AROAH

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HISTÓRICO EN INDYROCK

CRÓNICAS, FOTOGALERÍAS, COMENTARIOS

21-04-04 Plaza de las Pasiegas, Granada
III Encuentro Intergeneracional de cantautores del Núcleo de Nuevos Autores
Fotos Merche S Calle © IndyRock

 

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Fotos: Ruth Segarra - IndyRock
FIB 2002

"Cuando termines con todo, habrá terminado contigo" (Acuarela, 2001) es el título del primer trabajo de Aroah. Bajo este nombre se esconde Irene R. Tremblay, una jovencísima songwriter que con apenas veinte años ha grabado un Ep de debut que enarbola la bandera del folk norteamericano y del pop más agridulce.

Entrevista por Luis Benito - IndyRock (2001)



-Bueno, todavía hay mucha gente que no ha oído hablar de ti. Cuéntanos, ¿Quién es Aroah?, ¿Cuál es su mundo?
Aroah no es alguien, es algo. Es una idea de Irene.

-¿De dónde viene tu afición por la música? ¿Cómo te defines? ¿Te gustan artistas como Cat Power, Will Oldham o Damien Jurado?
Ojalá supiera por qué me gusta tanto la música, pero es algo constante y absoluto en mi vida. Sé que viene de lejos, desde que apenas podía andar y me arrimaba a los bafles del equipo de música para sentir las vibraciones, ¡me mareaba! Cuando mis padres eran más jóvenes ponían la música muy alta, tenían una buena colección de discos (unos mejores que otros) y yo la robé.
No sabría definirme en este contexto, el musical, me gustan muchísimas cosas y muy diferentes. Consumo música compulsivamente, ¿o me consume a mí?, no sé. De las cosas que me gustan, Cat Power es una, Will Oldham otra... Si no hubiera oído aquel disco de Palace Brothers hace varios años quizás no me habría atrevido a grabar una maqueta de forma tan precaria (Luge) - sobre todo en un momento en el que los grupos envían maquetas tan profesionales a los sellos - o puede que sí o hubiera hecho, ¿quién sabe?

-A pesar de tu edad tu música parece muy adulta, ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración? ¿Quiénes son tus compañeros de viaje en la complicada odisea musical?
Intento ser sincera en mis canciones. Quizás lo poco adulto sea no ser sincera. Cuando eres joven tienes miedo a la verdad, a qué dirán de ti si reconoces ese miedo o sentirte insegura ante cosas que los demás ya dan por hecho. Lo único que pretendo es no dejarme intimidar por la presión que ejerce ser joven y que te hace querer esconderte del mundo.
Me inspiro en lo que siento, intento hablar de las cosas que conozco. Mostrar lo que soy, lo que pienso... Al final todo es terapia. Es bueno hacer canciones. Me hace sentir bien. Es un alivio. Así que realmente se podría decir que no existe verdaderamente una inspiración para hacer canciones, sino una necesidad de componerlas.

-Siempre sorprende que una persona de 20 años proporcione a su música, en principio reflejo de su vida, un tono agridulce y triste... ¿Por qué son tan sobrecogedoras tus canciones? ¿Por qué decides renunciar a la luz del sol?
No creo que sea una persona triste ni nada por el estilo, pero sí que tengo cierta tendencia a hurgarme las heridas. De todos modos, digo esto y recuerdo tantas entrevistas que he leído con compositores que la gente considera 'tristes' en la que estos afirman "Si yo soy una persona muy feliz".
Como ya he dicho - aunque en otras palabras y en relación a otra cosa - no tengo un plan, así que tampoco puedo explicarlo.




-¿Cómo te sientes más cómoda cantando en inglés o en castellano? ¿Crees que es interesante que compagines ambos idiomas?
En principio tengo querencia por el inglés, por muchas razones: es lo que hablamos en mi casa, oigo mucha música en inglés y al principio (creo que cada vez menos) prefería que la gente no entendiera lo que estaba diciendo.
Cuando empecé a componer en castellano fue un experimento, así que puedo decir que siempre me ha parecido interesante, tanto para jugar como para cosas más serias; me gustan las reacciones de las personas al oírme cantar en castellano. Mi madre es americana.

-"Luge" es el nombre de la maqueta que cautivó a Jesús Llorente (Acuarela). ¿Qué tiene "Luge"? ¿En qué se diferencia (además de en la calidad de sonido) de tu nuevo trabajo?
En "Luge" el proceso fue darle a un botón y ponerse a tocar, incluso cuando estaba grabando la maqueta no pensaba en que alguien más fuera a oírla. He grabado un EP precisamente porque no sabría como iba a ser, un disco habría sido demasiado. En este caso he escuchado a las personas que han trabajado conmigo, me he dejado impresionar por las posibilidades que tiene grabar en un estudio y con gente dispuesa a acompañarte... De tocar sola a tener a tres o cuatro personas a tu alrededor hay un gran salto.
En cuanto a lo que es el disco en sí, creo que tiene sentido para mí y que lo tendrá en el futuro, espero que los demás opinen igual. El salto es grande, pero hay que arriesgarse e incluso aprender a controlar tus propios prejuicios. Cuando grababa las maquetas sentía vergüenza por la falta de arreglos, cuando llegué a grabar el disco supe que esa fase de mi música ya la había recorrido y que era hora de aprender cosas nuevas. Me gusta la novedad, me aburro muy rápido.

-Me imagino que estará encantada con el resultado del ep, háblanos de cómo ha ido todo. Desde la composición, ¿Son recientes las canciones?, hasta la grabación ¿Qué tal han funcionado las cosas con David y Ari (sección rítmica) y Abel Hernández (Migala) en la producción?
Las canciones son de diversos momentos. '320' es la más vieja, 'Come Home' es la más reciente.
El trato con todos ha sido inmejorable. David era mi batería favorito, le había visto tocando con A Room With A View y era alucinante (bueno, A Room With A View ya lo son como grupo). Fue una gran alegría cuando, tras oír la maqueta, aceptó unirse a esto. Ahí seguimos, ensayando para dar conciertos. Con Abel fue todo bien, dedicó casi tanto tiempo y esfuerzo como yo al disco. Estuvo implicado desde el principio hasta el final.

-Sin duda era Abel el mejor para realizar la producción, ¿verdad?
Por supuesto. Le respeto muchísimo, y no respeto a la gente porque sí. A él tampoco le gustaba la idea de ser "productor", a la gente hoy en día no le gusta que le "produzcan" de verdad, en el verdadero sentido que tiene la labor. A mí menos, pero si alguien puede opinar como deberíamos hacer esto o lo otro la opinión de Abel tiene mucho valor para mí.
Hay que mencionar también a Coque porque nunca le nombro, y también tiene mucho mérito y ha trabajado bastante en esto.

-Ahora, después de dar el primer paso, ¿Cómo te planteas el resto del camino? ¿Vais a realizar directos? ¿En principio son David y Ari tu banda fija?
Como banda fija está David. Quisiera incorporar a más gente, pero es complicado. Me planteo el futuro como una aplicación de lo que he aprendido. Tengo muchísimas ganas, ideas y canciones para volver a grabar. Estoy impaciente.

-¿Cómo fue la experiencia de telonear a For Stars, Tristeza y Migala? Considero a For Stars como una de las revelaciones de los últimos años, ¿Qué te parecen?
Geniales como grupo y como personas. Totalmente de acuerdo contigo en que son toda una revelación, hay que darle las gracias a Jesús (Acuarela). Yo no los conocía hasta que vinieron a España. El concierto de Madrid, en el que les teloneé, fue alucinante.

-Esperamos que todo te vaya fenomenalmente y que dentro de algún tiempo podamos volver a charlar...
Gracias, un saludo.

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Aroah y Greg Weeks
LOS HAIKUS AMERICANOS DE AROAH:`THE LAST LAUGH´  ACUARELA DISCOS
por Fernando Navarro- IndyRock
 Interesante giro estilístico en el habitual imaginario sentimental y musical de Irene Tremblay (esconde este disco pequeño, rincones, dobleces, sombras inesperadas que antes no estaban en sus canciones) `The Last Laugh´ supone un importante paso en la consolidación y la madurez de la propuesta de la cantautora madrileña. Grabado íntegramente por músicos norteamericanos y escrito en su totalidad en inglés (cuando en el anterior, el también excelente `No Podemos Ser Amigos´ se escondían algunas canciones en español) `The Last Laugh´ es algo así como el disco country de Irene, una interesante muestra de rock de raíces, folk acústico, intimista, cercano a la abstracción del jazz vocal y la emotividad del blues. Es, también, un disco dolido y arisco, triste y muy amargo, ambientado en ciudades desoladas (Madrid, Vigo, Phildelphia), sobre el rechazo y la belleza, sobre el tacto de la otra piel, sobre la soledad y, finalmente, sobre la fe (la fe en el amor que, al final, aparece con `Schooling´; al menos para el que esto firma una canción optimista sobre la supervivencia, sobre el renacer) asemejando las canciones desnudas, limpias, sinceras y casi perfectas de Irene a haikus japoneses. Así, se esconden en `The Last Laugh´ las hermosas tragedias de `An Orchid Is A Flower That Thrives On Neglect´ o `Horoscope´, la enfermedad electrificada `Sick In The Body, Sick In The Head´, la anárquica deconstrucción de la valiente `Autobiographical Rhyming Song´ o la contundente naturalidad de `The Lonely Drunk´ o `Not Amused´. Como un artista de la miniatura, Irene ha encontrado la espiritualidad, el misterio, en lo que dura un suspiro. 

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Fascinante y tímida presencia
por Paco Camero - IndyRock

1 de febrero de 2003  Sala Fun Club (Sevilla)
Organización: Green UFOs 

En una sala apenas poblada por 50 personas (aunque progresivamente fueron entrando más), el norteamericano Greg Weeks, moderno personaje con aspecto desgarbado y frágil educado en la vieja tradición de trovadores folk, comenzó a desgranar su catálogo personal de canciones tocadas por la emoción. Sus composiciones son íntimas y sencillas piezas a través de las que Weeks expulsa sus demonios o comparte sus caricias. En esta ocasión el músico desestimó cualquier acompañamiento instrumental que no fuera su guitarra acústica y su buena voz. "Slighty West" es su último trabajo y la excusa por la que se presentó en Sevilla ante un público algo frío, quizá porque era la primera ocasión que tenía noticias de él. Aunque el bueno de Weeks se entregó en la interpretación y consiguió crear momentos de verdadera fuerza emotiva, su actuación tuvo que soportar un lastre, con el cual no siempre pudo cargar bien: el planteamiento de la actuación, basado en subrayar el recogimiento de unos temas armados mediante acordes de guitarra muy sencillos, resultó parcialmente fallido, pues condujo con frecuencia a una sensación de monotonía, que por otro lado es difícil de evitar si las letras, en inglés, no se entienden o sólo son captadas fragmentariamente, y, claro, precisamente en la fuerza de las palabras y de lo que éstas cuentan y dibujan reside al menos la mitad del peso de este género de canciones. En cualquier caso, el concierto fue bonito y regaló buenos momentos, uno de ellos, sin duda, "Unsettled (by the sun)", precioso corte de su último EP.

El ambiente se volvió más animado y receptivo cuando Irene R. Tremblay, Aroah, subió al escenario para dar los primeros pasos de su recital en formato acústico, al igual que su antecesor en el estrado, a solas con su guitarra. De entrada, había ya dos cosas claras: que quienes acudieron al concierto lo hicieron para verla a ella (algo lógico), y que Aroah es dueña de una tremenda timidez, algo que en principio sorprende viniendo de una persona que en sus textos habla con desarmante sinceridad de traumas infantiles, de la primera vez que probó el whisky, de esos momentos en que alguien se siente desvalido ante los demás y estúpido consigo mismo. Aun así, esto no pasa de ser una anécdota que llama la atención y hay que tener en cuenta que, pese a que los críticos se han rendido a sus pies ante sus dos trabajos en solitario, la jovencísima Irene no ha hecho más que empezar, aunque, eso sí, soberbiamente. Pues bien, en su faceta acústica, Aroah demostró un solvente manejo de la guitarra, tocando a veces intrincados ritmos, y desde luego se mostró siempre más dinámica que su compañero de cartel. "Happiness avoids me", "Her iq#1", "Canción con idioma", "Whiskey"... fueron sonando pulidas como piedras preciosas.

Más tarde dasarrolló su repertorio eléctrico, más contundente en directo que en el disco, acompañada de un batería y un bajista. "Tell Noah about the rain" es un buen ejemplo, incluso tocada más rápidamente (y por tanto con menos sutileza) que en el elepé, resultó maravillosa, con esa fuerza emotiva que te dice que ésta es una música que vive su plenitud en el directo. Además, por ser la última fecha de su gira nacional, Aroah estuvo generosa: interpretó dos canciones nuevas, inéditas aún, y una fantástica versión desenchufada de un tema de Lemonheads. Tras retirarse por primera vez, volvió para tocar una "Myriam, la primera" que ya se estaba echando en falta y que es capaz de poner los vellos de punta. Y luego otra retirada, la definitiva. A pesar de la timidez y de que casi no se atrevía a mirar al público, la presencia de Aroah, sus honestas canciones, su voz dulce y bellísima, tienen algo que sobrecoge, que fascina.




Fotos: J. E. Gómez © IndyRock


Granada - Sala Planta Baja 24-11-01 + Nacho Vegas
Organiza: Musiserv
No es facil enfrentarse a una sala en solitario. Aroah, Irene Rodríguez Tremblay, armada con una Gibson SG, ofrece una imagen de timidez absoluta. Las notas de sus canciones crean la atmósfera adecuada para que las miradas no puedan acudir a otro lugar que no sea el escenario donde desgrana sus sentimientos más intimistas. Ya no es una joven promesa, Aroah es parte de la musica made in spain. Sus letras en inglés no necesitan traducción, calan, llegan hasta el interior, apoyadas con una guitarra, cadenciosa, triste a veces, sencilla.
En la gira de final de 2001, Aroah se une a Nacho Vegas, una colaboración que ella no necesita. (Juan Enrique Gómez - IndyRock) 

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Aroah, Retsin, Labradford
11 de noviembre 2001  Gazteleku de Zarautzpor Diego Ruiz de Gauna 

No había pasado ni un día. Terminado el Tanned Tin, dos de los grupos americanos que allí tocaron, comenzaron una gira por nuestra geografía y yo, como buen groupie les seguí los pasos. La primera parada era el Gazteleku de Zarautz, ciudad costera más conocida por sus campeonatos de surf que por sus conciertos. La sala, situada en la última planta de un edificio juvenil es un pequeño espacio con vistas a un frontón de pelota vasca. Esto puede ser un impedimento, ya que cada vez que se abría la puerta de la sala, llegaba a nuestros oídos el eco de la pelota botando contra la pared, algo que aunque con encanto es bastante molesto.

Antes del concierto se podía ver a parte de los músicos y de la organización jugando un partido a basket no sé si para eliminar la tensión o para quemar las toxinas de las noches anteriores.
Irene Rodríguez Tremblay, o Aroah, es una jovencísima promesa. Su timidez en los primeros compases no desprestigia su música sino que acentúa su lado intimista y confesor. Aquí hay madera, y de la buena, de roble, de las que cuanto más pasa el tiempo, más fuerte y más sólida es. Influencias de prestigio cantadas por una voz dulce, inocente, aunque sus palabras no lo sean tanto. Vamos, que si pasas más de una hora escuchándola, te enamoras de ella. Repasó su Ep debutante ("Recuerdos" para que Retsin y Labradford oyeran algo en Español) y su Ep compartido con Nacho Vegas. Canciones entre la confesión de Liz Phair y la dulzura de Chan Marshall (Cat Power). Precioso. Y lo digo mientras me atraviesa un escalofrío de pies a cabeza. ¿Será amor?

Después salieron Retsin, con el mismo banjo desafinado del Tanned Tin, pero con un humor mucho más lúdico. No en vano, la presión era menor y Cynthia ya se había desahogado con la pelota de basket. El mismo set, pero con una impresión diferente. Esta vez, todo fue más intimista, más cercano, con más complicidad con un público, que aunque escaso, abarrotaba la sala. Cynthia no dudó con la armónica y Tara ya había aprendido algo de español. Intercambio de guitarras y más historias cantadas.
Labradford volvieron a hacer de las suyas. Opiniones diversas en el público, desde los impacientes que se largaron a los 10 minutos, hasta las caras de altos vuelos. Yo creo que el sitio era el adecuado, y el ambiente el idóneo. Pero hay gente que no les entiende. Los genios siempre han sido incomprendidos. Pideron que se bajara la intensidad de las luces ante la estupefacción del técnico de luces y de sonido. Sonrisas de complicidad o de incomprensión entre el público. Y eso que esta vez incluso hablaron entre ellos y hasta se despidieron con un imperceptible Good night...Todo un hito viniendo de ellos, que sólo juegan con las miradas y con la lentitud. Únicos.  Así da gusto pasar la tarde del domingo y renovar las energías para afrontar la semana. Lástima que la puerta se abriera una y otra vez.

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NACHO VEGAS Y AROAH.
Por Fernando Navarro
Seis canciones del desde el norte. Acuarela Discos / Limbo Starr Segunda contribución en menos de treinta días a ese concepto tan curioso que es la canción norteña (diferenciada del resto en sus matices emocionales y en su justa ornamentación), "Seis canciones desde el norte" reúne a dos figuras que estaban destinadas a encontrarse, Nacho Vegas y Aroah. Surgidos ambos de extraños mundos musicales (en el primer caso el universo oscuro de Manta Ray y por cierto complejo autodidacta a lo Holden Caulfield) Vegas y Aroah (alias de la madrileña más bien menuda Irene Rodríguez Tremblay) tienen en común una vocación literaria, apoyada en un cierto intimismo, casi de cantautor (concepto siempre peyorativo en este país que gracias a discos de cómo éste toma un nuevo significado) con unos recursos vocales a veces extraños y casi siempre hermosos. El EP se abre con "Las manos dentro del agua" un hermosísimo tema de Vegas, con un texto emocionante, conmovedor y nostálgico, como el de "Noches de verano en la casa gris", que sirve para cerrar el disco, ambas canciones sobre pasados más o menos felices que se han alejado. En medio encontramos un disco pequeñito compuesto de tres estupendas canciones de Aroah, (el conmovedor "Our Walk", "From The Butler Institute of American Art", donde Irene demuestra sus capacidades vocales y la breve, hermosísima "Finally (if I´d Only known)", con la slide de Vegas como protagonista) y un tema más de Nacho, "Baby Cat Face", una obsesiva canción lynchiana, sucia y polvorienta, paradójicamente sureña en esta obra de baladas norteñas. 

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 La pérdida de la inocencia
Entrevista por Fernando Navarro - IndyRock
   

Sept. 2002 - Aroah no puede mantener oculta la creación. Vuelve a los escenarios con un nuevo disco, "No podemos ser amigos". Atmosferas intimistas, narraciones cantadas. La pérdida de la inocencia
1- `No podemos ser Amigos´ empieza con una postal nostálgica sobre la infancia y termina en un bar, entre whiskey y soledad, ¿es de alguna manera todo el disco un recorrido desde la inocencia hasta la pérdida de ésta?

El orden de las canciones lo elegimos al terminar la grabación. Si la progresión entre canciones resulta coherente es porque lo sentimos así Frank y yo al elegir el orden. Sentimos que era el orden natural de las canciones, y aunque lo pensamos a la hora de elegirlo, no tuvimos dudas a la hora de decidir que esa era la progresión más lógica. No creo que "Myriam, la primera" sea una canción inocente, se ríe un poco de la credulidad de una niña, igual que "Whiskey" ironiza sobre la credulidad de un adulto. "Whiskey" es, principal pero no exclusivamente, una canción sobre un plantón. Pero no hay ningún desengaño, ni pérdida de inocencia, solo tristeza. De hecho al final de la canción, el protagonista sigue esperando, aunque no quiere creerlo. Hay mucho "te espero"/"no te espero", "te creo"/"no te creo" en las letras, pero no hay una progresión ni alternancias... solo contrastes.

Es difícil escribir canciones felices que sean realmente buenas. Solo hay que comparar "Feeling Groovy" de Simon & Garfunkel con "It won't be long" de los Beatles para darse cuenta de lo complicado que es.Una de mis canciones favoritas es "I can't stop smiling" de Velocity Girl, cuando la oigo no sé si reir o llorar. Me gustaría componer algo así de bueno. No veo fragilidad en mis letras, quizás la haya en las melodías porque me gustan la música sutil. Pero en las letras hay mucha determinación. Que una canción sea triste no convierte al personaje en un ser resignado y débil. No creo que sensibilidad sea sinónimo de fragilidad. Sentir las cosas no quiere decir que te doblen. Cada canción tiene su historia sobre cuándo y cómo la compuse. Tenía muchas canciones en la época en la que estábamos grabando, y elegí grabar estas catorce pensando que solo entrarían doce. Pero cuando terminamos no creí que sobrara ninguna así que entraron todas. Así que la verdadera selección fue el proceso natural de olvidar las canciones que compones pero no tienes ganas de tocar. 3- Hay una gran diferencia en las canciones escritas en español y en todo el resto. Las primeras son las más tristes, las más desangeladas, las que producen una sensación más inquietante; las segundas son algo más llevaderas, con  espacios luminosos (como ya he comentado) y parajes más evocadores. ¿Cómo afrontas ese cambio de idioma? ¿Supone un problema? 
Hablo español e inglés igual, hasta el punto de no darme cuenta a veces de en que idioma estoy hablando, cantando, escuchando... Si no me fijo, ni me entero. Es una casualidad que en este disco las canciones en español sean más inquietantes, en "Cuando termines con todo, habrá terminado contigo" pasa lo contrario ("Recuerdos" es la más alegre). De todos modos la mayoría de las letras las escribo en inglés, hace poco que escribo en castellano y no me resulta tan fácil. Pero sí estoy contenta con los resultados. Seguiré componiendo en los dos idiomas mientras escriba letras.

4- Pocas veces he visto como en `No podemos ser amigos´ una identificación tan cristalina entre autor y narrador; el uso de la primera persona, la desnudez de las canciones, la fragilidad de las emociones, la tristeza, todo parece salido de tu propia experiencia, de tu dolor, como si no quedara nada para la imaginación, como si cada estrofa hubiera sido vivida. Supongo que es una pregunta personal pero, ¿hasta que punto es así? ¿Son las canciones del disco recuerdos y vivencias o hay algo de invención en todo esto? ¿Te molesta que te lo pregunte?
Si es así, disculpa. 
Obviamente represento mis ideas sobre la vida y las personas, y utilizo aspectos y detalles de mi vida cotidiana. Pero hay un punto de dramatización. Si me pongo un poco intelectualoide podría decir que recompongo, en lugar de componer. La experiencia es como una deconstrucción y selección de la realidad, y con esos trozos de experiencia (de lo que siento, pienso y veo) recompongo canciones. Así que diría que sí, que las cancioes tienen relación con mi vida, pero no es una relación absoluta.  5- `No podemos ser amigos ´ ha sido grabado en Gijón, con amigos de Migala, Manta Ray o Nacho Vegas durante bastantes meses, ¿cómo ha sido la  grabación? ¿cómo es la colaboración con todos estos músicos?  La colaboración con Frank Rudow ha sido muy constante, las aportaciones de los demás fueron más esporádicas y "a ciegas". Todos tenían mucha libertad creativa, se trataba de que cada uno aportara su visión a las canciones. La de Abel fue más controlada de lo que me hubiera gustado, por circunstancias del espacio-tiempo.

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Aroah, "No podemos ser amigos" Acuarela, 2002 www.acuareladiscos.com

Por Paco Camero-Indyrock  Tras su loado EP "Cuando termines con todo, habrá terminado contigo" y después de su split (sofisticadilla manera de denominar un disco a medias) con el ex Manta Ray Nacho Vegas en "Seis canciones desde el Norte", Irene R. Tremblay, Aroah musicalmente, publica ahora su primer disco, "No podemos ser amigos". Folk intimista, casi de cámara, 'de dormitorio', son los calificativos que algunos han dedicado a la música de esta joven de 22 años (aunque a ella la última etiqueta no acaba de gustarle). Lo cierto es que su querencia por el folk, por la tradición (norte)americana en conjunto -heredada de su madre, que es de allí-, es irrebatible. Aunque también hay en su obra destellos de pop, impulsos eléctricos y una suerte de voluntad de catarsis personal a través de su arma más poderosa: la sinceridad, a veces teñida de candidez infantil ("Myriam, la primera", cuya letra es contundentemente minimalista), a veces envuelta en palabras como dardos. Casi es imposible no hacer refrencia a las influencias: Catpower, el inevitable Will Oldham, algo de Joni Mitchell, otro poco de Tara Jean O'Neil... Pero siempre sobrada de personalidad, con autonomía y valentía creadora. En el disco Aroah se ha rodeado de una parte significativa del 'indie' patrio, a saber: Frank Rudow, Nacho Vegas (que canta en "Canción con idioma"), Abel Hernández de Migala ("Whiskey"), Jairo Moreno e Iker González. 10 temas en inglés (los más afilados letrísticamente), 3 en español (supuestamente más inocentes) y uno instrumental para el debut en largo de Aroah, que conquista eléctrica y acústicamente (con baterías que recrean sedosas atmósferas), pero siempre, siempre de una forma delicada, muy bonita.

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