muerte en letras
cuidadas, narrativa y esteticamente. Un ejemplo de ese primer
disco: "la casa está vacía/de cosas tuyas, de cosas mías/el
cuerpo no me pertenece/es del paisaje, es de la
gente/acostumbrado a morir..." (Acostumbrado a morir).
Incansable peregrino del under porteño, construyó
su séquito de seguidores a base de shows constantes, acompañado
por una formación estable de guitarra, batería y teclado, pero
guardándose siempre un momento íntimo de la mano de una acústica
tocada como al pasar.
Después vendrían dos eps, Píntame los labios y
Mundo de acción, a modo de entregas urgentes de un artista
movido siempre por la necesidad de comunicar, en canciones
despojadas, su persona. Como una terapia musical y una entrega
en cuotas de su propio alma, la propia vida no separada del
arte. Dos grabaciones en las que se destacan 22:33 (píntame los
labios/hazme sonreír/bésame en la boca/pasa un año junto a
mí/llévame al desierto/que debes estar ahí), El Candado y
Pinamar.
Su último disco hasta la fecha, Hasta decir
palabra, es otra entrega de canciones sentidas, cercanas y a la
vez distantes de, por ejemplo, el Beck de "Sea Change":
canciones puras, con foco en la poesía y en la interpretación.
"Mi sueño es cantar bien, que la gente disfrute y preste
atención a mi voz", dijo en algún momento. Títulos como Flor de
locos, Vuélveme a enamorar y Te amo, brillan por su emotividad.
Después de publicar el volumen de poesía Libertades
pequeñas, por estos días, termina de mezclar una nueva
producción, sin título todavía.
LA RENGA En Zanon
22 diciembre 2005 Neuquen
Crónica: Gastón Moreno
Colaboración: Nicolás Bustamante
Foto: gentileza de Comahuerock.
Si alguien pregunta cual es la banda más convocante de la
Argentina la respuesta sin lugar a dudas es LA RENGA. El grupo
liderado por Chizzo Nápoli viene de realizar dos presentaciones
en el Estadio Vélez Sarsfield, en el mes de julio pasado, en las
que convocó a mas de 70 mil personas.
Y si bien el 17 de diciembre pasado fue la despedida oficial en
Tandil para todo su publico, el trío de más poderoso del rock
tenia una parada más en su ruta.
Los de Mataderos con una enorme conciencia social se ofrecieron
para cerrar el año en Neuquen con un show a beneficio de
la ex fabrica Zanon, recuperada por sus obreros.
Solo 12.000 personas pudieron vivir un show más que emotivo del
que participaron no solo los obreros de Zanon sino también
Compañeros del Hotel Bauen, el hospital Garrahan, Frigorifico
Tango Meat, Pepsico, despedidos de Aerolíneas Argentinas,
delegados del Subte, City Hotel y de la organización mapuche.
Esta vez, los representantes de todos estos luchadores que
día a día son ignorados, quisieron hacerse escuchar por medio
del mejor Rock que puede ofrecer LA RENGA.
Este recital no fue anunciado en la pagina oficial de la banda
para no generar disturbios, vale aclarar que la seguridad de las
12000 personas estuvo a cargo de los mismos trabajadores.
En la conferencia de prensa antes del show Chizzo explicó
el por que de la presencia de la banda en la ex Zanon: "Nosotros
venimos de familias obreras, yo mismo fui un obrero, pegaba
cerámicos Zanon mientras silbaba alguna canción. Más allá de que
ahora estemos con la música, nosotros seguimos siendo obreros".
Más claro imposible.
Después de 30 minutos de prueba de sonido, La Renga, dijo
presente en FASINPAT o, mejor dicho, en la fábrica del pueblo.
Con un sonido crudo similar a la situación de estos
trabajadores, Chizzo, Tete, y Tanque la rompieron. Casi dos
horas de desenfreno con todos los clásicos de la banda.
Un momento inolvidable para todos los presentes estuvo a cargo
de Ciro (cantante de Attaque 77) que subió a cantar con La Renga
"Ritmo y Blues" tema de la legendaria banda Vox Dei. La emoción
de los organizadores al escuchar la ovación de las 12000 almas
presentes que al unísono corearon "AQUÍ ESTAN, ESTOS SON LOS
OBREROS DE ZANON"
El rock de Cuarón
por
Roberto Garza Iturbide
De las pistas sonoras de las 3 películas que presentaron los
mexicanos que compiten en las ligas mayores del cine, me quedo
con la diseñada por Alfonso Cuarón (Niños del hombre), no
obstante reconozco el talento de Guillermo del Toro (El
laberinto del Fauno) y de Alejandro González Iñárritu (Babel) en
la materia.
En Niños del hombre el sonido viaja de la mano con la historia.
Inicia con una explosión, se distiende, pone los énfasis,
dramatiza, crece con el relato y alcanza su punto más alto en el
clímax de la película, una estridente secuencia de persecución
en un puerto británico del futuro.
Finalmente concluye acorde y en armonía con la secuencia de
salvación de la heroína -la única mujer del planeta capaz de
procrear-, tal como se suele hacer en los filmes de ciencia
ficción, género que se caracteriza por dejar las historias
abiertas, por perpetuar a sus héroes, reciclarlos en sagas y
darles el grado de semidioses mitológicos, ya que sin ellos, los
eternos Ulises, Adán y Eva, no cabría la esperanza en los mundos
ficticios del futuro.
La película se ubica en el año 2027, cuando el estado de las
cosas se ha vuelto caótico, las mujeres no pueden tener hijos y
el fascismo británico se impone con mano de hierro.
Las referencias del presente (la prisión de Guantánamo, la
militarización, el abuso del poder, las bardas anti-inmigrantes,
las deportaciones masivas) funcionan como alegorías de la maldad
humana, mientras que las del pasado son presentadas como
símbolos universales de esperanza ¿Y qué mitos más universales
que los relatos bíblicos de Eva y María?
Seguramente Cuarón le dio muchas vueltas al asunto de la música
antes de tomar decisiones. La regla no escrita dice que en las
películas de ciencia ficción se debe utilizar música original,
compuesta bajo pedido del realizador, o bien piezas selectas de
música clásica, y se recomienda omitir el uso de canciones
populares por la sencilla razón de que pueden desviar el sentido
del relato si el espectador las asocia con su propia realidad.
Cuarón tomó sus riesgos y se decidió por un esquema combinado,
que incluye música original de ambientación a cargo del
compositor John Tavener, dos piezas clásicas (Handel y Mahler) y
una selección muy personal de rock británico, con portentos del
calibre de "The Court Of The Crimson King", de King Crimson,
"Hush" de Deep Purple, "Bring On The Lucie" de Lennon, y un
dilatado cover acústico de "Ruby Tuesday" de los Stones. Nada
más.
La música es un elemento determinante en las películas de
Cuarón, quien en su obra más personal (Y tu mamá también, Niños
del hombre) ha demostrado una habilidad especial para insertar
canciones que de algún modo le remiten a experiencias
personales.
Pensemos, por ejemplo, en lo que hizo Jim Jarmusch en Flores
rotas: desde el guión creó un personaje etíope -una suerte de
Virgilio africano que impulsa a Bill Murray hacia la aventura-
porque quería utilizar piezas del jazzista etíope Mulatu
Astatque.
Algo similar sucedió en Niños del hombre (basada en la novela
homónima de P.D. James), en tanto que Cuarón, coguionista, se
encargó de trazar el perfil de un personaje entrañable llamado
Jasper Palmer (Michael Caine), un hijo sobreviviente del
movimiento contracultural de los sesenta y maravilloso hippie
del futuro, mismo que justifica todos los referentes
rocanroleros del director, ya sean musicales o visuales, como la
recreación a cuadro de la portada del disco Animals de Pink
Floyd, con todo y la planta generadora de electricidad de
Battersea y su cerdo volador.
Niños del hombre es un filme que se ve y escucha de maravilla.
Así que si quieren ponerse cultos, revisen el score de Tavener,
editado en disco compacto, pero no dejen de entrarle al
soundtrak que lanzó Hip-O Records.
Vean que sabrosa selección: 1. Hush- Deep Purple 2. Witness (1
Hope)- Roots Manuva 3. Tomorrow Never Knows- Junior Parker 4.
Sleepy Shores- Michael Price 5. The Court Of The Crimson King
(Edit)- King Crimson 6. Backward- Kode 9 And The Spaceape 7.
Wait- The Kills 8. There Is An Ocean- Donovan
9. Ruby Tuesday- Franco Battiato 10. Money Honey- Pressure Feat.
Warrior Queen 11. Arbeit Macht Frei- The Libertines 12. Indian
Stomp- Cyrus (Random Trio) 13. Bring On The Lucie (Freda
Peeple)- John Lennon 14. Running The World- Jarvis Cocker
Los
Durabeat en el ND Ateneo, a pesar de la lluvia
Jueves 8 de junio de 2006
Por
Gastón Moreno - Argentina
Mientras Defensa Civil y su "alerta metereológico" complotaban
contra el rock, una noche para el recuerdo empezaba a gestarse.
Un diluvio inundaba Buenos Aires, pero a cientos de personas no
les importo, el Teatro ND/Ateneo fue colmándose poco a poco y la
frase: ¨ Un show para toda la familia ¨ cobraba un verdadero
sentido. Los Durabeat juntan generaciones de fanáticos del buen
rock, con su disco tributo a los Beatles generaron que padres e
hijos vayan juntos a sus recitales, y es extraño ver como
sentados uno al lado del otro en las cómodas butacas, comparten
ese momento de espera por lo que seria una noche inolvidable
para ambos.
Casi las 22 horas y las palmas se iban sumando generando un
ambiente muy calido para recibir a Mariano Leiva en bajo y voz,
Alejandro Soto en batería, José Maria Núñez y Osvaldo Lorenzo en
guitarras, y a Sebastián Peralta en teclados). Las primeras
palabras a cargo de Mariano fueron de agradecimiento, "Gracias
por venir con esta lluvia!!". Inmediatamente después se
escucharon los acordes de "Get Back" con el primer invitado:
Claudio Cardone en teclados.
Siguieron con "She came in through the bathroom window" (con
show cómico incluido a cargo de Sebastián Peralta), "Let Me Roll
In", "I want you" (con Gillespi en trompeta), "Funny Pipe", "One
After 909" y "Come together", entre otros. Hasta ese
momento el show era muy prolijo luciendo a cada integrante de la
banda en su instrumento, y tanto Claudio Cardone, Gillespi y el
Zurdo en percusión eran invitados que adornaban el buen sonido.
Pero se hizo un pequeño receso para presentar a un invitado de
lujo y la cara de felicidad que envolvía a Mariano estaba bien
justificada, ya que "Oh, my love" estaría acompañada de un
grande, un histórico del rock nacional: Luís Alberto Spinetta.
Pero El Flaco no se mojó con la lluvia (que no cesaba en el
resto de la ciudad) solo para esa participación. La noche dejo
de ser Beatle por un instante y se despachó junto a Los Durabeat
con dos canciones de su autoría: "Despiértate nena" y
"Jardín de Gente".
La noche ya tenía un 10 felicitado, pero aún quedaba más para
esta agrupación que se veían felices como un grupo de niños con
juguetes nuevos. Para el cierre otra GRAN sorpresa GRAN. Charly
García, otro de los padres del rock argentino se hizo presente y
todo se desbordo. Todo el mundo dejó sus cómodas butacas
numeradas para correr hacia el escenario.
"Back to the U.R.S.S." fue el tema que coronó la noche Beatle.
Ah! ¿quieren más? Después de todo eso, y cuando todos los
Durabeat se despedían, García improvisó el punteo de "Cerca de
la Revolución". Mariano y Sebastián se miraron y en sus mentes
seguro se imaginaron la misma frase. " .El pueblo pide
sangre.!!"
Zoe
Rockcampeonato Telcel-06
Zoé, Los Dynamite, Joselo y el Rockcampeonato Telcel en
León
Texto y fotos: Pepe Padilla
sept. 2006-León/México.- Por la tarde del 16 de septiembre un
día después del fiesta nacional mexicana y mucha fiesta, se
presenta en el Poliforum de León, México la segunda etapa del
Rockcampeonato Telcel, evento patrocinado por la compañía de
telefonía móvil y respaldado por Noiselab sello independiente
que edita en el país a bandas como INTERPOL , New Pornographers,
Belle and Sebastián y así como las agrupaciones importantes de
la escena indie nacional como Zoé y Los Dynamite que hicieron su
aparición en el evento junto a Joselo (Cafetacuba) con su
proyecto solista y cinco bandas más de la región las cuales
contienden por la edición de su trabajo con el sello Noiselab,
la competición abarca nueve ciudades más del país donde se
intenta descubrir nuevos talentos para su proyección.
Ladob / sonabit / Monoelectro
La noche comenzó con Joselo pero no logramos llegar
a su presentación, después de esto se preparo el escenario y
los grupos, todo estaba a punto y los primeros fueron los
locales Inyección Naranja quienes tocaron dos canciones al
igual que los demás participantes, a continuación fue el turno
de Agente 33 ritmo ska latino-punk con mucha fuerza desde la
ciudad de San Luis Potosí, también se presentaron desde
Durango Monoelectro con pop melódico, siguieron los queretanos
Lado B los más jóvenes del certamen que dejaron buen sabor de
boca con un sonido rock pop bastante bailable y finalizaron
los leoneses Somabit que vienen de ser semifinalistas del
evento Adiós Garage de MTV Latinoamerica con su sonido pop con
toques electronicos. La mayor puntuación en esta etapa del
Rockampeonato fue otorgada a Inyección Naranja con un melódico
rock pop electronicón.
Dynamite / Inyección
Después se presentaron Los Dynamites con un sonido rock pop
energético y bailable que refresca el panorama nacional, cuyos
ritmos refieren influencias a bandas como lo son Franz
Fedinand y Bloc Party . y aunque no han editado su primer
material (próximamente por Noiselab) ya están posicionado en
los canales de videos y la radio su sencillo Ready Ready el
cual fue el más coreado de la noche, una banda bastante
recomendable, así como su video. Los Dynamite son: Diego - Voz
y Guitarra, Felipe - Guitarra y Teclados, Miguel - Bajo,
Eduardo - Bateria.
Para cerrar el evento se presentó Zoé una de las bandas
insignia del indie en Latinoamérica con su más reciente
álbum llamado "Memo Rex Commander y el Corazón Atómico
de la Vía" (Noiselab), mostrándose muy entendidos con el
publico que coreaba sus canciones como fue el caso de su nuevo
sencillo Vía Láctea y los más aplaudidos Asteroide, Peace
& Love, Love. Zoé son: León - Voz y Guitarra, Sergio
- Guitarra, Angel - Bajo, Jesús - Teclados y Rodrigo -
Batería
Agente
El acordeón del Diablo
por Roberto Garza Iturbide
El jueves 22 de marzo, en el marco del XXIII Festival de
México en el Centro Histórico, el trío KTU, con el finlandés
Kimmo Pohjonen en el acordeón y voz, Trey Gunn en la warr
guitar y Pat Mastelotto en la batería, ofreció una cátedra de
ejecución musical en vivo a unas 500 personas -mezcla de
nostálgicos del rock progresivo, músicos, jóvenes clavados en
las corrientes de vanguardia, uno que otro diplomático
finlandés y un puñado de periodistas-, pintoresca minoría
social que desde las 8:30 de la noche se dispersó entre los
mil 300 asientos que ofrece el Teatro de la Ciudad.
Pohjonen trae un acordeón eléctrico impresionante, cuyo fuelle
le cubre pecho y abdomen, y mismo que toca sentado la mayoría
del tiempo, levantando las piernas y sacudiendo el cuerpo a
ratos, como si estuviera poseído o en estado de trance.
El instrumento fue modificado para producir un sonido único,
tan alto como el de un órgano tubular de iglesia, hipnótico
como los beats del trance electrónico, melódico como el folk
finlandés, melancólico como el tango, de una gama de tonalidad
sui generis, y el cual combina con una voz que parece venir
del fondo de una cueva, ya que Pohjonen no canta sino que da
notas desde lo más profundo de las entrañas.
Trey Gunn, formado en la escuela del maestro Robert Fripp,
capitán de esa nave espacial llamada King Crimson, se encargó
de crear la atmósfera sonora con los graves y de trazar
matices con requintos ocasionales. Su instrumento, la warr
guitar, funciona como bajo y guitarra al mismo tiempo.
Mastelotto, otro miembro honorario de la corte del rey Crimson
y famoso por la velocidad de sus muñecas, incorporó los ritmos
del rock progresivo en las percusiones. La batería de
Mastelotto, un set con más de 15 piezas y un tablero
electrónico, es el instrumento menos extravagante de este
inclasificable experimento musical.
El acordeón de Kimmo Pohjonen no tiene igual y su sonoridad
trasciende cualquier referente. No hay punto de comparación.
Escucharlo en directo es enfrentarse a un sonido nuevo; al
principio causa sorpresa, incluso puede llegar a incomodar al
escucha primerizo, pero al cabo de unos segundos viene la
interpretación mental. En ese instante inicia el proceso de
asimilación, que concluye en la conexión mágica entre
espectador y sonido novel o en el rechazo automático a lo
desconocido.
Salvo por media docena de impacientes que se dio a la fuga
durante los primeros veinte minutos del concierto, el público
reunido en el Teatro de la Ciudad se conectó bastante bien con
la música de Pohjonen, aunque, seamos francos, la mayoría
estábamos ahí para escuchar a Gunn y Mastelotto. El hecho de
ver en acción a este par de superdotados valió la noche, el
boleto y mucho más.
Lo destacable, al final de cuentas, es que KTU ofreció un
concierto memorable y que el nórdico Kimmo Pohjonen se ganó al
reducido grupo de asistentes con la magnífica ejecución de un
instrumento tan extraño como radical.
Excursiones al nuevo rock Argentino
Por Maximiliano Venditti Castro (especial
IndyRock)
El rock argentino se enfrenta hoy a un cambio de figuras
nombres y sonidos cómo hacía mucho tiempo no se producía.
Solistasque alguna vez fueron parte de grandes bandas, como
Gustavo Cerati (ex Soda Stereo); "crooners" modernos que
fusionan distintos ritmos; bandasjóvenes y desprejuiciadas;
artistas semi electrónicos y otras nuevas expresiones son lo
que viene para quedarse. Suarez es una de estasbandas, que con
su cuarto disco logró un clima particular, un estilo y una
identificación con sus estribillos ideales para tararear
alatardecer, guitarras limpias y un clima fresco y renovador.
La banda de la actriz-cantante, Rosario Bléfari, ya había
editado, tambiénde manera independiente "Hora de no ver"
(1994), "Horrible" (1995) y "Galope" (1996). Pero fue este
"Excursiones" (1999) el que le dio a la banda unvuelo propio y
un lugar entre las nuevas expresiones del rock de Argentina.
De más esté decir que han cosechado elogios de todos losmedios
especializados en rock.
Chabón, Rock o el Rock barrial de los 90
Por Maximiliano Venditti Castro
En los últimos años se ha dado en el rock argentino un
fenómeno muy especial que algunos definen como "Rock chabón"o
"Rock Barrial". Este estilo apoyado en el rock clásico de los
Rolling Stones y bandas del pasado exitosas. "Los Piojos" y
"La Renga"son hoy los más fieles exponentes de esta particular
expresión que convoca mucha gente en recitales que se
transforman en "rituales" casi'futboleros', con banderas,
hinchadas, cantitos y hasta una mística futbolistica. Estas
bandas, a pesar de su escasísima presencia enlos medios, han
sido utilizadas como 'cortina' de programas televisivos
disímilesa su estilo y han sido difundidas por las radios que
no se especilizan en rock, ya que supieron atraer no sólo al
público del rocksino que tambien al público masivo
acostumbrado a los temas de moda que pasan hasta el cansancio
las fm argentinas. En cuanto a lo músical,su estilo es
agresivo, usan mucha percusión (especialmente en vivo) y
componen canciones tanto de protesta social, como de amor (a
su estilo)y a los ídolos argentinos ("Los Piojos" compusieron
'Marado'; un tema para el más grande 10 de todos los tiempos).
Su músicase permite escuchar si uno no busca nada nuevo y
necesita una buena dosis de rock & roll potente y
pegadizo.
DDT-Punk glamourizado
Por Luciano Mete (Argentina)- IndyRock
Corrían plenos los años noventa cuando despuntaba
en la escena de rock argentino un listado de bandas
adolescentes, dispuestas a captar la influencia extranjera
"alternativa" (Estados Unidos e Inglaterra por supuesto) y a
transformarla en algo propio. Nombres actuales como
Babasónicos y Juana la Loca integraban esa camada, el "Nuevo
Rock Argentino", a la par de otros disueltos en el camino que
generarían sendas carreras solistas entrado el nuevo milenio,
como Tía Newton/Carca, Peligrosos Gorriones/Bochatón y
Suárez/Rosario Bléfari.
Uno de esos nombres era Demonios de Tazmania
(teloneros de Siouxie & The Banshees en su visita a
Argentina), y contaba en sus filas a Sharly Demonio, su
guitarrista, líder y principal compositor, que una vez
disuelto el grupo en el 2000, seguiría recorriendo escenarios
del under porteño bajo la sigla DDT. Lejos de cualquier pose
ego-solista, pero más que nunca, con un proyecto propio hasta
la médula. Presentando un resúmen de Demonios de Tazmania
(punk) y DDTronikz (proyecto electrónico paralelo).
Así, publicó un puñado de discos más que
interesantes (más allá de Suicida, Sexcalectric y Modelo 96
con los Demonios), mezclando el glam con el punk, algunos
ritmos bailables con máquinas y baterías con pulso humano (con
reminiscencias a The Rapture), pero siempre en actitud de
rock, con letras que hablan de droga, sexo y suburbio porteño.
Una muestra de esto es su primer disco con DDT,
Trip Pop, repleto de canciones que con mejor suerte (es decir,
una exposición mayor) llevarían la chapa de hits. Desprolijos,
eso si, y no aptos para madres. Algunos: la versión de Sémen
Up, clásico de Los Redonditos de Ricota, Purpurina,
Irresisitible y Shadow Show.
Ya en el 2002, graba Rocketer, publicado al año
siguiente, que funcionaría como una especie de resurgimiento,
con shows continuos y buen recibimiento de crítica y público.
Otra vez la mezcla de punk y glam, más letras cargadas de
ironías y juegos de palabras, referencias al tango
(versionando en clave DDT "El día que me quieras", histórico
tango de Gardel y Lepera) y a Perón (la frase "asado con el
parquet" de El último grito de la moda es en realidad una
ironía impuesta a los trabajadores que, en tiempos del
General, viajaban a la Capital para trabajar en las fábricas).
Glam Slang, el siguiente disco, publicado este 2004, es
otra muestra de la línea seguida por Sharly y por DDT, que,
sabiéndose dueños de un estilo propio, no intentan salirse de
él sino profundizarlo. Samples de Prince y versiones de
Libertango/I've seen that face before (Piazzolla-Grace Jones)
y de Pedro Navaja (Rubén Blades) que, otra vez, se ganan la
aprobación del escucha por su desfachatez punk/funk. Y más
hits subterráneos: El corte inglés, Glamourizado y Príncipe.
Como última producción, DDT acaba de editar Mod
04, quince nuevas versiones de Demonios de Tazmania.
Sergio Pángaro y Baccarat: Turistas del mundo
Por Luciano Mete (Argentina)-
IndyRock
Sergio Pángaro y Baccarat se definen mejor con imágenes: en la
primera, el cantante aparece con zapatos acharolados,
tiradores y bigotes a la italiana, bailando con un saco blanco
por los codos. En la segunda, canta un bolero decorazonado,
sentado a una mesa y con una copa en la mano, mientras una de
sus coristas le pasa un plumero.
Dueño de una voz afinada y melodiosa, Pángaro aporta en vivo,
además, dotes de histrionismo a la altura de showman de
varieté.
Baccarat lo acompaña formado por dos cantantes femeninas
vestidas con faldas entubadas y colores fuertes, y por una
pequeña orquesta atrás, a veces reemplazada por la simple
programación de un minidisc.
Su primer disco, Baccarat por el mundo (1999) fue concebido a
la manera de un crucero paródico por distintos países del que
cantante es, obviamente, su capitán. Así, la placa contiene
bolero, cha cha cha, salsa, música de Japón..., depende de qué
país se visite en cada canción. Flores, Boogallo y el clásico
Lluvia dorada son sus canciones destacadas.
Después de ese primer disco vendría una placa en vivo en la
Confitería Ideal de Buenos Aires (Baccarat en La Ideal, 2001),
lugar que junto al Club del Vino de la misma ciudad, se
transformarían en hogares permanentes para el grupo. Esa
placa, además de canciones del primer disco reversionadas,
contiene una exquisito cover de All of me, el clásico estándar
de jazz.
En su tercer y último disco, Sergio Pángaro y Baccarat
continúaron el mismo camino, pero el concepto se nacionalizó.
Así, Baccarat en castellano..., muestra en su tapa al
cantante, izando la bandera argentina, y presentando sus shows
bajo el título de cita peronista "El primer trabajador". El
álbum contiene, además de otras tantas canciones
destacables, versiones de Just a Gigoló (David Lee Roth) y
Always on my mind (Elvis Presley), además del nuevo clásico
propio de la banda, "Hippie en Constitución" (en referencia a
la Estación de Trenes más popular de Buenos Aires).
Por otra parte, se hace necesario recomendar a San Martín
Vampire, grupo en el que Pángaro cantó a fines de los 90,
acompañado de baterías electrónicas y una guitarra surfer, y
haciendo una música cercana al techno pop. Debut y Despedida,
que así se llama su único disco, es quizás lo mejor que
publicó la escena pop y electrónica argentina hasta hoy.
Para terminar, es necesario aclarar que cualquier
intento de abarcar a Pángaro y Baccarat en palabras es en
vano. Hay que escucharlos y verlos, amarlos u odiarlos en
extremo como pasa siempre con las propuestas que mueven un
poco las estructuras.
Lo único que puede asegurarse es que son un soplo de aire
fresco ante la repetición chata de modelos gastados de la
actualidad.
Leo García: Pop entre rosas
Por Luciano Mete (Argentina) - IndyRock Después de
armar y desarmar Avant Press (grupo pop, años90), después de
un quizás tímido debut solista con Vital (1999), y de un disco
electrónico (Clap Beat, 2000), Leo Garcías e propuso ser "el
cantante" pop-ular argentino.
Para eso, contó con Mar (2001), su segundo disco solista,
primero para una multinacional. Definido como "adolescente",
en esta placa se pueden encontrar canciones acústicas y
electrónicas, algo así como una "fogata hippie en una gran
pista de baile".
El productor fue Gustavo Cerati, para quien Leo tocó los
tecladose hizo coros en la gira de Bocanada, disco solista del
ex Soda Stereo. Lo que buscaron fue sencillamente más orejas,
convertir a Leo García en nuevo ícono del pop argentino. Y
parecen haberlo logrado. En eso tuvo mucho que ver el
hit Morrisey, que apenas se empezóa escuchar en las radios
despertó debates, burlas y aliados sobre su coqueteo con la
homosexualidad. La frase a destacar de la letra es laque
pregunta "Sabrá tu novia que escuchamos Morrisey?", y la
prueba de que algo pasó es que los mismos machistas que se
burlaban desu amaneramiento cantaron "Morrisey,
Morrisey..." por lo bajo sin poder evitarlo, o a toda
voz en forma de chiste. Pero algo pasó,a la vez que Leo se
transformaba en un solista conocido por el público en
general.
Su tercer disco, y último hasta la fecha, es Vos (2003),
otro título de tres letras, según el propio cantante, porqueel
pop es algo "simple y contundente". Este álbum fue producido
por él mismo, en colaboración con gente cercana a Gilda
(cantantede cumbia melódica argentina fallecida en un
accidente y adorada por Leo), y redobla la apuesta por la
canción acústica yla electrónica. Así, Leo García se afirma
como cantante pop teenager, respaldado por un fanatismo
sincero hacia Madonna, Britneyy Christina. Esta placa cuenta
con los hits Romance y Reírme más que lo apuntalan, y en su
tapa muestra al cantante invitando a su oyentea cantar el
disco. Esa es la idea del pop para Leo, canciones directas y
simples, sueltas y libres como una serpentina. Y es rock a la
vez, siel rock se define como algo provocativo, nuevo y con
concepto. En vivo a veces se presenta con alguna máquina y
otras con una banda, pero siempre se guarda un lugar para
cantar con una guitarra acústica(tal vez donde más se lo
disfruta). Mientras, juega a provocar y ser
estrella, dos cosas que le quedan cómodas y disfruta.Esa forma
de bancar la presión es la que lo llevó al lugar buscado. Eso
y los estribillos de sus canciones que se te pegan como
sopapas.
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