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Loquat "IT´S YOURS TO KEEP" DEARSTEREOFAN 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Es agradable penetrar en el mundo apacible y misterioso de Loquat,
un quinteto de dream pop que debuta en el formato largo (tras sendos eps)
con este "It´s Yours To Keep". Disco de atmósferas sedantes,
convincente colección de canciones magnéticas, con un extraño
y sutil poder de atracción, de adicción emocional, la ópera
prima del quinteto americano está conformada por diez prosas poéticas
más bien accesibles (nada hay de duro o difícil en la propuesta
de la banda) sobre la vida en soledad, sobre el (inevitable) retorno a
los territorios de la infancia (la propia infancia es un territorio soñado,
imaginado), sobre algunos días nublados y algunos días con
sol. Un disco este que consigue momentos de autentica calma y hermosura,
de fragilidad (la tristísima canción que lo abre, "Take It
Back", el riff amargo de "Swingset Chain", la breve y orientalizante "Need
Air", quizá la mejor del disco, esa especie de blues apático
que es "Change The Station" o el ascetismo instrumental, apenas un piano,
de "Internal Crash") tanta que, por momentos, las canciones parece que
van a romperse: apenas hay guitarras estridentes, todas están tocadas
con mimo, con dulzura, los teclados, omnipresentes, arropan cada corte,
la encantadora voz de Kylee convierte cada texto en una confesión,
pasando todos por reales y sinceros (si es que acaso no lo son). "It´s
Yours To Keep" es una de las sorpresas de la temporada. Un disco pequeño
y honesto, de cámara, acogedor y magnético. Un hallazgo.
TRES MUJERES EN ACUARELA 2004: NUEVOS DISCOS DE
Tara
Jane O´Neil, Thalia Zedek y Julie Doiron
por Fernando Navarro- IndyRock
Avalancha de mujeres en el sello Acuarela. En la misma fecha
se editan tres estupendos discos de tres maravillosas folk-singers, cuyas
propuestas, aunque tienen algunos puntos en común, se diferencian
radicalmente.
"Your Sound, Reflect", mi favorito de los tres, es el nuevo álbum
de la multi-intrumentista norteamericana Tara Jane O´ Neil. Su magnética
propuesta, la más folk de todas y también la más post,
la más apegada a la tierra y a la vez la más alejada de los
hombres, es de las sobrecogen e inquietan, de las que turban. Sus canciones
son amargas, tristes, austeras; su voz clara y fría, está
dotada de una capacidad de fascinación increíble, es frágil
pero no afectada, es gélida y atormentada pero no dura. Tras la
abstracción que abre el disco, ya en "Howl", su segundo tema, deja
caer una melodía folk que parece de toda la vida, de esas que recorrían
las campiñas para prevenir de los lobos y que, ya en la tierra prometida,
se instalaron en los graneros y en los bosques, en las llanuras del Mid-West
o en las montañas. Un disco que no tiene desperdicio y que tras
una gran cantidad de bellezas ("The Poisoned Mine", las deconstrucciones
de "Famous Yellow Belly", "Without Push" "Knows Perils") se cierra con
una belleza atemporal, el instrumental "Tea Is Better Than Poison" cuyo
título, acompañado de la música, consigue poner los
pelos literalmente de punta.
Segundo disco en solitario de la ex Come, Thalia Zedek, "Trust
Not Those In Whom Without Some Touch Of Madness" (que traducido sería
algo así como "No te fíes de aquellos en los que sin un toque
de locura", que al parecer surge de una galletita de la suerte china en
la que alguien despistado había pegado el principio y el final de
dos papeles distintos) confirma la contundencia emocional, lírica
de su propuesta. Mujer dura y sentimental, buena bebedora y mejor conversadora,
en "Trust Not Those...", Zedek se muestra muchos más íntima
(si es posible) que en su primer disco, basando sus canciones en desarrollos
instrumentales prolongados, cansinos (nada sería lo mismo sin la
inestimable ayuda de los geniales Dave Curry y Daniel Couhglin) en los
que la voz de Thalia aparece como un salmo, dolida y arrepentida (la fuerza
de "Ship", la intensidad blues de "Sailor", la presencia divina que da
la espalda en "Angels", la esperanzada "Brother" o esa incómoda,
durísima "Island Song"), como la voz de una santa pecadora, redimida
y redentora.
Octavo disco de estudio de Julie Doiron y primero que edita el
sello Acuarela, "Goodnight Nobody" confirma la querencia de esta canadiense
bilingüe por el folk austero, desnudo y emocionalmente ambiguo (sus
canciones se debaten entre la melancolía huraña e invernal,
y cierto sentido del humor, cierta ironía no exenta de autocompasión).
Sola o en compañía de otros músicos franceses y canadienses
(entre ellos André y David de Herman Dünne, Dave Draves o Rick
White) en este disco con forma de diario, Julie habla de los meses fríos
y la nieve, de arrepentimientos, de esos momentos en los que uno desearía
volver atrás, hacer que todo cambiara; habla de noches locas y días
de resaca, de camas vacías, banjos y escritores de canciones. En
este cuaderno de buenas noches, cálido y cercano, Doiron se encuentran
algunas de sus mejores canciones (el atrevimiento casi jazz de "Last Night",
la fragilidad de "Tonight Is No Night", la extraña melancolía
de "Dance All Night", uno de los mejores textos del disco, la confesión
de "The Songwritter" o la apenada ironía de "Banjo") y, sin duda,
sus mejores letras. Este es uno de esos raros discos hechos también
para ser leídos, un disco manuscrito, hecho de las páginas
arrancadas de un cuaderno íntimo, arrugadas en la papelera y luego
rescatadas.
VV.AA. MUSIC FOR MODERN LIVING SPV / AUDIOPARHM
2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Creada con la idea de hacer más llevadera la vida (moderna
o no) actual, "Music For Modern Living" es una super recopilación
efectuada por los célebres disc jockeys Mellow and Rivera, en la
que cabe de todo, lounge, pop norteño, baladas horterillas, algunas
curiosidades sonoras, neo jazz o soul, todo plagado de mucho groove y mucho
buen rollo, como un recopilatorio posible de las músicas felices.
Así caben, en dos discos que se dividen en "Inbound" y "Outbound",
desde el genial preludio de The Go! Team ("We Listen Everyday") a la bossa
deconstruida ("Eighty-One" de Folke Jensen o "Snobird", el inesperado encuentro
entre Sharkey y los geniales y ya disueltos The Pharcyde) y las maravillas
funk de Quincy Jones y Bill Cosby ("Along Came Mister Nobody") hasta la
electrónica latinizante de Seductive Souls o Rivera Rotation, del
folk espacial de "Parcels" (maravillosa canción de John & Beverly
Martin) a la diversión alocada y algo petarda de Damn!, el funky
imparable de All Good Funk Allience o la electrónica cerebral, machacona,
germanizante de Torpedo Boyz (con esa demencia llamada "Are You Talking
To Me ???") así hasta desembocar con las pasadas de rosca de Super
Style Deluxe, Client o Morgan Geist. Finiquitando, cerrando una fiesta
privada de música alegre, feliz, frívola y despreocupada,
hecha para el cuerpo, nunca jamás para el alma.
Incognito "ADVENTURES IN BLACK SUNSHINE"
EDEL RECORDS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Escondido bajo el nombre de Incognito, Jean Paul "Bluey" Maunick
es un músico británico de color que practica una suerte de
soul blanco (si me permiten la paradoja racial), europeo, frío a
pesar de sus intenciones erotizantes, negro en el fondo, impecable en las
formas, cuidadísimo en los arreglos, en los ambientes sedosos que
envuelven cada canción pero, creo, carente de alma, de groove. Se
resiente, "Adventures In Black Sunshine" de un repertorio demasiado prototípico,
en el que, ojo, no faltan algunas buenas canciones pero que en cuerpo es
fallido; se resiente de la falta de actitud y carisma, de personalidad
y egolatría propia del género (un genero, el neo soul británico,
que carece de figurones y, sobre todo, de fuerza); se resiente, finalmente,
de una producción que mima los detalles pero que en conjunto reincide
en los mismos arreglos (los bajos más o menos saturados, los metales
suenan más o menos parecidos en todas las canciones, el piano eléctrico
acaba siendo una presencie monótona). Hay, con todo, elementos disfrutables
en el disco de Incógnito para el aficionado a tan insulso género
que el lego -yo entre ellos- quizá no aprecie. Me quedo con algunas
canciones (el instrumental "The 25th Chapter", la sencillez de "This Thing
Called Love", la fragilidad de "Autumn Song" o "Mr. Jones" que nada tiene
que ver con las canciones homónimas de Dylan o Counting Crows) y
con la sensación de que, probablemente, este sea un disco para disfrutar
con mucha más edad, tras la barra de un local decadente, o en una
tienda de moda, observando de reojo los probadores de las chicas.
Jimmy Cliff "BLACK MAGIC" 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Regreso del príncipe negro del reggae (el divertido y
alegre segundón Jimmy Cliff, que siempre estuvo por detrás
del gran maestro, el rey Marley) "Black Magic" es un disco de reafirmación
personal en el que el veterano músico se hace acompañar de
un buen puñado de músicos y graba un disco-resumen, con material
nuevo. Siempre es un lastre que se hablen más de las colaboraciones
que del material del disco, pero en este caso ambas van unidas, amen de
que el plantel de colaboraciones es sorprendente. Desde el arranque casi
R n´B acompañado por Spice ("I Want I Do I get") a la festividad
que siempre imprime el ex Fugee Wyclef Jean (que hace suya "Dance"), de
la reivindicación social con tintes arabizantes junto a Sting ("People")
a la visión delirante de la estupenda, quizá la mejor del
disco, "Fantastic Plastic People", el disco de Cliff se basa en encuentros
con otros artistas y piezas personales. De entre los encuentros destacan,
además de los mencionados, el dueto con Annie Lennox (más
por ella que por la canción, quizá una de las menos interesantes),
la aparición del genial Joe Strummer en la canción más
interesante del disco, la dura "Over The Border" o la cachondona "(Ooh,
la, la la) Let´s Go Dancin", nada menos que con Kool & The Gang
y la bestia del ragga, Bounty Killer, además de las inesperada aparición
del tensita Yannick Noah en la balada "Take Your Time". De las canciones
de Cliff sin amiguetes, hay que señalar la mirada al atentado de
las Torres Gemelas en "Terror (September 11th)" o al conflicto israelí
"War In Jerusalem", para acabar con las muy optimistas "No Problems Only
Solutions" y "Good Life", en las que Cliff, amante de la vida, aún
joven, propone mirar hacia delante. Siempre adelante.
Static-X "BENEATH, BETWEEN, BEYOND"
WARNER BROS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Borradas las fronteras definitivas del metal, acabadas más
o menos las miles de etiquetas del rock duro actual, han quedado algunas
bandas que, inicialmente surgidas bajo el injusto apelativo Nu-Metal, han
ido evolucionando hasta encontrar la identidad. Algo a lo que, imagino,
cualquier músico aspira hoy día. Static-x son una de esas
bandas a las que le ha costado encontrarse, pasando de unos inicios más
mainstream a convertirse en una banda de industrial, con todo lo que ello
conlleva. A pesar de todo y aún asentado, su repertorio remite a
los reyes del tinglado (los superventas y superpopulares Korn, con los
que las comparaciones son obvias y odiosas) y a viejas glorias del metal
industrial. Como síntoma de su estatus, Static-x se permiten el
lujo de editar un disco de rarezas, canciones nunca editadas y caras b
para deleite de su público (muy numeroso en Estados Unidos, algo
menos en Europa) y solaz del aficionado al nuevo metal. En "Beneath, Between,
Beyond", se encuentran todas las poses, las afecciones y los logros de
este cuarteto, que son casi los mismos que los de muchos de sus compañeros
generacionales: guitarras potentísimas, el inevitable apoyo electrónico,
una base rítmica más que contundente y los sobrecogedores
alaridos de Wayne Static. Se resiente el disco, como todo recopilatorio,
de su falta de coherencia, aunque no son pocos los momentos de emoción,
de energía. Entre lo mejor, sin duda, la terrorífica "Anything
But This", la muy industrial "So Real", el remix de Paul Barker de Ministry
de "I´m With Stupid" o la versión de los propios Ministry
"Burning Incide" con Burton Bell de Fear Factory, además de las
convincentes cover de Black Sabbath y Los Ramones.
Brian Wilson "GETTIN´ IN OVER
MY HEAD" RHINO / WARNER 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
El talento inagotable, colorista, visionario y atemporal de Brian
Wilson, el genio atormentado por la luz, el santo californiano, regresa,
por fin, en formato largo, tras seis años de abandono y como convincente
prólogo a la comentadísima edición de "Smile", el
más celebrado, famoso disco maldito. Extraño, por inesperado,
disco de pop brillante y barroco, delicado e inspirado, en "Gettin In Over
My Head" Wilson ha reunido a algunos viejos amigos (Elton John, Eric Clapton
y Paul McCartney e incluso la voz del ya fallecido Carl Wilson se dejan
caer por el disco) para grabar un fresco sobre la California post 11-S
vista desde la distancia y el punto de locura de su autor, siempre desde
la luz (una luz distinta a la dorada luz que conoció Wilson. California
ha cambiado, en veinte, treinta años ha habido muertes y tiroteos,
han muerto amigos y ahora gobierna un fanático borrico austriaco).
Con todo, encuentra Wilson, ese es su genio, rincones bellísimos
en la soleada y apestosa nueva California. Su repertorio no se resiente,
no envejece. Al ser en si mismo un género, Brian Wilson se alimenta
de si mismo -y acaso del viejo rock de los cincuenta- dando lugar
a unas canciones bellísimas, aparentemente sencillas pero de una
complejidad sorprendente, canciones por las que es imposible que pase el
tiempo. Hermosas reflexiones sobre la belleza en medio del horror ("How
Could We Still Be Dancin´") sobre el amor, la ingenuidad, la inocencia
o la amistad (nada hay de oscuro, o sórdido en las maravillosas
"Gettin´ In Over My Head" o "Desert Drive", en la conmovedora "A
Friend Like You", dedicada a Paul McCartney, o en esos dos cuentos de hadas
en formato pop que son "Make A Wish" y "Fairy Tale"), canciones que hemos
necesitado siempre (un domingo por la mañana jamás será
lo mismo después de la impresionista "Saturday Morning In The City")
sobre la necesidad de la divinidad en "Don´t Let Her Know She´s
An Angel") y la divinidad misma (se cierra este imprescindible disco de
Brian Wilson con un maravilloso vals en el que, girando, dando vueltas,
casi perdiendo el sentido, vamos recorriendo los amores que hemos tenido,
los que nos han hecho mejores personas y han alimentado la vida; un vals
que puede perpetuarse porque es la vida en si, lata o no el corazón).
Sólo tengo clara una cosa: Necesitamos a Brian Wilson. El mundo
es mejor con él dentro.
Ray Charles "THANKS FOR BRINGING LOVE AROUND
AGAIN" 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Grabado antes de su muerte, "Thanks for Bringing Love Around
Again" es el auténtico testamento sonoro de Ray Charles y nada tiene
que ver con la multitud de recopilatorios y falsos últimos discos
del influyente músico americano. Disco pequeño, más
bien modesto, de Ryhtm n´Blues y soul, la obra póstuma de
Charles, confirma la insistencia, el talante trabajador y el empeño
personal de Ray Charles como músico, siempre fiel a su sonido y
a su legado. "What I´d Say", el tema que abre el disco, sirve de
guía a lo que encontraremos dentro, tanto para bien como para mal:
a ver, para bien, que Ray Charles era un gran compositor, un buen cantante
y un pianista inmejorable. Para mal, que el disco es una versión
descafeinada de los grandes momentos de Charles por ese empeño (no
sabemos si impuesto por las circunstancias de la grabación, por
el dinero o por una iniciativa de Charles) de usar continuamente bases
grabadas, cajas de ritmos en lugar de baterías y arreglos de metales
provenientes, no de instrumentos, sino de sintetizadores y muestreos. Dicho
esto, consigue, con todo, sobresalir del disco un puñado de buenas
canciones a las que no afecta esa producción un tanto ochentera:
son canciones con aroma a toda la vida, bien escritas, con corazón.
Ahí están el innegable groove de"Can You Love Me Like That"
o "Really Got A Hold On Me", la hermosa declaración de amor (dado
pero sobre todo recibido) de"Thanks for Bringing Love Around Again" quizá
la mejor canción del disco, ese espiritual disfrazado de medio tiempo
"How Did You Feel The Morning After", el sentido lúdico de "Save
Your Lovin´ Just For Me" o las estupendas "Mr. Creole" y "Mother"
con que se cierra el disco, la primera un recitado con sabor a Nueva Orleans
y la segunda una sentida balada de amor maternal, con la que Charles, que
mejor manera, decía oficialmente adiós al mundo en el que
nació.
The Music/ "Welcome to the North" 2004
por Santiago Craig - IndyRock
¿Puede sentirse nostalgia por un tiempo no vivido? ¿Pueden
añorarse épocas más sinceras, más crudas, cuando
sólo se ha existido siempre en la misma ingravidez, en la misma
inmaterialidad plástica, elástica, hecha de nada? No se.
Responder preguntas no es mi fuerte. Me gusta plantearlas, me suena a documental
acerca de los OVNIS, pero realmente no se ni me interesa responder esas
cosas. En el fondo, sólo hago el planteo porque se me ocurrió
al escuchar el último disco de The Music. Si se me hubiera ocurrido
algo acerca de las propiedades químicas del desodorante en aerosol,
simplemente me hubiera preguntado eso. Pero no: escuché el disco
y me invadieron inmediatamente una mezcla de indignación y añoranza
que derivaron en los cuestionamientos precedentes. Ahora: ¿Qué
me pasa? ¿Por qué tanto lío, tanto pregunterío?
Es que me di cuenta de que hay cierta mugre que extraño, cierto
desapego y aire bohemio lleno de barro seco en los bucles, la dulce consecuencia
de algunas drogas blandas. Un aroma de azúcar quemándose
en el viento, caramelo, eso, un aroma ajeno que supongo y desconozco. No
se muy bien de qué hablo, como dije antes. De una insólita
manera no conozco siquiera lo que extraño. Una víctima más
de esta época vacía (de sentimientos vacíos, si se
quiere ser un poco melodramático) en donde se sufre por no poder
darle contenido al sufrimiento (en el mejor de los casos), y se tiene la
impresión de quedar empastado en una angustia viscosa, en una queja
que es una laguna de chicle, de engrudo. Una época en la que uno
a veces siente más miedo de no tener miedo que miedo de algo, y
no puede dejar de sentirse invadido por un desborde químico, por
una ingravidez insípida, un hueco oscuro que parece abrirse en todas
partes. Es que el frío no enfría, la sal no sala y el azúcar
no endulza, para decirlo al estilo de nuestro prócer postmoderno
Charly García. Y este nuevo disco de The Music, representa tanto
eso que me asusté un poco. Fue como ver todo de un golpe. Empezando
por esas baladas lavadas que parecen diseñadas por un ingeniero
vial para acompañar la ruta lánguida de un tiempo que más
que pasar parece desperezarse; esas pseudo-marchas militares eléctricas:
un rock estudiado para dar con una pose que pretende simular las ganas
de romper vidrios a patadas. Hippies con peluquero. Led Zeppelin y Deep
Purple eligiendo gritos y desbordes con un decorador de interiores. Hay
riff y distorsión, y sin embargo, uno advierte el vacío como
todo soporte. Por momentos uno siente casi tristeza (no, tristeza no, casi)
y advierte que del yeah yeah yeah al ooooh ooooh ooooh, no puede haber
un gran avance. Todo se repite y se recicla ¿Cuál es la última
banda que hizo sonar distinto una guitarra? Y no es que uno pida originalidad,
sino más bien, una búsqueda. (No puede pedir originalidad
alguien como yo, que ama a los Ramones, a Bon Jovi con rulos y a David
Bowie por igual) Si la sensación de agotamiento se da en todos los
ámbitos de la vida: esa asfixia, esa aparente abundancia en la que
terminamos por advertir que casi todo sobra (no, todo no, casi), estaría
bien gritar un poco más por este lado. Creo lícito pedirle
a la música que nos pegue un cachetazo, una patada en los dientes
y nos libere de los híbridos ataques de pánico y de las pastillas
para calmar el dolor.
Lo peor de todo es que el disco no es malo, es vacío; no hay
nada atrás. Se tiene la sensación de que se podrían
ir pelando las distintas capas de sonido hasta llegar a la nada. Hay algo
de Radiohead, algo de Oasis, algo de los Hanson. No está mal, entretiene,
todo muy bien con los chicos, pero nos dejan huecos de nuevo. Nos llevan
al norte, y nos dejan fríos. Pero bueno, al menos, por mi parte,
me regalan esta especie de indignación y de nostalgia ridícula
que he aprendido a disfrutar como un sentimiento auténtico en estas
épocas de aridez afectiva.
Boss Martians- "The set up"-CD
Spanish Tour 2004 - I Wanna Management 2004
Por J. E. Gómez - IndyRock
Si decimos Seattle y Garage, los amantes de los sonidos rokeros, fuertes,
frenéticos, cercanos al punk, están de enhorabuena. Se trata
de Boss Martians, una formación que recala por tierras españolas
en su Spanish tour 2004 para presentar su cuarto álbum, "The
set up", cargado de rifs, rápidas guitarras y voces descaradas.
Sonidos de carretera, garitos fronterizos, viajes en 4WD. Han creado 13
temas en los que se aprecian los gustos por el estilo Supersuckers, e incluso
The Posies. De hecho la producción ha estado a cargo de Johnny Sangster,
productor de estos dos grupos y andas como Young Fresh Fellows y The Makers.
Su procedencia de la tierra del grunge no queda oculta en "The set up"
(la mezcla ha sido realizada por Jack Endino, responsable de algunas grabaciones
de Nirvana y Soundgarden). Boss Martians sorprenden también por
su apertura de miras y la facilidad para rockanrolear sin parar, incluso
con los sonidos más frescos de la costa oeste, trasladan a los Beach
boys a la frontera con Alaska. (Spanishs Tour en octubre de 2004).
The Blueskins "WORLD OF MOUTH"
DOMINO RECORDINGS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Ya nadie se atreve a poner en duda el estado del rock hoy en
día. Aún así, para el pobre infeliz que aún
desconfíe del reciente auge de las bandas de guitarras, en los últimos
años siguen apareciendo antídotos contra la terapias antirock
de los medios en este país (las radios privadas, la televisión
pública, la izquierda y la derecha, el rock lo resiste todo) en
forma de nuevas revelaciones. De este modo, esta temporada a las
grandes referencias del rock viene a añadirse una más, conocida
pero aumentada, The Blueskins. Este excelente disco "World Of Mouth" viene
a confirmar lo que muchos sabíamos de este cuarteto: a saber, que
son una de las más frescas formaciones de rock n´ roll de
la actualidad, que saben sonar potentes y renovadores a la vez que remiten
a lo más grande del género espídico del rock. Ahí
están los coros y el solo de guitarra de "Stupid Ones" (cuya voz
remite a la Creedence), la maravilla rythm n´ blues que es "Change
My Mind", la sorprendente fiereza casi mod de "Girl" o "Go", el rockabilly
de "Love Boat" o el rock a secas, de "Tell Me I´m Someone". Lo dicho,
The Blueskins son una parte más de ese gran pastel del rock que
los aficionados necesitamos y que, a pesar de todo, seguirá existiendo.
Tweaker "2 A.M. WAKEUP CALL"
IMUSIC/PLAYGROUND/PIAS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Se han rodeado Tweaker (dúo de electrónica y rock
industrial formado por Chris Vrenna y Clint Walsh) de una sorprendente
lista de nombres ilustres para que ayuden, den brillo y mucha riqueza a
este "2 a.m. Wakeup Call", que suponemos su mejor disco y que está
compuesto por grandes colaboraciones intercaladas por momentos electrónicos,
así de simple. De este modo, en "Ruby", el corte que abre el álbum,
hacen encontrarse la fragilidad, inquietud y el misterio de la acústica
y la voz de Will Oldham con las afiladísimas guitarras, los teclados
y las programaciones habituales de la banda (casi metal) y así van
pasando de la electrónica semi épica de "Worse Than Yesterday"
con Mellowdrone a la estupenda "Truth Is", casi un blues, donde aparece
Robert Smith, de la sutileza y elegancia de uno de los músicos más
refinados de la escena actual, el elegante David Sylvian que aporta calma
y coolness al disco con su "Pure Genius" a la histeria de "It´s Still
Happening" acompañados de Hamilton Leithauser, y así hasta
el momento más desconcertante, la aparición de las inconfundibles
líneas de guitarra de Johnny Marr que aporta a la maravillosa "The
House I Grew Up In" una capacidad de conmoción, de melancolía
y belleza como solo el ex de The Smiths sabe hacer. Con amigos así,
quién quiere enemigos.
The Upwelling - Ep 2004
Por J. E. Gómez - IndyRock
Una vuelta de tuerca a la música más conceptual de los
70. Un recorrido por los sonidos de los sentimientos y las sensaciones.
The Upwelling hacen una música cadenciosa, cargada de matices. Su
trabajo The Upwelling es un viaje interior, un recorrido por temáticas
a veces luminosas, y cargadas de oscuridad y días grises. Desde
New York y Boston, este trío formado por los hermanos Ingber, Josh
y Ari, y Scott Morley, no ocultan sus influencias en bandas como Pink Floyd,
músicos como Santana, Leonard Cohen, e incluso la extravangancia
folk de The Pogues. Letras cuidadas, meolodías por encima de todo
y calidad en los arreglos. Su cuartel general en Brooklyn no les impide
sumergirse en los sonidos más indies de la escena británica.
Canciones como "American Nigth" son un himno hipnotizador que calaría
en los locales más underground de la vieja Europa.
http://www.theupwelling.com
theupwelling@theupwelling.com
Ariel Kill Him "IN THE PYRAMID"
CYDONIA RECORDS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Tras convertirse en una de las más respetadas figuras
del underground sueco (con sus bandas Serene y Leiha) David Lehnberg regresa
ahora con un proyecto personal, Ariel Kill Him. Ayudado por el productor
Magnus Björk, miembro de Cobolt y que figura como músico en
casi todos los cortes, Lehnberg ha grabado un disco delicadísimo,
del que apenas queda la huella del reciente pasado emocore de su autor.
Una obra, "In The Pyramid", que ofrece un repertorio basado en la sutileza
y la calma (abre el disco David con "Seashell Eyes", una canción
épica y falsamente triunfalista) que va tomando forma hasta adquirir
un carácter casi narrativo. Juegos inofensivos con la electrónica
("Alarm") y canciones de pop suave, más o menos formal, y más
o menos guitarrero (la deconstrucción de "At My Favorite Place"
es relativamente experimental, las bonitas guitarras de "I Am Hollow",
ese single clarísimo que es "Not Today, Not Tomorrow", quizá
la más redonda canción del disco o ese par de curiosidades
que son "Jimi Hendrix" y "The Exclusive Moment Of Travelling Inside Yourself",
esta última de diez apacibles y lisérgicos minutos) aunque,
para el que suscribe, lo mejor de la función son las canciones acústica.
Una, en concreto. La número cinco, curiosamente titulada "Less Beat",
menos ritmo. Es en esta canción, en este sonido otoñal y
amargo, sin ninguna estridencia ni arreglos más que la guitarra
acústica y una voz dolida, a la que se le añade un piano,
donde Ariel Kill Him logran los verdaderos momentos de emoción de
un bonito disco.
For Stars "IT FALLS APART" ACUARELA
DISCOS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Entre mis manos observo, mientras suena "I Should Have Told You",
el corte que lo abre, los planos detallados, repletos de números
y formulas, de figuras geométricas de todo el diseño de "It
Falls Apart", el nuevo disco de For Stars. Viendo esos planos, perdiéndome
en líneas discontinuas, en figuras que no reconozco, en los dibujos
de nudos y más nudos, algunos de los cuales no he visto nunca, escuchando
ya el segundo tema, "Calm Down, Baby", mi cabeza se va desplazando hacia
algún lugar, alejado de esta vida que me ha tocado vivir, en un
barrio que no me gusta, entre el ruido de las motocicletas y los gritos
de algunos vecinos; voy alejándome incluso de este cuerpo en el
que no siempre estoy cómodo, y de esas extrañas ideas que
tengo, y de la gente que conozco y de la que quiero, y voy incluso más
lejos. Con "It Doesn´t Really Matter" ya estoy fuera de mí,
para mi bien. Comprendo, o creo comprender entonces, los dibujos y los
planos, entiendo los números, las letras. K, n´, p, m, q.
Entiendo y asimilo de inmediato la figura trece, la seis y la catorce.
"In The End" es ligeramente más optimista; a partir de ahí
simplemente oigo la música, las canciones, sencillas y hermosas,
muy emocionantes, plagadas de bellísimas armonías vocales
y pianos, y alguna guitarra; separadas de cualquier referente que me recuerde
lo demás. Canciones que me transportan a donde quiero estar ahora.
Imagino entonces, escuchando el disco (avanza ya por "Shattered Glass"),
que la vida no existe, como tal, con el sudor, la sangre, los celos, el
ruido y las decepciones. Ahora creo que, alejada de la electricidad y la
química que la produce, queda una vida que es la que si existe.
Que no tiene que ver con esta pero que es la vida en realidad.
Eso es lo que creo.
From first to last "DEAR DIARY, MY TEEN
ANGST HAS A BODYCOUNT" EPITAPH RECORDS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
En su incansable búsqueda del punk y la rabiosa juventud
del rock, en su empeño en la renovación del género
de pop ruidoso y breve, Epitaph no deja de sorprendernos y de editar discos
que,
de algún modo u otro, siempre acaban estando ahí, siendo
importantes. El último, este que tenemos entre manos, es el disco
de debut de un jovencísimo quinteto, From First To Last, y está
acertadamente titulado "Dear Diary, My Teen Angst Has A Bodycount". Estructurado,
por tanto, como un diario, y a la vez como una elegía a la angustia
adolescente a la que se refiere el título, el disco contiene no
pocos argumentos en torno a esta idea: el fin de ese angst del que hablaron
los románticos alemanes (representado en la portada del álbum
con un entierro conducido por hombres trajeados a los que no vemos el rostro)
y que luego retomó Franz Kafka. Una sensación de opresión
existencial, de amargura imparable, de desdicha un poco caprichosa y a
la vez devastadora, que lleva a la (auto)destrucción y que tiene
reflejo en las canciones del disco: las estupendas "Note to Self" o "Secrets
Don´t Make Friends", esa canción de amor plagada de smog,
difícil, que es "I Liked You Better Before You Were Naked On The
Internet", la maravillosa "Emily" (siempre me gustaron las canciones con
nombre de chica), los alaridos de "Kiss Me, I´m Contagious" o la
generacional "Ride The Wings Of Pestilence". Este es, sin duda, un gran
disco.
Newton - "Para que mis noches en vela no
sean en vano" - CD tony Kenke Records-04
Por J. E. Gómez - IndyRock
Newton es reggae/dancehall. Este dj llegado de Santo Domingo, ha entendido
y asimilado los sonidos de la escena pseudo mestiza española. Del
hip hop al flamenco, la rumba y los sonidos africanos, todo con un inconfundible
aire jamaicano. En "Para que mis noches en vela no sean en vano", recorre
los espacios callejeros, las tribus urbanas, protesta social, discursos
con carga de reivindicación. Un canto a la libertad de culturas
y expresiones. Un canto a la integridad personal y a la autogestión.
En este disco, su premiere en la escena discográfica española,
cuenta con la colaboración de el hermano L, de la Puta OPP, Morodo,
Chulito Camacho, Ikah y Makamersim. Newton navega con samples, electrónica.
No deja de lado su faceta de Dj. El disco es, además, el primer
lanzamiento del sello Tony Kenke Records.
Soma Raza - Blind World - CD 2004
Formula Free
Por J. E. Gómez - IndyRock
Es difícil encontrar bandas que logren romper los estereotipos
marcados por estilos como el hip hop y el funk y, sin complejos ni ataduras,
mezclarlos con el rock más descarado. Esto es lo que ha hecho Soma
Raza, una banda formada por venezolanos y franceces y afincada en Barcelona.
Poseen el descaro de lo latino, su frescura y ganas de reivindicar nuevas
formas de expresión. A ello se une la larga tradición del
mestizaje de sonidos que imperó en la Francia de final de siglo.
Los componentes de Soma Raza no se olvidan de las calles donde habitan
e intentan susistir. El rap está presente en todas sus composiciones,
un rapeado a caballo entre la expresión del hip hop negro y los
sonidos rebeldes de grupos como Cipress Hill. Si a todo esto le añadimos
un poco de Ragga y aires de fiesta funky, el trabajo editado por Formula
Free, Blind World, descubre una nueva dimensión en la música
con raices. Por cierto, no les da miedo mezclar sampleados con estilo radiofónico.
Siete años de carrera y giras por media europa, les avalan. El single
'Fácil' es la escucha obliga para entender a Soma Raza.
Undernotes - 'Let the pride down' CD-2004
Rulot
Por J. E. Gómez - IndyRock
Buenas canciones. Power pop sin aditivos. La evolución del pop
de los 90 tenía que conducir, irremediablemente, a la música
de Undernotes, una banda destacada de la escena catalana, donde el listón
está cada vez más alto. Afirman que gustan de la música
sin límites ni fronteras, quieren entender la creación en
toda su universalidad. Esto es lo que han hecho en su primer álbún
titulado 'Let the pride down'. Nueve canciones con unidad temática.
Autosuperación, amo, desamor, confianza en los propios recursos.
Poseen una curiosa forma de expresarse. Parten de melodías y rif
guitarreros a los que dan cuerda, facilidad para desarrollarse y lograr
la expansión que la composición musical necesita. Guitarras
poderosas y suavidad en las voces con una magnífica base rítmica.
No les da miedo recurrir a estereotipos de los setenta, la calve está
en la expresión y el poder de comunicación de sensaciones
y pensamientos. Duros, sí. Suaves, también.
El club de Marilyn
HECHO EN LA SOMBRA (EDICION INDEPENDIENTE)
por Santiago Craig - IndyRock
Hay glamour en el barrio, hay lentejuelas, plataformas y pieles de
zebra y leopardo. Hay pestañas nacaradas que bajan como pájaros
de rimel espeso a posarse sobre la pupila hiperquinética del cantante
que gira y salta; frases musicales trepando por lianas de humo al borde
de la guitarra que suben, se retuercen y explotan en riff y punteos incendiados
de rock; ojos balanceándose en charcos de pintura azúl, púrpura,
fucsia, violeta, y labios rojos húmedos y chispeantes gritando coros
acarameladamente femeninos raspándose en gargantas sucias de tabaco.
Lu-Lui, pañuelos de seda y chaqueta blanca con estrellas negras,
pantalón verde hiperajustado y botas estrelladas, también,
negras y blancas, brillando sobre las tablas de un escenario que parece
ser el único sostén para su cuerpo convulsionado, de pronto
quieto, saltando, electrificado, estremecido, estallando; Marcelo
y sus pantalones de cuero negro pantera, gigante como un Torino lustrado
por la lluvia, deja flamear camisas desbordantes de luz mientras va llenando
todo de sonidos eléctricos; Paulie es todo pantalones rojos, campera
de cuero blanca, pieles y plumas de pájaros multicolores, las notas
graves desde el costado más oscuro del escenario. Y va pasando la
música: "No me gusta bailar" es un New York Dolls argentino, un
Matadero Dolls, si se quiere, que rompe todo, "Se va el tren" "La promesa"
"Sin consuelo" van dando solidez garagera al disco, esa solidez que no
se logra con prolijidad y sofisticación sino con buenas canciones.
Sigue el Glam y "Yo se que te gusta" o "Pídemelo" van dejando en
claro de qué va la cosa: no son los Ramones, ni los Rolling Stones,
no son Kiss tampoco, aunque usan casi la misma cantidad de pintura y punteos
agudísimos, pero son rock and roll en estado puro, en ebullición,
hirviendo. El disco termina con "Gato Encerrado" un tema con vocación
de hit de estadio.
Podemos adentrarnos en este "valle de muñecas"(muñecas
stones, si se quiere), en www.elclubdemarilyn.com.ar,
en donde también se publican las fechas de la banda. Es un viaje
que vale la pena: sonido rockanrolero y de barrio pero hinchado de burbujas
doradas: como si hubieran decidido hacer una kermesse y pintar las paredes
con purpurina, tapizar los adoquines y las vías del viejo tranvía
con telas multicolores, y maquillar a cada uno de los policías y
los almaceneros con tonos chillones. Es una gran fiesta hecha de abajo,
en la sombra, como dice su disco, desde los lugares oscuros y ocultos que
siempre nos reclaman: Pibes que se pintan, laburan, y tocan rock and roll,
y que saben sacar de esas sombras almidonadas y llenas de naftalina rancia
a la vedette recontraputa que todos llevamos dentro. Hagan el viaje, salten,
griten, libérense, ¿O no les gusta bailar?
THE ANOMOANON "THE DERBY RAM"
HOUSTON PARTY RECORDS 2004
por Fernando Navarro- IndyRock
Le gusta manejar a Ned Oldham (cabeza visible de The Anomoanon
y, han acertado, hermanísimo de Will Oldham) abundantes referentes
literarios para sus discos y sus canciones. De este modo, si en su primer
álbum, "Mother Goose" recuperaba la larga y casi desconocida tradición
de cuentos de hadas norteamericanos y en "Robert Louis Stevenson A Child´s
Garden Of Verses", el segundo, usaba poemas infantiles de Stevenson, ahora,
con "The Derby Ram", Ned se ha ido mucho más lejos, tan lejos que
al buscar las raíces para sus textos se ha acabado encontrando con
un viejo poema medieval inglés, "The Derby Ram" que, cuentan, cantaba
George Washington en sus apacibles paseos por los verdes jardines de Nueva
Inglaterra, hoy Boston. Así, en sus nuevas canciones que, con todo,
siguen sonando a blues encharcado, a folk espiritual, a country inquietante
y a rock acústico, Oldham y su banda establecen un interesante diálogo
entre la música de raíces norteamericana y las propias raíces
de la lengua, jugando, no sólo con el poema medieval, sino con las
metáforas shakesperianas y con los ambientes silvestres, de cuentecillo
moral de Chaucer. Quizá más áspero que otras veces,
más misterioso, el repertorio de "The Derby Ram" está tocado
por las brumas lejanas de las costas, por el enigma de los bosques y los
páramos, por cierta belleza intangible de la tradición ("A
Man Of Words", "Mary Had A Pret Bird / Bluebirdy Jam", "Ding Dong Bell")
y por la turbación que crean ciertas viejas melodías y ciertos
textos (las invocaciones ocultistas de "For Every Evil" o "O Lady Wind",
"Cambric Shirt", la rarísima "One For Anger" o la espeluznante "Bourbon
Whiskey / The Derby Ram") que nos remiten a un mundo no tan alejado de
este, al que una vez pertenecimos. Un mundo de bosques oscuros y enormes
castillos, donde las canciones iban de un sitio a otro, como reptiles.
Ese mundo.
Supervega, "Sentado encima del mundo", El
Golpe, 2002
Por Paco Camero M. - IndyRock
En su primer trabajo, los barceloneses Supervega, Paco y Sergis, dejan
constancia de las coordenadas que fijan el rumbo de su música: el
pop, ése de toda la vida, ése que en los años 80 vivió
su explosión frenética en España. Estrofa, estribillo,
estrofa, matices, arreglos sutiles. Junto a Darío Martín
(teclados), Anna Carné (violín y coros) y Carlos Córdoba
(guitarras, producción y masterización), entre otros, las
dos mitades de Supervega componen un repertorio en el que caben baladas
melancólicas ("Elena"), canciones electroacústicas, otras
en las que el piano acapara el protagonismo. Incluso toman como modelo
el pop con recursos electrónicos en "Malos presagios" y se atreven
con sonidos y melodías eminentemente celtas ("Irlanda"). Musicalmente
es un album variado, aunque nunca sin salirse de los confines del pop;
vocalmente remite en ocasiones a U2 y los famosos falsetes de Bono, su
cantante ("Llueve sobre mí", el primer single y uno de los mejores
temas). En suma, todo un tributo a ese pop de melodías y coros que
aunque viej0 nunca muere y que difícilmente dejará de recibir
homenajes como éste, como otros.
Jeff Caudill - "The Way Back" - CD-Maxi
Cydonia Records
 por
J. E. Gómez - IndyRock
Pocas veces se tiene el placer de encontrar un trabajo eminentemente
acústico y, menos aún, si se trata de un músico marcado
por el punk. Jeff Caudill, voz de la banda norteamericana Gameface, ha
decidido presentar un nuevo trabajo en solitario (el segundo después
de "Acoustic"-1999), un Cd-maxi bajo el título "The Way Back". Bellas
Canciones (con mayúsculas), cargadas de armonías y creadoras
de atmósferas sugerentes, intimistas, trabajos del más puro
pop-punk y contadores de historias por tabernas de carretera. jeff Caudill.
Hay sencillez en las composiciones y, ya se sabe, en lo sencillo está
la virtud de la composición. Puedes encontrarlo en www.bcorediscos.com
"The Way Back" está editado en España como presentación
de un nuevo sello Cydonia Records, creado por el líder del grupo
Madee, Ramón Rodríguez, lo que supone una garantía
de cara a la calidad de las elecciones de la discográfica que nace
con vocación de independencia. Junto al trabajo de Jeff Caudill,
Cydonia Records, se presenta con el disco "Caliber" de la banda "The Hit".
The Hit - "Caliber" - CD-maxi
Cydonia Records
por J. E. Gómez - IndyRock
 ¿Quieres
pasártelo bien? ¿Te gusta el pop mezclado con el punk? Si
es asi, no dejes pasar el trabajo de The Hit, "Caliber", editado por Cydonia
Records. Es el trabajo del también director de cine underground
de EEUU, Matt Matsuoka, autor de títulos como Heartbreack Beat"
y "For the Cash". Un músico curtido en el hardcore de Seattle con
bandas como Ten-O-Seven y Reed Rocket. Es una música sencilla de
guitarras alegres, distorsionadas, estallidos de energía que, en
momentos, recuerdan al rock más garajero y melodías que nos
llevana las concepciones clásicas del pop con una voz eminentemente
punky. Este disco de cinco temas es el adelanto de un larga duración
que será edtado próximamente por Cydonia Records. The Hit
son: Matt Matsuoka, voz y guitarra: Soto Rebelos: bajo; Kenny Ball: guitarra
y John Wicks: batería.
Puedes encontrarlo en www.bcorediscos.com
Sleater-Kinney, "One Beat", Kill Rock Stars/Green
UFOs, 2002
Por Paco Camero Mesa - IndyRock
Lo primero de todo: este disco es una flagrante apología del
rock y del amplificador, hecho que será sancionado negativamente
por aquéllos que desde hace varios años sostienen que la
modernidad pasa por la defunción de la guitarra eléctrica.
Pero Sleater Kinney, formación integrada por un trío femenino,
no forma parte de ese elenco de grupos debutantes (encabezados por el formidable
éxito de The Strokes) que, por las oscilaciones de las modas de
mercado y gracias a las buenas críticas de algunas revistas musicales
nacionales e internacionales (no se sabe si por mala conciencia), han vuelto
a plantear la vigencia de una música que estuvo cerca de la perfección
en las composiciones pretéritas de The Velvet Underground y Television,
entre otros. "One beat" es su sexta entrega, de modo que el sonido de las
norteamericanas presenta una madurez que se inclina por las melodías.
Voces, estribillos poderosos, dos guitarras y una batería impetuosa:
el formato del grupo es bien básico, por lo que el planteamiento
musical es agradablemente sencillo y, en cierto modo, primigenio (en este
sentido, pueden recordar a The White Stripes). Ello no impide que en los
temas haya matices: retazos de surf, rithm & blues, teclados juguetones
y simpáticos arreglos. Pero el núcleo de su música
es una suma perfecta de melodías y estribillos pop y de contundencia
punk. "Funeral song" nos remite al sonido de Hole; "Symphaty", a la inconfundible
voz de PJ Harvey; "One beat", que abre el disco, suena agresivamente grunge;
"Faraway", con un riff demoledor, es la (inevitable) canción dedicada
a los sucesos del 11-S,... y así hasta completar los doce temas.
En suma, tres mujeres de Olimpia que se mueven entre el legado de las riot
grrrl y el punk inteligente de Patti Smith. Guitarras, melodías
y distorsión. Viva el rock.
Cabellero Reynaldo, "Studio 54", Criminal Records-Hall of Fame,
2002, www.criminaldiscos.com; www.hallfame.com
Por Paco Camero M. - IndyRock
Un comienzo en el que se suceden órganos hammond y unos señores
jugando a hacer armonías vocales advierte del carácter teatral
de la función que acaba de levantar el telón. Creado por
Luis González, veterano de la escena valenciana y alma mater de
este proyecto, Caballero Reynaldo es un personaje acrónico y caprichoso
que en cada disco se mueve a su antojo por épocas históricas
distintas. La historia que articula este disco y justifica su título
destila surrealismo y sentido del humor. Sólo diremos que Studio
54 es aquí el nombre de un pub de Dos Hermanas (Sevilla) en donde
Luis Reynaldo tocaba swing en la década de los 40, época
en la que cualquier ritmo alejado de las coplas y los pasodobles al uso
y con olor a extranjero era merecedor de la más cruel anatema. Y
efectivamente, encontramos en esta obra canciones pop ejecutadas bajo los
patrones del ritmo swing, letras surrealistas, rayanas en lo grotesco y
casi siempre irreverentes y minimalistas. Un ejemplo: "Encima de tu ciudad
cruzan aviones a montones, que algún día caerán, y
a más de uno asustarán". Es todo el texto de un tema llamado
"Clásico con twist". Otras veces la música se acerca a un
concepto más convencionalmente pop, menos satíricos y más
agridulces, como en los temas "Mi nombre es Luis" y "Ausente", este último
absolutamente adictivo y delicado. Es imposible no acordarse al escuchar
este disco de aquéllos que hizo Frank Zappa con los inefables Mothers
of Invention, en los que parodiaban todo cuanto abarcaban sus lúcidas
cabezas, y abarcaban mucho, desde su profundo conocimiento de la música
popular del siglo XX. No cabe duda de que una propuesta como la de Caballero
Reynaldo constituye, sólo por sus formas, un reto a la dictadura
de un mercado musical raptado por el bisbalismo y por el temor de no sonar
siempre muy, muy moderno. Esta valentía les emparenta, por ejemplo,
con los desaparecidos y surrealistas Derribos Arias. Al igual que éstos,
Caballero Reynaldo son únicos.
Señor Mostaza, Pianoforte EP", Criminal Records-Hall
of Fame, 2002, www.criminaldiscos.com; www.hallfame.com
Por Paco Camero M. - IndyRock
Señor Mostaza es el alter ego popero de Luis Prados, un valenciano
profesor de conservatorio que además de a su labor académica
se dedica a componer y tocar ese pop atemporal que se nutre del legado
de los Beatles, de las melodías coloristas, de los estribillos que
se quedan clavados en la memoria. Prado, que toca casi todos los instrumentos
muy dignamente, formó parte de los Flauters y se ha curtido además
en algunas giras nacionales de M-Clan tocando el piano. Este trabajo es
nítidamente un homenaje al pop, a esa corriente que ha sido como
una reina nunca destronada al menos durante los últimos cuatro decenios.
Algo hay también de cordial parodia, de distanciamiento humorístico,
que se observa desde el primer momento, o sea en los mismos títulos:
"Soy feliz" (por cierto, quizá el mejor de los siete temas junto
con "Fin de curso"), "Electricidad de corazón" o "Caramelos de fresa".
En la nota promocional se señala también la influencia de
los Beach Boys. No se trata de rebatirlo, pero todo hace indicar que, a
partir de ahora, y bajo el influjo y la autoridad de Rockdelux, no se podrá
hacer pop en este país sin agitar la bandera de los chicos de la
playa, sin pertrecharse tras esta etiqueta que parece proporcionar automáticamente
parabienes de la crítica.
Una sonrisa terrible, "Paracaídas",
Criminal Records-El Diablo, 2002, www.criminaldiscos.com; www.amigosdeldiablo.com
Por Paco Camero M. - IndyRock
Lo primero que llama la atención de "Paracaídas" es su
envoltorio, en formato digipack y con un libreto interior desplegable que
incluye un avioncito y que es una verdadera chulería, eso sí,
una chulería delicada y con toque naïf. Empiezas a escuchar
las canciones, pero ya casi no te hacen falta para saber que a los componentes
de Una sonrisa terrible, entre ellos Isa Terrible y Dani Cardona, activistas
musicales de Valencia, les gusta el pop art. De modo que el caramelo tan
bien adornado por fuera es de varios sabores: hay pop de piruleta (lo llamaremos
así, pero que no se enfade nadie) con su correspondiente toque infantil
y cándido, de impostada inocencia, y algunas programaciones, pero
también hay temas más directos, más contundentes,
como "Faltarte" (uno de los más bonitos) o "Pequeño diablo".
En otros momentos, la modernidad de funde en un mismo cuerpo con lo petardo.
Es el caso de la canción "La casa okupada", en la que se refleja
la cotidianidad de una casa en la que hace falta comprar quitamiedos para
los enchufes y cuyas vecinas, que son "muy okupas", "apagan las luces
cuando sospechan que ando husmeando detrás de la puerta". Tras un
primer disco con poca fortuna (como siempre en este país, por lo
angosto de los canales de distribución), el grupo espera ahora remontar
el vuelo con esta tormenta de melodías alegres y melancólicas
y con una actitud que se asemeja en algunos momentos a Nosoträsh.
SIDDHARTA "OCTUBRE"
Octubre Records
 Siddharta
es la revelación del hard rock melódico. De la mano de Octubre
Records han lanzado su álbum "Octubre", una colección de
temas en los que se recupera la fe en las guitarras, las melodías
clásicas y una voz que engancha y crece en la reescuchas. La personalidad
del front man, unida a guitarras límpias y una base rítmica
digna de elogios, hace de Siddharta una banda que puede ubicarse en los
más altos lugares del Hard Rock europeo. Su empeño en cantar
en español quizás les recorte las alas internacionales, pero
mercados como el centroeuropeo están ávidos de nuevos grupos
con contundencia, sin importar la lengua. Buscan calidad y a esta banda
le sobra. Magníficos desarrollos rítmicos que envuelven al
oyente y lo transportan a espacios donde impera el misterio, las atmósferas
neblinosas y cielos grises. Siddharta es un viaje a los 80 perfectamente
anclado en los inicios del siglo XXI. Voces, rifs, percusiones y sobre
todo buenas canciones y r&r.
MarySlim - "Nothing In Common/ Red Room Lover" (White Jazz Records
- 2001)
Por Javier García Ferrer - IndyRock
 Aunque
el número de bandas surgidas desde la fría y lejana Escandinavia,
aunque parezca mentira, no deja de crecer, si que es cierto que cualitativamente
no todas de las que nos llegan son destacables. Ahora que Turbonegro han
desaparecido, Backyard Babies andan perdidos en busca del éxito
a toda costa, y Hellacopters y Gluecifer están emigrados a multinacionales,
la explosión del norte busca nuevos reemplazos de referencia, en
un primer momento parecía ser que el cetro seria tomado por Hellride,
pero por lo visto, muy a mi pesar, han perdido su tren. Pues bien, en este
contexto, aparecen MarySlim, con un contrato recién firmado con
White Jazz, primigenia discográfica y cuna de la mayoría
de bandas cabecera del género, y con este single como adelanto de
su nuevo y flamante Lp, cuya producción corre a cargo del reputado
Tomas Skogsberg, en los Sunlight Studios de Estocolmo. Como antecedente
tenemos, el magnifico 10" "Saints From Hell", que grabaron para el sello
de nuestro compatriota Mr. Turmix, y donde ya aparecen la esencia de la
banda, muy buenas dosis de R´n´R festivo, con grandes melodías
y con mucha frescura, la banda ha sido descrita como un amalgama de influencias
desde Kiss, AC/DC, New York Dolls, partiendo eso si, desde un sustrato
punk-rock......así que todos sabemos de que estamos hablando. Yo,
particularmente, me quedo con la cara B de este single "Red Room Lover",
un excelente trabajo de simbiosis de Punk, R´n´R y actitud,
que me recuerda en su sonoridad a los Hellacopters más clásicos;
en cuanto a la cara A, es un tema que con su frescura, melodía y
diversión, merecería copar los charts en lugar de las morallas
que lo hacen ahora.
DERIVA. Planes de Fuga. Criminal Records. Rafa Berrio es un cerebro
del underground nacional que lleva bastantes años haciendo lo que
le viene en gana con bandas tan suicidas como UHF o Amor a Traición.
Deriva es el nombre de su último proyecto de francotirador, que
cuenta con la inestimable colaboración del productor, programador
y técnico de las máquinas donostiarra Iñaki de Lucas.
"Planes de Fuga", el primer disco con tal formación es una obra
que se presta a engaño, cambiante pero coherente donde Berrio usa
la tecnología para vestir unas canciones donde priman los textos
agresivos e hipnóticos, de realidades densas para perderse. Siempre
bordeado por unas guitarras afiladas, este disco de punk tecnológico,
casi neopunk, puede tener como reminiscencias aquel profético "Cyberpunk"
de Billy Idol y encuentra sus iguales en los recientes primeros discos
de Astrud o El Estado Y La Historia, en este caso sin el petardeo de los
primeros ni el ambiente post punk de los segundos. Así Deriva nace
como un proyecto, quizá más comercial que los anteriores
de Berrio, pero igualmente valiente. Fernando Navarro
FILL BLACK. Fill Project. Avoid Records. El Hip Hop español
ya tiene mayoría de edad y como tal ahora empiezan los obligatorios
procesos de selección que separaran las mediocridades (muchas, la
mayoría) de los grandes artistas (aquellos con entidad, personalidad
y versatilidad, con la suficiente como para diferenciarse de las distintas
escenas mundiales) Dicho esto, he de confesar que en algunos casos mi perplejidad
es tal que no sé distinguir los unos de los otros, debido, en parte,
a la saturación, que me impide ver cosas más claras. Fill
Black, proyecto surgido en Valencia de la unión del mc Tommy G y
el dj Negro Che es uno de sus casos. Álbum irregular y de excesiva
duración "Fill Project" es un disco que se hubiera beneficiado de
un generoso recorte, algo que hubiera facilitado su posterior escucha.
Lo que se ha editado se queda en una obra muy, muy funk, claramente negroide
(por ahí lo del nombre) de rimas vacilonas pero algo faltas de intensidad
(no al menos la intensidad que vemos en la Mala o sobre todo Doble V),
bien mezclado, incluso bien intencionado pero que tiene en su falta de
definición estilística un problema. El común enemigo
que todos los nuevos artistas del Hip Hop tienen que combatir, para sacar
la cabeza en una escena difícil y competitiva. Una escena en la
cual Fill Black, si reinciden en la línea soul, incluso R&B
de "Una Mañana +" o "Afro Conciencia" o la cierta melancolía
de "Fuck Policía" acabarán por encontrar su sitio. Algo nada
fácil. Fernando Navarro
 The
Icarus Line "Mono" (Crank! - Sweet Nothing 2001)
Por Javier García Ferrer - IndyRock
Ahora que muchos fans del hardcore actual se han quedado huérfanos,
tras la disolución de "At The Drive In", aparece el nuevo trabajo
de The Icarus Line, que parece ser el sustitutivo perfecto, y que hará
las delicias de los amantes de esas sonoridades. Sin entrar en análisis
de calidad, o de lo que realmente pueden aportar este tipo de bandas, The
Icarus Line, facturan un post-hardcore, que bebe directamente de Fugazi,
banda cabecera del subgénero, pero mirando también hacia
atrás, incorporando matices de clásicos como Black Flag o
The Stooges, sobretodo en su absoluta obsesión hacia el feedback.
Este trabajo esta producido en parte por Mark Trombino, el cual abandonó
el proyecto por desavenencias con la banda, tomando el testigo, como no,
por Alex Newport, el aclamado productor, entre otros, de Sepultura, y los
antes mencionados, At The Drive In, aportando el sonido y la actitud que
la banda necesitaba. Guitarras velozmente distorsionadas, con precipitados
cambios de ritmo, y unas letras escupidas unas veces en forma de gritos
y otras en leves susurros, todo ello se puede apreciar en extraños
temas como "Feed a Cat To Your Cobra", "Love Is Hapiness" o "Enemies in
High Places".
 Pleasure
Forever "Pleasure Forever" (Sub Pop - El Diablo 2001)
Por Javier García Ferrer - IndyRock
Hedonismo absoluto, la búsqueda del placer concentrada en forma
de banda, como bien indica su nombre, eso es lo que son Pleasure Forever,
el mismo trío que antes fue conocido como Slaves, y antes como VSS.
Salidos de San Francisco, Pleasure Forever comulgan el post-punk de Nick
Cave and The Bad Seeds, las atmósferas de The Doors, el lirismo
del glam de los 70´s con un sentido de la teatralidad y el cabaret,
del que ninguna banda hoy en día, nos tenia acostumbrado. Todas
estas sin pares influencias convergen en un punto exacto en forma de canciones,
desde la inicial "Goodnight", hasta la epopeya de siete minutos que es
"Any Port in A Storm", con unos cambios de ritmo excelentes, el groove
de "You And I Were Meant To Drown". Si el sonido y las influencias de esta
banda son atípicas, también lo es su formación: piano,
guitarra y batería, con ella facturan lo más cercano a la
grandilocuencia y la pretenciosidad de la década de los 70´s,
sin olvidar que lo realmente importante son las canciones. Todo aquel que
se deja llevar por cualquier recomendación que lanza la prensa británica,
y que la mayoría de veces, sino todas, rozan la vergüenza ajena,
debería fijarse en Pleasure Forever, una "verdadera" banda de pop-rock,
que tiene una historia y unas canciones detrás, y que, aparentemente
no son flor de un día.
The Immortal Lee County Killers "The Essential Fucked Up Blues" (Sweet
Nothing - K Industria, 2001)
Por Javier García Ferrer - IndyRock
 La
deconstrucción máxima del blues jamas hecha, que agradara
sin lugar a dudas, mas a los seguidores del punk que a puristas retrógrados
del blues; si bien Mick Collins con sus Gories asentó las bases
del genero; y Jon Spencer y su Blues Explosion lo elevaron a cotas de comercialidad
antes no alcanzadas, Chetley "Cheetah" Weise y Doug "The Boss" Sherrard,
lo llevan a su máxima expresión minimalista, con la única
ayuda de una guitarra y una batería, desgranan una concepción
del blues de los mas ruidista, pero sin perder el apego por los patrones
más clásicos, siguiendo parámetros cercanos a lo que
hubiera seguido Jon Spencer sin no hubiera abandonado los parámetros
sónicos de su antigua banda Pussy Galore. Tomando su nombre del
mítico Jerry Lee Lewis, el primer y más autentico "killer",
desmontan, y vuelven a emsamblar a su gusto todas las tradicionalidades
del sonido blues, recreando lo que ellos denominan "blues from the punk
delta", con un sonido sucio, duro, pestilente de whiskey de la peor destilería,
que emparienta el blues con el garage-punk, buque insignia de su escudería,
Estrus Records, donde comparten hogar con otras luminarias como Lord High
Fixers o Fatal Flying Guilloteens. Chetley berrea como un poseso mientras
desgrana toda una colección de riffs con su guitarra, mientras Doug
no se cansa de aporrear su batería, canciones como "Go To Hell On
Judgement Day", "Let´s Get Killed" o la apabullante versión
del clásico "Rollin´ Stone" de Muddy Waters, de nueve agotadores
minutos te llevan directamente al infierno, poniéndote la carne
de gallina, a base únicamente de brutal sinceridad. The Immortal
Lee County Killers son la demostración palpable que sin grandes
artilugios, ni producciones pretenciosas, únicamente con dos instrumentos,
un 8-pistas y mucho sudor etílico, pueden dar como fruto un Lp que
realmente mueve tu culo, como muy pocos hoy en día. Actualmente
ha habido cambios, Doug ha abandonado la nave, en pos, de JRR Tokien, antiguo
compañero de Chetley en The Quadrajets, su anterior e imprescindible
banda, por lo que tendremos a estos terroristas del blues sueltos por mucho
tiempo. www.leecountykillers.com
VITESSE "What can not be, but is" Acuarela Discos. Con el pop triste
de sintetizadores de los ochenta como principal referencia (y sobre todo
con el "Movement" de New Order como cuaderno de estilo, especialmente en
el aspecto vocal) el dúo norteamericano Vitesse (norteamericanos
con alma de europeos, eso está claro) edita su tercer álbum
"What can not be, but is", que significa el primero con Acuarela. Con una
línea muy clara, un desarrollo coherente, nunca roto por abruptos
ni salidas de tono, "What can not be, but is" es un disco que debe escucharse
de un tirón (sus apenas cuarenta minutos ayudan) para entender el
concepto de pop y de historias (pues de historias esta lleno este disco)
que proponen Vitesse. Basado en ritmos electrónicos y guitarras
no demasiado afiladas, el pop lánguido de Vitesse encuentra su manera
de expresión perfecta en unas historias casi adolescentes, sugerentes,
tremendamente evocadoras ("2nd Thought" "Starlight" con cierto regusto
a 4ad o la hermosísima "Unsatisfied Heart") que convierten al disco
en una pequeña pieza de pop de cámara. Uno de esos discos
que parecen destinados a acompañar el final de una relación
que fue hermosa o el comienzo de unos meses en los que nada, absolutamente
nada emocionante pasará en tu vida. Fernando Navarro
CAM. "Honeymoon by"
Por Fernando Navarro - IndyRock
Formado en la riquísima escena electrónica francesa, CAM
es un dj y productor que tras algunos maxis, su álbum de debut "The
Beat Assassinated" y un descomunal proyecto (una serie de tres volúmenes)
llamado "The Loa Project", ha entrado a formar parte de una curiosa iniciativa
del sello galo Chronowax en la que algunos de los iluminarias patrios recopilan
canciones más o menos inéditas con un argumento unitario.
En el caso de CAM, el amor y los amantes. Así este "Honeymoon" es
una recopilación de hip-hop, dub, jazz y lounge cuyo lazo argumental
es la música sensual, insinuante, cálida, caliente incluso.
Para ello la selección se demarca de algunas compilaciones parecidas
por un extremo buen gusto y una sensibilidad muy francesa para escoger
los artistas. Junto a algunos de los más influyentes mezcladores
de la escena actual (los geniales Coldcut que aquí aportan una versión
de "Autumn Leaves", una exquisita canción que parece salida de la
factoría Bacharach-David pero que en realidad le pertenece al igualmente
maravilloso Johnny Mercer o Dj Matsuoka con su "Piano Objetive 3") o clásicos
indiscutibles del jazz (Grover Washington Jr de quien se ofrece la desconocida
"Loran´s Dance), CAM introduce a los más recientes descubrimientos
del productor Jay Dee (Que D y Phat Kat) para acabar la función
por todo lo alto. Nada más y nada menos que Henry Manzini con su
pieza "Lujon" incluida en el score de la serie de televisión "Mr.
Lucky". Una recopilación muy, muy cool.
LOOSEGOATS. "Her, The City Et Al"
Por Fernando Navarro - IndyRock
Ni los más aventurados se atreverían a afirmar, ni tan siquiera
insinuar, que Loosegoats son de la fría Suecia. En "Her, The City
Et Al" (tercer disco del quinteto de Estocolmo) Loosegoats se ganan por
derecho y a pesar de su gentilicio, un sitio en la primera fila de las
nuevas bandas del Country Rock (movimiento en el que la cabeza visible
son los geniales Jayhawks) gracias a un disco maduro, melancólico
pero no triste, luminoso y más cálido que los dos discos
anteriores (el titubeante "For Sale By Owner" y el estupendo "Plains, plateaus
and mountains"). Una obra donde a unas estupendas canciones, ya habituales
en su repertorio ("Traveller" mi favorita que sirve para abrir el disco,
las vitalistas "Days Of Black" o "Yucca Mountain" o "Straight Arrow", uno
de sus mejores temas) se une una producción matizada, detallista,
y una sensación de conjunto cerrado, de álbum completo que
no tenían sus predecesores. Como la anacrónica figura del
cowboy en este nuevo siglo extraño y confuso, Loosegoats son un
rara avis en la escena de la que provienen (una escena sueca más
proclive a bandas de metal oscurísimo o a artefactos de techno pop)
pero se pueden (y deben) integrar con total coherencia en la nueva, optimista
y excelente hornada de nuevas bandas de Country Rock.
SIDDHARTA
Por Javier García Ferrer - IndyRock
Interesante nombre para tan prometedora banda que nos presenta su single
debut "Nadia", a la espera en breve del lanzamiento de su Lp "Octubre",
de la mano de la nueva compañía Octubre Records. Siddharta
facturan un Hard Rock melódico al modo de antaño, deudor
de esas bandas que reventaron las listas en los 80 y de las que parece
que nadie se acuerda hoy en día, bandas como Whitesnake, Journey,
Toto o incluso Van Halen; pero tambien de sus contrapartidas locales de
la epoca, como Sangre Azul, todo ello sin olvidar matices más clásicos
de la mano de referentes ineludibles como Deep Purple o Led Zeppelin, sobretodo
en el hecho de poseer cantantes de características extraordianrias.
No esperes innovación o modernidad en esta banda, pero tampoco un
revisionismo mimético carente de alma, Siddharta te ofrece honestidad,
sinceridad y coherencia con sus influencias, en forma de canciones, y la
mejor muestra de ello es su adelanto "Nadia", excelente composición,
con la dificultad añadida de tener sus textos en castellano, que
visto lo visto, es prueba difícil de superar, no escudándose
en el ingles, como modo de salvar la imposibilidad de transmitir un mensaje.
En el tema brilla con luz propia su front-man y cantante, poseedor de una
de las mejores voces de este país sin lugar a dudas; con unos excelentes
puntos de inflexión en su voz, seña de identidad del genero,
mención aparte, merecen también los desarrollos musicales,
en especial, en cuanto al solo de guitarra. En definitiva si la historia
no es injusta, que en demasiadas ocasiones lo es, el nombre de esta banda
debería sonarnos bastante en lo sucesivo, pues lo que esta clarísimo
es que de haber nacido en USA, ahora reinarían en los mas alto de
los charts de ese país.
Portishead
"Dummy" (Go Beat, 1994)
por Rafa Carazo para IndyRock
A finales de 1994 aparecía el debut de una banda llamada
Portishead, el album se titulaba "Dummy" y causó tal revuelo que
todavía se le reconoce como uno de los mejores largos de los 90.
Trip hop en estado puro. Massive Attack sentó las bases de este
movimiento pero Portishead construyó sobre ellas toda una manifestación
creativa impensable cuando se publicó "Blue lines" en 1991. Beth
Gibbons (voz), Geof Barrow (teclados) y Adrian Utley (guitarra y bajo)
elevaron el trip hop a cotas inigualables. "Mysterons", "Sour Times", "Wandering
Star", "Numb", "Roads", "Biscuit", "Glory Box" (y en general los 11 temas
que componen "Dummy") muestran sensualidad, evasión, encanto; hay
jazz, hay pop, hay soul y hay un claro desasosiego que huele a futuro,
a un futuro que espera con emoción y en el que te introduces si
te sumerges dentro de este aluvión cibernético aunque lleno
de sentimientos y de humanidad. Porque es cierto que en él conviven
el hombre y la máquina, y hay que bucear en ese mundo (a pulmón
limpio), involucrarse en él para ver que goza de corazón
porque si uno se limita a escucharlo desde la superficie sólo vislumbrará
un fría y cruda maquinaria cibernética.
El sensual modo de cantar de Beth Gibbons, los samples (propios y
prestados) y el tremendo sentido musical de Geof Barrow y Adrian Utley
se mezclan y confunden en una unidad sonora sin precedentes y que nunca
otros supieron igualar. Y es que es magnífico, todavía sueño
con hacerme una camiseta con esa "P" sobre el fondo azul, ¿azul
eléctrico?. Portishead tardó tres años en crear otro
album, conscientes de que tendrían que sorprender (de nuevo) o igualar
(al menos), pero aunque su album homónimo de 1997 gozó de
una innegable calidad no tenía la frescura y ese elemento sorpresivo
que siempre ofrece un debut (aunque me estremecí cuando sonó
la canción "Undenied" durante la proyeccion del film "Bajo la arena
(Sous le sable)" del director francés François Ozon).
ACID 7 - "ACID 7" (2001)
Por Javier García Ferrer
Acaba de caer en mis manos la demo presentación de esta joven
banda de L.A, a priori y observando su aspecto en las fotografías
que acompañan a éste, se podría intuir una inclinación
cercana a los parámetros de las bandas de nu-metal que proliferan
en demasía en estos últimos tiempos. Una vez escuchado los
tres temas que componen el Cd, esta idea se aleja de inmediato, y cualquier
resquicio de duda desaparece, este trío compuesto por Alan Wolstrup,
que se encarga de las voces y las guitarras; Tarvo Valm, en el bajo y coros
y Casper a la batería, nos ofrecen un Hard-Rock de denotado regustillo
clásico y marcado acento melódico, que se aproxima desde
una perspectiva ampliamente moderna, y de todos modos mucho más
modesta, a Cheap Trick o el Bowie clásico, es decir, ese rock, profundamente
influenciado por las cadencias pop de iconos como The Beatles. En el caso
de Acid 7 esto se acentúa mas si cabe, por la producción
del antaño controvertido ex Guns N´Roses y actual reconocido
productor, Gilby Clarke, que imprime a los temas de esa sonoridad propia
del rock más melódico pero sin perder un ápice de
contundencia, en la línea habitual de sus trabajos en solitario.
De los temas aquí incluidos "Something´s Wrong", "All Worth
While" y "Super Queen", es este último el que podría provocar
el salto hacia status mas elevados, si bien es cierto que es difícil
prejuzgar la calidad de una banda únicamente a la vista de tres
temas. www.acid7.com
BITTER SPRINGS "Stop The World" Acuarela Discos. Nueva
propuesta del sello madrileño Acuarela, Bitter Springs es una divertida
banda de pop que tiene mucho en común con Gorky´s Zigotis
Mynci y toda esa corriente de pop folklorista surgida en Escocia, Gales
y demás regiones británicas. "Stop The World", el ep de debut,
es una obra irregular (como todo ep) que contiene una optimista y emotiva
canción (la que le da título) así como un completo
esquema de los recursos estilísticos de los norteños. Melancólicos
pero no tristes, festivos pero en absoluto frívolos, los británicos
se divierten con sus canciones, a las que dotan de estribillos concisos,
atrevidos, suenan a Kinks y a el pop festivo sajón (el pop de "la,la,la"
de la estupenda "Tip The Balance" ) aunque, sorprendentemente el mejor
tema del ep sea esa especie de recreación amarga de ciertos sonidos
de los ochenta, "Die Hardest" donde Bitter Springs suenan más new
wave, más punk, más ruidosos, y a pesar de todo con más
personalidad. Habrá que seguirles la pista. Fernando Navarro
(IndyRock)
SOBREIMAGEN. El nuevo paisaje del pop
por J. E. Gómez (IndyRock)
 "El
paisaje ha cambiado" CD. Testing Ground 2000
info@testinground.com
Una nueva apuesta del sello Testing Ground que aporta otras atmósferas
al pop ibérico. Sobreimagen es un grupo formado por Perdi (voz y
guitarras); Yeray (batería); Richard (guitarras); Marcos (Bajo);
Agustín (teclados). Se han decantado por un pop intimista en el
que prima la sencillez y la instrumentación. Logran crear atmósferas
etereas y entradas a mundos paralelos en los que dominan los sintetizadores
y las guitarras. El tema que da título al álbum "El paisaje
ha cambiado" muestra ritmos cadenciosos, sintonías espaciales, ondas
de radio, samplers. Un tema que puede ser presentado en un gran escenario
festivalero o en la intimidad de una sala de Child Out. En esta linea,"Rosado",
melodías replicantes en si mismas, recuerdos del rock sinfónico
e inmersiones en la electrónica. La tendencia actual del pop-rock
a marcar ritmos siempre al crescendo se muestra clara y contundente en
"Isla Diablo". Destacan las voces distorsionadas y el juego de guitarras,
sencillas, en segundo plano, suaves pero incansables. "Sigo esperando"
es el último track de un disco que tiene dos partes bien definidas.
Es el tema perfecto para cerrar una segunda parte donde domina la electrónica
y los ritmos envolventes, intimistas que ha creado Sobreimagen. Los primeros
cuatro primeros temas "Pop", "B", "First" y "3" son un paseo por el pop
más clásico con recuerdos a los sesenta. Un disco que supone
un nuevo paisaje para el pop.
 I
Found God (Outcast Entertainment - 2000)
Por Javier García Ferrer
I Found God son una banda de L.A que tiene sus orígenes en 1993,
en plena efervescencia de las distintas bandas que se aglutinaron bajo
el apelativo "grunge" y que se extendieron por todo el territorio americano
siempre a rebufo de los dictámenes de Seattle. I Found God son ambiciosos,
se autodefinen como la banda que surgiría de la unión de
una Janis Joplin en estado de gracia predicando desde el altar de Soundgarden,
con Smashing Pumpkins a los coros; obviamente van demasiado lejos con esa
afirmación. La banda dice estar influenciada desde clásicos,
tan distintos entre si, como Led Zeppelin, Black Sabbath, Motorhead o Janis
Joplin, a contemporáneos como los anteriormente mencionados, Soundgarden
o Smashing Pumpkins. En mi opinión se acercan más a los parámetros
de los últimos, dejando aparte la crudeza de los Soundgarden y abrazando
entusiastamente el binomio guitarras - melodía de la banda de Billy
Corgan, todo ello aderezado, con el punto fuerte de esta banda, la fuerza
vocal de Christy, su cantante (de ahí la conexión con Janis
Joplin, supongo, aunque sus voces no se asemejan). Tras varias escuchas
del Cd, me recuerdan en demasía a Stone Temple Pilots y Candlebox,
en cuanto a las atmósferas creadas, como en los temas"Drive" o "Cannot
Stop The Feeling" y a los Pumpkins, por ese sentido de la melodía
tan característica, destacable en temas como "Never Come Down" y
"Struggle". Un dato encomiable de la banda, es su filosofía del
"Do It Yourself", que los emparienta con otros artistas, de los que estilísticamente
no tienen nada que ver como Fugazi o Ani DiFranco, pero de los que comparten
su espíritu independiente, editándose sus propios trabajos
ajenos a la industria. Ahora que el grunge es un movimiento disoluto, encabezado
por los exitosos y a la vez nada recomendables, Creed; I Found God, sin
llegar ni de lejos a los grandes momentos que nos deparó el género
en los 90, al menos aportan algo importante en los tiempos que corren,
sinceridad.
 The
Bullys "RumbleFist" (Twenty Stone Blatt - 2000)
Por Javier García Ferrer
Con una banda que tiene en canciones como "Pop Is For Fags" (El Pop
Es Para Maricas) su filosofía, muy poco cabe decir. The Bullys son
una maquinaria punk-rock , que dice estar influida desde leyendas del género
como Misfits, Ramones, Dictators o los más contemporáneos,
Electric Frankenstein, a bandas como Kiss o NY Dolls, lo que se observa
tras la escucha del CD es que se enmarcan en la más pura tradición
del punk-rock surgido de las cloacas más infestas de NY. Las señas
de identidad de la banda, son por una parte, un vocalista reminiscente
discípulo de grandes como Joey Ramone o Stiv Bators, que va escupiendo
sus consignas en cada tema, y una música, basada en el NYC Trash
Punk, inspirada de pleno por el espíritu L.A.M.F de Johnny Thunders
and The Heartbreakers, ya sabes todo eso del Born To Lose...... RumbleFist
es el desembarco de la banda en Europa, compartiendo sello con Texas Terri
and The Stiff Ones o Iron Boss, y es un compendio de sus anteriores trabajos,
muchos de los temas están producidos por Marky Ramone, que en mi
opinión son los más destacables, sobretodo el que abre el
trabajo "Egomaniac" o "I´m a Boy", sin obviar otros, que producen
ellos mismos, como "I Wanna Be Famous"., que resumen las señas de
identidad de la banda. Ahora que el punk-rock parece ser cosa de imberbes
niñatos, que solo ven a través de los ojos de basura comercial
como Blink 182, cuya principal característica es su inofensividad,
¿Acaso el Punk-Rock no debe ser peligroso?, pues aquí tienes
a The Bullys, ellos no cambiarán el curso de la historia de la música,
de hecho tampoco lo pretenden, tampoco aportan nada nuevo para hacerlo,
solo te escupirán sus ideas en tu cara, importándoles un
carajo que te gusten o no.
Izzy Stradlin´ "River" (Sanctuary - 2001)
Por Javier García Ferrer
Es difícil criticar el nuevo disco de un artista del que eres fan
incondicional, porque aunque te presentaran ante ti un enorme montón
de basura, siempre tratarías de ver algún aspecto positivo,
obviamente esto no ocurre con Izzy, porque sabes que siempre te obsequiara
con un buen pedazo de rock americano de corte clásico. Este es el
cuarto Lp tras su huida de Guns N´Roses, a los que dejó cojos,
y que visto lo visto, sin sus composiciones, no han vuelto a levantar cabeza,
de hecho no han vuelto a publicar material propio, y son ya un proyecto
personal de su front-man Axl. En esta ocasión, y junto a sus incondicionales,
Rick Richards y Taz Bentley, le acompañan su antiguo compañero,
Duff McKagan, y una leyenda viviente, Ian McLagan a los teclados. Izzy
nos presenta diez composiciones, de las que solo son prescindibles, los
dos reggae, no por su incursión en este género, que ya lo
ha hecho en otras ocasiones, sino por la baja calidad de las composiciones.
Son pues ocho cortes de rock de raíces, basados en la larga tradición
estadounidense, y que nos traen a la cabeza múltiples referentes,
y de las que destacaría la que abre el Lp "Jumpin Now", y de la
homónima "River", si bien no están a la altura compositiva
de los dioses del género (Petty, Earle, Williams), ni tampoco a
la altura de anteriores obras (con su primer álbum toco el cielo),
es muy gratificante ver que Izzy sigue en este negocio bajo el único
impulso de su integridad
Riff Randells
"Who Says Girls Can´t Rock" (Mint Records Inc. - 2001)
 Por
Javier
García Ferrer
A la espera de su primer larga duración, aquí tenemos el
nuevo 7" de estas tres bellezas canadienses, de las que nos hubiéramos
enamorado en nuestros tiempos de instituto. Si lo de Black Halos y Plasmablast,
es ya un hecho incuestionable; salvando las distancias estilísticas,
lo de Riff Randells es potencial, es decir, en este 7" muestran lo que
pueden llegar a ser si siguen trabajando en esta línea. Ellas practican
un punk-rock guarro y garagero, de marcado acento melódico, al amparo
incuestionable de la sombra de los Ramones, y aderezado a partes iguales
de las enseñanzas de The Go Go´s y The Runaways; con mucha
distorsión y fuzz en las guitarras. Aquí presentan una enorme
versión de las antaño estrellas canadienses de los 70´s,
B-Girls, "Who says Girls Can´t Rock", una canción con alma
de éxito, y que ya les gustaría haber incluido a The Donnas
en alguno de sus Lp´s, y dos temas propios que son equiparables a
la versión...... Temas cortos y directos, melodía y diversión,
así son Riff Randells, la mejor solución para combatir el
aburrimiento.
 Plasma
Blast "Smashed Hits" (Fading Ways Music - 2001)
Por Javier García Ferrer
Ahora que los Black Halos han arrasado la península con su derroche
de energía escénica, el lejano Canadá nos depara aún
más agradables sorpresas, parece ser que son capaces de exportar
mucho más que la amarga y decadente comercialidad de Bryan Adams
o Alanis Morisette; o viejas glorias como Rush o Triumph. Ejemplo de ello
es el último trabajo de Plasmablast. Con una imagen mucho más
glamurosa que la de los Halos y una música igual de efectiva, se
acercan a los parámetros marcados por bandas de la explosión
escandinava como Backyard Babies o Hardcore Superstars. Sería injusto
pensar que ésta es una de esas bandas que se apuntan a la última
moda de manera oportunista, pues tras este proyecto se encuentra Steve
Scarlet, guitarra de The Sinisters, legítimos herederos y continuadores
del legado Stooges, desde hace ya unos años. En este nuevo proyecto,
que comenzó como un dúo acústico entre el mismo y
Marcus Ireland a las voces, se decanta por un glam-punk festivo, de grandes
estribillos, con auténticos bombazos (y futuros hits), como "Cigarettes"
o "Kola", con un marcado acento melódico, pero sin perder un ápice
de energía. Siendo muy exigentes, el único defecto es que
se puede echar en falta una producción más potente, que dote
de aún más energía la ejecución de los temas.
Ya sabéis, esta banda reúne tres requisitos: Imagen, actitud
y grandes canciones, suficientes para que les prestéis atención
o no?. www.plasmablast.com
PINK FLAMINGOS
"Nice Boys don't play Rock & Roll" Cd
Wild Punk Records
 15
temas de rabioso Punk grabado en los Pig estudios de Javi PPM, que ha realizado
la producción y las mezclas. Pink Flamingos ha contado con la coalboración
de Pablo Román (Sugarfish - Cecilia Ann), Edu CErvera y Javi PPM
y el apoyo incondicional de Novi PPM.
Puedes conseguirlo en WPR. www.wildpunkrecords.com
 REDSHIFT
"SHADOWLESS CITIZEN" Musicalmente aquí tienes otra buena ración
de canciones rápidas, voces desgarradas y ritmos para saltar y pasártelo
bomba. En esta ocasión, y por primera vez en su vida, han escrito
un tema en castellano que lleva por título "Lágrimas". También
es digna de mención la colaboración de Daniel terry (bateria
de Like Peter At Home) como cantante en la canción "Mistaken". Sin
olvidar la pista de cd-rom con una elaborada programación que incluye
un tema en video, traducciones de las letras.
MP3 de "So Be It" haciendo click aqui http://www.soulforce-records.com/download/redshift3.mp3
ARKADIN, EXPERIMENTOS TECHNO EN VIVO
 Despues
de su trabajo con "Victor Sierra", Bob Eisentein vuelve con un nuevo espectáculo
electro-techno musical especialmente diseñado para actuaciones en
vivo. Bob Eisentenin (Victor Sierra) ha participado recientemente en numerosos
gigs, entre ellos la Féte de la musique, Techno parade, MTV jingles...
Este es el segundo trabajo como Artkadin, grabado hace sólo unos
días. Mix en directo con computadoras, fáciles de organizar
en un escenario, con menos problemas de traslados y viajes de sala en sala.
ARKADIN es una nueva apuesta por el Techno en vivo directamente desde París.
Contacto: Arkadin - Bob Esentein. (33) 1 48 89 14 01 Mobile:
(33)6 09 80 61 51
vsierra@wanadoo.fr
http://www.victorsierra.org
Wilma "A Piece Of Work"
(Circling Buzzard Records - 1999)
Por Javier García Ferrer
La historia de esta banda comienza en Dallas (Texas), cuando Wilma (Amy
Marshall) comienza a colaborar con Johnny Marshall, después de llevar
ya tiempo en la música desde los tiempos del instituto, formando
en 1993 su primera banda "Butch", con la que ganaron un concurso de bandas
y llegando a colar un tema en la BSO de un film.......pero lo bueno aun
tenía que llegar, y para prosperar en su carrera musical se mudan
a NY, en el verano de 1995, allí se hacen un nombre como buena banda
de directo, tocando en los clubes más importantes de la ciudad,
como CBGB, Don Hill´s o The Continental, grabando poco después
su primera demo, aclamada por la crítica de la ciudad, y llegan
entonces los primeros contactos con las majors, para ver quien se queda
con la nueva promesa de la ciudad, pero la banda decide crear su propio
sello y lanza en 1999, el cd que acaba de llegar a mis manos, "A Piece
of Work", escuchando este cd sólo te viene a la cabeza una idea,
como es posible que Wilma no estén vendiendo millones de discos
en todo el mundo, y emitiendo sus videos constantemente por la Mtv, porque
este LP tiene muy poco que envidiar a trabajos que si lo han logrado como
los últimos de Goo Goo Dolls o Dave Mathews Band......Wilma facturan
un rock totalmente accesible para las radio station, de marcado acento
pop, con un toque muy funky en el bajo, pero con algo muy especial que
le da personalidad propia, que son sus canciones, temas como "Bad Boy Disease"
o "Make It Worth It"............todo ello desarrollado perfectamente por
la bonita voz de Wilma y su bajo, las rock guitars de Johnny, y el perfecto
ritmo de Paul Lobel en la batería. Destacar sobretodo el magnífico
tratamiento de los bajos por Wilma, que le ha valido aparecer en el Bass
Player Magazine, y que sin lugar a dudas es de los mejores bajos funky
que he oído, desde los lejanos tiempos de Bootsy Collins y si no
escuchad "Out Come The Knives" y opinad vosotros mismos. Si queréis
conseguir el cd, visitad la web oficial de la banda: www.wilmaband.com
Dogs Of Lust "Dogs Of Lust" (2000)
Por Javier García Ferrer
 El
Reverendo Butch DeLuxe, y sus chicos demuestran que el high energy R´n´R
no sólo es cosa de Escandinavia, sino que en Alemania también
se puede ofrecer un buen producto. Los Dogs son una banda que donde mejor
han mostrado su valía es sobre los escenarios teloneando a Electric
Frankenstein y Adam West con gran éxito, en este Cd de 5 temas autoproducidos
nos encontramos con el germen de su música, punk´n´roll
de altos octanos, con unas canciones y una actitud que tiran de todos los
tópicos del rock en cuanto a composición y letras, y no muestran
ninguna vergüenza por ello, al contrario, se sienten orgullos de afirmar
que su música simplemente es R´n´R más sucio
que las bragas de tu madre!!, reivindicando no sólo a los grandes
del punk, del rock´n´roll , sino también a otras estrellas
más mainstream, como Mötley Crüe, de los que tienen pensado
versionear "Dr.Feelgood" en su próximo LP. Estas canciones con una
buena producción, de la que aquí carecen al ser una grabación
un tanto casera, pueden llegar a ser muy grandes, en estas demos demuestran
un gran potencial, grandes estribillos, potentes riffs, y sobretodo una
gran diversión, destacando la primera canción "Broken Spine",
y la tercera "Rule The Roost", donde cantan orgullosos y convencidos su
filosofía "R´n´R Superstars, Fuck Forever". En sus más
inmediatos proyectos está aparecer en uno de los volúmenes
de la recopilación "A Fistful of R´n´R" de Sal de Electric
Frankenstein, y compartir 7" con Adam West en un sello español,
por lo tanto ésta puede ser una más de las bandas que se
suban al carro de este gran número de bandas que está arrasando
Europa.....y que se sigan uniendo muchas bandas más! (www.dogsoflust.de)
FREE SERENA, vientos gallegos
"Mateo is haircut" Ernie Records ernierecords@mixmail.com Tf:659928488
Por J. E. Gómez - IndyRock
Han sido considerados como el nuevo exponente del rock "made in Galicia",
Free Serena, acaba de lanzar un Ep en el que muestran cinco temas cargados
de sonidos de calidad que recuerdan a los mejores momentos del pop europeo,
sonidos cercanos a las reiteraciones del pop rock belga de grupos como
Deus, pero con cadencias enraizadas en el pop-rock made in Galicía.
"Nice Place", el primer tema del disco, plantea ritmos contundentes, con
guitarras rasgadas en a lejanía. La voz de José Vigueira
se adentra en sensaciones perfectamente compactadas con la guitarras y
los crescendos ritmicos. Este tema, como el resto de los que forman el
EP, crece con las escuchas. Distorsiones, acoples sin pérdidas de
melodía ("December"). Free Serena se adelanta a las tendencias del
pop-rock español de los últimos tiempos. Va más allá
con canciones cargadas de sensibilidad ("Bye"), un tema en el que está
presente la guitarra de Paco Loco, que además es el responsable
de la grabación y las mezclas. La banda está formada por
José Vigueira (voz y guitarra); Alejandro Enriquez (guitarra); Javier
Enriquez (batería); Alfonso romero (bajo).
The Lazerwolfs "Gothic" (2001)
Por Javier García Ferrer.
El metal hoy en día, es un género un tanto denostado, si
bien disfrutó de momentos de gloria que todos conocemos, con bandas
como Judas Priest o Dio, ha tenido que soportar auténticas lacras
que han echado por el suelo toda la credibilidad del estilo, en los 80´s
fueron las malditas hair bands, mas preocupadas por su laca que en su música,
y en la actualidad, las morrallas heavy épico alemanas, o el rap-metal.
Pues bien, The Lazerwolfs devuelven al heavy metal toda su grandeza en
forma de extraordinarias canciones, podemos dar gracias a Chris La Tray
y sus 2 secuaces, que desde la profunda América rural (Missoula,
MT), han parido unos temas, bendecidos por el espíritu de Rob Halford,
y que ya desearían los fans de Metallica para sí. La banda
deambula por la fina línea que separa el metal del punk, practicando
un heavy-rock, influenciado por los ya clásicos del genero como
Iron Maiden, Judas Priest, Black Sabbath o Van Halen, los mencionados Metallica
o Fu Manchu, pero también por bandas de punk como Misfits o Ramones,
aunque en mi opinión, la influencia del punk es mas bien en el fondo
que en la forma, en el sentido, del sentimiento, en el groove del que quieren
impregnar las canciones. Por tanto en "Gothic", nos encontramos con todo
un conjunto de pesados riffs y también con unas letras interesantes,
que hacen que estas 8 canciones, sean un resultado que habla por sí
solo. A destacar la canción que abre el CD "Bonfire" y la que lo
cierra "Ride" destinadas a convertirse en clásicos himnos de esta
banda. Estamos pues pendientes de conocer mas información acerca
de este power-trio , que tienen previsto sacar un nuevo 7" compartido con
otra banda de un momento a otro. Y ya por ultimo que, el título
del CD no os lleve a confusión, no hay ni una pizca de influencia
gótica en este álbum, simplemente es una broma entorno al
tema "Gothic Girl" y la chica que ilustra la portada. Puedes consultar
mas información sobre la banda y conseguir este CD en la pagina
oficial de la banda: http://www.lazerwolfs.com
Vasquez "Two Songs" (2000)
Por Javier García Ferrer
Nos encontramos ante las nuevas grabaciones de un hombre mítico
dentro de la escena punk-rock de NY, estoy hablando de Ricky Bacchus, ex-guitarra
de los genuinos e inolvidables D Generation, y compositor, en mi opinión
de los mejores temas de esta banda. Junto a R. Bacchus, quien se ocupa
de las voces y la guitarra, conforman la banda, el histórico Sami
Yaffa (Hanoi Rocks, Jetboy, Demolition 23) en el bajo, y Eric Kuby en la
batería. Este cd, sabe a muy poco porque solo nos encontramos con
dos canciones tituladas "Long Lost Debbie" y "How You Gonna´ Ball",
estos temas difieren mucho del estilo que muchos de sus fans esperarían
escuchar, aquí predominan los medios tiempos, en unas baladas de
las que se respira una melancolía y una soledad que llega a emocionar...,
son canciones con una gran clase. Sin duda alguna es algo mucho más
tranquilo, nada que ver con las auténticas bombas de relojería
punk de D Generation. Es agradable ver que Bacchus esta vivo después
de su etapa en D Generation, involucrado, no solo en este proyecto, si
no también en Mad Juana, banda de Sami, y también girando
en USA con Murphy´s Law (ex-banda de su substituto en D Generation,
Todd Youth). A la espera de un álbum en directo, que si bien ya
debe estar grabado, pero aun no ha llegado a mis manos, estas dos canciones
han sido un buen aperitivo, para ir abriendo boca... Este cd se puede conseguir
a través de su web oficial: http://vasqueznyc.homepage.com/
Hellride
"Making Out With Fire" (White Jazz-2000)
Por Javier García Ferrer
Las expectativas estaban muy altas tras la bomba que supuso en nuestras
caras, el E.P "Troublemaker", esas 6 canciones eran auténticas gemas
directamente influenciadas por Motorhead y AC/DC, por citar las influencias
más obvias, sus textos hablaban del infierno, de las chicas, del
alcohol, joder!, en definitiva del R´n´R.....qué nos
encontramos ahora en este nuevo cd producido por el aclamado Tomas Skogsberg
(productor de Hellacopters & Backyard Babies) junto a la misma banda,
y grabado en los prestigiosos estudios Sunlight de Estocolmo; pues con
una auténtica colección de joyas. El disco fue grabado con
la misma formación que el anterior con excepción del bajista
Alex Action, en esta ocasión Zugly se encarga del bajo, Pete Vegem
la guitarra y las voces, y Tex Burguer, la batería. Todo apunta
pues a que Hellride se conviertan en la nueva banda bandera de White Jazz,
tras el abandono de Hellacopters hacia una multinacional; pero puede que
muchos de sus fans se sientan decepcionados con la reorientación
en el sonido de la banda, hacia terrenos más melódicos, con
unas letras que han aparcado las temáticas anteriores, donde un
Pete Vegem (antes Pete Evil) escribe sobre el amor, sobre su querida y
añorada hija......¿Significa eso algo malo? Al menos para
mi no; las canciones son cojonudas, con estribillos que se te clavan en
el cerebro y que no puedes parar de repetir, hay muy buenos riffs.. ejemplos
de ello podrían ser cada una de los 10 que contiene el cd, me es
difícil citar alguna en concreto, pero podríamos destacar
"Sugar Cane", "I Got It Made", "Bullet From Bullet Gun" o "Tonight Can´t
Come Too Soon"...En definitiva se trata de un grupo en evolución,
que ha dejado en parte (sólo en parte) su pasado, para adentrarse
en terrenos no experimentados antes, pero el resultado ha sido más
que aceptable, con canciones que son mas que buenas; ya que lo que realmente
importa son las canciones!. La actualidad de Hellride es la siguiente,
después de la grabación del cd, abandonan la nave Zugly y
Tex, y Pete se enfrenta a esta nueva situación reclutando a tres
jóvenes promesas; habrá que ver que nos depara el futuro...............seguro
que no nos defraudan.
THE BOP PILLS
"Devil Girl From Mars" Hayride Records
 Desde
el '97, año de formación del trío, llevan avisándonos
de una posible invasión alienígena. Tras su primera señal
de advertencia, con un EP en vinilo, ahora plasman en este su primer CD
distintos mensajes para hacer frente a esta amenaza. Son 14 temas más
bonus track sorpresa donde Jorge y Dany Nunes (miembros por excelencia
del trío psycho Brioles) y Mario Cobo (Duckbills, Dasurfones y ahora
Nu Niles) nos hablan de sus neuras, traumas amorosos y sueños de
riqueza. Cuentan su atracción por una chica con una inmensa boca
"Big Mouth'd Baby"; con la esencia del Fever del Elvis babean pidiéndole
a su nena que arda con ellos "Burn Baby Burn"; buscan un lugar donde estar
"A Place To Stay" o rememoran ese viejo film de los '50 de Ed Wood "Plan
9 From Outer Space" (Jorge pasa a la guitarra solista y Mario se agarra
al micro), recordándonos que están aquí para salvarnos
de los hombrecillos verdes. Sólo algunas versiones reconocidas "I'll
Never Let You Go", firmada por Love Brothers, y "Never Felt Like This"
de Jack Scott, esta última magníficamente tratada y para
mí uno de los mejores temas del CD. No puedo dejar en el tintero
el instrumental compuesto por Mr. Cobo donde su Grestch escupe y escupe
notas con una creatividad increíble. En resumen el disco está
de cojones. La mayoría de los temas firmados por Jorge Nunes que
berrea con un especial y original, todo hay que decirlo, feelin', propio
de solistas de colecciones como Sin Alley. Mario hace chorrear rockin'
a raudales de su máquina naranja y Dany no tiene nada que envidiar
a Kevin Smith (contrabajo de High Noon). Asi que, Raw Rockabilly desde
Barcelona como única forma de salvar el planeta, editado por Hayride
Records, una novel discográfica con muy buena vista, por lo que
vemos, para cazar talentos. Conclusión: ¡¡ Pilladlo
!!
Danny Santana Las Palmas de Gran Canaria, España. (cedido por Rockabilly
Rules, Ok!!! www.rockabillyrules.com)
Discografía: 45 EP, "The Bop Pills", KCD Records (4 canciones)
CD, "Plan 9 From Outer Space", Hayride Records (14 + 1 canciones)
THE BOP PILLS C/ Castellbisbal nº 53 08035 Barcelona, Spain
Tlf: 00 34 93 429 93 18 Fax: 00 34 93 451 54 38 e-mail: bop_pills@yahoo.com
Hayride records ó Hayride Music Av. diagonal 311 Esc A 2º3ª
08013 Barcelona tf/fax: +34 932080042 Movil:+34 696399930
KCD Records P.O. Box 37093 08080 Barcelona, Spain Fax: 00 34
93 208 00 42 e-mail: kcd_rec@yahoo.com
FATAL PORTRAIT, el baile de los diablos
"An Elusive Instinct of lascivia". Cd. Downfall Record.
 En
este trabajo de los santanderinos Fatal Portrait, verdaderos gurus
y sacerdotes del Black Metal, los diablos han salido del infierno, cabalgan
entre los muros de las iglesias sin respetar sepulcros, cruces y santuarios.
Los guerreros de las tinieblas han desatado su furia. Se dejan llevar por
sus instintos más primitivos, la lascivia. 9 temas cargados de rapidísimas
guitarras distorsionadas y percusiones casi épicas. Sonidos progresivos
y sucios. Voces de ultratumba con un timbre de esquizofrenia que trasmiten
sensaciones de intranquilidad, de miedo, de prevención ante el otro
lado de la luz. "An Elusive Instinct of lascivia" está publicado
por el sello sueco Downfall Record.
Fatal Portrait esta formado por: Sergio (batería), Oscar
(voz), Alfonso (guitarras), Fernando (guitarras) y Roberto (Bajo).
Contacto: Downfall Records: PO. BOX 12009, SE-402 41 GOTEBORG, SWEDEN
Fx, tf:+46(0)31 246662
web oficial: http://go.to/fatalportrait
CAD, Death Core desde Eslovakia
"Deadnation" Cd. Downfall Record.
 El
primer álbún de los eslovakos CAD, "Deadnation" muestra el
alto nivel del Core en el norte y el este de Europa. 23 temas que ellos
mismos califican como "brutal grind death core". Publicado por la discográfica
sueca Downfall Records, es la consecuencia de cinco años de trabajo
de la banda de Pisto Wilson (guitarra y voz) Jaroslav Kosticka (batería)
y Basia Noiseovna (bajo), incorporada en 1998. Un grupo fundado en 1994
pero que no comienzan a dar sus primeros conciertos hasta el verano del
95. Grabaron a principios del año 2000 su primer album que ahora
está teniendo una magnifica aceptación en los espacios europeos
dedicados al Metal más fuerte y abusivo. Destaca una salvaje y oscura
versión de "American Woman" bajo el titulo de "Hamburger Woman".
Sonidos extraídos del centro del infierno. Fuego, sangre y muerte
por doquier ("Solitude"). Cad recurre a melodías tradicionales,
incluidos los sonidos jamaicanos, para después, construir un ska
cargado de trallazos eléctricos y gritos de terror (I'm Bad).
Contacto: Downfall Records: PO. BOX 12009, SE-402 41 GOTEBORG, SWEDEN
Fx, tf:+46(0)31 246662
KOMA, LLEGA EL BULLDOZER
Por J. E. Gomez (IndyRock)
Aderezado con sonidos de los denominados de nuevas tendencias, sampleados
y mezclas arriesgadas, los miembros de KOMA se convierten en la imagen
de un bulldozer que arasa lo que toca, que aplasta hasta la muerte. Con
su albúm "criminal", la banda deBrigi Duque, Natxo Zabala, Rafa
Redin y Juan Carlos Aizpun, han tomado una posición dificil en el
mundo del Hard Rock. Han sabido mezclar los sonidos del R&R clásico
con guitarras progresivas y sonidos modernistas. Letras reivindicativas,
frontalmente luchadoras. Koma se adapta a cualquier reto, siempre que haya
fuerza en las distrosiones y contundencia en la percusión. La voz
de Brigi se hace profunda y parece proceder de lo más fondo del
abismo, especialmente en Jack Queen Jack. KOMA, una banda para levantar
al publico mas aburrido.
 EASY
RIDERS, EVOLUCION DIABOLICA
Por J. E. Gomez (IndyRock)
Está claro que las guitarras progresivas siguen siendo la clave
fundamental del buen Metal. Easy Riders llevan al heavy a un punto de evolución,
cercana a lo diabólico, que hace honor a título de su nuevo
trabajo "Evilution", un recorrido por los sonidos más descarados
de la escena metalera pero que se cortan, sin temor alguno, para dejar
paso a preciosas baladas acústicas como "Crowns of Gold" un mar
de tranquilidad que será explosionada por la distorsión clásica
de las guitarras de un tema como Hiking Mars, rock progresivo cargado de
raíces. La banda, con su tercer disco ha consolidado posiciones.
Su directo promete ser atronador y cargado de momentos de exaltación
cósmica y narraciones legendarias. Hay quienes les consideran un
diamente en bruto, pero con este trabajo, la gema tiene ya aristas perfectamente
talladas.
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